MIRANDO AL SOL
POR: Dalia De León Adams
Tal vez un poco acorde con el festejo del Día del padre, la obra teatral se presenta justo hoy 19 de junio 2022, abordando una temática en donde un hijo junto a su padre, compartirán el duelo de la voluntaria partida de éste último, en este mundo.
-Decía George Bernard Shaw que no hay dos personajes más enigmáticos y fascinantes que un padre y un hijo. ¿Y qué pasa cuando el padre ha tomado una decisión drástica, ruda e incluso violenta? Eso es lo que explora Christian Magaloni en su texto MIRANDO AL SOL. Existe una verdad indecible entre ellos, un dolor difícil de encarar y atravesar que, súbitamente, se debe atender a manera de despedida.
Un padre y un hijo que en un acto de amor total enfrentarán juntos sus miedos, fracasos y virtudes entre whisky y chocolate.-
Así se expresó la Compañía creativa con respecto a la Sinopsis de la puesta en escena MIRANDO AL SOL. Dramaturgia escrita por Cristian Magaloni, cuyo reparto estelar esta compuesto por dos grandes actores, es decir el maestro Juan Carlos Barreto, junto con el joven actor Roberto Beck, quienes se desgarran en éste drama.
Drama que aborda una temática cruenta, la cual ventila el dolor de la despedida de un padre solitario, considerado socialmente como un hombre bohemio, quien se despide de su hijo, un joven altamente espiritual y religioso, quien profesa como lama, en una congregación.
Dos seres diferentes que han enfrentado la muerte de una mujer, hija de uno, en tanto que hermana del otro personaje protagónico, quien muriera tiempo atrás de manera trágica en un accidente vehicular. Personajes que la vida volverá a reunir, ante la drástica decisión del padre por enfrentar el momento de la eutanasia programada por él mismo.
El dramaturgo de éste drama es, como a-priori he mencionado Cristian Magaloni. Escritor, ensayista, columnista, analista, político y abogado. Cristian Magaloni con ésta su última creación, compromete su pluma para darle voz mediante un dialogo interesante y muy bien estructurado, a los dos personajes protagónicos quienes juntos expresan sus frustraciones, diferencias y puntos de vista adversos, justo en el ocaso de la vida del personaje maduro.
Todo sucede dentro de las cuatro paredes del cuarto de un hospital, en donde un whisky, chocolate y un efusivo abrazo formarán parte del adiós, en donde los recuerdos y resentimientos limarán asperezas.
Cristian Magaloni, un hombre de letras exitoso, quien ha sido homenajeado por su labor, escritor de libros como La corte del Zar, Medico de cuerpos y almas, La hermosa poesía involuntaria, o Atrévete a no gustar.
MIRANDO AL SOL es la última de sus obras la cual por cierto está iniciando temporada de funciones en El Teatro La Capilla, en donde se presenta en días sábados y domingos a las 18:00 horas, con clasificación para jóvenes y adultos.
LA NOCHE EN QUE LEGAN DESPERTÓ
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Lectura dramatizada de la obra teatral original del escritor canadiense Michel Marc Bouchard, que fue presentada en La Sala Salvador Novo, el día de ayer sábado 18 de junio 2022, bajo la traducción al español y la dirección artística del francés nacionalizado mexicano Boris Shöemann.
Michel Marc Bouchard (Alma, Canadá 1958) ha sido galardonado con el “Prix Journal” (Premio periodístico) de Montreal y por el “Prix du Circle des Critiques de l’Outaouais” (Premio del Circulo de los Criticos de l’Outaouais), el Premio Dora Mavor Moore, por la mejor dramaturgia nueva y el Premio canadiense Floyd S.Además cuenta con películas como Lilies, The Orphan Muses, Tom en la granja, Reina Cristiana o Les grandes chaleurs.
En el reparto estelar de la lectura dramatizada de LA NOCHE EN QUE LEGAN DESPERTÓ aparecen los actores Olivia Lagunas, Mahalat Sánchez, rebeca Roa, Alejandro Morales, David Barrera y Pavel Akindag, todos ellos mostrando tener gran madera de actores en sus lecturas dramatizadas, las cuales leyeron haciendo gran énfasis en la entonación de voces, acorde con la emotividad marcada rítmicamente por la trama.
Obra que se ubica en el genero del drama por su contenido temático, en donde lo inesperado rompe con una serie de acontecimientos que se darán a conocer en una funeraria, tras el suceso fallido de la matriarca de una familia aparentemente singular.
Gira en torno a la relación filial, en donde cuatro hermanos incurrirán en circunstancias inusuales, abriendo el baúl de los recuerdos en torno a LA NOCHE EN QUE LEGAN DESPERTÓ.
Título muy ad-hoc a la dramaturgia pues encierra justamente el núcleo temático, de donde surgieron y continuarán sucediendo hechos adversos que separan definitivamente a la familia cuyos integrantes son Mireya, una exitosísima tonatóloga; el hermano mayor llamado Julián, junto con su esposa Chantal, Martín y el hermano menor .
A manera de Sinopsis la obra, el referente de la obra es en una región de Canadá, en donde una mujer exitosa tras su partida del hogar maternal ha trabajado en los momentos de mortandad de grandes figuras de la historia internacional preparándolos en su último adiós, como el Papa Juan Pablo II (1920-2005, o la Primera Dama de Argentina Eva Perón (1919-1952).
Personaje que se llama Mireya (Mimi) quien decide volver a su pueblo para preparar el cadáver de su recién fallecida madre. Ahí no tan sólo encontrará con sus hermanos, sino también con su pasado enfrentado con la decisión de la herencia legada por su madre.
Le comento qué el día de hoy 19 de junio 2022, se presentará a las 12:30 horas en la misma Sala Salvador Novo, otra lectura dramatizada “El Sapo” del mismo autor canadiense, es decir de Michael Marc Bouchard (con entrada gratuita) concluyendo su estadía en México, con una Conferencia Magistral denominada LAS VOCES DE LA ESCRITURA Teatro.Cine.Ópera.
COLECCIONISTAS DE LO EFÍMERO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Obra teatral puesta en escena en ésta ocasión en el Teatro La Capilla, iniciando temporada el día de hoy sábado 18 de junio. A manera de teatro callejero ya se había representó con dos únicas funciones, en la Explanada de la Fuente del Centro Cultural UNAM los pasados días 4 y 5 de diciembre 2021, también en horario matutino.
Acerca de la obra a manera de resumen se lee en el boletín de prensa al respecto el siguiente párrafo:
-… es protagonizada por una pandilla de animales del tercer mundo que cuestionan la existencia y el valor de los recuerdos.
Los personajes cuestionan la vida tras el suicidio de una de sus amigas y acaban con la casa del Viejo Miserias, será su modo de creación.
Las actrices y actores usan máscaras que encarnan a personajes rotos, quemados o manchados, rapean y bailan al estilo Krump.
Montaje presentado bajo la propuesta escénica del colectivo “El Llamado Teatro”; un grupo entusiasta compuestos por jóvenes estudiantes egresados en el 2016 del Centro Universitario de Teatro (CUT) quien justificaron acerca de su montaje escénico con las siguientes palabras:
“Ante los panoramas desoladores que se yerguen en nuestras narrativas actuales, donde imaginar escenarios distópicos es mucho más cercano que imaginar alguna otra posibilidad, nos convocamos para cuestionar cómo guardamos las cosas, los objetos, los momentos que nos marcan en nuestro paso por la vida y que nos dan sentido en ella.
Defendemos nuestra capacidad por generar sentido ante los momentos terribles de la vida y nos preguntamos, ¿cuáles son las inercias inherentes a la juventud y cómo ésta les corresponde? (La Compañía)
Y es en base a ésta retórica, que surgiera la idea por presentar a manera de dramaturgia, a un grupo pandillero de animales quienes habitan el inframundo en dónde la sonrisa y la risa han dejado de existir. Móvil el cual dará pie a la narrativa e historia que enmarca ésta obra infantil.
Una dientes de sable, un mico, un murciélago, un perro con su gallo, y un alce; mismos animales quienes se cuestionar tras del suicido cometido por un integrante del grupo, sí ¿los momentos que han creído gratos dándole sentido a sus vidas, realmente alguna vez valieron la pena?
Obra fársica teatral, montada en un solo cuadro escénico, prácticamente sin escenografía, la cual tiene como objeto de tramoya una cuerda como recurso de escénico para el desenlace, musicalizada por Andrea y Adriana López Ruiz, escrita estructuralmente para el disfrute de toda la familia.
La temática medular es en torno a la fortaleza del espíritu y valores sociales, los cuales invitan al público a cuestionarse si es qué es posible poderlos recuperar, y con éstos lograr el empoderamiento que lleva implícito, el recuperar la sonrisa perdida por los integrantes de la comunidad.
Forman parte del reparto estelar Marya Sotelo, Vania R. Belmont, Emmanuel Pavia, Alexis Briseño Jaramillo, David Zambrano y Diego Alonso, mismo quienes fungieron como creativos de la obra teatral, estando bajo la dirección artística de Francisco Aurelio Sánchez .
Finalmente le comento qué con la obra COLECCIONISTAS DE LO EFÍMERO concluirá el Ciclo “Cantera Escénica” presentado en El Teatro La Capilla el día 3 de julio 2022, con funciones los sábados y los domingos a las 12:30 horas.
COLECCIONISTAS DE LOS EFÍMERO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Obra teatral puesta en escena en ésta ocasión en el Teatro La Capilla, iniciando temporada el día de hoy sábado 18 de junio. A manera de teatro callejero ya se había representó con dos únicas funciones, en la Explanada de la Fuente del Centro Cultural UNAM los pasados días 4 y 5 de diciembre 2021, también en horario matutino.
Acerca de la obra a manera de resumen se lee en el boletín de prensa al respecto el siguiente párrafo:
-… es protagonizada por una pandilla de animales del tercer mundo que cuestionan la existencia y el valor de los recuerdos.
Los personajes cuestionan la vida tras el suicidio de una de sus amigas y acaban con la casa del Viejo Miserias, será su modo de creación.
Las actrices y actores usan máscaras que encarnan a personajes rotos, quemados o manchados, rapean y bailan al estilo Krump.
Montaje presentado bajo la propuesta escénica del colectivo “El Llamado Teatro”; un grupo entusiasta compuestos por jóvenes estudiantes egresados en el 2016 del Centro Universitario de Teatro (CUT) quien justificaron acerca de su montaje escénico con las siguientes palabras:
“Ante los panoramas desoladores que se yerguen en nuestras narrativas actuales, donde imaginar escenarios distópicos es mucho más cercano que imaginar alguna otra posibilidad, nos convocamos para cuestionar cómo guardamos las cosas, los objetos, los momentos que nos marcan en nuestro paso por la vida y que nos dan sentido en ella.
Defendemos nuestra capacidad por generar sentido ante los momentos terribles de la vida y nos preguntamos, ¿cuáles son las inercias inherentes a la juventud y cómo ésta les corresponde? (La Compañía)
Y es en base a ésta retórica, que surgiera la idea por presentar a manera de dramaturgia, a un grupo pandillero de animales quienes habitan el inframundo en dónde la sonrisa y la risa han dejado de existir. Móvil el cual dará pie a la narrativa e historia que enmarca ésta obra infantil.
Una dientes de sable, un mico, un murciélago, un perro con su gallo, y un alce; mismos animales quienes se cuestionar tras del suicido cometido por un integrante del grupo, sí ¿los momentos que han creído gratos dándole sentido a sus vidas, realmente alguna vez valieron la pena?
Obra fársica teatral, montada en un solo cuadro escénico, prácticamente sin escenografía, la cual tiene como objeto de tramoya una cuerda como recurso de escénico para el desenlace, musicalizada por Andrea y Adriana López Ruiz, escrita estructuralmente para el disfrute de toda la familia.
La temática medular es en torno a la fortaleza del espíritu y valores sociales, los cuales invitan al público a cuestionarse si es qué es posible poderlos recuperar, y con éstos lograr el empoderamiento que lleva implícito, el recuperar la sonrisa perdida por los integrantes de la comunidad.
Forman parte del reparto estelar Marya Sotelo, Vania R. Belmont, Emmanuel Pavia, Alexis Briseño Jaramillo, David Zambrano y Diego Alonso, mismo quienes fungieron como creativos de la obra teatral, estando bajo la dirección artística de Francisco Aurelio Sánchez .
Finalmente le comento qué con la obra COLECCIONISTAS DE LO EFÍMERO concluirá el Ciclo “Cantera Escénica” presentado en El Teatro La Capilla el día 3 de julio 2022, con funciones los sábados y los domingos a las 12:30 horas.
YO TAMBIÉN ME LLAMO HOKUSAI
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia original de José Emilio Hernández que tiene como recurso escénico la metaficción, para hacer con ella uso de la narrativa de manera arbitraria, en el sentido en que cualquiera de los actores de pronto, son quienes en base a algunas escrituras, describen las circunstancias, como los sentimientos y pormenores que forman parte de la trama de ficción en la qué de pronto todos al unísono repiten un mismo diálogo.
Cuatro personajes usan las Voces de narradores, a la vez que encarnan una historia lleno de enredos en cuanto a la temporalidad y remembranzas del pasado que se entrelazan con momentos de frustración.
Por una parte aparece un escritor sin identidad, quien termina a la vez siendo su propio personaje de ficción a través de la escritura. Lo que es claro es el hecho dentro de la historia del amor que siente por María, su novia quien se ha marchado y la cual a la vez, termina tan sólo siendo un personaje en su obra inconclusa.
-María decide irse de México para salvar al mundo. Un escritor joven sin nombre, sin talento, sin oficio no quiere dejar ir al amor de su vida. No sabe cómo retenerla por lo que utiliza la escritura como estrategia ¿de qué manera? Obsesionándose con el grabador más importante del periódico Edo japonés, aunque sin saber qué chingados es eso. Al final su obra, que es ésta obra, nunca termina de escribirse.-
Sinopsis difícil de resumir pero que lo logra perfectamente la compañía creativa que presenta a éste juego escénico, en donde la elocuencia no tiene cabida y en la cual por cierto, nunca aparece Hokusai.
Esto nos recuerda un poco el estilo del icónico escritor irlandés Samuel Beckett (1906-1989) quien con su afamado personaje de Godot (escrito en 1940) en su obra “Esperando a Godot”, su personaje tan sonado dentro de la trama, jamás aparecerá en escena.
En la obra YO TAMBIÉN ME LLAMO HUKUSAI actúan Emilio Cassogoli, Fernanda Bada, Constanza Villanueva y Olinmenkin Sosa Nájera, quienes son parte del apoyo al Proyecto y Co-inversiones Culturales, en la Convocatoria 2021.
Teniendo a cargo como directora escénica a la chilena Laura Margarita, el montaje es presentado en un solo cuadro escenográfico, propuesto por Ana Galán. En éste los mismos actores manipulan y ensamblan algunos de los objetos de utilería, que hacen posible el desarrollo de la trama, así como un telar que hace veces de pantalla.
Todo ello acorde con el vestuario a cargo de Pablo Galán, quien presentan los diseños que portan los actores, también a manera de ensamblaje, muy suigéneris con ésta obra vanguardista.
Por otro lado su directora escénica, la chilena Laura Margarita por cierto “busca planear el problema de la identidad, la memoria como archivo sensible y el montaje escénico como un mecano” según como se expresa en el boletín de prensa, dando con ello una especie de vuelco a la trama de José Emilio Hernández.
YO TAMBIÉN ME LLAMO HOKUSAI es una nueva propuesta escénica conformada por jóvenes entusiastas, que se presenta de jueves a domingos en uno de los foros del Centro Cultural “El Milagro” hasta el día 26 de junio
EL CONVIVIO DEL DIFUNTO.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Pocas veces se puede disfrutar una obra desde su inicio hasta su final con la curiosidad que implica una temática poco común, como es la de iniciar la historia con un muerto que aún se mueve y habla. Trama que además de peculiar, resulta contener un gran contenido de humorismo negro, ante la supuesta propuesta de convivir con el difunto en sus últimos momentos de contacto real y lúcido, en éste mundo.
Acerca de la obra, Martín Zapata, su escritor y director escénico (quien por cierto y dicho sea de paso en el año 2014 fue el ganador del Premio Bellas Artes en Baja California, en la categoría de dramaturgia por su obra camino a Fort Collins) haría la siguiente referencia textual, al respecto a su obra EL CONVIVIO DEL DIFUNTO:
-Trata acerca de un convivio, que transgrede los límites de “ser convivio” y, de un difunto, que transgrede también, los límites de “ser difunto.”
Argumento que se sustenta en torno a una retórica lingüística, sobre el significado y significante de las palabras “convivio” (convivium en latín) y “difunto” (defunctus). Aseveraciones valiosas que nos hablan de la sinopsis de ésta obra teatral.
Sin embargo nosotros como espectadores nos sumergimos tal vez más, en una propuesta paralela que de manera subjetiva plantea ésta trama, y que es, la parte mítica mágica acerca del cuestionamiento que surge en torno a la narrativa.
Ello ante la idea popular de que los seres humanos vivimos una existencia que se agota solamente, ante el cumplimiento de una misión que debemos realizar, para poder entonces morir, y descansar en paz.
EL CONVIVIO DEL DIFUNTO precisamente emerge de ésta inquietud o creencia popular. Obra teatral actuada magistralmente por su actor protagónico, el Señor Arturo Beristain (ganador de un premio Ariel) quien además canta y baila en escena, bajo un soporte coreográfico.
En síntesis, la puesta en escena es un deleite que surge en la ambientación escenográfica de un solo cuadro, tutelado tiempo atrás por el gran arquitecto, Alejandro Luna. Y menciono “tiempo atrás” pues esta comedia farsica ya había sido montada en el Teatro sede del CNT, es decir en el Teatro Héctor Mendoza, en el mes de mayo de 1917.
Dramaturgia y dirección del guerrerense Martín Zapata la cual actualmente se presenta en el Teatro de las Artes por la misma Compañía Nacional de Teatro, cuyo actor protagónico, el Señor Arturo Beristain, quien forma parte del elenco estable junto con sus compañeros en escena, Diana Fidella, Sonia Franco, Mariana Giménez, Erando González , Gastón Melo y Rodrigo Vázquez. Todos también grandes actores, quienes demuestran su gran talento histriónico, matizado por el profesionalismo que caracteriza a la Compañía Nacional de Teatro.
Con respecto a la sinopsis de la trama, la Compañía Difusora a cargo de Ana Gabriela Villasana expone en el comunicado de prensa y en la cartelera teatral la siguiente aseveración:
-Leonor, una refinada aristócrata, pierde a su marido. Bueno, no del todo, pero más o menos. Es decir, Mauricio, su marido, está muerto, pero sigue hablando y moviéndose. ¿Por qué? Nadie lo sabe, pero ante esta situación la “viuda” busca el consuelo de sus dos mejores amigos. Magda, la sirvienta, sirve los primeros jaiboles por orden de Mauricio y así comienza EL CONVIVIO DEL DIFUNTO al cual estamos invitados-.
Finalmente como comentara actor Roberto Sosa con respecto a la dramaturgia de Martín Zapata , para quien el texto compagina humor y tragedia, argumentando además qué la obra es una oda a la vida cuyo mensaje es la reflexión de vivir feliz el día a día.
LOW COST
POR: Dalia María Teresa De León Adams
A colación de la celebración del Día Mundial del Medio Ambiente dirigido por el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA) celebrado cada 5 de junio a partir del año 1973, se ha estado llevando a cabo la representación de la obra teatral LOW COST (Paisaje escénico sobre la Crisis Climática).
La obra forma parte de un proyecto creativo considerado multi-sensorial, propuesto a cargo de la Compañía Laboratorio de Artistas Sostenibles (LAS) el cual ha estado siendo presentado bajo la dirección artística de Laura Uribe y Sabina Aldana.
Formando parte del Festival Alephes. LOW COST (Precio Bajo) como puesta en escena se conforma por diez monólogos, expuestos bajo el apoyo de imágenes multimedia, bajo la propuesta de vivir en armonía con la naturaleza, como única solución posible.
Teniendo un enfoque documental, danza y música que resulta ser visualmente atractiva, la dramaturgia documenta algunos sucesos históricos como la aparición de la industria, según la cual, afirma que ha sido el parte-aguas del paulatino deterioro de medio ambiente.
Además alude al mito de Ícaro según reza en la mitología griega, Ícaro es hijo del arquitecto Dédalo, constructor del laberinto de Creta, y marido de una esclava llamada Náucrate. Ícaro y Dédalo se encontraban retenidos en la isla de Creta por su rey. El mito de Ícaro comienza con la construcción por parte de su padre, Dédalo, de las alas para escapar de Creta, pero según se cuenta, voló tan alto que sus alas se derritieron al acercarse al astro Sol.
Mito que en la dramaturgia se utiliza para hacer un paralelismo con nuestro planeta Tierra, el cual poco a poco se va sobrecalentando. También se habla sobre la invención del Zeppelin, la máquina voladora inventada en los años 30’s.
El Graf Zeppelin (LZ 127) fue un gran dirigible alemán, o aeronave rígida de comienzos del siglo XX. Fue la primera nave dirigible en llevar el nombre Graf. El dirigible fue construido en honor del presidente de Alemania, Paul von Hindenburg, nave la cual se destruyó a causa de un incendio justo cuando aterrizaba en Nueva Jersey el 6 de mayo de 1937, teniendo un saldo de 36 muertos.
Montaje escénico que lleva implícito un enfoque tanto político, como documental bajo el objetivo de hacer un poco más consciente al espectador del serio problema que esta presentando la crisis climática en todas sus facetas como son el aumento de la temperatura, el derretimiento de los polos, los incendios forestales, la contaminación con plásticos y con las emisiones de contaminantes, el aumento de terremotos, maremotos, deslaves, erupciones volcánicas, mortandad y desaparición de especies tanto animales, como vegetales, etcétera.
Crisis Mundial que es irreversible, pero que aún sería posible frenar. Y aquí cabe mencionar ¿Usted que hace en su día a día para frenar una futura pero cercana catástrofe?
LOW COST se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, del Centro Nacional Universitario con funciones de jueves a domingos.
¡QUIERO SER NADIA!
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Esta obra es una búsqueda personal que gira en torno a un abuso infantil y todo lo que desencadenaron 30 años de silencio. La puesta se compone por tres bloques: La niña que no sonreía, una exploración de la infancia perdida entre la presión de las competencias, la violencia física de los entrenadores y el auto-rechazo. Por otro lado, la caída de Nadia rememora ese momento donde el cuerpo cambia, se transforma y se aleja de la perfección. Finalmente, Una no es lo que quiere, habla sobre cómo el paso del tiempo va transformando al cuerpo propio en un enemigo. Después de todo, ¿qué es lo que sobra? reír o llorar.-
Sinopsis otorgada por la casa difusora a cargo de la señorita Gaddi Miranda la cual sintetiza perfectamente ésta puesta en escena de ¡QUIERO SER NADIA! la cual además aborda de manera medular la imagen precisamente de NADIA Comăneci, por ende su nombre forma parte del título de ésta obra teatral.
Recordemos qué NADIA Elena Comăneci Conner nacida en 1961, Onești Rumanía hoy en día de 60 años de edad, fue una icónica gimnasta rumana nacionalizada estadounidense. quien logro impactar en las Olimpiadas efectuadas en Moscú en el año de1980 a todo el mundo amante de éste deporte.
Fue una de las primeras gimnastas entrenadas por Béla Károlyi. Deportivamente, conquistó nueve medallas olímpicas de las cuales cinco fueron de oro, cuando aún era una adolescente de 14 años.
Y vienen a colación los datos anteriores, pues en el montaje escénico de ¡QUIERO SER NADIA! precisamente el personaje protagónico de Valentina Sierra, su escritora y directora artística la retoma para con ella, además ahondar en la temática del abuso infantil sufrido por la gimnasta, por parte de su “Couch” o entrenador.
Tema que pareciera actualmente estar en voga debido a que cada vez son mayores los casos de abuso contra las mujeres que se están poniendo de manifiesto. “Abuso no es una palabra fácil de decir” frase que es utilizada en el programa y cartelera teatral, por parte de La Compañía Teatral denominada Puño de Tierra que la presenta.
Puño de Tierra formando parte de la convocatoria efectuada para presentar dramaturgias sobre mujeres, la hace muy ad-hoc a la temática a abordar, totalmente vigente pues parte de la “Voz” que muchas feministas han unido hoy en día, para manifestarse con el fin de radicar el problema.
Pero volviendo a los comentarios en torno a ésta puesta en escena, le comento que es un monólogo en el cual la actriz protagónica, precisa además de simpatía y gran desenvolvimiento para interactuar con el público asistente, de una disciplina corporal de atleta, pues su personaje es precisamente una gimnasta que ejecuta varios movimientos de gran disciplina en dicho deporte, quien se muestra fan de NADIA Comăneci, por lo cual en la obra además se presentan imágenes multimedia, a través de una mega pantalla ubicada en la parte central trasera del escenario, que sirven al personaje para dar algunos datos y por menores en torno a la gimnasta rumana NADIA.
¡QUIERO SER NADIA! Se presenta en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico los días viernes a las 20:00 horas.
¿EN QUÉ ESTABAS PENSANDO?
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Puesta en escena que ya ha sido motada en varias ocasiones, debido a tener éxito con el público juvenil por su temática que ahonda en algunos problemas que los adolescentes suelen enfrentar.
-“Esta puesta en escena relata la historia de un grupo de jóvenes adolescentes, Toto, Laika y Albert, que han dejado de ser niños, pero que llenos de preguntas, no están muy seguros de en qué se han convertido. El despertar sexual, la popularidad, la soledad, el amor y el desamor, son puntos de encuentro y desencuentro entre los amigos que lo único que quieren es entender mejor el mundo que los rodea. Un mundo que trae consigo constantes estímulos a través del Internet.”-
Así es como se expresara la Compañía Cuaternario Teatro, en cuanto a la temática a tratar con respecto a ésta puesta en escena, totalmente juvenil, en donde se hace un acercamiento tanto a los estímulos, como a las inquietudes que afrontan los adolescentes, en esa etapa en donde los sentimientos están a flor de piel.
Ello aunado a los constantes cambios que convierten a un niño en hombre y, a una niña en mujer, con todas las consecuencias y responsabilidades que implica y que les enfrenta de pronto a un mundo que es visto, gozado y sentido, desde una nueva perspectiva humana.
Y que mejor que mejor que presentado por un grupo de jóvenes que entusiastamente forman el Colectivo “Cuaternario Teatro” integrado por Melanie Borges, Miguel Estrada, Ricardo J. Cruz y Javier Marcial, quienes a través del programa hecho para niños, niñas y jóvenes que impulsa la Coordinación Nacional de Teatro, la cual presenta éste drama singular.
Texto a cargo de Saúl Enríquez, nacido en Veracruz hacia el año de 1979. Es dramaturgo y director teatral, quien ya tiene en su haber 34 obras escritas; entre éstas seis publicadas y 10 montajes propios.
Varias de sus obras han sido puestas en escena por algunos de sus colegas directores, además de haber contado con diversas becas y, haber sido galardonado con reconocimientos a su labor.
¿EN QUÉ ESTABAS PENSANDO? Se presenta bajo la dirección artística de Jesús Rafael Cruz y la participación del Colectivo “Cuaternario Teatro” quienes han hecho patente su interés por llegar al público joven, incluyendo textos que involucren al adolescente en ésta hermosa, pero difícil etapa de la vida.
De tal modo qué logrando su objetivo, ésta puesta en escena ha logra conmover a su público juvenil, el cual se ve reflejado de alguna manera con ésta dramaturgia con una narrativa un tanto cruenta, pero real.
¿EN QUÉ ESTABAS PENSANDO? tiene una trama con un contenido fresco, en dónde la psiquis de los personajes invitan a la reflexión, tanto de los jóvenes, como de los padres de éstos.
Obra totalmente contemporánea que tiene como referente un día cualquiera, de cualquier región en nuestro país, amenizada con algunos breves números musicales ejecutados en vivo en algunos momentos escénicos.
¡EN QUÉ ESTABAS PENSANDO? Se presenta en el Foro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque los días sábados y domingos a las 13:00 horas hasta el 12 de junio.
TORCH SONG
POR: Dalia María Teresa De León Adams
TORCH SONG TRILOGY es una colección compuesta por ende, de tres piezas escritas por Harvey Fierrstein, que inicialmente se presentara en tres actos escénicos, denominados International Stud, Fugue in a Nursey y Widows and children first.
La obra fue publicada en el año de 1978 por el estadounidense Harvey Fierstein; afamado por haber sido galardonado con dos Premios Tony, tanto por ser el interprete de la obra, como por ser el escritor de la misma.
Actualmente TORCH SONG tras de ser representada en escenario mexicano, es decir, en el “Teatro Milán” con una temporada de un mes de representaciones, gracias al éxito obtenido en taquilla, el día de ayer martes 31 de mayo, al finalizar la obra que sería el cierre de la temporada de representaciones de la obra de Harvey Fiersttein, todo el equipo creativo junto con su productor, subiendo al escenario recibiendo el caluros aplauso del público, quienes logró un foro totalmente lleno.
Momento en el cual, su productor, el Señor Gabriel Guevara Contreras daría a conocer la noticia de que la temporada se extenderá con diez funciones más. Bajo la dirección escénica de Alejandro Villalobos, el elenco estelar esta compuesto por Rogelio Suárez en el rol estelar, Anahí Allué, Manuel Balbi, Mariano Aguirre, Ginette Zavala, José Peralta, Jhovardy Vences y Mariana Esqueda la puesta en escena logró conmover a los espectadores.
Y con respecto a la Sinopsis de la obra, en cartelera teatral se puede leer el siguiente texto, al respecto:
-Arnold Beckoff es un Drag Queen viviendo en Nueva York de finales de los 70’s que busca el amor y el respeto de un mundo que no parece estar hecho para él.
Desde los hilarantes pasos de Arnold hacia la felicidad con un profesor universitario, hasta su aventura amorosa con un joven modelo, el mayor reto sigue siendo la complicada relación con su madre.
Armado con un agudo sentido del humor e ingenio, Arnold pone a prueba los términos de amor y familia, en una historia universalmente conmovedora que confirma que vale la pena luchar por la felicidad.-
Es un melodrama con tintes de comedia, que presenta a un homosexual en su diaria lucha por ser aceptado y, no discriminado por los prejuicios incluso, de su propia pareja sentimental.
Empero, también la narrativa del drama se matiza presentando dentro de la trama a una pareja supuestamente “heterosexual” la cual se maneja a la manera moderna del comportamiento “Open Mind”, maquillando tan sólo con ello, la real esencia homosexual de uno de los personajes.
Por otro lado la rigidez conductual producto del moralismo mal entendido por parte del personaje de la madre de Arnold, será inicialmente el parte-aguas de las frustraciones vividas por el protagónico. Finalmente se presenta la posibilidad de un nuevo integrante en la vida de Arnold; es decir, un hijo adoptivo.
Todo esto y un poco más se ventila en la obra de Harvey Fierstein haciéndola muy ad-hoc a la problemática, que aún hoy en día vive y padece la comunidad homosexual en pleno siglo XXI.
TORCH SONG, es decir CANTO ENCENDIDO es justamente eso, una obra que intenta mostrar el afán por cantar libremente en éste mundo, aún lleno de prejuicios.
TORCH SONG se presenta en el Teatro Milán en días martes, a las 20:45 horas.
LA VOZ HUMANA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Adaptación libre del monólogo teatral homónimo de Jean Cocteau. Tras ser abandonada por su marido, que se va a casar con otra, una mujer se queda en casa día tras día y solo sale a la calle una vez para comprar un hacha y una lata de gasolina.-
Hace dos años y, para ser precisa ,el día 21 de octubre del 2020 el destacado cineasta español Pedro Almodóvar, con música original de Alberto Iglesias y la actuación estelar de Tilda Swinton, estrenaba dándole una nueva lectura al texto, (como se aprecia en el párrafo inicial) de Jean Cocteau, con la película LA VOZ HUMANA con gran suceso, tomando como base cinematográfica la anterior referencia.
Recordemos qué LA VOZ HUMANA es el libro escrito por Jean Cocteau. Tiempo más tarde formó parte de una pieza operística puesta en escena en un acto, escrita para un solo personaje, que se presentara inicialmente con música de Francis Poulenc, teniendo como libreto la dramaturgia del escritor, ensayista, poeta y cineasta francés Jean Cocteau (Milly-la forêt, France 1889-1936). Pieza operística basado en su obra de teatro homónima de 1930, que fuera representada a manera de tragedia lírica, en L’Opéra-Comique La Salle Favart uno de los teatros de Paris y en Barcelona en 1965.
Hoy en día, en el Foro Lucerna del Centro Teatral Milán se presenta ésta icónica obra original de Jean Cocteau, en un acto escénico, de manera unipersonal, interpretado por la magnífica actriz protagónica Irasema Terrazas, bajo la dirección artística de Miguel Septién.
Obra cuya compañía teatral presenta en su cartelera la siguiente consideración en torno a la puesta en escena de LA VOIX HUMAIN:
-¿Qué sucede cuando uno de los dos se va? ¿Cómo se llama el vacío que deja un amor que termina? ¿Cómo se lidia con un duelo del que parece no haber salida? Éstas y muchas otras preguntas, quizá alguna vez han aparecido en la vida de toda persona que se ha atrevido a enamorar.
Y es que ahora, casi cien años después de que viera la luz por primera vez, nos sigue confirmando lo atemporal que es y será el amor y un corazón roto, esos que laten aún de frente a lo inevitable.-
La obra aborda el tema del amor en la fase final, en donde duele tanto que nos podríamos preguntar si valió la pena haber vivido ese episodio que alguna vez, se presentó como suceso esplendoroso.
Temática universal que ha sido, es y continuará vigente en torno al amor desgastado, roto o aniquilado por el roce del tiempo o la llegada de alguien más, que lo lleva a sucumbir en el olvido.
En escena la actriz protagónica Irasema Terrazas muestra precisamente con su personaje protagónico ese lado oscuro del amor, caracterizándolo con gran talento histriónico, que logra en base a los distintos matices que le infiere a la proyección de su voz, a las modulaciones faciales y, con movimiento corporales qué dan al personaje, gran verosimilidad.
Puesta en escena que presenta en un tiempo y un cuadro escénico en el que se simula la habitación de una vivienda, en donde el personaje se sumerge en el dolor, hablando telefónicamente con el amor de su vida, quien le está diciendo, ¡adiós!
En ésta adaptación, el personaje de Irasema Terrazas desde luego no comprará una hacha al estilo de la película de Almodóvar, sino que inicialmente comentará vía telefónica a “su amor” el intento fallido de suicidio, al ingerir varias pastillas a la vez; suceso en que según narra el mismo personaje, aparece alguien brindándole ayuda oportuna.
Algunos pormenores y razones por los cuales la mujer no siente resentimiento en haber tomado lo que considerara “un riesgo en vivir la relación, será ventilada, así como las vicisitudes vividas por ella y, el gran vacío y nostalgia le produce la separación; justo por lo cual éste drama en ocasiones se ha presentado bajo el título de SEPARATE.
LA VOZ HUMANA se presenta los días lunes a las 20:30 horas en el Teatro Lucerna, del Centro Teatral Milán.
LA LEY DEL RANCHERO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Bajo la dirección escénica de Tania María Muñoz y Edgar Valadez la obra teatral escrita por Hugo Salcedo acaba de iniciar su periodo de representaciones el día de ayer jueves 26 de mayo, en el Foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico mostrando foro lleno y un entusiasta público al que le fue convidado inicialmente un trago de mezcal, lo cual le infirió mayor credibilidad al ambiente cabaret que se le infiere al montaje escénico, como precisa el referente de la obra teatral.
LA LEY DEL RANCHERO trata de las relaciones amorosas o simplemente sexuales entre tres parejas. Los monólogos de Kid, un rancherazo que florea su reata con destreza, enmarcan los cuadros de Salcedo donde la prostitución, el robo, una matanza, el crimen y las pasiones –hetero, homo y bisexuales- son el punto de partida para hacer una exploración profunda sobre la naturaleza humana. Pero si Salcedo aborda un mundo crudamente real, lo hace con enorme artificio, tanto en el hilado del drama como en la textura de sus diálogos. Su capacidad de análisis sobrepasa el reto directo de la realidad. Detrás de todo está el poder, la mentalidad patriarcal, la fuerza y el horror, temas que , a fin de cuentas nos conducen al segundo texto que acompaña a éste título, El olor de la guerra, una obra de escenario indeterminado, pues lo que importa es el análisis de las formas de la guerra contemporánea y de la opresión en cualquier parte del mundo. Como afirma Peter Beardsell, LA LEY DEL RANCHERO y El olor de la guerra confirman la diversidad temática y la maestría técnica que ha hecho de Hugo Salcedo uno de los autores mexicanos que más se destacan en el siglo XX.-
Así es como se expresó la compañía “Festín Efímero” con respecto a ésta puesta en escena que ha tenido como base de la narratividad, el mostrar la real diversidad sexual, haciendo mayor hincapié en la proyección del mundo homosexual.
Con ello “Festín Efímero” intenta hacer una invitación en torno a la reflexión con respecto la masculinidad socialmente reprimida que ha sido encausada a asumir una identidad en muchas ocasiones falsa, en aras de no ser discriminado al asumir una diferente preferencia o práctica sexual.
Así, intenta mostrar tanto la vulnerabilidad, como la estructura machista, basada en un sistema aún hoy en día evidentemente patriarcal. Empero a ello, los personajes desnudan sus almas en el escenario, mostrando la pasión, el amor y el apego que suele existir en toda relación de pareja.
El reparto estelar esta formado por Edgar Valadez, Guillermo Revilla, Martín Villareal, Héctor Iván González, Elías Toscano, Antonio Saavedra, José Juan Sánchez, Oscar Serrano y Abraham Gongo.
Equipo artístico que además presentan en mayoría, algunos números coreográficos, motados bajo la autoría de Mauricio Rico y con la musicalización de Jonathan Corral, quienes juntos con el vestuario de Kevin Arnoldo logran darle a la puesta en escena, un toque de teatro cabaret.
LA LEY DEL RANCHERO se presenta en días jueves hasta el día 28 de julio del presente año 2022.
cticia EILEEN SHAKESPEARE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Monólogo sustentado en quien fuese la hermana ficticia afamado escritor inglés Williams Shakespeare nacido en Stradfot-upon-Avon, Reino Unido en 1586-16116 también conocido como “El Bardo de Avon”.
EILEEN SHAKESPEARE es caracterizada por la actriz protagónica Guillermina Campuzano, quien hace las veces de narradora omnipresente, narrando algunos de los pormenores que le llevaran a querer ser una interprete en el teatro isabelino, razón por la cual se viera obligada a disfrazarse de hombre, intentando aparecer en escena como su hermano Williams, para que se le permitiese actuar.
Es una puesta en escena original del dramaturgo francés Fabrice Melquiot (Modane 1972) presentada bajo la versión al español de Manuel Ulloa Colonia, bajo la dirección artística de Gabriela Tapia.
-Monólogo en el que se escucha a una mujer de la Inglaterra isabelina, pero cuya trayectoria vital en el espacio-tiempo teatral cruza el portal de todos los tiempos. La obra evoca la latencia del instinto, la rebeldía, la necesidad creativa y de expresión de un corazón humano que se mueve y da la batalla en las arenas movedizas de la condición humana. Y aunque la lucha es desigual, EILEEN acierta en lo más femenino de la expresión-
Así es como se expresa la Compañía Teatral Conexión 222 con respecto de la síntesis de éste espectáculo unipersonal, en donde el personaje protagónico incurre en una serie de artimañas, para lograr su cometido.
En la narrativa se mencionan algunas de las circunstancias vividas por EILEEN SHAKESPEARE ante su condición limitada de mujer. Su supuesto trato con su hermano menor Williams, su enlace matrimonial con John, con su padre quien también se llamara John, su hijo a quien despreciara, e incluso menciona sus sobrinos Hamnet Shakespeare, Susanna Hall y Judith Quiney, aunque solamente de manera somera.
Es una puesta en escena en donde la actriz se mete bajo la piel del personaje con emotividad para interpretarlo, utilizando para ello un video y varios objetos de utilería, que ella misma manipula para darle lógica y secuencia a la narrativa del texto.
En escena le acompaña durante todo el tiempo del desarrollo de la trama un músico, quien hace sonar su guitarra eléctrica, dándole con ello mayor énfasis a la interpretación de las escenas ejecutadas por la actriz Guillermina Campuzano.
EILEEN SHAKESPEARE se presenta en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque en días miércoles.
UN CUERPO EN TRAVESÍA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
-“UN CUERPO EN TRAVESÍA es un espectáculo sobre la identidad. Es el viaje de nuestros genes cruzando las frontera, migrando a través del tiempo. En esta propuesta escénica dos fábulas se conjugan para contar la historia de una mujer anónima, de una migrante que se pregunta por el origen de su clan. En el sistema actual en donde se nos dicta qué hacer, qué sentir y como debemos vernos ¿podemos dejar de huir de lo que no podemos escapar y recordar las historias antiguas que celebran el milagro de nuestra existencia.”-
Ésta y más preguntas surgen al presenciar la puesta en escena de UN CUERPO EN TRAVESÍA. El párrafo textual anterior es justamente la aseveración que tiempo atrás hiciera la dramaturga y directora teatral sobre su obra, decir de Alejandra Chacón quien inspirada en la problemática que generalmente padecen los migrantes de distintas partes del mundo, intenta concientizar al público de algunos de los padecimientos y dificultades que enfrentan las mujeres quienes huyen de su pueblo.
En el caso particular que recrea parte de la trama, el móvil de la migración es la inclemencias de la Guerra, como se muestra en una de las fábulas presentadas, en tanto que en la otra es la violación masiva de una joven puberta por varios hombres de su comunidad. En ambas fábulas el refugio en otra tierra finalmente se torna más injusta e inhóspita para ellas.
La escena inicial hace referencia a la fábula denominada “Ojos de cazador” en donde una tribu cazadora de bisontes enfrenta el reto de atrapar a dichos animales, con la seguridad que da el efectuar habitualmente el oficio que se ha legado de generación a generación dentro de un clan; suceso que surge ante el conocimiento adquirido de la especie que les llevara a diferenciar a simple vista, a los animales hembras de los machos y las aptitudes de las bestias. La ocasión en la narración no será tan fortuita como comúnmente solía ser. El rito mortuorio estará presente en la manera de honrar y enterrar al hombre caído en el afán de conseguir su rudimental tarea.
La segunda fábula presenta a un clan de mujeres brujas quienes tienen a bien celebrar cada año un baile en donde una joven nieta de la anciana bruja integrante del clan, será violentada hasta el extremo de llevarla a muerte; este hecho desencadenará una situación inesperada dentro del grupo tribal.
Ambas fábulas finalmente se entrelazarán dando pie a la unión de la región del norte y el sur de un lugar cualquiera imaginado, por el talento histriónico de su autora Alejandra Chacón, quien tiempo atrás explicara los pormenores y razones que le hicieron escribir sus fábulas empero, dotándole a la dramaturgia una gran dosis de credibilidad.
Es una obra llena de matices míticos-mágicos ancestrales que hace que las fábulas de ésta ficción se estime como ancestral. Por otra ocasión UN CUERPO EN AGONÍA se presenta ahora en el Teatro “El Galeón”, introduciéndole un poco más de elementos escénicos que han logrado enriquecer la trama de la obra.
Finalmente le comento qué el montaje escénico presenta el apoyo multimedia de imágenes en donde aparecen escenas complementarias con las dos historia; ello a cargo de Lama El Amine quien matiza las fotografías con colores marrones otorgándole un toque de antigüedad a las escenas, junto con el juego de luces de colores y musicalización que logran amenizar la trama.
UN CUERPO EN TRAVESÍA se presentó por primera vez en Londres, en el marco del Carmen Fringe Festival de 2017. En México llegaría al Teatro La Capilla y al Teatro El Galeón Abraham Oceransky del INBAL, en donde hoy en día nuevamente se está montando, teniendo funciones los días lunes y martes alas 20:00 horas
LO QE EL VIENTO A JUÁREZ
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Ésta es la delirante noche en l que Juárez se debate si fusilar o no a Maximiliano de Habsburgo. Juárez está en un dilema y la aspereza del desierto de Samalayuca donde se refugia de mercenarios imperialistas que lo persiguen no ayuda; menos ayuda la presencia de su Secretario, de quien teme una traición.
La firmeza de Juárez flaquea y su mala conciencia lo lleva a un delirio que los confronta con sus decisiones políticas. Una irreverente farsa histórica que juega con las posibles bifurcaciones de la Historia y que , con humos crítico, denuncia nuestros vicios nacionales.-
Así se presenta la Sinopsis de ésta obra en la cartelera teatral, con respecto al contenido medular de éste montaje escénico de tintes históricos. Obra que empero la pluma de su escritora, la dramaturga Silvia Ortega Vettoretti matiza con elementos de ficción al presentar los pormenores de los hechos transcurridos, por el benemérito presidente Benito JUÁREZ.
Benito Pablo JUÁREZ García, abogado y político de origen zapoteca, quien llegó a ser presidente de la República México en diversas ocasiones entre el periodo del 21 de enero de 1858 al 18 de julio de 1872. Se le conoce como el «Benemérito de las Américas.
El texto se encuentra plagado de tanto datos fehacientes, como de personajes trascendentales de la época juarizta, que en aquel entonces fueron partícipes de éste periodo histórico, aún más allá de las fronteras mexicanas, lo cual hace evidente la detallada consulta a-priori de su dramaturga, en los textos históricos de éste periodo.
Los pormenores que hicieron tomar a JUÁREZ la decisión del fusilamiento del entonces propuesto emperador Maximiliano de Habsburgo, por parte de Napoleón Bonaparte, serán trascendentales en el desarrollo de la trama.
Sin embargo darán un vuelco en ésta narrativa, en donde la pluma de la autora es capaz de darle un pequeño giro a los sucesos acontecidos durante la presidencia de JUÁREZ, aún cuando se precisan múltiples datos históricos con precisión.
LO QUE EL VIENTO A JUÁREZ no tan sólo es un parte-aguas de lo acontecido, sino que va más allá introduciéndose en la psiquis de su personaje protagónico caracterizado por el joven actor Baltimore Beltrán, quien en el escenario mostró sus grandes dotes histriónicos junto con sus dos compañeros en escena, los también grandes actores, el Señor Arturo Reyes (quien alterna con Rubén Cristiany) en el rol del Secretario y, Salvador Hurtado, quien por cierto interpreta diversos personajes de la historia.
Todos ellos por su actuación, lograron poner de pie a la mayor parte del público con ésta gran puesta en escena dirigida por su propia autora Silvia Ortega Vettoretti, quien logró además de construir una trama de carácter informativo, matizarla con maestría y cierto humorismo negro.
LO QUE EL VIENTO A JUÁREZ se presenta en el foro La gruta del Centro Cultural del Bosque hasta el día 12 de junio, los fines de semana.
CONFERENCIA DE LOS AUSENTES
POR: Dalia María Teresa De León Adams
CONFERENCE OF THE ABSENT ¡es precisamente eso! Una conferencia en donde los ponentes jamás aparecerán. ¿Y, cómo se logra? Pues bien, resulta qué en base a la simulación de una crisis, los conferencistas pertenecientes a diferentes países, abordarán problemas locales, enviándolos por escrito.
En base a ello y para prestarles su voz a dichos integrantes, mediante el apoyo escénico de una Voz in Off femenina, el público será invitado a pasar al escenario. Cada voluntario estará guiado e instruido a-priori a su participación por tres personas ubicadas a cada costado del escenario.
Apoyo brindado en base a una efímera explicación al proveer a los suplentes de los integrantes del podio de algunos documentos por leer en el escenario o, al colocarles unos audífonos que les irán instruyendo de insofacto.
Además aparecen algunas fotografías o videos proyectados a sus espaldas que aparecerán mediante el apoyo multimedia presentado mediante una mega pantalla ubicada casi al centro del escenario.
Así fue como se expusieron temáticas de diverso índole como, El juicio ante un supuesto genocidio, El atentado contra la salud de una trabajadora rusa, Las ideas de un brillante científico, La prueba a la reacción del organismo femenino mediante el lanzamiento de una mujer al espacio sideral, El gueto judío y la traición a su propia identidad por miedo a la represalia a muerte, La huída de una joven mujer africana junto con su familia ayudada por un espía extranjero, y en fin, otras temáticas devastadoras, o bien, de interés popular.
CONFERENCIA DE LOS AUSENTES forma parte de un programa que pretende conjugar el activismo ambiental, con la ciencia y el arte que ha presentado la UNAM a través del Festival intitulado “El Aleph”.
En ella participan la compañía alemana Rimi Protokoll a cargo precisamente del performance teatral CONFERENCE OF THE ABSENT. También colabora la compañía Complicité proveniente del Reino Unido, entre otras compañías entre las que se encuentra el Laboratorio de Artistas Sostenibles y, Opcional.
A este respecto la Difusora UNAM en el boletín de prensa anuncia la siguiente consideración sobre los montajes teatrales:
-Piezas escénicas que mezclan ciencia, activismo ambiental y arte en torno a la emergencia climática, en los cuales los paisajes se vuelven teatros y los espectadores forman parte de los actores, es lo que presentará Teatro UNAM en el Festival El Aleph 2022, con cuatro producciones, dos de ellas de talla internacional.
En ésta edición El Aleph lleva por lema Las Fronteras del Medio Ambiente y está dividido en tres ejes temáticos: Crisis planetaria, Pensarnos como planeta y, Acciones y medidas para regenerar nuestro entorno, acorde a los cuales figuran las piezas escénicas internacionales…
CONFERENCIA DE LOS AUSENTES solamente presenta dos funciones; la efectuada el día de ayer sábado 21 de mayo y la que se llevará a cabo el día de hoy, 22 de mayo 2022 en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro Cultural UNAM.
PESSOA La hora del diablo.
POR: Dalia María Teresa De León Adams
La Compañía La Máquina del Tiempo ha estado presentando en el Teatro Helénico su proyecto intitulado “Serie de encarnaciones Filosóficas” el cual versa sobre la obra e idiosincrasia de tres grandes exponentes universales, quienes fueran Antonin Artaud, Franz Kafka y Fernando PESSOA.
Llegando el día de ayer, viernes 20 de mayo, el momento de exponer mediante una puesta en escena, a éste último ícono de origen portugués; me refiero por supuesto a Fernando Pessoa (Lisboa Portugal 1888).
Fue considerado como un importante escritor, especialmente reconocido por sus diversos heterónimos en donde aparece como Alberto Caeiro, Alexander Search, Álvaro de Campos, Bernardo Soares y Ricardo Reis.
Ello acorde a su filosofía de vida la cual llevó a práctica, según la cual, cada persona es reconocida por la sociedad o por los demás, según la personalidad que asuma él o ella misma en su vida.
En concordancia decidió no tener una única identidad o personalidad, asumiéndose como distintas personas a la vez, ante la tónica del ¿por qué ser un solo personaje? si se puede ser tener varias identidades como se desee a la vez y, “he ahí tanto seudónimo utilizado”.
Sin embargo su extensa obra se vio quebrada con su prematura muerte acontecida en su país de origen en noviembre del año de 1935. Sin embargo su obra quedaría convirtiéndolo en un ícono de su país y escritor universal.
Y justamente la puesta en escena escrita, dirigida y actuada por Clarissa Malheiros, la integrante junto con Juliana Faiser de la Compañía “Máquina del Tiempo” versa en torno a la obra de PESSOA.
Su peculiar manera de ver, entender y vivir la vida de Fernando PESSOA es presentada de manera sinóptica por la actriz Clarissa Malheiros, quien ejecuta el papel de tan eminente escritor, caracterizando al personaje con gran naturalidad y maestría que le ha dado el representar ésta obra teatral, en diversas ocasiones, a parte de poseer por supuesto gran madera de actriz.
Es un montaje escénico que tan sólo precisa de algunos objetos manipulable por la misma Clarissa Malheiros en el escenario, para hilar ésta trama tan peculiar e interesante.
Objetos de utilería entre los cuales lleva por dar algún ejemplo, un saco lleno de galletas chinas, por ejemplo, para con ello ahondar en la temática en torno a lo que PESSOA reflexionara como el “futuro”.
Creerlo, indagando si Dios lo ha creado como un camino a seguir por los humanos, o bien, somos los responsables de crearlo, o tan sólo es una expresión imaginaria de nuestra mente, es precisamente la consigna de ésta dramaturgia.
Le comento qué durante la obra, la actriz invita al público de manera muy creativa, a la reflexión filosófica en torno al enfoque que le infiriera PESSOA. Es una obra muy bien caracterizada por Clarissa Malheiros, quien muestra varios de las reflexiones del autor a tratar, en ésta ocasión, con el cual además cierra el Ciclo de “Series de Encarnaciones Filosóficas”, presentada en ésta semana de entre el viernes 20 de mayo, al domingo 22 del mismo mes.
Empero, la próxima semana se llevará a cabo la representación en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico, las tres obras que la integran, en las cuales se tiene la oportunidad de ver muy bien caracterizados, así como expuestos a éstos tres grandes ideólogos incluso del teatro, como lo fueran Antonin Artaud, Franz Kafka y por supuesto Fernando PESSOA, la hora del diablo.
¿QUÉN SOY? Recetario sobre usted mismo.
POR: Dalia Mará Teresa De León Adams.
Por quinta ocasión la Compañía de Teatro Ciego MX ha puesto en escena la obra ¿QUIÉN SOY? Recetario sobre usted mismo. Obra que intenta llegar a toda clase de público, por lo cual es presentada también en lengua de señas mexicanas, promoviendo además la inclusión del público invidente dentro del foro.
Es una historia familiar en donde dos hermanos han sufrido el abandono del padre, quien un día fingió ir a comprar cigarros para desaparecer por siempre de la vida de sus dos hijos mayores, a quienes tras de llevar a la escuela, promete darles un obsequio importante que bien podría ser el ver.
Los hermanos aunados al dolor del abandono de su progenitor, sufrirán la pérdida de su hermano menor, el cual fallece desde muy pequeño, quedando ambos tan sólo bajo el abrigo de una madre totalmente rota, por las dos ausencias.
Cinco recetas serán una a una mencionadas tanto en ingredientes, como en la manera de cocinar y sazonar, convirtiéndose éstas en los elementos narrativos que conforman la metáfora, en la cual está basado éste peculiar drama.
La primera receta es acerca del cómo preparar chocolate con leche en polvo, la segunda menciona la preparación del pie de limón, y así consecutivamente hasta llegar a la quinta receta, la cual retoma mayor importancia en la trama y que versa en la preparación de un sándwich de jamón de pavo; el último preparado justo el día de la partida del padre y, que olvidaran ambos niños en el asiento trasero del automóvil.
¿QIÉN SOY? Recetario sobre usted mismo es una obra teatral original de la dramaturga Itzel Lara bajo la dirección artís¿QUÉN SOY? Recetario sobre usted mismo.
POR: Dalia Mará Teresa De León Adams.
Por quinta ocasión la Compañía de Teatro Ciego MX ha puesto en escena la obra ¿QUIÉN SOY? Recetario sobre usted mismo. Obra que intenta llegar a toda clase de público, por lo cual es presentada también en lengua de señas mexicanas, promoviendo además la inclusión del público invidente dentro del foro.
Es una historia familiar en donde dos hermanos han sufrido el abandono del padre, quien un día fingió ir a comprar cigarros para desaparecer por siempre de la vida de sus dos hijos mayores, a quienes tras de llevar a la escuela, promete darles un obsequio importante que bien podría ser el ver.
Los hermanos aunados al dolor del abandono de su progenitor, sufrirán la pérdida de su hermano menor, el cual fallece desde muy pequeño, quedando ambos tan sólo bajo el abrigo de una madre totalmente rota, por las dos ausencias.
Cinco recetas serán una a una mencionadas tanto en ingredientes, como en la manera de cocinar y sazonar, convirtiéndose éstas en los elementos narrativos que conforman la metáfora, en la cual está basado éste peculiar drama.
La primera receta es acerca del cómo preparar chocolate con leche en polvo, la segunda menciona la preparación del pie de limón, y así consecutivamente hasta llegar a la quinta receta, la cual retoma mayor importancia en la trama y que versa en la preparación de un sándwich de jamón de pavo; el último preparado justo el día de la partida del padre y, que olvidaran ambos niños en el asiento trasero del automóvil.
¿QIÉN SOY? Recetario sobre usted mismo es una obra teatral original de la dramaturga Itzel Lara bajo la dirección artística de Anabel Saavedra, que cuenta con la caracterización de los personajes a cargo de dos actores, quienes son Juan Ruiz Rodríguez y Carlos Saavedra.
Una obra sobre la búsqueda del padre, la familia que perdimos y los dolores que dejan los muertos; una obra sobre cocinar y tener sazón. Dos hermanos han encontrado el viejo recetario de la abuela y que después fue de su madre. Ellos no saben si abrirlo o no porque la desobediencia es un pecado mortal que no se quita ni con desinfectante ni gel antibacterial. La tentación es mucha y tienen un plan: escribir una cláusula que los eximirá de toda culpa.
Montaje escénico en un tiempo de aproximadamente 75 minutos, en el cual aparecen los dos personajes protagónicos actuando en la parte central del escenario, el cual en ocasiones es despojado de la luz.
Por otro lado, pero al mismo tiempo y de manera paralela, mediante una mega pantalla aparecen en el costado derecho del foro, la imagen de dos hombres quienes narran la historia a base del lenguaje de señas.
Le comento que éste proyecto creativo surgió en el año 2016 en base a un laboratorio de investigación escénica, teniendo por trama las historias vividas por dos integrantes del grupo de la Compañía Teatro Ciego MX, quienes finalmente ensamblaron sus experiencias, para darle vida a éste drama.
¿QUIÉN SOY? Recetario sobre usted mismo se presenta en el teatro El Galeón Abraham Oceransky de jueves a domingos.tica de Anabel Saavedra, que cuenta con la caracterización de los personajes a cargo de dos actores, quienes son Juan Ruiz Rodríguez y Carlos Saavedra.
Una obra sobre la búsqueda del padre, la familia que perdimos y los dolores que dejan los muertos; una obra sobre cocinar y tener sazón. Dos hermanos han encontrado el viejo recetario de la abuela y que después fue de su madre. Ellos no saben si abrirlo o no porque la desobediencia es un pecado mortal que no se quita ni con desinfectante ni gel antibacterial. La tentación es mucha y tienen un plan: escribir una cláusula que los eximirá de toda culpa.
Montaje escénico en un tiempo de aproximadamente 75 minutos, en el cual aparecen los dos personajes protagónicos actuando en la parte central del escenario, el cual en ocasiones es despojado de la luz.
Por otro lado, pero al mismo tiempo y de manera paralela, mediante una mega pantalla aparecen en el costado derecho del foro, la imagen de dos hombres quienes narran la historia a base del lenguaje de señas.
Le comento que éste proyecto creativo surgió en el año 2016 en base a un laboratorio de investigación escénica, teniendo por trama las historias vividas por dos integrantes del grupo de la Compañía Teatro Ciego MX, quienes finalmente ensamblaron sus experiencias, para darle vida a éste drama.
¿QUIÉN SOY? Recetario sobre usted mismo se presenta en el teatro El Galeón Abraham Oceransky de jueves a domingos.
QUIJOTE, VENCEDOR DE SÍ MISMO.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Llena de datos sobre la obra magnífica del escritor español Miguel de Cervantes Saavedra EL INGENIOSO HIDALGO DON QUIJOTE DE LA MANCHA (tomo I y II) la puesta en escena de ésta obra adquiere un tono fresco y agradable, pese a ser conocidos varios de los sucesos escritos en esta parodia caballeresca o novela épica, que en ocasiones por ser de los más conocidos, produce cierto agobio para algunos espectadores, lo cual no sucede en ésta ocasión, gracias a la creatividad que muestra esta dramaturgia y su dirección a cargo de Claudio Valdés Kuri y la Compañía “Teatro de Ciertos Habitantes”
Miguel de Cervantes Saavedra como es de todos sabido, nació un día 29 de septiembre en el año de 1547 en Alcalá de Henares, España. Su situación de hijo de un modesto medico, Rodrigo Cervantes y, de Leonor Cortinas, le impidió tener más amplios estudios y sobretodo el beneficio de ser ampliamente reconocido como lo fueron en su época Francisco de Quevedo, Luis Góngora o Lope de Vega.
Su vida difícil como soldado, dramaturgo, poéta y novelista es esbozada en ésta puesta en escena con gracia y precisión de datos, así como con la colaboración de breves lecturas de fragmentos de la obra tanto por su personaje protagónico, como por parte del público, el cual es ocasionalmente invitado a participar.
Llevada a “La Fuente del Quijote” ubicada en el espacio abierto de Chapultepec, la dramaturgia de Mónica Hoth y Claudio Valdés Kuri termina siendo todo un deleite visual mediante el cual Cervantes termina por ser un personaje oculto, al cual su interlocutor matiza surgiendo de la locura el personaje que le produjo sus abundantes lecturas épicas, en una época en donde los caballeros andantes ya habían pasado simplemente a la historia.
Cervantes dotó a su personaje de grandes valores como son la constancia, el gran sentido de justicia y honor, la bondad y perseverancia. El Quijote es un personaje qué por demás esta decirlo, idealista y romántico, quien sueña con el amor de su dama Dulcinea, sentimiento que le guía con entusiasmo a cumplir con sus locas proezas.
Sin embargo, en escena no aparece su constante compañero, el prosaico Sancho Panza. En su lugar surge el personaje de una joven intelectual amante de la obra “Don Quijote de la Mancha” quien aún siendo atemporal, platica, vive y comparte su propia obra con él.
El rol protagónico logra una estupenda caracterización, gracias a su gran modulación en la voz, sus movimientos actorales con gran plástica y, su avidez en cuanto a movimientos casi acrobáticos que permiten darle la galanura y templanza de un caballero andante. Todo ello bajo la propuesta de la dirección del Señor Claudio Valdés Kuri.
Como dato anexo, le comento qué la obra tiempo atrás en el año 2004 formó parte del Festival Internacional Cervantino y la UNAM y, a través de la misma compañía productora “Teatro de Ciertos Habitantes” y posteriormente presentaría funciones en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz. En ésta última ocasión su breve temporada del 30 y 1ª de abril, 14 y hoy domingo 15 de mayo de 2022, concluye.
PEQUEÑA BRUJA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Pequeña bruja es una niña tímida que sabe escuchar. Ella caen manos de su enemigo, el Ogro. Deberá negociar su, pero en toda negociación siempre algo se pierde, a veces lo más amado. (La Compañía)
Obra teatral infantil escrita por el dramaturgo franco-canadiense Pascal Brullemans, quien además de ser el autor de PETITE SOCIÈRE , que en español se traduce como PEQUEÑA BRUJA, escribió Vipérine y Ce que nous avons fait: ce qui nous reste a faire, entre otras obras más.
En su obra PEQUEÑA BRUJA ensalza los valores de la lealtad, la palabra de honor dada, la amistad y la relación filial, matizándolos de manera subjetiva en su texto como norma de honorabilidad entre sus personajes, muy bien bosquejados y poseedores de valores, aún cuando son seres del ultramundo, como lo son la PEQUEÑA BRUJA, su madre, y el ogro.
En escena aparece otro personaje que cobra vida aún siendo ausente. Me refiero al pequeño gato, quien es la mascota y acompaña casi todo el tiempo a su pequeña ama, la brujita, quien en escena es simulado con caricias y pequeños cuidados.
También aparece el personaje de una niña cazadora, quien siendo un personaje secundario, finalmente retoma mayor importancia en el desenlace de éste mágico cuento.
La pequeña cazadora además funge como narradora de la historia, mencionando además tanto los sentimientos, como las acciones realizadas por cada uno de los integrantes del cuento infantil.
En cuanto a su narratividad, la obra es presentada bajo la peculiaridad de movimientos coreográficos, los cuales se presentan aunados a los movimientos de señas, que cada personaje realiza junto al juego de la actuación, los cuales son parte creativa dispuestos por la directora artística, es decir, por Violeta Sarmiento, quien además introduce música en vivo, la cual siempre considera como un elemento esencial en su puestas en escena.
El juego de luces juega un rol importante, aunado al hecho de hacer lucir el montaje escénico, el cual además tiene un toque refinado y de buen gusto, junto con el cuadro escenográfico y el vestuario, muy ad-doc a la caracterización de cada personaje.
En la obra actúan Paulina Álvarez, Mariana Gajá, Xóchitl Galindres y Abel Ignacio Hernández. En la música en vivo se encuentra Mariana Lara Chávez tocando la flauta y el saxofón.
PEQUEÑA BRUJA se presenta en el Teatro Julio Castillo en el Centro Cultural del Bosque.
CIUDAD DE TRES ESPEJOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia escrita por los integrantes de la compañía “Tatúas” cuya narrativa trata sobre vivencias reales padecidas entre los habitantes de la Ciudad de Culiacán Sinaloa, en donde la muerte parece encontrarse a la vuelta de la esquina, en cualquier lugar, acechando constantemente a sus habitantes.
Acerca de la hipnosis de ésta obra teatral, se puede leer en el boletín de prensa la siguiente apreciación:
En primer lugar, CIUDAD DE TRES ESPEJOS, es una puesta en escena contemporánea que muestra la idiosincrasia sinaloense. El detonante creativo se sostiene en una frase de Italo Calvino: “Hay ciudades que se construyen sobre otras, sin embargo, nunca las tocan.
Como su mismo título expresa, se trata del reflejo en tres versiones o situaciones, del pueblo sinaloense. La obra incurre en la frase, que versa con otras palabras en la siguiente consideración, respecto de cada persona, su historia es construida y puede ser narrada siempre en torno, a una tragedia.
Así se expresó el director de la Compañía “Tatúas”, el Señor Saúl Enríquez: Las tres historias se cruzan desde lo simbólico, con personajes en una búsqueda inconsciente de aquello que les ha sido arrebatado en una guerra sin bandos.
Dramaturgia que intentó ser escrita y presentada a manera de comedia, pero que resultó siendo finalmente todo un drama a considerar, según expresó su mismo escritor y director, el Señor Saúl Enríquez al haber concluido la puesta en escena de ésta obra teatral controversial.
CIUDAD DE TRES ESPEJOS refleja el dolor y el padecimiento de algunas familias sinaloense quienes han perdido a uno de sus integrantes más amados, tras de una fuga de disparos ocasionales, que caen accidentalmente en sus cuerpos.
Los actores actuando de manera totalmente versátil, interpretan con gran maestría a diferentes personajes en cada una de las tres historia breves, a los cuales les dan vida modulando las voces y en apoyo con los movimientos tanto corporales, como faciales, que les infieren emotividad y por tanto, gran credibilidad.
Teniendo un drama en sí por caracterizar, la emotividad parece brotar a flor de piel en cada uno de los integrantes de éste grupo teatral, quienes movidos bajo el interés de construir un mejor lugar en donde cohabitar, es por lo cual han llevado a otros escenarios su obra, con la cual, por cierto, está cumpliendo cuatro décadas de existencia dicha Compañía.
El reparto estelar está compuesto por Rodolfo Arriaga, Marichú Romero, Jesús Enrique Rivera Avitia, Andrés Vizar Castro, Genaro Sahagún, Zeira Montes, Miriam Valdez Y Jorge Beltrán Soto.
Finalmente le comentaré que se trata de un montaje escénico que intenta invitar al público a la reflexión sobre la problemática que día a día enfrentan los habitantes de la Ciudad de Culiacán, Sinaloa, contando historias que tras el paso del tiempo, parecen repetirse una y mil veces más, coadyuvando el aliento de sus habitantes.
CIUDAD DE ESPEJOS solamente contó con la función de ayer, jueves 13 de mayo 2022 y ofrecerá el día de hoy la segunda y última función en el Teatro “El Galeón, Abraham Oceransky. Para el día sábado 14 y domingo 15 de mayo, la misma Compañía “Tatúa” tiene contemplado presentar la obra “Un Tour por el Desierto” en el mismo recinto del Centro Cultural del Bosque.
VIE DE CIRQUE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Una poderosa y mágica soga es descubierta en el escenario por un inocente imprudente payaso. Luego de configurar sus diversas, la soga le presentará a un antiguo y amigable payaso cara blanca. Juntos nos darán a conocer y la vida y la magia del circo, a través de un espectáculo sin palabras lleno de humor, de música, diversión y sorprendentes actos de circo donde además de la risa garantizada, se suman la sensibilidad, el asombro, la belleza, la danza, la acrobacia, el romance, la música y la nostalgia para deleitar a todo el público en general. A través de VIE DE CIRQUE, el extraordinario e internacional payaso mexicano Paquin jr. celebra sus 35 años de trayectoria de la mano de Ángelo, uno de los grandes y jóvenes payasos que continúan fomentando la gran tradición circense del Payaso Cara Blanca. Este gran dúo nos compartirá un inolvidable espectáculo lleno de emociones, ilusión y esperanza para todo público.
Así se expresa la Compañía Difusora de Sandra Narváez al respecto de la función circense, que el día de ayer 11 de mayo 2022 tuvo la apertura de sus funciones, en el Teatro Centenario Coyoacán.
Espectáculo que resultó ser estético y emotivo, protagonizado por los personajes entrañables y quienes son Ángelo y Paquin Jr. oriundo éste último de Córdoba, Veracruz, quien cuenta con 35 años de trayectoria como clown, siendo considerado una figura que ha dejado huella con su actuación en diversos escenarios en los cuales se ha presentado, tanto en parte de Asia, como en Europa y Latinoamérica, en otrora con El Original Circo Atayde Hermanos.
Por su parte Angelo, además de ser Clown es un músico virtuoso, quien toca instrumentos de aliento y el acordeón como se pudo demostrar, además de poseer una voz privilegiada, quien con todo ello gano el afecto del público y su total reconocimiento.
VIE DE CIRQUE es un espectáculo que introduce nuevamente a los adultos al mundo infantil, al que tomados de la mano de sus padres, alguna o varias veces asistieran al mundo encantado del circo.
Colorido, musical y mágico resultó ser el evento que se disfrutó de manera exitosa con la presentación de la compañía “Los Estrowberry Clowns” cuya idea original corrió a cuenta de Paquin Jr. y Ángelo y, gracias por supuesto, a la adecuada dirección artística del Señor Fernando Hondall.
Espectáculo puesto en escena en dos tiempos y un breve intermedio que en suma hicieron pasar al público cerca de 90 minutos de diversión, en donde se tuvo la apertura de los tiempos escénicos con la presentación de cuatro bellas bailarinas, y la talentosa ejecución de un malabarista y tres hermosas acróbatas, que aunaron esfuerzos para brindar un bello espectáculo circense adosado con un llamativo vestuario.
VIE DE CIRQUE se presenta en el Teatro Centenario Coyoacán
BODAS DE SANGRE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Bajo la dirección escénica de Noé Navarro, la puesta en escena de BODAS DE SANGRE se presenta en el bello recinto cultural del Claustro Romántico del Instituto Cultural Helénico.
Recordemos qué BODAS DE SANGRE es una tragedia en verso y en prosa del escritor español Federico García Lorca escrita en el año 1931, que sería publicada dos años más tarde.
Se escribió originalmente para ser montada en tres actos y siete cuadros. Empero a ello, la puesta en escena del director Noé Alvarado se realiza en dos actos y un cuadro, los cuales resultan ser totalmente suficientes para recrear el drama de Lorca.
BODAS DE SANGRE es reconocida como uno de sus más emblemáticos dramas de Federico García Lorca, junto con “La casa de Bernarda Alba”. Otras de sus creaciones fueron las obras “Doña Rosita la Soltera”, “Mariana Pineda”, “El público”, “La zapatera prodigiosa” y “Yerma”
Lorca nació en la provincia de Fuente Vaqueros, España en el año de 1898. Fue poeta, dramaturgo y prosista. Su homosexualidad lo llevó a ser ametrallado por las fuerzas fascistas armadas del General Franco (1892-1975) en la región de Granada en el año de 1936. Sin embargo hoy en día, es considerado como el poeta y escritor más emblemático de la lengua española, del siglo XX.
En la trama de BODAS DE SANGRE se presenta el asesinato de Nijar y su rival de amores Leonardo, justo el día de su boda. Algunos de los pormenores que desataron el drama fueron ficcionalizados por Federico García Lorca para formar parte en la obra, mismos que se hacen presentes actualmente en la puesta en escena dirigida por el Señor Noé Alvarado.
BODAS DE SANGRE es una obra ubicada dentro del género de la poesía dramática; se sabe que una noticia en la prensa local española, la cual asegurara qué una mujer se fugó el día de su boda, con su antiguo novio, fue un acontecimiento que detonó el la mente de Federico García Lorca los hechos imaginarios de los que pudieron ser los pormenores de la huída de dicha pareja sentimental.
Con ello se fraguaría una serie de circunstancias poco vividas en la España Franquista, como lo serían la libertad de acción, el simbolismo de la muerte y la venganza andaluza, o bien, el quebranto de la idiosincrasia de la sociedad local imperante en aquel entonces.
En la obra actúan un gran reparto de actores y bailarines dotados con gran talento tanto histriónico, como artístico, los cuales son Laura Jaimes, Ricardo Valdivia, David Villareal, Angélica Lara, Gabriela Palafox, Aldo Estuardo, Lorena Rodríguez, Dann Sotelo, Ricardo Pérez, Karla Reyes, Valeria Russek, Terri Serafio, Ana Silvia Sánchez, Abril Ortiz, Alejandro Aguilar y Francisco Alexie.
Puesta en escena icónica muy bien dirigida, que además cuenta con el talento del Dueto “Rumboa” conformado con los músicos David Zárate y Hugo Sánchez quienes amenizan en vivo el montaje escénico. Todos ellos bajo la Producción del Ágora, La Compañía Teatral y la Asociación de Aldo Eduardo y Noé Alvarado.
PEDRO MELENAS Y OTRAS HISTORIAS PARA DESOBEDIENTES
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Teatro cabaret infantil que puso de pie al público, al final de la función, quien ovacionó con un caluroso y largo aplauso y gritos de ¡Bravo! a todo el gran equipo creativo y por supuesto, a su autor y director el Señor Artus Chávez.
Cubriendo temporada en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque del 12 de marzo al 8 de mayo, la función de cierre de PEDRO MELENAS Y OTRAS HISTORIAS PARA NIÑOS DESOBEDIENTES se llevó a cabo el día de ayer, domingo 8 de mayo, contando con el teatro totalmente lleno y con boletos agotados.
Ésta parece una apreciación exagerada, pero no lo es. ¡Realmente fue impresionante! pero aún lo fue más, el darnos cuenta de la calidad de espectáculo que se efectuaba, teniendo en el escenario una banda tocando en vivo muy diversos instrumentos musicales como, el piano, la batería, el acordeón, el saxofón, y un instrumento pequeño de cuerdas.
Aunado a ello se contó con los cantos melodiosos por parte de la mayoría de los artistas, quienes fungieron además como Clowns en ésta obra conformada por diversos cuentos de origen alemán, escritos por Her Heinrich Hoffman.
PEDRO MELENAS Y OTRAS HISTORIAS PARA DESOBEDIENTES lleva en sí un título muy ad-doc a la temática medular a tratar, pues la narrativa gira en torno a la presentación de PEDRO MELENAS, un niño gigantesco sucio, mocoso, maleducado y agresivo, quien tras diversos intentos por hacerle aparecer en escena, tan sólo se logran los Clowns ser maltratados por la bestial creatura.
Con respecto del título, éste menciona otras historias que vienen precisamente a ser cada uno de los cuentos narrados mediante canciones y por supuesto, actuadas por el resto del equipo de actores en escena.
Así uno a uno se narran los cuentos. Pero a diferencia de los cuentos que solemos escuchar, ver y narrar en nuestro país, éstos suelen ser narraciones cantadas de niños desobedientes, cuyo final termina de manera trágica.
Son cuentos que su autor Heinrich Hoffman utiliza para de alguna manera, hacer entrar en razón, justamente a aquellos niños malcriados, desobedientes y caprichosos, mediante el recurso del miedo que pueda causarles sus historietas.
Así fue como por medio de estas fueron abordadas temáticas como el de la niña piromaniaca, quien por jugar con fuego termina quemada, o el niño que se niega a comerse la sopa, quien tras de quedar tan delgado como un fideo, fallece, o bien, el del niño berrinchudo quien deja de respirar tan sólo para manipular a sus padres.
Éstos cuentos y muchos más fueron presentados durante la función, portando los actores y músicos trajes brillantes y coloridos que enmarcaban con una escenografía elegante e iluminada.
Finalmente los vívidos Clowns y músicos en vivo, pese a la temática tan cruenta, lograron hacer un espectáculo visual y auditivo maravilloso y por cierto, excelentemente bien dirigido.
FELICIDADES Señor Artus Chávez y a toda la Compañía Teatral !!!!
SOLUCIONES PERMANENTES PARA PROBLEMAS COMUNES
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Obra teatral realizada especialmente para público adolescente y adulto que intenta
concientizar a la sociedad adulta mostrando algunos de los problemas más
comunes que hoy en día vive y padece, nuestra sociedad.
Y entonces surge de inmediato el cuestionamiento acerca de ¿qué entendemos por
una familia común? La compañía nos da una respuesta breve, con ésta puesta en
escena en donde se muestra el siguiente resultado con una sinopsis sobre la obra,
empleando la siguiente apreciación al respecto:
-Una familia común: una madre soltera, su padre; un hombre de la tercera
edad que poco a poco pierde la memoria, una hija que cuestiona el lugar que se
les asigna a las mujeres en su entorno y un hijo homosexual en busca de su
independencia y otras maneras de construirse hombre.
Y es justamente sobre esta tónica a seguir que gira la trama de éste melodrama, el
cual presenta mediante la exposición de una familia, algunas de las problemáticas
que enfrenta la juventud, entre otras más.
El autor de éste drama cotidiano es el dramaturgo Francisco Ibarra, quien bajo su
dirección escénica expone algunos de los desasosiegos que sufre una familia
formada con una madre soltera un tanto prejuiciada, quien comparte su casa con
un padre alcohólico quien presenta ciertos trastornos de aizheimer, un hijo
homosexual, y un hija inadaptada social que vive inconforme dentro de una
sociedad aún machista.
El elenco estelar esta formado por los actores Humberto Yáñez, Tania González
Jordán, Alberto Cerz y Daniela Bustamante. Todos ellos representando con
entusiasmo los roles protagónicos en donde inicialmente uno de ellos, así como
posteriormente de manera ocasional, sirve de narrador para expresar algunos de
los pormenores en que incurre dicha familia.
La psiquis de los personajes son mostrados en el desarrollo de cada uno de los
roles actorales, con características cuadradas, en el sentido en que es predecibles
su actitudes, acorde con el matiz que su autor les infiere.
Es un montaje escénico en un solo tiempo de aproximadamente 100 minutos, que
tiene como escenografía una sala habitacional en donde se muestran diversos
muebles en donde resaltan algunas mesas y las plantas que son movidos por los
mismos actores, entre lámparas y otros objetos más, que permiten el desarrollo de
la obra.
Por su contenido y mensaje subliminal hacia el público presente, bien se puede
considerar como una obra del género de denuncia, en el sentido en que los
personajes se expresan con la libertad que su esencia perfilada por la pluma del
autor, les impulsa a seguir sin tapujo alguno, en aras de actuar acorde con la
verdad y los sentimientos a flor de piel.
SOLUCIONES PERMANENTES PARA PROBLEMAS COMUNES se presenta en el
Teatro Xavier Villaurrutia en el Centro Cultural del Bosque.
ARTAUD ¿Cuánto pesa una nube?
POR: Dalia Mará Teresa De León Adams
La Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico presentan la “Serie
de Encarnaciones filosóficas”, en ésta ocasión de ARTUAD ¿Cuánto pesa una
nube? Y digo en ésta ocasión, pues la compañía Teatral se ha dado a la tarea de
encarnar a personajes que han dejado huella con su talento filosófico que ha ido
más allá de lo artístico.
Así es como “La Máquina de Tiempo” ya han presentado anteriormente, la obra de
Franz KAFKA Donde estás, están todos los mundos (nacido en Praga Chequia
1883-1924) y de Fernando PESSOA La huella del diablo (nacido en Lisboa,
Portugal 1888-1935). Dos grandes de la literatura Universal que además, por su
peculiar forma de contemplar al mundo, dejaron aunada a su obra artística, un
pensamiento profundo sobre la existencia, como es también el caso de Antonin
ARTAUD, Cuánto pesa una nube (nacido en Marsella, Francia en 1896) cuya
puesta en escena actualmente se monta en el Teatro Santa Catarina, bajo el título
de Antonin ARTAUD ¿Cuanto pesa una nube?
En la obra actúa y dirige Clarissa Malheiros quien junto con Juliana Faesler son las
escritoras de la dramaturgia y encargadas del espacio escénico, además de las
fundadoras de la Compañía “La Máquina del Tiempo” que crearon a partir del año
de 1996, bajo una retórica que ha intentado ser No convencional.
Clarissa Malheiros ha caracterizado a los tres personajes cuyo estilo literario
tienen en común, un estilo espontáneo y sumamente expresivo volcado en
metáforas filosóficas.
Sus caracterizaciones permiten conocer al espectador parte de la obra esencial de
cada una de dichos autores. En el caso de Antoine Marie Joseph ARTAUD que es el
que cabe mencionar en ésta nota, fue un poeta, actor, dramaturgo, director,
ensayista y novelista que incursionó en diversos géneros literarios.
Antonin ARTAUD, quien bajo dicho nombre como es reconocido
internacionalmente, nació como a-priori he mencionado, en Marsella, Francia a
finales del siglo XIX y murió en un hospital de Ivry-sur-Sein, Francia en el año de
1948.
Fue el creador de obras como son “La pasión de Juana de Arco”, “El clérigo y la
caracola”, “Napoleón visto por Abel Gance”, y “El teatro y su doble”, entre muchas
obras más.
En la puesta en escena compuesto de un solo tiempo y cuadro escenográfico, la
dramaturgia forma parte de un breviario de su vida, la cual enfrentó en medio de
múltiples padecimientos y vicisitudes, a causa de haber contado con una frágil
salud, que le llevara a la muerte.
Empero a ello, el montaje tiene mayor soporte escénico en su obra filosófica; es
decir qué gira en torno a la manera peculiar, profunda y cruenta qué Antonin
ARTAUD analizara mediante algunos cuestionamientos filosóficos como lo son, el
problema de lo finito e infinito, el sufrimiento constante del cuerpo, la crueldad de
existir, o bien, del espíritu, entre otros cuestionamientos más.
Para “La Maquina del Tiempo” Antonin ARTAUD ha sido, como anteriormente sus
dos exponentes femeninas manifestaran en torno a tan controversial personaje
real.
-Un Big Bang, un principio sin final. No se detiene nunca a pensar de
arrastrarse por la vida cargando con su cuerpo quebrado por la enfermedad y
un espíritu indomable e infinito. Él es un modelo cosmológico. Su palabra es
Arte y su conducta locura, en energía desbordada de la vida misma. Un ser de
su época, que hoy sigue marcando la pauta de nuestros contemporáneos:
teatreros, artistas y poetas. Él eligió el Arte como patria y, en él, el poeta, el
actor y el torrencial pensamiento están, sin piedad resguardados en su obra
escrita, dibujada y actuada. Películas, grabaciones radiofónicas, poesía,
cartas, muchas cartas, obras de teatro y manifiestos son n su conjunto un
admirable proyecto artístico, un proyecto de sí mismo, un vórtice, un choque
eléctrico, un proyecto acerca de los límites del cuerpo y las posibilidades del
lenguaje.-
La “Serie de encarnaciones filosóficas, entre las que se encuentra la obra intitulada
ARTAUD ¿Cuánto pesa una nube?” es una puesta en escena basada no tan sólo en
los textos de Antonin Artaud, sino también en grandes exponentes como lo fueran
Florence de Mèredieu, Gonçalo de Tavares y Wittgenstein.
Montaje escénico que se presenta en el Centro Cultural Helénico, al igual que las
otras dos obras más de “PESSOA, La hora del diablo” y “KAFKA, Donde estas
están todos los mundos” formando parte de la trilogía de las “Series de
Encarnaciones Filosóficas”.
SERES
POR: Dalia María Teresa De león Adams
Obra teatral que mezcla la danza con el histrionismo escénico la cual tiene como base, lo que el grupo coreográfico denomina “viaje contemplativo de una serie de sueños lúcidos”.
Es una puesta en escena que muestra la razón y sin razón de los SERES en base a varias propuestas escénicas en donde lo primigenio, da paso a la ambigüedad de la sociedad, mostrada en fases de inequidad sexual y conductual.
Con ritmos, movimientos corporales y faciales que expresan desde la angustia, el desazón y la empatía el grupo de jóvenes bailarines y actores muestra con gran emotividad la psiquis expresada desde lo más profundo de los sueños.
SERES es un montaje escénico que lleva más peso escénico en su parte coreográfica, aún cuando la dramatización de las escenas adquiere gran importancia para la expresión plástica.
Contando con cinco números que dan inicio con la presentación de CENIZAS, ZENZONTTLE, VIENTO FRESCO, TUATISA, más un baile de que se introduce con “la Sandunga” su director artístico de Luis Hernández va más allá de lo evidente, para mostrar una fase contemplativa de los SERES humanos.
Al respecto sobre esta puesta en escena la compañía muestra a manera de Sinopsis la siguiente apreciación:
-Programa de danza teatro que propone una perspectiva onírica de diferentes temas del imaginario mexicano, utilizando principios de técnicas dancísticas y teatrales para que , a través de una poética particular, el público pueda transitar por las atmósferas escénicas de cada pieza.
La muerte, el dolor, la liberación, lo místico, el rito de iniciación, lo sagrado, los enigmas, la música, la fiesta, lo folklórico y la femineidad son temas que se entrelazan en el programa para expresar nuestra inquietud, como colectivo, por rescatar las identidades propias a través de la riqueza creativa latente en el imaginario de los sueños.
SERES tiene el apoyo multimedia de un video que muestra entre cada número a presentar, cada una de las apreciaciones a notar en cada representación artística, haciéndola más digerible para el espectador.
En SERES interpretan la trama y la danza Maximiliano Madrigal, Perla Mariana, Luis Hernández y otro bailarín más. Puesta en escena que se presenta en el Teatro La Capilla, en días sábados al filo de las 18:00 horas.
TIKI TAKA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Tal vez Usted aún se pregunte ¿qué es el TIKI TAKA? La respuesta es sencilla. Es el nuevo lanzamiento oficial del disco de la cantante milenia Ana Paula. Ella es una joven cantante originaria de la Ciudad de Guadalajara, Jalisco.
Nació el día 6 de enero de 1995 y a tan sólo cumplidos sus 15 años, ya tenía grabado su primer sencillo en Italia con el productor Loris Ceroni. Le comento que perteneció a la “Girl Banda”; un grupo juvenil en el cual fue integrante junto con la cantante de moda Sofía Reyes, durante cinco años.
Tras de dicha experiencia decidió colocarse en el medio artístico como solista y, en abril 2019 logró lanzar su EP titulado NO MATTER WHAT usando para ello el llamado language “spanish english”.
Posteriormente grabaría su canción LA QUE MANDA que sería un disco sencillo con música del género Pop Urbano, colocándose de inmediato en el gusto del público adolescente.
Poco después Ana Paula subiría a las redes un Tic Toc que logró ser viralizado obteniendo con ello, alrededor de 11 millones de visitantes en las redes. La ahora cantautora, al descubrir su potencial artístico, con más entusiasmo que nunca ha decidido continuar en el medio musical.
Su reciente creación es la canción titulada TIKI TIKA la cual por cierto, fusiona dos distintos géneros musicales que son la Cumbia y el Pop Urbano, logrando con ello una mezcla que promete poner a bailar a todos sus escuchas.
En entrevista la cantante Ana Paula comentó que su nuevo sencillo de TIKI TAKA es una canción que contiene una letra sencilla, con letra común y fácil de digerir, pues fue hecha con la intención de hacer gozar, bailar y entusiasmar a la gente.
Su letra, según sostiene la joven cantautora, posee una letra repetitiva la cual con ello logra fácilmente quedarse en la mente de la gente y así poder ser de inmediato cantada por el público.
Finalmente le comentaré que el Lanzamiento Oficial del disco sencillo de Ana Paula el TIKI TAKA se llevó a cabo casi recientemente el pasado día 31 de marzo en “El Barezzito Polanco a las 7:00 P.m.
Actualmente se está escuchando en la radio y se está reproduciendo el video en la red de You Tube. Te deseamos ¡MUCHA SUERTE!
¡ME VALE MADRES!
POR:
Dalia María Teresa De León Adams 
¿Quién es Prem Dayal? Es un reconocido maestro de meditación que ha dedicado más de 35 años de su vida a estudiar, practicar y enseñar.-
Con la frase anterior es que nos encontramos de inmediato, al navegar en el Internet para investigar sobre el maestro Prem Dayal. Seguramente Usted ya ha escuchado hablar sobre él y sus novedosas técnicas de relajación que utiliza para liberar el alma y para evitar el estrés; entre otras situaciones como el desafinarse del formalismo habitual errático, que nos esta llevando a vivir situaciones de inconformidad, e incluso de odio hacia la rutina, el trabajo y los compañeros o personas con quienes solemos pasar nuestro día a día.
Para comenzar, primero le comentaré qué el maestro Prem Dayal (nacido en Italia) tras de permanecer en Europa en sus primeros inicios laborales como artista, alargaría su trayectoria en el ámbito teatral incursionando no tan sólo como actor, sino como director, dramaturgo y coreógrafo, hasta haberse convertido en el autor de la obra intitulada ME VALE MADRES mantras mexicanos para la liberación del espíritu.
Obra que sería publicada en el año 2016 en calidad de libro físico y, dicho sea de paso, ésta se convertiría en un Best Seller. Entre otras de sus obras se encuentran TANTRA Y SALCHICHA, la vía sabrosa al sexo sagrado, AUTOBIOGRAFÍA DE UN PINCHE GUEY, la fuga de la normalidad, ¡NO ES MI PEDO! y EL CALENDARÍO ETERNO DE PREM DAYAL.
Esto hablando solamente de la producción de sus libros, pues además ha sido el creativo de diversas dramaturgias, siendo todas escritas con la ironía y las paradojas que se han ido convirtiendo poco a poco en su distintivo personal. Dramaturgias las cuales son Rock Pantomime, Tengo Sida, Aria Ruvida, I love you…Muñequita, El Miles, Un Negro Llamado Nicolás, El Claus.
Su afán por la meditación y sus conocimientos respecto a mantras y técnicas de relajación, le llevarían anteriormente a su llegada a nuestro país, a residir durante 10 años en la India, en donde encontraría algunas de las herramientas de las que surgieron sus nuevas propuestas terapéuticas, que han asombrado a muchos de sus seguidores.
Programas que ofrece actualmente a través de talleres impartidos en la colonia Condesa, de nuestra Ciudad de México. Ello de manera física, pues también las puede usted obtenerlos por vía digital, lo cual ha agrandado su audiencia incluso en otros países.
Su propuesta psicoterapeuta intenta romper con la seriedad y formalidad, a partir de la enseñanza de algunos mantras de desapego, tras de lo cual incluye algunos retiros anuales.
Hoy en día, tras del intento por volver a sus inicios en el teatro, reestrena su monólogo en torno a su obra magnánima ¡ME VALE MADRES! mantras mexicanos para la liberación del espíritu.
Puesta en escena que Usted podrá presenciar para aprender divirtiéndose y relajándose para pasar un agradable momento, presenciando éste espectáculo unipersonal de Prem Dayal en el Teatro Centenario Coyoacán en los días sábados y domingos al filo de las 18:00 horas.
SE ESTRENÓ “LA EXHIBICIONISTA”
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Si Usted aún no sabe quien es LA EXHIBICIONISTA le comentaremos qué es la actriz Gabriela Rosero, quien interpreta el rol estelar de María de los Ángeles, una joven quien ha sido traicionada por los seres a quienes ama, destruyéndole dichas vivencias, la confianza en cualquier ser y, sobre todo en el amor.
LA EXHIBICIONISTA es una dramaturgia mórbida y cruenta que la hacer pertenecer al género teatral naturalista, por su tratamiento realista y sin censura. Escrita y dirigida por Salvador Garcini, quien se expresa a través de su texto abiertamente y con un toque de ruptura hacia la hipocresía de la sociedad, la cual en su opinión, actúa sin libertad al reprimir su esencia sexual.
La trama tiene diversos matices y aristas que invitan a la reflexión del comportamiento de nuestro propio ser, llevada al límite de la presentación de una mujer porno, en quien gira la trama de esta puesta en escena peculiar.
Y dije peculiar, en el sentido en que su autor Salvador Garcini expresa sin tapujos ni censura ésta temática, escenificando además el cómo se graba una película de tal característica, lo cual la hace un tanto más interesante.
Es una obra que invita al “Voyeur” a disfruta de la belleza de la actriz porno, quien no tan sólo desnuda su cuerpo, sino que va más allá entrando en la psiquis de su personaje protagónico, envestido en el personaje protagónico de María de los Ángeles, quien se expresa a través del dolor y la desilusión sufrida por una joven hermosa y sensual mujer.
En consecuencia, podemos leer la siguiente reflexión de la casa difusora de Sandra Narváez:
Un accidente será el detonador que pondrá a María entre cuatro paredes acompañada solamente de la soledad y decepción, esto la obligará a desnudarse frente al espejo y mirar a la persona que realmente es, sin máscaras ni personajes.
En la obra se plantea que la culpa es autocensura, el rencor enferma y el miedo trastoca la confianza al punto de volverse errática ¿Es nuestra identidad real o es una construcción de impulsos reprimidos por la educación familiar y social que nos han dado? Es una pregunta que María de los Ángeles pone sobre la mesa al enfrentar la culpa por su trabajo, sus vicios y las traiciones que fueron cuestionando la fe en los principios religiosos estrictos con los que fue educada.
La EXHIBICIONISTA además cuenta con un montaje escénico en donde en ciertos momentos del desarrollo de la trama, la actriz Gabriela Rosero actúa de manera paralela a un video proyectado en el escenario, en el cual ella misma es filmada, para complementar la historia a tratar.
Se cuenta con una espléndida utilería, como lo es la introducción de una motocicleta en pleno escenario, la cual es tan llamativa como el vestuario que utiliza la actriz en su interpretación, haciendo con ello un vistoso espectáculo unipersonal.
LA EXHIBICIONISTA se presenta los días lunes y miércoles en el Foro Shakespeare a las 20:30 horas.
UNA ACTRIZ SIN PERMISO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Teniendo como dramaturgo y director al maestro Salvador Garcini, la puesta en escena UNA ACTRIZ SIN PERMISO bajo la interpretación de la gran actriz argentina María Inés Montilla, se está presentado hoy en día en el Teatro El Círculo Teatral.
-Este monólogo musical magistralmente protagonizado por María Inés Montilla y dirigido por Salvador Garcini, te atrapará y te llevará por los difíciles caminos del amor propio.
Este monólogo que retrata perfectamente los malabares que una mujer debe sortear para equilibrar los roles entre su vocación y su matrimonio, es el resultado de la inspiración autobiográfica de la actriz y la dirección del maestro Salvador Garcini. (Información del Circulo Teatral)
UNA ACTRIZ SIN PERMISO es un espléndido espectáculo unipersonal. Y aseguro que espléndido, en el sentido en que ofrece al espectador además de una gran actuación, parte de la poesía icónica de los españoles Federico García Lorca (Fuente Vaqueros 1898-1936), León Felipe (Tábara 1884-1964) y Antonio Machado (Sevilla 1875-1939).
Ello aunado con las melodías cantadas con la melodiosa voz de María Inés Montilla, quien interpreta varios números musicales a manera de capela, lo cual hace innecesaria la musicalización en vivo.
Obra teatral emotiva interpretada, por la actriz María Inés Montilla quien bajo la caracterización versátil de distintos personajes, logra inferirle a su rol protagónico con matices autobiográficos, ventilar bajo una narrativa que la ubica dentro del genero melodramático, la difícil tarea que los artistas enfrentan en el medio teatral, en aras de seguir el sueño de ser actor/actriz, sacrificando para ello su vida familiar.
Dejar a su propia familia para, pertenecer a otra, a la Gran familia teatral” como asegurara a la prensa semanas anteriores al estreno, su director escénico, el Señor Salvador Garcini, con sus propias palabras.
Un personaje más entrará en el discurso, dándole un toque chusco y agradable a la trama; este será un policía de transito quien aunado a la relación amistosa de Ramón (un personaje que se mueve frente el desconsuelo que le puede llevar a quitarse la vida) le dará un giro a la historia.
La obra teatral cuenta con un montaje escénico en donde aparecen algunos muebles a manera de simular la estancia habitacional, de dicha actriz, desde donde una mujer se desgarra emocionalmente narrando la dolorosa experiencia de haber abandonado o, haber sido abandonada, por su marido Federico y su pequeña hija menor de siete años Dulce María, sin embargo, muchas veces la vida reacomoda las circunstancias sufridas ante el amor.
Así transcurren rápidamente 80 minutos en el escenario, en el cual finalmente la actriz María Inés recibe el caluroso aplauso del público quien asiste al nuevo Teatro Circulo Teatral.
UNA ACTRIZ SIN PERMISO se presenta los días jueves a las 20:30 horas y los domingos a las 19:00 p.m.
LA EXEQUIA DE DOÑA POMPA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
LA EXEQUIA DE DOÑA POMPA es una obra teatral que forma parte de las Nuevas
Dramaturgias para Nuevas Producciones 20221-22, cuyo Ciclo se denomina
Historias de Motel para Dramaturgias de Paso.
Puesta n escena que se presenta junto con otros montajes escénicos como lo son
Cuarto 232, escrita por Aarón Zamora y La casa por la Ventana, de Gonzalo
Villanueva Irañeta.
Escrita por el dramaturgo Alan Escalona la puesta en escena se encuentra dirigida
por Isael Almanza, bajo la producción de Paula Calderón de la Barca, contando con
las interpretaciones de dos actores en escena, quienes son la actriz Erandeni Durán
en el papel protagónico de Doña Pompa y el actor Miguel Navarro, caracterizando a
su esposo fallecido, Lucho.
Es una puesta en escena en un cuadro escenográfico, en el cual se ubica una cama
matrimonial, con una mesa y su silla, además de algunos cuadros y dos lámparas
arbotantes, que unánimemente simulan el cuarto de un motel, en donde
transcurre toda la narrativa de la trama.
Obra que por su tratamiento escénico, bien puede ser ubicada dentro del género
del realismo mágico, en donde todo puede pasar, incluso, el revivir a un muerto,
entre otras cosas.
El supuesto uso de la magia, es un elemento básico para el desarrollo de éste
drama peculiar, en donde una viuda acude a un cuarto de un motel, en donde
muchos años atrás se encumbrara el gran amor que sentía por su pareja ya difunto,
al cual mediante, todo un conjuro, intentará revivir.
Malos entendidos y resentimientos no expresados se expondrán en el encuentro, a
cartas abiertas para intentar lograr el propósito que llevara a Doña Pompa a
realizar dicho acto sobrenatural.
A manera de Sinopsis, en el programa escrito para el público de ésta obra teatral,
aparece la siguiente consideración al respecto escrito por la misma compañía
creadora:
-Desde que su esposo murió, Doña pompa sufre de sus apariciones y visitas en
los sueños. Entre amigas y comadres, le dijeron sobre un ritual, una exequia,
para ver a su esposo y preguntarle por qué después de tanto tiempo no la deja
en paz. Para ello, deberá regresar a ese cuartucho de motel donde años atrás
se amaron.
Hay que advertir: la puesta en escena puede que les haga pensar si aquellos
que se van de nuestras vidas, y a quien extrañamos, realmente eran buenos
con nosotrxs, o es sólo la soledad que nos orilla a ver todo color de rosa.-
Texto que el autor Allan Escalona escribe con miras a reflexionar acerca de:
Tres nuevas dramaturgias que nos permitan conectar con unx mismx después
de cuestionarnos hasta nuestrxs más oscuros deseos.- según expresara
textualmente Ángel Muñoz para el Foro Shakespeare.
LA EXEQUIA DE DOÑA POMPA se presentará hasta el día 24 de abril en El Foro
Shakespeare en el Espacio Urgente 2, de jueves a domingos.
LAS PROFETAS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-LAS PROFETAS , una comedia del absurdo sobre machismos, maternidades e inclusión. –
Con éstas palabras se refiere la compañía “Los Tradicionales e Iridiscente Producciones” acerca de su reciente puesta en escena LAS ROFETAS.
Dramaturgia original de Carlos Alfonso Nava, quien dicho sea de paso, fuera galardonado con el Premio Nacional de Dramaturgia “Emilio Carballido el año pasado 2021, por su obra “Cada Soñador se Duerme con sus Zapatos de Baile”.
Bajo la dirección de Daniel Sosa Derat, la comedia nos presenta a dos personajes protagónicos, el de Mariana y Carla; dos medias hermanas excluidas por la sociedad, quienes se encuentran en condiciones vulnerables dentro de un Orfanato que recluta posteriormente a sus padres, en un Centro de rehabilitación con la única condición de que sean personas que han abandonado anteriormente a sus hijos.
-Cuando Mariana se enfrenta a la decisión de si quiere o no ser madre, regresa al orfanato de donde salió hace ya dieciocho años, para buscar información sobre el paradero de su padre, es así como conoce a su hermana Carla. Juntas van a enfrentar al hombre que les abandonó, pero lo que descubren es que el orfanato en donde crecieron no es un lugar común: mientras las niñas y niños abandonados son recibidos en Bajaí, a las madres y padres que les abandonan los internan en Haisham, un centro de rehabilitación y adaptación social en donde se transforman en mejores seres… aunque no precisamente humanos.-
Sinopsis que ofrece la compañía con un contenido narrativo ácido y cruel que tiene como referente, el introducir algunos de los elementos de la obra icónica de Samuel Beckett “Esperando a Godot”.
Obra también conocida a manera de subtítulo como la “Tragicomedia en dos actos” que se ubica en el género del teatro del absurdo, y que fuera escrita a finales de los años 1940 por su autor Samuel Beckett, publicada en 1952 por la empresa francesa “Éditions de Minuit”.
Recordemos qué Esperando a Godot tiene como personajes estelares a Estragón, Pozzo y Vladimir; nombres retomados de manera referencial en la comedia de Carlos Alfonso Nava, añadiéndoles su ingenuidad y nobleza emblemática, de manera chuscas.
Esto en cuanto a que en la obra de Samuel Beckett son personajes que pasan el tiempo “Esperando a Godot” el cual jamás llegará. Al igual sucede con los personajes huérfanos de Carlos Alfonso Nava, los cuales Esperando a sus Padres, éstos nunca aparecerán.
LAS PROFETAS es una obra que invita a la reflexión del ser en sí mismo, sin ataduras ni prejuicios, en aras de la libertad. Es una puesta en escena empero divertida y llena de matices, que presenta al hombre machista quien de pronto en circunstancias extremas especiales, de pronto se encontrará en circunstancias conflictivas semejantes a las que una mujer quien ante una violación, o engaño, sufre, llevándola a enfrentar un embarazo no deseado.
LAS PROFETAS se presentan en el Teatro La Capilla los días miércoles a las 20:00 horas.
A punto de estrenar LA EXHIBICIONISTA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia original del maestro Salvador Garcini bajo su dirección, contando con la actuación protagónica de Gabriela Rosero, quien en escena muestra tanto belleza física, como dotes histriónicos.
Características que precisa el personaje de LA EXHIBICIONISTA, una mujer moderna y atrevida, quien vive su vida abiertamente, sin filtros, ni reglas establecidas a seguir por su familia y la sociedad.
Así la obra teatral del autor, terminó siendo un trabajo arduo entre el dramaturgo Salvador Garcini y la actriz Gabriela Rosero, quienes en base a la interesante propuesta escénica y una actuación comprometida, aunada a un vestuario llamativo, a la escenografía vistosa que presenta diversos cuadros escénicos como según se hizo saber y pudimos ver en parte, logran una prometedora puesta en escena. La obra teatral será representada éste lunes 18 de abril 2022, en el Foro Shakespeare al filo de las 20:00 horas. Se trata de un espectáculo unipersonal de cerca de 90 minutos de duración mediante la cual el espectador podrá convertirse un poco en un “Voyeur”, es decir en aquella persona que mira o espía a otra u otros en situaciones eróticas. Teniendo como actriz protagónica a una mujer muy sensual y hermosa, quien con sus movimientos y monólogo plagados con tintes sensuales y atrevidos, dará vida a LA EXHIBICIONISTA.
Salvador Garcini quien es conocido como un destacado actor y director de teatro, cine y televisión, en rueda de prensa dio a conocer los pormenores de su próximo estreno, en el cual además hizo saber cómo fue el que se interesó en Gabriela Rosero para que interpretara su obra.
Según comentó fue a quien conoció desempeñándose en un escenario, por lo que tanto su trabajo, como su presencia, le hicieron saber que se trataba justo de la persona idónea para estelarizar el papel estelar. Como Sinopsis de la trama o temática a tratar la compañía teatral argumentó:
LA EXHIBICIONISTA es la historia de una actriz porno llamada María de los Ángeles, proveniente de una familia conservadora donde la inmoralidad y las tradiciones suceden convirtiendo a la hipocresía a la mascara que oculta la verdad. A partir de un accidente María nos dejará ver los demonios que ha cultivado desde su infancia revelando su drogadicción, su locura, su rencor y su anhelo de venganza hasta descubrir que su vida también tiene bondad y luminosidad logrando suavizar sus impulsos destructivos al convertirse en una gran actriz de teatro. LA EXHIBICIONISTA se presentará a partir de éste próximo lunes 18 de abril 2022, en el Foro Shakespeare a las 20:00 en días lunes y miércoles hasta el 22 de junio.
CALLE AMOR
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia y dirección de Laura Uribe CALLE AMOR que tiene como reparto estelar a los actores Ángel Abad, Frida Aranza, Eduardo Arriola, Atenas Cobos, Mario González-Solís, Elizabeth Guajardo, Aurelio Gutiérrez, Erudi Minero, Manuel Mompala, miguel Ángel Pérez, Aline Reyes Estrella, Rodrigo Virago, Juan Pablo Zavala y Erandi Zenil.
Montaje escénico en un cuadro escénico, en donde el recurso escénico de multimedia juega un papel importante, con el manejo de videos presentados paralelamente a algunas de las actuaciones de los jóvenes actores, en diversos momentos escénicos, para darle un toque de parodia a ésta trama que gira inicialmente en torno al amor.
¿Cómo definirlo?, ¿cómo sentirlo?, ¿cómo expresarlo?, ¿cómo vivirlo?, ¿cómo asumirlo?, cómo, cómo, cómo y, ¿bajo que parámetros de prototipo ideal, tanto físico como conductual y, sexual?
Éstos son algunos de los cuestionamientos entre otros más, que se infieren en la escenificación muy breve de casi todos los cuentos infantiles, en donde la industria cinematográfica de Disney ha asumido un papel importante, o manipulante al respecto, según el enfoque de la trama de la escritora Laura Uribe, que trata en cuestión dentro de su obra.
Actuada por solamente jóvenes actores quienes, ocasionalmente bailan y cantan, actuando con cierta pasión, al verse involucrados en la narrativa de la dramaturgia, la cual tiene un gran contenido de cuestionamientos, que la convierte en cierto modo en una obra del género de denuncia y costumbrista, en la medida en que proyecta la realidad actual que viven, padecen y goza la juventud ante el amor.
¿Y, qué es el amor?
-Sentimiento de vivo afecto e inclinación hacia otra persona o cosa a la que se le desea todo lo bueno “amor al prójimo”…
Sentimiento de intensa atracción emocional y sexual hacia una persona con la que se desea compartir una vida en común “amor platónico”.
Son dos respuestas encontradas en el Internet, pero que finalmente lo logran englobar lo que es realmente el amor en todas sus aristas. Palabra que no ha sido bien definida, ni por los poetas, ni por los filósofos, ni siquiera por los científicos, quienes dan cierta información enfocada a los estímulos que se efectúan ante el amor, en relación al cerebro, reacciones con el cuerpo, e incluso con los órganos vitales. Por ello la frase trillada de: “Se sienten mariposas en el estómago”.
La dramaturgia de Laura Uribe, empero va más allá, al hablar de diferentes preferencias sexuales y estímulos, manipulación, sometimiento, acoso sexual, perversión, homicidios, prepotencia y hostigamiento.
LA FLAUTA DE HAMELIN
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Teniendo como interpretes a títeres con gran formato, la obra infantil LA FLAUTA
DE HAMLIN escrita por Oswaldo Valdovinos se presenta a través de la Compañía
El Astillero, en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico.
Teniendo como reparto estelar a los artistas Itzel Casas, Miroslava Figueroa, Zohar
Salgado, Sandra Rosales, Axel Agustín Castro y su mismo autor Oswaldo
Valdovinos, la obra inició temporada el pasado domingo a las 13:00 horas bajo la
dirección escénica de María Teresa Adalid y Oswaldo Valdovinos.
LA FLAUTA DE HAMELIN es una obra infantil inspirada en la obra “La Flauta
Mágica” original de los hermanos Grimm cuyo, texto se escribiera en base a una
leyenda alemana. En México sería publicada en el año de 1961 por la casa editorial
Ediciones Paulinas.
-LA FLAUTA DE HAMELIN revisita el cuento homónimo de los hermanos Grimm
y lo adapta a los nuevos tiempos, en este sentido, plantea los vicios que
condenaron a Hamelin, los estragos del sistema dominante, la injusticia, la
corrupción, e incluso la desilusión que embarga a la llamada” Ciudad del
Olvido” un lugar perdido al cual llegan los niños abandonados. (Teatro
Helénico)
A manera de dramaturgia LA FLAUTA DE HAMELIN es resumida por la misma
Compañía Difusora del Centro Helénico, con el siguiente argumento:
-A partir del que el rumor de que LA FLAUTA DE HAMELIN se ha perdido, Strom
(un capataz cojo y resentido) hará lo posible por encontrarla en un intento de
recuperar la confianza perdida. En esa búsqueda Leonora, una niña muda,
quien es parte de los niños “husmeadores” (grupo de niños explotados que
pepenan y buscan objetos valiosos para ser vendidos) los que se encargarán de
mostrarle con su ejemplo, a Strom que, en la vida, la esperanza es lo último que
debe perderse, y que incluso en el entorno más agreste se puede cambiar a
través del deseo de libertad y de cumplir los sueños.
Contando con una colorida escenografía que simula “La Ciudad del Olvido” la
historia es contada a manera de introducción al comenzar la función, por un alegre
personaje Arlequín.
Los títeres adosados con un vestuario adecuado con el referente de la obra, logran
de manera unánime con la escenografía, adentrar al espectador en el mágico
mundo del cuento infantil, en donde los ratoncitos serán desalojados por un
flautista desconocido, regresando todas estas a la Ciudad del Olvido y muchas más,
haciendo de las suyas, al haberse extraviado la flauta mágica.
El desenlace Usted lo podrá ver con su familia en LA FLAUTA DE HAMELIN se
presenta en el Teatro Helénico hasta el día 26 de junio con funciones los sábados y
domingos a las 13:00
A GOLPE DE CALCETÍN
POR: Dalia María Teresa De León Adams
En el marco del Ciclo Fiesta de las Infancias y sus Derechos el día de hoy, sábado 9 de abril la Compañía “Idiotas Teatro” regresa con la obra infantil A GOLPE DE CALCETÍN bajo la dirección artística de Cristian David y Fernando Reyes, contando con un gran reparto estelar.
Con respecto a la trama, ésta presenta la historia de un pequeñito llamado Francisco. Un niño que desde muy niño vendía diferentes mercancía. Finalmente Paco, (como le decía su madre por cariño) decidió estar en la venta de periódicos ambulantes, voceando para su venta, el contenido de éstos, día a día, como era la usanza de la primera mitad del siglo pasado (XX).
Así fue como recorría las calles de su ciudad, hasta que un día, un misterioso personaje ofrece comprarle todos sus periódicos a cambio de un gran pago, tras del cual, deberá realizar una extraña pero aparente misión, que consistía en entregar una carta.
Paco nunca imaginó que esa encomienda lo conduciría a aparecer él mismo en los titulares de los diarios que vendía, por ciertas circunstancias que estaban a punto de sucederle.
Muñecos de tamaño humano, como actores interactúan en el escenario con un vestuario peculiar, en color beige y marrón que dan un efecto muy especial, acorde a la narrativa a tratar.
En el escenario la historia de Paquito transcurre dentro de una escenografía en la cual se presentan una carreta, balices de colores que también al ser movidos, aparecen como algunas casas de la ciudad de México.
Por supuesto que también están presentes en el escenario, diversos artículos más de tramoya, los cuales son movibles y coloridos, qué junto con el efecto del hielo seco, parecen introducir al espectador en un cuento o un estado onírico muy bello.
En la representación teatral, como a-priori mencioné, los títeres o muñecos interactúan con varios actores, quienes se presentan, tocando en escena diversos instrumentos musicales en vivo , además de un canto ocasional casi inicialmente, haciendo con todo ello, un espectáculo de sensible deleite visual para toda la familia.
A GOLPE DE CALCETÍN es una obra teatral infantil donde la imaginación y la realidad se mezcla perfectamente con la ficción, en una puesta en escena colorida y muy divertida que interactúa con su público de pequeñitos.
Dramaturgia escrita por el afamado cuentista, novelista y poeta mexicano, Francisco Hinojosa, quien nació en el Distrito Federal en el año de 1954, lugar en donde recreó su cuento.
Le comento qué Hinojosa por su gran talento narrativo, fue galardonado con el Premio Nacional de Cuento, en la ciudad de San Luis Potosí en 1993. Escritor quien además de A GOLPE DE CALCETÍN escribiera “La Peor Señora del Mundo” (1992), “Manual para corregir a niños malcriados” (2016), “Yanka, yanka (2000), “Hectic, Ethics” (1996) entre otras más”.
Todas sus libros infantiles se han caracterizado por el dejo a manera de consigna, que habitualmente infirió a sus obras para concientizar tanto a su lectores como al público presencial en las puestas en escena de sus obras.
A GOLPE DE CALCETÍN fue publicada en el año de 1986, siendo prácticamente su primera obra publicada en formato de libro físico. Francisco Hinojosa también incursionaría en el medio cinematográfico con la película El jefe y el carpintero.
A GOLPE DE CALCETÍN de la compañía IDIOTAS TEATRO se encuentra celebrando toda una década de representaciones, que se dicen fácilmente pero qué realmente es difícil mantener en cartelera lo cual nos habla de que ha logrado mantenerse en el gusto del público infantil.
A GOLPE DE CALCETÍN se presenta en días sábado 9 y domingo 10 de abril a las 15:00: horas en el Teatro de la Ciudad, Esperanza Iris.
MADRE CORAJE Y SUS HIJOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Es la guerra de los treinta años. Eso que pasaba allá es justamente lo que pasa aquí, hoy: una guerra permanente convertida en normalidad. La perspectiva elegida es la de los conminados a sobrevivir semejante estado de cosas. La guerra como costumbre, como origen oculto de la desigualdad. La traficante Ana Fierling, mejor conocida como MADRE CORAJE, se encuentra en el apogeo de su carrera comercial, empuja un remolque, como se empuja el carro de la historia. Esa guerra de la que saca provecho le quitará al mismo tiempo lo más preciado, a sus tres hijos. Miles han muerto en la carnicería, los lobos rondan por las aldeas calcinadas. Madre Coraje debe seguir sola su camino, aunque todavía falta mucho tiempo para que la guerra termine. Esta pieza proyecta la crudeza de sucesos lejanos que intentarán referir los rasgos de la realidad actual: el crimen organizado, las guerras de los cárteles, el negocio violento de los sicarios, los tratantes, los secuestradores, el tráfico de armas y los feminicidios.
Así es como hace referencia la compañía Difusora de la Señorita Gaddi Miranda al presentar la Sinopsis de la puesta en escena LA MADRE CORAJE Y SUS HIJOS estrenada el día de ayer 9 de abril 2022, en el teatro principal del Centro Cultural Helénico.
MADRE CORAJE Y SUS HIJOS es un montaje escénico dirigido por uno de los mas brillantes maestros de la dirección, es decir por el Señor Luis de Tavira, quien ha puesto en escena la dramaturgia de uno de los pilares del teatro, es decir de Bertolt Bretch.
Recordemos qué Eugen Berthold Friedrich Brecht, fue un dramaturgo y poeta alemán. Uno de los más importantes e influyentes del siglo pasado. Se le considera como el creador del teatro épico, también llamado teatro dialéctico. Nacido el 10 de febrero de 1898, Augsburgo, Alemania y fallecido el 14 de agosto de 1956 en Berlín del Este.
Su obra MADRE CORAJE Y SUS HIJOS fue escrita en 1941. Se considera una pieza teatral fundamental en el teatro de Bertolt Brecht, la cual se estrenó en Berlín en el año de 1949, con la música adicional de Paul Dessau.
Por otro lado Luis Fernando de Tavira Noriega (México 1949) además de excelente director, es dramaturgo, ensayista y pedagogo. Autor de varios libros como lo son El corazón de la materia: Teilhard, el jesuita, El espectáculo invisible: paradojas sobre el arte de la actuación, Hacer teatro hoy, entre otros.
Datos anexos que hacen que la obra sea una promesa aunado a los magníficos actores que interpretan éste drama, como lo son Perla de la Rosa, Jesús Piña Meza, Saura Emilia Subiate, Ezra Padilla De la Rosa, Marco Antonio García Delgado, Cesar Cabrera Sánchez, María Guadalupe Balderrama Vela, Guadalupe de la Mora Covarrubias, Alan Gabriel Escobedo Meléndez, Mario Alberto Vera Lizalde, Claudia Cecilia Rivera Carrera y Norma Meraz Herrera. Todos ellos actuando con gran plástica actoral e histrionismo escénico.
La obra teatral con una duración de 180 minutos, se presenta en dos cuadros escénicos, con utilería movible que logra enmarcar cada cambio escenográfico, acompañado por un grupo de músicos en vivo que amenizan y matizan cada una de las escenas a representar.
Aunado con un vestuario a la usanza secular, de la que fuera la llamada Guerra de los Treinta Años; es decir, el conflicto armado librado en la Europa Central entre los años 1618 y 1648 en la que intervinieron la mayoría de las grandes potencias europeas de la época, cambiando el futuro de Europa.
MADRE CORAJE Y SUS HIJOS se presenta en el Teatro Helénico de jueves a domingos.
SOBRE CÓMO NO SER UN DESEO ESTÚPIDO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Una banda de rock amateur intenta capturar la esencia de la juventud con una rola. En el proceso se ven atropellados por sus deseos; cada uno desea cosas distintas y no pueden ponerse de acuerdo. A través de un convivio franco, buscamos que la juventud del público, sin importar su edad, reviva durante la obra.-
Es sobre ésta base que se presenta la obra experimental SOBRE CÓMO NO SER UN DESEO ESTÚPIDO del grupo juvenil integrado por Diana de la Peña, Simón Franco Suárez, Janeth Piña González, Andrea navío y Rodolfo Almazán Gómez.
Dramaturgia que esta compuesta con poco texto y narrativa a seguir, pues la intención del montaje escénico es, el de expresar los sentimientos y conseguir la colaboración del público, al cual desean provocarle algún tipo de sentimiento con su obra ¡sea el que fuere!.
La temática esencial es en torno a la juventud, término el cual intentan redefinir en base a una serie de estímulos que manifiestan los jóvenes actores, ante sus cortas vidas.
Deseos que expresan en el escenario, invitando al publico a compartir colectivamente sus ideas o sentimientos, desde lo más recóndito del sentido de la juventud, sin tomar en consideración sus años.
-La juventud es la edad que precede inmediatamente a la edad adulta y se sitúa después de la infancia. La juventud puede incluir a la preadolescencia, adolescencia, adultez temprana y adultez media.-
No existe una definición internacional universalmente aceptada del grupo de edad que comprende el concepto de juventud. Sin embargo, con fines estadísticos, el concepto de juventud, es un término que, por un lado, permite identificar el periodo de vida de una persona que se ubica entre los 18 y 27 años. (Definiciones en página Web).
Palabra que en el fondo poseen muchas otras connotaciones más, como lo pudimos comprobar mediante ésta puesta en escena, en donde todo tipo de respuesta era válida, a través de los sentimientos.
Música e imágenes forman parte de ésta puesta en escena, presentadas a través del apoyo multimedia, que resultan ser parte medular de obra teatral, en donde a través de una mega pantalla se proyectaron imágenes en torno a la temática a tratar, en éste montaje escénico.
Lo irracional de lo racional fue expuesto mediante los deseos más íntimos de cada uno de los componentes del grupo, en éste melodrama, imaginando un final para cada uno de los interpretes del grupo.
Puesta en escena en un sólo tiempo y cuadro escénico, dirigido bajo la tutela de Simón Franco y la participación escénica de los jóvenes actores Zandy Nova, Diana de la Peña, Fernando Olguín, Andrea Navío y Aleks León.
La obra teatral SOBRE CÓMO NO SER UN DESEO ESTÚPIDO se presenta en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque.
HOMBRUNA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
La joven dramaturgista e interprete Valntina Garibay regresa con éste impactante monólogo a manera de melodrama, escrito con tintes biográficos que muestran la vida de una psicópata, quien tras de una vida difícil, triste, llena de soledad y abusos, se convertiría en una autentica criminal; “El mata-viejitas” como se leyera y diera conocer en las notas rojas de los noticieros en México.
Fue así como el día de ayer 7 de abril 2022 el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque se reestrenó la puesta en escena de HOMBRUNA bajo la dirección artística de su mismo autor, el Señor Richard Viqueira.
Función que se llevo a cabo de manera muy original y con un cierto toque de humorismo negro que logró hacer ameno, éste drama escrito por Viqueira, el cual pese a la temática bastante cruenta a tratar, atrapó el interés del público quien rió durante gran parte de la función.
Drama representado en un cuadro escénico, prácticamente vacío, que gracias al juego de luces, hielo seco y a algunos objetos de utilería en donde los grandes globos inflados en mayoría en el escenario, junto con muñecas inflables, jugaron un papel preponderante dentro de la narrativa de la dramaturgia, gracias al talento y versatilidad de la actriz, quien los manipula con cierta maestría.
Así Valentina Garibay mediante el difícil recurso escénico unipersonal, caracterizó a Juana Barraza mediante un monólogo en donde las retrospecciones temporales fueron frecuentes, para dar a conocer algunos de los pormenores de la dramática historia real, con una narrativa del texto, bien lograda.
Los diálogos fueron realizados con la frescura y ocurrencias logrados por la modulación de las voces que Valentina Garibay logra otorgar a sus personajes, aunados con los movimiento corporales que distingue a cada uno de ellos, y gracias por supuesto a la dirección escénica de su propio autor, quien como a-priori mencionara es el Señor Richard Viqueira.
Empero a ello la representación fue tornándose en un verdadero drama que se basó en mostrar la difícil vida de una asesina serial quien conmocionara en la vida real de manera temporal a la Ciudad de México, en la primera década del 2000 con sus 17 crímenes (y doce robos).
Momento en el cual los noticiarios mencionaron cada uno de los asesinatos cometidos por el “supuesto Mata-viejitas” quien terminó siendo mujer, y a quien además se le acusaba de ser violador ocasional de sus víctimas longevas, a las cuales además hurtaba.
Y como a-priori mencioné es una puesta en escena con pocos recursos escénicos, pues en realidad no hace falta más que el apoyo en el escenario que de una serie de globos, junto con una muñeca inflable que la artista inflaba y desinflaba, manipulando dichos objetos en diversos momentos escénicos; tiempo durante el cual se introdujo humo o hielo seco, armonizando con ello el único cuadro escénico.
De ese modo el aire se convirtió en un elemento más dentro de la bisutería de la representación que fuese por cierto, en un solo tiempo escénico de alrededor de 90 minutos de duración.
La actriz cantaba o tarareaba fracciones breves de algunas melodías populares y, por supuesto, el apoyo musical ocasional no faltó. Así la triste y escandalosa historia de Juana Barraza Samperio, una mujer violada indistintamente por diversos hombres a quienes fuera vendida por parte de su madre, a cambio de tan sólo una botella de cerveza fría.
HAMBRUNA se presentará en corta temporada en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque planeada del 7 de abril hasta el 8 de mayo 2022, de jueves a domingos, con la suspensión de algunas funciones que serán el 14 y 15 de abril y el 1 y 5 de mayo.
VIRGINIA La muerte de la polilla
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Teniendo como dramaturga y directora escénica a la también actriz Aline Menassé, la obra teatral VIRGINIA, la muerte de la polilla se estrenó el mes pasado, 5 de marzo 2022 en el Teatro “El Galeón Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque.
Obra con tintes biográficos acerca de la afamada escritora inglesa Virginia Woolf. Es una puesta en escena interpretada por la actriz María Inés Pintado, quien muestra la parte más icónica de la prodiga escritora, inmersa en sus diferentes facetas como literata polémica.
Considerada como un ícono del feminismo, Virginia Woolf intentó darle mayor voz a la mujer inmersa el recalcitrante machismo surgido del patriarcado, así como dar solución a problemáticas como la de las guerras a partir, que en su opinión encontrarían solución mediante la educación y el cambio de la visión social imperante, secularmente establecida.
Mujer abusada desde su adolescencia por un medio hermano, así como posteriormente por otro de sus hermanos mayores; suceso que narra en una de sus últimas obras que intitulada “Momentos de mi vida”;hecho infortunado que le provocaría hipomanía, es decir, el síndrome que causa hablar en extremo.
La vida de Virginia Woolf es llevada al escenario, exponiéndose parte de su extensa obra, seleccionada a-priori por la autora de éste montaje. Así Aline Menassé aseguraría que se enfocó en lo que consideró parte esencial de la obra de Woolf y de su trayectoria como escritora.
-La obra busca exponer y dar a conocer al espectador la multiplicidad de facetas de esta escritora inglesa, repensarla a la luz de nuestro tiempo; conmovernos con su lúcida sensibilidad es uno de los objetivos centrales de este trabajo.-
Así es como se expresó la Compañía Productora Nacional de Teatro, para dar a conocer el contenido medular de la trama de éste montaje escénico, a través de la cartelera teatral publicada, la cual resume perfectamente tanto el objetivo, como el contenido de la trama.
El elenco estelar esta formado por María Inés Pintado, quien caracteriza a Virginia Woolf, Elsie Flores estelarizando diferentes roles y, José Carriedo, también ejecutando diversos roles en el escenario. Los tres actores, demostrando en el escenario su gran plástica actoral.
La trama se presenta con prospecciones y retrospecciones temporales que la dramaturga poco a poco va hilando para el desarrollo de la narrativa, logrando bosquejar la vida y la obra de Virginia Woolf, personaje controversial que es representado en escena mayormente, bajo un dejo de sapiencia e inteligencia, ligadas a una vida caótica y difícil.
Sobre su biografía, podemos leer lo siguiente en una pagina WEB:
-Adeline Virginia Woolf, más conocida como Virginia Woolf, fue una escritora británica, autora de novelas, cuentos, obras teatrales y demás obras literarias; considerada una de las más destacadas figuras del vanguardista modernismo anglosajón.
Nacimiento: 25 de enero de 1882, Kensington, Londres, Reino Unido. Fallecimiento: 28 de marzo de 1941, Lewes, Reino Unido. Cónyuge: Leonard Woolf (m. 1912–1941). Obras: Freshwater, La Señora Dalloway, Una habitación propia, Al faro. Orlando, Las Olas, entre otras obras más.-
VIRGINIA, la muerte de la polilla se presenta en el Teatro El Galeón Abrahan Oceransky, del Centro Cultural del Bosque, en días lunes y jueves a las 20:00 horas.
UNA ACTRIZ SIN PERMISO en rueda de prensa.
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El día de ayer 5 de abril se convocó a la prensa para dar a conocer los pormenores de lo que será la obra teatral UNA ACTRIZ SIN PERMISO. Dramaturgia escrita por Salvador Garcini quien tras de un arduo año de trabajo, junto con la actriz argentina María Inés Montilla, lograron una espléndida obra unipersonal, basada en experiencias de la vida cotidiana que muchas mujeres, ante una sociedad machista, padecen, y en especial, aquellas jóvenes que desean ser actrices.
En la Conferencia de Prensa también estuvo presente el actor, dramaturgo, director y productor, el Señor Alberto Estrella, quien apoyando el esfuerzo y el talento de Salvador Garcini (su escritor y director) y María Inés Montilla (la intérprete) abrió las puertas del recinto Cultural “El Círculo Teatral” del cual es el propietario, directivo y profesor, junto con Víctor Carpinteiro.
Así, indistintamente expresaron cada uno sus opiniones, acerca del ya muy próximo estreno de la puesta en escena de UNA ACTRIZ SI PERMISO que se llevará presentará en el mismo Circulo Teatral, el día jueves 7 de abril 2022, a las 20:30 horas.
Le comento qué a-priori ya se nos había dado a conocer algunas consideraciones con respecto a lo que será el montaje escénico, por parte de la Compañía Difusora la cual se expresó, dando a conocer mediante el boletín de prensa algunos de los elementos que conformarán el monólogo, referentes dados su dramaturgo y director artístico Salvador Garcini:
-UNA ACTRIZ SIN PERMISO es un monólogo cómico, musical y poético que juega también a ser una tragicomedia donde se expone la libertad y el rompimiento de los límites para vivir mejor, la cual muestra que el egoísmo es la traba más importante en las relaciones y muchas veces se disfraza de amor y en ese engaño termina destruyendo todo.
El sistema patriarcal en que vivimos se ha encargado de imponer los valores propios de cada género y en ese sentido los roles y estereotipos han limitado la ida laboral de las mujeres. Christian de Pizan, en los inicios del siglo XV escribió que la historia de las mujeres sería otra si no hubieran sido educadas bajo los lineamientos masculinos que las limitan y aunque han pasado seis siglos desde entonces, seguimos viviendo las consecuencias de esas limitaciones. Salvador Garcini y María Inés Montilla, intérprete de ésta historia toman éste conflicto y o llevan a escena exponiendo que la decisión de abandonar a una familia por ser actriz es una decisión valiente y curativa porque la actriz ha decidido que toda la sociedad es su familia volviéndose el equilibrio exacto de un mundo más justo que nos dará la libertad para curar todas las enfermedades emocionales.
Recordemos qué Salvador Garcini ha sido un actor y director mexicano, tanto de teatro, como de cine. Actualmente dirige telenovelas mexicanas con importantes productores como lo son José Alberto Castro, Nicandro Díaz González y Emilio Larrosa a partir de 1990. Hecho que le ha llevado, haciéndose acreedor a la nominación como Mejor Director de Escena en TVyNovelas.
Por su parte María Inés Montillo es una cantante y actriz argentina, quien actualmente reside en nuestro país, tras de haber presentado un monólogo en el cual hablaba de su país, de la migración en términos de psicoanálisis; además de haber participado en la puesta en escena de una obra con un texto de García Lorca, junto con Antonio López Palacios.
Para concluir le comento qué en la rueda de prensa se dedicaron aproximadamente 20 minutos para presentar una fracción (o probadita) de lo que será la función de UNA ACTRIZ SIN PERMISO tiempo durante el cual pudimos ver que la obra promete ser ¡todo un disfrute!
TE AMO, ERES PERFECT@ pero cambia.
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Teniendo como reparto estelar a Lolita Cortés y Chantal Andere, éste montaje escénico resulta realmente único, en el sentido de que dos mujeres icónicas del teatro mexicano, por primera ocasión comparten el escenario uniendo sus voces, junto con actores Federico Di Lorenzo y Efraín Berry.
Los cuatro artistas protagonizan a diversos personajes demostrando gran versatilidad en sus actuaciones en ésta revista musical, en donde el amor y la pareja son la temática medular.
Temas que se abordan con un sentido moderno, como actualmente se vive el amor, pero presentado por supuesto, con un dejo de humorismo negro, que hace que la obra se desarrolle como un divertido montaje escénico, colorido y lleno de cambios escenográficos, así como de vestuarios.
Es una puesta en escena en dos tiempos que cubren 120 minutos de diversión, con una trama en donde la música en vivo adquiere un lugar preponderante bajo la ejecución de las melodías de Jimmy Roberts.
TE AMO, ERES PERFECT@ pero cambia es una dramaturgia original de Joe Dipietro, bajo la traducción y adaptación de Enrique Arce Gómez, compuesta por diversas pequeñas historietas, mediante las cuales podrá Usted verse reflejado, en una o varias de ellas.
Al respecto la Compañía Difusora “Manojo de Ideas” de la Señorita Marilú Torrano y Carlos García exponen las siguientes consideraciones sobre el proyecto escénico de ésta divertida obra teatral:
-Se trata de TE AMO, ERES PERFECT@, pero cambia, una puesta en escena que gracias a su frescura y veracidad se ha convertido en un éxito en las ciudades más importantes del mundo, y es que, aunque suene a cliché, cualquier parecido con la realidad no es mera coincidencia… es anécdota…
La trama es presentada a modo de viñetas conectadas por un tema central: el amor y las relaciones, y es que, de manera muy honesta, el público podrá ser testigo de un confesionario de emociones, ya que todo lo que siempre has pensado secretamente sobre salir con alguien, el romanticismo, el matrimonio, los amantes, maridos, esposas y suegros, pero te daba miedo que será expuesto y ventilado sin pudor.
Con respecto al autor, como a-priori he mencionado, es Joe DiPietro (New Jersey, 1963) dramaturgo, letrista y autor estadounidense mejor reconocido por el éxito de su libro “Memphis” que le llevó a ser galardonado con el premio Tony, por el mejor libro a un musical.
I LOVE YOU. YOU’ RE PERFECT, NOW CHANGE (título en inglés) fue escrito en 1996 y posteriormente sería estrenado en la Unión Americana en formato de largo metraje en 2019, bajo la dirección de Wang Zulan.
Por supuesto no se haría esperar en formato teatral, estrenándose TE AMO. ERES PERFECT@ ahora cambia en nuestro país el día de ayer, 3 de abril 2022 en el Teatro Hidalgo de la Ciudad de México, recibiendo por parte del público y la prensa presente, un largo y caluroso aplauso.
Bohemia 66 BRUSES, PATY CANTÚ Y ÁNGELA DÁVALOS
Por: Dalia María Teresa De León Adams-
-Estamos súper contentas porque es una oportunidad después de la pandemia de volvernos a reunir en un teatro increíble que está padrísimo, con la BOHEMIA 66 que significa el retorno de los shows en vivo (comentaría Ángela Dávalos).
Teniendo como moderador al Señor René Franco, el día de ayer 1º de abril 2022 se inició el concierto en vivo con una talentosísima joven cantante, quien abrió el concierto BOHEMIA 66 con su melodiosa voz, para dar paso a las interpretaciones de Paty Cantú, Bruses y Ángela Dávalos, quienes además se dirigieron al público con algunas palabras.
Ya tiempo atrás las tres cantantes habían trabajado juntas, pero es la primera ocasión en la cual se presentan en el hermoso recinto de “El Cantoral” cuya acústica, dicho sea de paso, es impactante.
Las tres cantantes interpretaron música de su autoría, así como algunos éxitos más, como el de “Fue ella”, canción que fue todo un éxito con la voz interpretativa de Yahir, o “No me duele” con Fela Domínguez. “Prefiero ser su amante” de Dávalos y “Goma de mascar” de Paty Cantú, entre varias interpretaciones más.
Canciones que sonaron acompañadas a piano y a guitarra y que cada una de las tres cantantes interpretara, tras de hacer alguna breve mención sobre el motivo que las llevara a grabarlas.
Patricia Giovanna Cantú Velasco, conosida artísticamente como Paty Cantú, es una cantautora y actriz mexicana nacida en Guadalajara en 1983, quien comenzara a estar en activo desde el año 2000, quien fuera miembro de Lu. Las canciones que la han hecho famosa son: Por Besarte (1904), La vida después de ti (1906), No es suficiente (1908) Afortunadamente no eres tú (1910), Goma de macar (1910), Suerte (1912) y No vuelvas (2020).
Bruses, cuyo nombre real es Amalia Ramírez es una joven nacida Tijuana, Baja California, quien reside en la capital de México para hacer con ello posible su sueño dar a conocer sus composiciones. Con arreglos en sus melodías de Lo-Fi, Pop y tintes de música electrónica con influencias del Rock & Rolls, es como ella misma ha definido su producción musical.
Ángela Dávalos cuyo nombre es Sitna Ángeles Dávalos Burguete, nació en la Ciudad de México. Conocida por su canción “Prefiero ser su amante, es productora y ganadora del Premio BMI SACM Latin Grammy. Ha figurado últimamente compartiendo escenario con cantantes de la llamada música Latinoamericana.
Tres mujeres exitosas que el día de ayer viernes 1º de abril se presentaron en Recinto El Cantoral, uniendo sus voces en el Proyecto BOHEMIA 66, para deleite de sus seguidores.
Y continúa TODOS LOS PECES DE LA TIERRA
POR: Dalia María Teresa De León Años
El día de ayer miércoles 30 de marzo 2022 se representó escénicamente la última función de la actriz Adriana Montes de Oca como uno de los personajes protagónicos en el montaje escénico de TODOS LOS PECES DE LA TIERRA, estando presente en calidad de madrina en la despedida la actriz y comediante María Penella.
Con cinco años re representaciones, la obra teatral TODOS LOS PECES DE LA TIERRA ha logrado ubicarse en la preferencia del público joven. Puesta en escena que incluso se ha presentado en formato Streaming y, está a punto de salir de gira artística en unos días.
Matizada con elementos humorísticos a manera de tragicomedia, la dramaturgia original de Bárbara Perrín Rivemar nos narra la perdida dolorosa de una niña por la ausencia de la madre, tras la cual seguirá la de su amado padre.
Perdida que se verá reflejada en algunas personas del público, ante la presencia inminente de la muerte, tras de la incertidumbre de no saber en dónde se encuentra la madre. De quien tan sólo quedaron vagos recuerdos.
TODOS LOS PECS DE LA TIERRA es un melodrama que refleja la psiquis de una adolescente, quien tiene que enfrentar sola la vida ante circunstancias totalmente adversas.
A través del personaje de Marina la joven escritora y actriz protagónica de éste drama, narra las circunstancias en que una pequeña de tan sólo 5 años persigue sus sueños, los cuales ante la perseverancia logra justamente en momentos adversos y muy dolorosos de su vida.
Primero surge el anhelo por conocer el mar, el cual cumple tras la huída de casa de su madre. Un perrito como mascota es el siguiente objetivo que acaricia y qué alcanza, en el tiempo en que su padre la corre de casa. Tomar clases de canto y lograr colocarse, será el sueño que se cumplirá en momentos de total soledad, a tan solo 15 años de edad. Y el reencuentro tan profundamente anhelado con su padre, que está a punto por lograr será un intento fallido ante su desaparece en el mar.
TODOS LOS PECES DE LA TIERRA metafóricamente en un grito de desesperanza ante la pérdida. Es una obra autobiográfica que tan sólo maquilla las circunstancias sufridas ante el duelo y el dolor padecido por su dramaturga.
¿Qué hacer ante tales circunstancias? Y punto justo para dejarse caer, siempre se aviva otra ilusión que ayuda a ponernos de pié y replantear la senda a seguir en nuestra vida.
Puesta en escena dirigida por Alejandro Ricaño (bajo la dirección residente de Roberto Paredes) quien ubica a la actriz sobre una especie de columpio de donde dos jóvenes actrices se balancean, narran, cantan y se desgarran emocionalmente.
Dos personajes protagónicos que resultan ser una misma persona. Una, quien habla desde sus entrañas, la Otra, quien surge desde el fondo del inconsciente del personaje cuyo nombre es Marina.
Apelativo por supuesto muy sugerente y ad-hoc con la trama a tratar, que lleva como significante lo importante y trascendental que resultará ser “el Mar” en la vida del personaje de Marina, bajo ciertos matices del género del realismo mágico.
TODOS LOS PECES DE LA TIERRA se presenta en el Foro Lucerna, del Conjunto Teatral MILAN.
EL BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO En su 70º Aniversario
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris vuelve a abrir sus puertas al BALLET FOLFLÓRICO DE MÉXICO a manera de festejo por sus 70 Años de haberse fundado por la gran bailarina y coreógrafa, Amalia Hernández Navarro.
Asociación coreográfica qué junto con su fundadora, lograron gran prestigioso y reconocimiento internacional. EL BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO lograría dar la vuelta al mundo con sus presentaciones, logrando colocarse en el gusto del público conocedor.
Amalia Hernández Navarro (1917-2000) nació y murió en la ciudad de México, antes el Distrito Federal. Fundó su Compañía en el año de 1952, cosechando grandes triunfos y fama a nivel mundial.
Compañía de Danza que se dio a la tarea de difundir nuestros hermosos bailes regional, así como la música vernácula de México, haciendo gala de ello durante muy largo tiempo.
Le comento qué aún tras del fallecimiento de su fundadora, la Compañía no ha cesado de presentarse gracias a su hija Amalia Viviana Basanta Hernández, quien actualmente funge como Directora artística General de tan importante Compañía.
Continuando con la labor de su madre, Amalia Viviana sigue presentándose en los más importantes recintos internacionales, siendo en nuestro país, el del Palacio de las Bellas Artes y, por supuesto el del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.
Lugar en donde próximamente volverá EL BALLET NACIONAL FOLFLÓRICA DE MÉXICO a dar funciones tan sólo en los días viernes 15, y sábado 16 de abril 2022, por su apretada agenda.
Le comentó qué justamente hace 70 años que con “Los Sones Antiguos de Michoacán, Amalia Hernández inauguraría su Compañía, momento en el cual combinara nuevas técnicas coreográficas de danza moderna y clásica que transformaría los bailes regionales mexicanos, con la vanguardia secular.
La prensa le ovacionó y el éxito no se hizo esperar. Y justamente dicha pieza o “Son” será recreada formando parte del programa junto con otros números. Repertorio que será el siguiente:
PROGRAMA:
Danza de la pluma.
Sones Antiguos de Michoacán.
La revolución.
Fiesta en Tlacotlalpan.
La vida es un juego
Fiesta en Jalisco.
EL BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO en su 70º Aniversario tendrá funciones en viernes 15 y sábado 16 de abril 2022, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.
¡QUE ARDA TEBAS!
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Comedia farsica que muestra las vicisitudes que ocurren tras de bambalinas cuando se pretende montar una obra teatral, pues más allá del compromiso que adquiere cada uno de los hacedores de teatro, pueden surgir muchas cosas inesperadas que podrían echar a bajo incluso, a un excelente proyecto escénico.
La parte del psiquis, la relación entre los actores, la toma de decisiones inesperadas, las trampas ocultas, el hostigamiento sexual, la prepotencia y actos mal intencionados, pueden ser algunas de las travas, al final del día laboral en un teatro cualquiera. Justamente ésta es la temática a tratar, es una obra realmente de contenido hilarante
¡QUE ARDA TEBAS! Es un deleite en especial para aquellos que trabajas en dicho medio artístico, pues se pueden ver reflejados en algunos momentos, de ésta puesta en escena, la cual va tomando algunos matices de humorismo negro que hacen reír a los espectadores, pese a la seriedad de los problemas suscitados en la trama.
La historia trata de un grupo de hacedores de teatro, quienes justo el día en el estreno de una versión posmoderna de la obra “Edipo Rey”, no cuentan en el último momento con todos los integrantes del equipo. Las conversaciones fuera de los camerinos comienzan a tornarse tensas. Circunstancias que provocaron dichos obstáculos se empiezan a hacer evidentes y el ambiente empieza a ser desolador.
Sin embargo hechos y actuaciones improvisadas parecen darle un giro a la situación, pues el público se muestra interesado y conmovido, sin caer en la cuenta de que la trama realmente no tomó el curso planeado.
¡QUE ARDA TEBAS! Es un texto original de nuestro joven entusiasta escritor mexicano Américo del Río, (quien además la actúa) cuya obra anteriormente ya había sido publicada a manera de libro físico.
Tanto para el autor como para su director Juan José Tagle, ésta Producción Escénica S.E. ponen a la postre la reflexión sobre la inclusión en la obra, bajo un contenido del metateatro, entendido dicho concepto como “el teatro dentro del teatro”; por todo ello expone la siguiente aseveración la misma Compañía, respecto a la estructura y contenido teatral de este montaje escénico:
-“ El concepto de la obra se basa en la reflexión sobre la evolución del teatro burgués al posdramático durante el siglo XX y lo que va del XXI. La puesta de dirección apunta principalmente a tres ejes: el texto dramático y su interpretación de comedia, que dictarán la directriz del tono y ritmo; la propuesta estética, la escenográfica y la de iluminación, así como la exploración teatral de las dos propuestas que sugiere el texto: por un lado la historia convencional de los actores el día del estreno y, por otro lado, la interpretación de la tragedia clásica bajo los ojos de la posmodernidad.”-
¡QUE ARDA TEBAS! Cuenta con el elenco estelar integrado por Lucero Trejo, Enrique Areola, Hamlet Ramírez, Estephany Hernández, Samantha Coronel/Luz Olvera, Miguel Narro/Francisco Yllana y su autor, Américo del Río.
La obra ya se había presentando en el Teatro Helénico, y en ésta ocasión vuelve con algunos acertados arreglos, teniendo como padrinos al productor Morris Gilbert, y al actor Daniel Martínez y a la maestra Norma Angélica, dedicando cada uno de ellos emotivas palabras a la audiencia.
PICNIC
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia original del maestro Fernando Arrabal, bajo la dirección artística de María Luna, con las interpretaciones protagónicas de Alberto Estrella, Emoé de la Parra, Víctor Carpinteiro y David Hevia, quienes compartieron el escenario con los actores, Mauricio Sembrano y Antonio Rutilo.
Obra que fue presentada el día de ayer 27 de marzo 2022 a manera de lectura dramatizada, la cual empero a no estar planeada aún como puesta en escena, cautivó al publico presente, ante tan eminentes actores, quienes juntos hicieron todo un deleite con sus actuaciones logradas bajo la entonación tan apropiadamente vocalizada, aunada sus movimientos corporales y faciales, mostrando con ello la gran madera de actores que poseen.
Obra perteneciente al género teatral de la comedia farsica por su estructura, mediante la cual sus personajes retoman una postura totalmente chuscas. Con lenguajes coloquiales, la dramaturgia contiene una trama mediante la cual el escritor bosqueja a un batallón en plena guerra, que será visitado por los padres de uno de los soldados enlistado.
Ambos padres se introducen al campo de batalla mediante una motocicleta, sin ser notados en pleno bombardeo. Al encontrar a su vástago inician una plática tras la cual, la madre saca de un cesto que contiene algunos artículos para hacer de la visita todo un PICNIC.
Momentos más tarde, se aparecerá un soldado de la oposición con su fusil, a quien sin mucho esfuerzo someten atándolo de manos y piernas. Personajes todos presentados bajo un alto sentido de solidaridad y fina educación, por lo cual se disculparán con el reo por el trato poco amable mostrado, invitándolo a formar parte del PICNIC y así compartiéndole los alimentos y el vino que portaban.
En escena aparecerán dos personajes secundarios, empero muy importantes para el desenlace de la trama, que la convierte ipsofacto en un melodrama. Lectura dramatizada que fue ovacionada con un largo y caluroso aplauso por parte de la prensa y del público por el talento histriónico que demostraron poseer los actores y por supuesto, por el talento indiscutible de su directora, la maestra Marta Luna.
Lectura dramatizada que formó parte del festejo, en el marco del “Día Mundial del Teatro” de la celebración de la existencia de los 18 años del Recinto Cultural “El Círculo Teatral”.
Ello por parte de sus dos directivos y dueños, los actores, directores, productores, así como profesores, los Señores Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro, quienes celebraron en su recinto, durante todo el día de ayer 27 de marzo 2022.
Día que se dieron a la tarea de dedicar, en honor al dramaturgo, director de teatro y promotor cultural, el Señor Medardo Treviño (Tamaulipas 1959) quien por cierto, no podía más que estar ahí presente.
Así se inició la celebración con cuentos y obras infantiles bajo las autorías de Anahi Soto y Rubén Egeo. Con la música de Fulgor Hladik, un Performance en la Casa de Estudios con la presentación de algunos de los pupilos del Círculo Teatral.
Posteriormente con la puesta en escena de Los Niños del Río, de Medardo Treviño. La lectura dramatizada de PICNIC de Fernando Arrabal. La entrega del reconocimiento del ACPT a la maestra Teresa Selma, por sus 70 años de trayectoria como una gran interprete.
Finalmente con la lectura dramatizada el cuento “El Escape de Angy” de Luis Cárdenas White y la obra “El Secreto” de Medardo Treviño, a quien tras de ello por supuesto también le otorgaron un reconocimiento por su trayectoria, cerrándose el evento con otra de sus obras a manera de lectura, intitulada “A ritmo de Strauss”.
Festejo que por cierto estuvo demasiado concurrido, llenando todas las áreas del Circulo Teatral con boletos agotados.
¡EN HORA BUENA POR EL ÉXITO OBTENIDO!
LA CULPA BUSCA LA PENA Y LA VENGANZA EL AGRAVIO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
LA Obra del escritor novohispano Juan Ruiz de Alarcón LA CULPA BUSCA LA PENA Y LA VENGANZA EL AGRAVIO se presenta bajo la creatividad de la compañía Los Semejantes, con la adaptación y dirección de Emma Dib, a manera de homenaje rendido al autor por su 450 aniversario.
-Estas actividades conmemorativas tienen como objetivo abrir un diálogo con el público universitario en torno a la figura y obra del autor nacido en Taxco en fecha controvertida, a quien consideran universitario ya que es egresado de la Universidad de México y de la Universidad de Salamanca, donde se formó en derecho canónigo y civil.-
Así se expresó la compañía con ésta puesta en escena, en la cual se respeta el lenguaje versado que secularmente estaba en boga para la representación de cualquier genero de la dramaturgia, así como el tipo de vestuario a la usanza secular.
Juan Ruiz de Alarcón y Mendoza nació en la región de Taxco en 1581, sin embargo es considerado como una de los grandes valuarte del Teatro Español; moriría en Madrid en 1639.
Fue un escritor novohispano del Siglo de Oro que impulsó distintas variantes de la dramaturgia en el periodo barroco en el cual le tocó vivir, incursionando tanto en tierras mexicanas, como españolas.
LA CULPA BUSCA LA PENA Y LA VENGANZA EL AGRAVIO es un montaje escénico representado por la compañía Los Semejantes, en tres tiempos escénicos, bajo un cuadro en donde la estructura escenográfica es movida constantemente por dos tramoyistas ataviados a manera un tanto de bufonesco por su manera de encorvar el cuerpo y los visajes de sus rostros, al efectuar los cambios de dos especies de muros en donde el rojo y el negro son mayoritariamente preponderantes, así como al utilizar pos pequeñas escalinatas.
Es una obra perteneciente al género del melodrama por su contenido textual, presentado bajo un tono farsico que le infiere frescura al drama. La trama se desarrolla como comedia de enredos, la cual acierta en aclarar la serie de situaciones de mal entendidos entre dos parejas que se han amado, de tan sólo mirarse por primera vez a los ojos.
Situación tratada de manera similar en la mayoría de las obras de el periodo del Siglo de Oro por el poco roce que se estilaba en la época, haciendo del amor un oasis idílico, y empero a que el amor triunfa, en este drama se regocija en el desconsuelo, de un hermano perdido.
LA CULPA BUSCA LA PENA Y LA VENGANZA EL AGRAVIO se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, los fines de semana.
A-N-U-B-I-S Viaje a otras vidas
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Todos en alguna ocasión nos hemos preguntado acerca de la muerte. El saber respecto a si es posible
indagar en torno a dicho estado natural del cuerpo, en que se dice que el alma se aleja, entrando el cuerpo en estado de putrefacción.
Pero más inquietante es el saber sí existe vida después de la vida, o bien, vidas anteriores a ésta.
Justamente de ello trata A-N-U-B-I-S Viaje a otras vidas, un evento ofrecido por un joven musulmán de origen egipcio, quien tras de explicar de manera breve el significado y origen de ANUBIS,
puso en trance hipnótico a varias personas del público, quienes se ofrecieron a pasar al escenario para tal efecto.
Evento que tuvo lugar el día de ayer 23 de marzo 2022 en el Foro Shakespeare dándose inicio con ello, a
la impactante presentación del Hipnotista Mustafa Badawy.
Así fue como se desplazaron de su asiento para ubicarse en las sillas que se encontraban colocadas en el
escenario, cinco personas voluntarias. El hipnotista fue cuando entonces apoyado en una atmosfera que presentaba música suave, intentó relajarlos.
Lo logró en base a indicaciones que diera, bajo un tono lento y claro al modular su voz, que hizo que
poco a poco, tras de tocar ocasionalmente el hombro, o mediante un ligero tirón del brazo quedaran en dicho trance.
Colaboradores voluntarios a los cuales fue reubicando en sus butacas, para tan sólo quedar una mujer a
la cual logro reubicarla en algunas de sus vidas pasadas.
Inició retrocediéndola temporalmente a sus cuatro años de edad en ésta vida. Momento en el cual el
hipnotista le pidió que anotara su nombre en una hoja que le proporcionó junto con un lápiz. Ella se veía intimidada, pues decía no saber aún escribir. Su rostro mostraba un dejo de
pucheros infantiles.
Luego le pidió que viajara más allá y atravesara la frontera de su muerte. Ella decía vivir en 1905 y
llamarse Teodora. Argumentó que se veía luciendo un lindo vestido y que ella parecía ser muy bonita.
La trasladó a otra vida más anterior. Dijo que en esa ocasión fue un joven soldado holandés, quien
estaba combatiendo contra canadienses en el siglo XIX. De pronto comenzó a quejarse pues decía que estaba a punto de morir a causa de una herida en el vientre.
La mujer no era muy docta al expresarse, por lo que la sesión de hipnosis acabó por concluir, tras de
que Mustafa Badawy había intentado que expresara más sus experiencias de vidas pasadas, pidiéndole que dijera que veía, quien era y qué sentía, lográndolo sacarle respuestas casi con
tirabuzón
Mustafa Badawy por su parte, inicialmente ya había comentado un caso de regresión, en el cual el
voluntario argumentó estar presente, en lo que sería el día de duelo por la muerte de la reina Victoria de Inglaterra, acaecido el 22 de enero de 1901.
En suma A N U B I S es un evento mediante el cual, si Usted está interesado en saber un poco más
indagando sobre vidas pasadas, será por supuesto muy gratificante el asistir, con la posibilidad de vivir en carne propia, dicha experiencia.
Finalmente le comento qué etimológicamente hablando, la palabra Anubis proviene de, Inpu en egipcio
antiguo, Anub en copto, Ἄνουβις (Anoubis) en griego antiguo. (/e’un:bis o e’nju:bis) con la e invertida.
Anubis es el nombre griego del guardián de las tumbas asociado con la muerte y la vida después de ésta
en la religión del Antiguo Egipto, señor de las necrópolis y patrón de los embalsamadores, representado como un gran cánido negro acostado sobre su estómago, probablemente un chacal o un gato
salvaje, o como un hombre.
Se trata de uno de los dioses más antiguos. Así es que, el inframundo estaba gobernado por él. Es
representado con cabeza de chacal y cuerpo de hombre. Los griegos y romanos lo representan como a Cerbero.
Todas éstas aseveraciones se encuentran en una página Web, citas que expongo al igual que hizo, pero de
manera más breve el Hipnotista Mustafa Badawy, porque van a colación con tanto el título, como con el cometido de esta presentación, cara a cara con la muerte.
A N U B I S Viaje a otras vidas se presenta en días miércoles a las 20:30 horas en el Foro
Shakespeare
LOS CONTEMPORÁNEOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
A manera de homenaje brindado a la generación de poetas mexicanos que se auto-nominara LOS CONTEMPORÁNEOS se inició una nueva puesta en escena a cargo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) basada en dicho grupo de escritores que marcarían la senda literaria de nuestro país bajo un nuevo e irreverente estilo, encumbrado en los albores del siglo pasado.
El 25 de diciembre de 1924, Francisco Monterde ya publicaría en el periódico El Universal, un artículo llamado "Existe una literatura mexicana viril". Desde luego hacía referencia a jóvenes escritores quienes ya habían manifestado su estilo peculiar y docto en el campo literario.
En realidad LOS CONTEMPORÁNEOS fueron así caracterizadas por el nombre de la revista que crearon en 1928, estando en vigencia hasta1931. Los integrantes eran Jorge Cuesta, Jaime Torres Bodet, Gilberto Owen, Salvador Novo, José Gorostiza, Bernardo Ortiz de Montellano, Enrique González Rojo, Carlos Pellicer y Xavier Villaurrutia.
Públicamente no se hicieron esperar los halagos a los promotores de esta realidad editorial, reconociéndose su calidad técnica y literaria. Escritores qué eran adictos a la poesía española de Juan Ramón Jiménez, de Antonio Machado, a los poetas y prosistas de la generación de 1927.
Xavier Villaurrutia González, como a-priori he mencionado fue uno de ellos y es justamente a éste literato a quien en especial se rinde tributo en este montaje escénico Por la nostalgia de su muerte.
Como breve semblanza le diré qué Xavier Villaurrutia nació en el D.F. en 1903-1950. Cultivó los géneros de poesía, crítica literaria y dramaturgia (ganador del Premio Poético Histórico, con su “Canto a la primavera”.
Pero volviendo a la excelente puesta en escena de LOS CONTEMPORÁNEOS ésta obra se presenta plagada de elementos estilísticos como lo son la constante recitación de poemas, acompañados de la música entrañable de la época, los ocasionales bailes en el que se interpreta un tango, y por supuesto el vestuario elegante a la usanza secular.
En el ambiente escenográfico un telón colocado al fondo del escenario le da un toque especial a cada escena como un plus, haciendo mágico el momento en el cual, cada artista interpreta poemas que hace suyos, actuando con histrionismo y brindan un número a solas, en tanto que compartiendo cuadro, la mayor parte del tiempo escénico.
Todo ello bajo la magnífica dirección artística e interpretativa de la maestra Martha Verduzco, quien aparece en escena junto con grandes actores como lo son Erando González, Gastón Melo, Roldán Ramírez y Rodrigo Vázquez, quienes forman parte del elenco estable del CNT.
El Ciclo de LOS CONTEMPORÁNEOS dio inicio el día de ayer 22 de marzo 2022, en el Foro de la Sala Héctor Mendoza, de la Sede de La Compañía Nacional de Teatro.
LA GARGANTA DEL CIELO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Las Compañías Teatrales El Mirador Teatro y Principio Investigadores Escénicos de la UNAM en Co-producción con La Capilla presentan hoy en día la obra LA GARGANTA DEL CIELO.
Dramaturgia de Diego Álvarez que recrea algunas de las teorías e hipótesis de grandes mujeres que han ayudado a dilucidar en el complejo campo de la ciencia, con sus investigaciones y ecuaciones en torno al comportamiento del Universo.
Temática presentada junto con el problema del suicidio a través de un monólogo ejecutado por la actriz Belén Aguilar, quien interpreta a una joven suicida, quien se encontrará en otras dimensiones con personajes icónicos.
Temas que se presentan mezclándose en la historia para iniciar un viaje imaginario postmortem de una joven llamada Julia. Personaje protagónico que forma parte de ésta obra de ficción.
La obra trata temas cruciales para la actualidad como : la depresión, el sentido de no pertenencia, las causas y consecuencias del suicidio…
Es un unipersonal en donde la actriz encarna a 10 personajes pera hablar de las mujeres que cambiaron la historia de la ciencia.
Puesta en escena dirigida principalmente al público adolescente, en donde su actriz y directora Belén Aguilar se apoya principalmente en la presentación de algunos objetos de utilería, que ella misma manipula y utiliza en el escenario, acorde con los diferentes momentos de la historia.
Otro recurso escenográfico importante es el apoyo multimedia que se presenta en base a la introducción de imágenes y videos, reflejados en la parte central trasera del escenario, además del juego de iluminación acorde con el cuadro a representar y, por supuesto, la introducción breve de algunas piezas musicales.
Mediante el recurso escénico de la narración, la actriz logra con destreza interpretar a la vez a varias mujeres, en base a movimientos corporales y la modulación de su voz, para con ello hacer saber al público asistente, del cambio de los personajes a caracterizar.
Con respecto al contenido temático de ésta puesta en escena podemos leer en el boletín de prensa la siguiente aseveración:
-La obra muestra a julia, quien yace en la cama de un hospital luego de un intento de suicidio, y mientas agoniza, emergen los recuerdos que marcaron sus últimos días: la muerte inesperada de su padre, la decepción constantes de su madre, una amarga ruptura amorosa, los múltiple fracasos en su vida como estudiante de ciencias y como poeta, su frustración en el mundo laboral y la tristeza inherente que la ha marcado desde que tiene memoria.-
LA GARGANTA DEL CIELO se
presenta en el Teatro La Capilla de manera presencial, además de en formato virtual, hasta el día 8 de mayo 2022.
ASTRID HADAD. LA PLUMA O LA ESPADA.
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Siempre con tintes de espectáculo cabaret, la vedette ASTRID HADAD presenta una puesta en escena en donde la música, el canto y la introducción de parte de un episodio de la historia como parte de la narrativa que presenta, encumbrando la época colonial en nuestra tierra indígena.
Lugar y periodo histórico que vio desempeñarse a dos grandes mujeres empoderadas, a pesar y, más allá, de las circunstancias adversas que un gobierno, una sociedad, y la religión inquisitiva e ultrajante imperante, les cobijara en aquellos tiempos tan difíciles de salvaguardar por una mujer.
Y la califiqué de vedette, porque la cantante ASTRID HADAD ofrece mucho más que simples cantos, luciendo espléndidos vestuarios, maquillaje y tocados o sombreros acorde a las canciones que interpreta.
Vestuarios enormes y llamativos, le comento, los cuales cambia constantemente; algunos en el mismo escenario ayudados por dos personas de apoyo, en tanto que otras vestimentas las introduce tras bambalinas.
Recordemos que ASTRID HADAD tanto por todo ello, como por su manera de desenvolverse en el escenario, ha hecho suyos los calurosos aplausos y reconocimiento del público quien la sigue en sus presentaciones, a tal grado de llegar a alcanzar fama internacional, trascendiendo fronteras.
Con respecto a ésta presentación perteneciente al Ciclo “Nosotras Somos Memoria” ASTRID HADAD se suma uniéndose a las masas de mujeres que saben levantar su voz.
Y es así que se lee en el comunicado para prensa, los siguientes párrafos acerca de su reciente espectáculo intitulado LA PLUMA O LA ESPADA a consideración de la casa Difusora de Sandra Narváez:
-En el espectáculo se van alternando canciones, vestuario y videos que describen la narrativa histórica de dos mujeres: Sor Juana y la Monja Alférez, que lograron vivir momentos extraordinarios, una usando la pluma y la otra la espada, rompiendo las cadenas que les imponían la sociedad.
A través de sus aventuras, descubrimos las características del barroco en el siglo XVII, en México, época que todavía tiene extrañas similitudes con la nuestra.
Catorce son exactamente los cambios del vestuario de tan icónica artista, quien se presenta con una pequeña orquesta que interpreta musicalmente cada uno de los números cantados por la artista ASTRID HADAD; ambos en vivo.
Finalmente a manera de semblanza de comento algunos pormenores. Nacida en Chetumal en 1990, ASTRID HADAD se le considera una actriz, cabaretera, y cantautora mexicana. Su ascendencia es maya-libanesa.
Se caracteriza por ser la creadora e interprete del Heavy Nopal o Neo Ranchero, como ella misma nombra a su estilo muy característico y peculiar de performance musical, el cual fusiona con otros ritmos musicales, para la realización de sus propias presentaciones.
LA PLUMA O LA ESPADA se presentó este pasado día sábado 19 de marzo, en el Teatro de La Ciudad Esperanza Iris.
EL GABINETE DEL MAESTRO TOSCANO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Exposición museográfica e intervención escénica en homenaje a Ignacio Toscano (1951-2020) Frase que encierra justamente la apreciación de la Compañía nominada Teatro de Ciertos Habitantes, presentada por su Director Artístico, el Señor Claudio Valdés Kuri.
Al respecto se continúan informando en el boletín de prensa, mencionándose al respecto de esta puesta en escena lo siguiente:
-Con un montaje híbrido el cual rompe con la manera clásica de ver teatro… El proyecto interdisciplinario EL GABINETE DEL MAESTRO TOSCANO reúne una exposición museográfica y una obra de teatro que dan testimonio de su vida, obra y pensamiento. Esta experiencia escénica presenta una colección de piezas artísticas que rodearon la vida del promotor cultural, cuya autoría proviene de diversos creadores plásticos de México y del extranjero.-
Peculiar y muy creativo montaje escénico, puesto en escena en un solo cuadro escénico, que se enmarca en una de las Salas, del Museo Nacional de las Artes, El Munal.
Sala que contiene en su inmueble, numerosas obras artísticas entre las que se encuentran algunas piezas de muy alto nivel artístico, bajo la curaduría de Eduardo Mier y Terán.
EL GABINETE DEL MAESTRO TOSCANO es una puesta en escena que intenta presentar mediante el recurso de la parodia, objetos que pertenecieran supuestamente al maestro Toscano, narrando conjuntamente algunas anécdotas reales acerca de su vida. Todo ello bajo ese influjo artístico de Claudio Valdez Kuri junto con su equipo creativo integrado de músicos actores, logran un espectáculo de gran calidad artística.
Recordemos que el director, dramaturgo y músico Claudio Valdés Kuri siempre le ha inferido a sus obras teatrales, el sello de su gran virtuosismo, el cual se deja entrever en cada uno de sus montajes escénicos, haciéndose gala de ello, al introducir en casi todas sus obras, números musicales, con selecciones que precisan tanto de gran talento interpretativo por parte de su compañía, como de la erudición en la dirección y en la creación de la dramaturgia.
Y así se puede leer en una página Web lo siguiente:
Claudio Valdés Kuri. Director y dramaturgo mexicano ampliamente reconocido a nivel internacional. Funda y dirige la compañía interdisciplinaria Teatro de Ciertos Habitantes. Egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica con mención honorífica, especializándose en documental.
Esta puesta en escena no podía ser una excepción en la que se muestra ser docto como músico, en la cual se presentan breves piezas operísticas, así como la ejecución en el teclado de probaditas de música, abarcando diversos géneros, que se compagina, con la narrativa de algunos pormenores y circunstancias vividas por el maestro Toscano.
En ésta ocasión la dramaturgia además integra algunas recitaciones de poesía, para inferir cierto toque toscano a la representación escénica, que logran que el tiempo escénico sea realmente un deleite..
Presentación teatral en la cual se tiene como referente el espacio de una Galería de Arte y, qué mejor lugar para montar ésta dramaturgia, que en el hermoso recinto del Munal, debido a que en la trama se sugiere, que se llevará a cabo la subasta de algunos artículos qué postmortem a Toscano, son vendidos al mejor postor.
En ésta puesta en escena además se suman otros elementos artísticos, como lo es la ejecución de un baile, probaditas de interpretaciones de afamados cantos operístico, e incluso, un desnudo artístico.
Matices chuscos son presentados mediante la narrativa y junto con algunos objetos de utilería, le otorgan cierto halo lúdico, a los diálogos que forman parte de la dramaturgia, escrita con tintes sutiles risorios, que se mezclan con rasgos de conocimiento.
Ignacio Toscano fue un gran conocedor de las diversas manifestaciones artísticas y culturales de México. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Música, de arquitectura en la UNAM y, de antropología en la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH). Se destacó como promotor cultural, apasionado de la música y de la danza, mostró siempre interés en los diversos campo del arte, convirtiéndose en uno de los gestores de la cultura, más importantes de nuestro país en las últimas décadas.
EL GABINETE DEL MAESTRO TOSCANO se presenta en el Museo Nacional de Arte, El Munal, con la Compañía de Teatro Ciertos Habitantes, bajo la producción de la Secretaría de Cultura, El INBAL y el CNT en días sábados y domingos.
EL VIAJE DEL CORAZÓN
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Obra teatral infantil que inicia con una brevísima semblanza sobre la creación del Universo, para dar paso a la narración abreviada del mito griego de Ícaro y Dédalo, introduciendo a la vez juegos y una serie de preguntas simples, formuladas para el publico de infantes, a quien va dirigida éste montaje escénico.
De dicho modo la puesta en escena dirigida por Ireli Vázquez, se convierte de cierto modo en una obra interactiva la mayor parte del tiempo escénico, el cual por cierto, en un momento dado uno de los actores invita a pasar al escenario, para que padres y pequeñitos, colaboren en la dramaturgia con el pegado de las alas que utiliza el personaje de Ícaro para el desenlace de la trama.
El objetivo de ésta puesta en escena es el de invitar a la reflexionen acerca de lo vulnerable que resultan las relaciones intrafamiliares, llevándoles a los padres en general a manera de consigna, el mensaje de fortalecerlas por medio de la comunicación y el mayor tiempo compartido con sus hijos.
A colación, así es como se expresa la compañía creativa con respecto al contenido de la ésta obra teatral:
-Padre e hijo deberán encontrar la salida del laberinto donde se hayan encerrados en EL VIAJE DEL CORAZÓN, puesta en escena del colectivo SalSiPuedes que retoma el mito griego de Ícaro y Dédalo, para materializarlo en una obra estremecedora.
La propuesta de EL VIAJE DEL CORAZÓN es llevar a los espectadores por el citado mito griego desde una mirada lúdica y sensible que se nutre de la propia experiencia del grupo creativo. Según la mitología griega Ícaro era hijo de Dédalo, arquitecto y constructor del laberinto de Creta, donde ambos fueron retenidos por el rey Mimos. Para escapar, Dédalo fabricó unas alas a base de plumas y cera. Posteriormente, enseñó a su hijo a volar para que huyeran juntos, pero Ícaro alcanzó un vuelo muy alto y el sol derritió la cera que mantenía unidas las plumas. Ícaro cayó al mar, dejando a su padre envuelto en un halo de dolor. Finalmente en su memoria, Dédalo llamo Icaria a la tierra cercana al lugar del mar en el que su hijo pereció.
La ausencia, el dolor, la perdida y los recuerdos, e incluso la risa, son los temas medulares que se tocan en éste montaje escénicos, en donde el juego de iluminación ju
nto con la utilería, resultan básicos para el desarrollo de la trama. Ello aunado a una serie de imágenes proyectadas desde una de las butacas por una persona de la compañía teatral.
Colectivo que se llama SalSiPuedes formado por María Luisa Montiel, Ireli Vázquez y Tomás Rojas, siendo éste último quien comentara sobre el trabajo escénico la siguiente apreciación:
-Nos interesa indagar sobre el concepto del cuidado y la experimentación del arte escénico como lenguaje interdisciplinar.-
EL VIAJE DEL CORAZÓN se presenta los días sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro La Gruta, del Centro Cultural Helénico hasta el día 3 de abril 2022.
DÍAS DE IRA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia de Gabriela Ynclán, presentado por la Compañía Tepalcates Producciones que trata sobre la vulnerabilidad de una adolescente, quien se trasforma en mujer en brazo de su victimario.
Monólogo interpretado por la actriz Natalia Guadarrama, infiriéndole a su personaje de Lana gran emotividad interpretativa al narrar en primera persona, los pormenores de una mujer sometida por su marido, quien la golpea constantemente y humilla junto con sus dos pequeños hijos.
Es un espectáculo unipersonal del genero naturalista, en cuanto a que intenta mostrar sin reserva alguna, la violencia intrafamiliar permitida y sufrida desgraciadamente por muchas mujeres aún, en nuestro país, quienes se pueden identificar perfectamente con el personaje protagónico de ésta obra teatral.
-Lana, mujer que ha matado a su marido y va a entregarse, recuerda mientras espera en el ministerio público, su terrible vida con aquel hombre que la sometió desde los 18 años y que hoy después de 32 años de vivir juntos, ha muerto. Silvano el marido de Lana, es cruel y le hace la v
ida imposible. Pero ella encuentra una salida, cuando la vida, su vida se ha convertido en DÍAS DE IRA- (nota de la Compañía difusora a cargo de Sandra Narváez).
Es una puesta en escena presentado bajo la dirección artística de Isabel Balboa, ejecutado en un sólo cuadro escénico, en el cual se encuentra ubicada una silla que enmarcará perfectamente, dando la impresión al espectador de que la mujer se encuentra sentada testificando en el Ministerio Público; lugar acorde al referente inicial de la trama.
Temática muy tratada hoy en día ante las que cada vez más frecuentes denuncias de algunas víctimas del abuso y maltrato de mujeres por parte de sus propias parejas.
Ello la convierte en una obra de denuncia, denuncia en aras de obtener mayor respeto y libertad. Obra teatral que ha sido montada, justamente en el marco de la celebración del Día Internacional de la Mujer, fechado en 8 de marzo.
-Cómo logré vivir sin respirar, todavía me lo pregunto, y la verdad es que hasta la fecha no me lo he podido contestar.-
-El maltrato tiene muchas caras y los resultados pueden ser irreversibles.
Reflexiones que giran en torno a éste drama que presenta tanto el maltrato físico, como emocional, que logra paralizar a mujeres desprotegidas en su mayoría, al no tener un respaldo ni económico, ni familiar; además del hecho de poseer una muy escasa educación y por ende, baja estima que les impide obrar con dignidad.
DÍAS DE IRA se presenta los miércoles en el Teatro Rodolfo Usigli al filo de las 20:00 horas.
LOS SECRETOS DE ARLEQUINO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Emotiva, divertida e incluso ilustrativa, en cuanto a que ofreció una breve semblanza sobre la historia del Arlequín. Una obra teatral presentada mediante el recurso actoral del monólogo, escrito, dirigido e interpretado por el gran mimo y gran comediante italiano Enrico Banavera.
Tal vez él mismo más bien, se auto-considere un arlequín, como se describe en el siguiente texto de una página Web, y que corresponde perfectamente a las características que el actor Enrico Banavera mostrara en el escenario.
El arlequín (arlecchino en italiano) es el personaje más popular de la comedia del arte, aparecida en Italia en el siglo XVI, pero cuyo origen tiene lugar en la Edad Media. En las secillas tramas de la commedia aparece como compañero habitual del astuto Brighella y la pícara Colombina formando el grupo de los zanni (criados).
Las personalidades de Arlecchino puede llegar a resultar camaleónica: astuto y necio, intrigante e indolente, sensual y grosero, brutal y cruel, ingenuo y pobre de solemnidad, como describe su propio atuendo, mil veces remendado y parcheado, que con el tiempo tomó ese aspecto de malla de estampado romboidal. Lleva una máscara negra de nariz geminiana y es un fabuloso acróbata saltarín.
Representa al creado tonto y tragón, siempre en busca de pelea, comida y mujeres, pero de pronto humanizado ante las humillaciones, el miedo al hambre, el amor a Colombina y una inigualable capacidad de supervivencia.
-Proyecto que nace con el deseo de presentar la “Commedia Dell’Arte” de manera irreverente, combina escenas tradicionales con una narración improvisada. Gradualmente la obra se ha transformado en una exposición de personajes históricos de la Commedia Dell’Arte que añoran su gloriosa época en el teatro- como lo expresa textualmente la compañía difusora del proyecto.
Lo cierto es que Enrico Banavera ofreció en su única función ofrecida el pasado día miércoles 9 de marzo, ser muy creativo, portando desde luego en escena el traje tradicional del Arlequín, como es descrito en párrafo anterior.
También formó parte de la utilería y vestuario a presentar durante la función a un pequeño muñeco guiñol, también llamado de guante, pues para su uso se ciñe de manera plegable en una de las manos del actor, para ser manipulado, y con ello, dar vida una historieta.
No podían faltar una serie de máscaras que incluyó durante su presentación, a la usanza de todos los pioneros de “la commedia”, por los cuales brindó con una copa de vino tinto, mencionando tras cada trago, a cada uno de ellos.
Botella y copa que levantó de un costado de la mesita que se encontraba colocada en el escenario. Así comenzó a mencionar a cada uno de aquellos entrañables actores italianos, del mundo del Arlequín, los grandes de la comedia como lo fueron Brighella. Polichinela, Florindo “el Lelio”, Coviello, Scapino, Pantaleon, il Capitano, Scaramouche y Arquelin).
La función fue presentada recibiendo calurosos aplausos, en el Teatro Julio Castillos del Centro Cultural del Bosque, con una única representación.
SPA: Enaguas profundas
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Hoy en día la apariencia devastada que da la vejez, es tratada con cierto desprecio ante el miedo de poseerla, destruyendo la autoestima en aras de la longevitud. De t modo tal que muchas personas se someten a cirugías muy costosas, cada vez más en voga, que en ocasiones tan sólo logran desfiguran el rostro o el cuerpo según sea el caso, luciendo totalmente evidente un mal tratamiento y exposición al quirófano.
Ante tal fallido intento de conservar la belleza y juventud, algunas personas ponen en riesgo su salud, e incluso hasta la vida. Realmente son pocas las personas que resultan con mucho éxito ante los además dolorosos tratamientos
Y es acerca de esta temática tan polémica, en que se basa la puesta en escena de la obra SPA: Enaguas profundas . Dramaturgia original de la escritora Amaranta Leyva, quien además es una de las directoras de dicho montaje escénico
La obra explora a través de sketches, la relación del cuerpo y la mente del ser humano llevada a los extremos, casi grotescos a los que nos exponemos hoy en día con la obsesión de la belleza y la moda mezcladas con las historias personales que cargamos. Una historia de humor negro que, para contarse mejor, se cuenta con títeres, que en escena son manipulados por la maestra Lourdes Pérez Gay, Jonathan Daí y Emiliano Leyva. (Texto de la Compañía)
Los tres actores interpretando personajes perfilados de manera cuadrada, en donde lo irreverente e ilógico, forma parte de ésta trama escrita bajo tintes chuscos y, a la vez cruentos, al exponer ésta temática que cada vez toma mayor auge en la sociedad, que actúa en consecuencia ante lo absurdo por conseguir un ideal socialmente establecido, y que es el de conservar una figura prototípica en base a la estética en auge.
Al respecto es por lo que podemos leer en el boletín de prensa la siguiente aseveración:
Los clientes saben a lo que se atienen…y por eso van. Buscando la perfección por dentro y por fuera, títeres y humanos se expondrán a tratamientos de limpieza profunda para esconder sus oscuros secretos. Esta es la premisa de Spa: enaguas profundas, el primer proyecto de la Compañía Marionetas de la Esquina dirigido a un publico adulto.
La escenografía corre a cargo de Gabriel Pascal, quien logra adecuar siempre con maestría el espacio en donde interactúan los personajes. SPA: Enaguas profundas “Teatro de microdermoabrasión” se presenta en el Teatro El Milagro, teniendo planeado concluir sus representaciones el día 27 de marzo 2022.
QUÉ CON QUIQUE QUINTO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Enrique V fue el rey de Inglaterra y Señor de Irlanda a partir de 1413, vivió en el castillo de Monmouth en Gales. Fue considerado como la mente maestra detrás de la famosa victoria contra Francia en la batalla de Agincourt en Octubre del 1415.
Y es justamente éste periodo en el cual se recrea la obra infantil QUÉ CON QUIQUE QUINTO escrita y dirigida por Andrés Carreño en base a la obra de William Shakespeare.
En la obra aparecen como actores estelares Monserrat Ángeles Peralta, Irakere Lima, Fernando Villa y Andrea Villela, quienes actúa de manera alternada caracterizando a múltiples personajes que dan vida en el escenario éstos actores, gracias a su gran talento histriónico, acompañado de un poco de acrobacias, recurso de mímica, cantos, bailes y música en vivo.
Todo ello les hace incurrir en diversas disciplinas del arte escénico con gran desenvoltura. Ello aunado a los coloridos vestidos, maquillajes y pelucas que constantemente cambian en escena, así como gracias a la utilería movible y vistosa, que hacen que se convierta en todo un espectáculo visual.
La trama a manera de Sinopsis trata de lo siguiente, como bien argumenta el mismo grupo creativo con el siguiente texto:
Foca, Zote y Ariel llevan teatro en una embarcación que navega por el mundo de la imaginación. Entre las cientos de historias está la historia del joven rey Enrique V. Quique para los cuates. En ella veremos el enfrentamiento entre el Reino de la Censura y el Reino de los infantes que nadie escucha.
QUÉ CON QUIQUE QUINTO es una dramaturgia que como a-priori he mencionado, está basada en la obra del afamado escritor inglés Williams Shakespeare (Stratford-upon-Avon Reino Unido 1564-1616). Respecto a ésta, podemos leer en una publicación al respecto, en la pagina Web lo siguiente:
Este drama histórico en cinco actos y en prosa y verso de William Shakespeare fue representado en 1599, publicado imperfectamente en 1600 y correctamente en el in-folio de 1623. Está basado en la Crónica de Holinshed y en la última parte de las Famosas victorias de Enrique Quinto.
Obra que sintetizó e incluso cambió en muchos de sus datos el dramaturgo , director , productor, y actor mexicano Andrés Carreño (quien cuenta con más de veinte años en el escenario) para con ello convertirla en un farsa para niños, sumamente divertida.
Le comento que ésta obra infantil ya había sido presentada en diversas ocasiones y, justamente el éxito en taquilla que ha tenido ha sido la razón por la cual el montaje escénico de QUÉ CON QUIQUE QUINTO hoy en día se ha vuelto a reestrenar en el Centro Cultural del Bosque, siendo en ésta ocasión en el Teatro El Galeón.
GERTRUDE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Espléndida dramaturgia original de Marisa Gómez, quien dirige su obra en este montaje escénico de la Compañía Escena Teatro. Obra montada en el margen del Ciclo Todas Somos Memoria, justo en el marco de la conmemoración del Día Internacional de la Mujer.
La trama gira justamente en torno a una mujer fuerte, politizada, bella y víctima de las circunstancias, plasmada en base a GERTRUDE el personaje creado por la pluma del genio de la tragedia Williams Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Reino Unido 1564-1616), quien en su icónica obra de Hamlet le diera vida como madre de éste, esposa del rey asesinado, amante de su cuñado, quien remplazaría al rey de Dinamarca.
Y es en torno a dicha figura controversial femenina que la autora engrandece mostrándola empoderada e inteligente. Se apodera de la psiquis del personaje, plasmándola con su creatividad, de una manera totalmente humana, en donde la fuerza radica en la vulnerabilidad del personaje, invocándola en base a los recuerdos y sentimientos que le infiere.
Así presenta a una mujer demasiado joven a quien esposan con un hombre ya maduro, quien se corona como el rey de Dinamarca. Padre amado de Hamlet, quien intentará vengar la muerte de su progenitor, efectuado por la mano asesina de su hermano Claudio; el tío homicida de Hamlet.
La puesta en escena es en un tiempo escénico, con un cuadro escenográfico que alude a la contemporaneidad, así como el vestuario y la utilería en la que se incluye tanto un celular, como una pantalla de televisión. Apoyo multimedia que permite referenciar sucesos que acontecen dentro de la trama, así como presentar al personaje “etéreo” de Hamlet.
El tiempo escénico se mezcla llevando a construir la historia dentro de un paralelismo con la época medieval y la actualidad, sin perder de vista como referente importante del desarrollo de la obra, la región de Dinamarca.
Con respecto a la dramaturga y directora artística le comentaré qué la también actriz forma parte de la compañía de teatro para niños Bochinche y ha participado en los espectáculos Entre todos sí se puede (Director Víctor Báez), Fauna Rock (Directora Maru García) y La bruja galáctica (Director Carlos Corona). Fue estudiante de la licenciatura en la Escuela de Arte Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y obtuvo el título de Lic. en Actuación, al formar parte del montaje El motel de los destinos cruzados , de Luis Mario Moncada (Director José Enrique Gorlero) además de participar como asistente de dirección del espectáculo dancístico Cuerpo colibrí sediento (Cor. Georgina Martínez).
En la obra GERTRUDE actúan Apolinar Salgado e Itzia Zerón, actuando con gran sensibilidad actoral e incluyendo con la armoniosa y potente voz de Itzia, la interpretación operística del Aria “O Mio Bambino” que hiciera famosa la gran interpretara María Callas (Manhattan, Nueva York 1923-1977).
GERTRUDE concluirá sus representaciones el día de hoy 13 de marzo 2022 en el Teatro Sergio Magaña en la Ciudad de México.
SANGRE Y MADRE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Como parte del Ciclo Brujas la obra teatral SANGRE Y MADRE partió de la convocatoria en la cual solamente las mujeres fueron invitadas para concursar con sus dramaturgias, como parte de las tres puestas en escena que han sido planeadas, para ser presentadas en el Foro Shakespeare.
Así SANGRE Y MADRE se presenta en funciones del jueves a domingos inició con éste Ciclo Brujas escrita por la dramaturga mexicana Giannina Ferreyro el pasado día jueves 10 de marzo 2022. Puesta en escena muy ad-hoc al ser presentada casi en el marco del Día de la Mujer.
A manera de Sinopsis la trama se reduce en el siguiente párrafo escrito por la misma compañía creativa, y es el siguiente:
Kimbra y Maite deben enfrentar la enfermedad de su madre y decidir si la acompañan, aún cuando eso signifique decidir si la acompañan, aún cuando eso signifique abandonar sus propias vidas o bien, alejarse e independizarse. Estas do posibilidades que se presentan através de los personajes de Kimbra, la mayor, pretende evitar a toda costa convertirse en alguien como su madre. Maite la menor , quiere cuidar a su mamá y al mismo tiempo, se cuestiona qué tan malo puede ser convertirse en el reflejo de su progenitora.
Obra que puede ser considerada dentro del género de terror, en cuanto a que incursiona en el mundo del vampirismo, en donde la madre necesita adquirir carne y sangre joven, para saciar sus instintos que además forman parte de su modos-vivendus.
Puesta en escena en un solo cuadro escenográfico y un tiempo de aproximadamente 100 minutos, durante el cual se presenta a una familia integrada por tres mujeres, quienes enfrentaran a una vida totalmente sórdida.
La puesta en escena está escrita por una mujer, actuada por mujeres, dirigida y producida por mujeres. Tiene la peculiaridad de ser montada en el escenario ante el ideal de reactivar los espacios culturales independientes.
Le comento qué SANGRE Y MADRE al igual que las otras dos dramaturgias (“Un barquito de papel” cuya autora es Itzel Villalobos, y “A la orilla del mar” original de Wendy Hernández) que fueron postuladas para ser representadas en el Foro Shakespeare, ya están impresas en Cardenal Revista Literaria y se encuentran actualmente en venta.
SANGRE Y MADRE se presenta en funciones de jueves a domingos en el Foro Shakespeare.
100m2 ó EL INCONVENIENTE
POR: Dalia María Teresa de León Adams
El piso que le ofrece a Sara el agente inmobiliario reúne todas las características que ella desea bajo precio, amplitud, luz y una hermosas vistas. Tan sólo presenta un pequeño “inconveniente” la dueña del piso vivirá en él hasta el día de su fallecimiento.
Justamente esa es la parte medular de la obra teatral tras la cual gira la trama, de ésta nueva puesta en escena, original de Juan Carlos Rubio, la cual está arrancando temporada en nuestra Ciudad de México.
Bajo la producción de Mejor Teatro 100 m2 EL INCONVENIENTE se presenta bajo la dirección artística del director argentino Manuel González Gil. En el papel estelar aparece la primera actriz, la Señora Jacqueline Andere, quien interpreta al personaje de Lolita, una mujer positiva, divertida y moderna.
En la obra comparte créditos en el escenario con Ana Karina Guevara, quien caracteriza a una mujer mucho más joven, pero de ideas muy conservadoras y totalmente formal; personaje escrito bajo un perfil actoral totalmente cuadrado que Ana Karina interpreta con gran candidez. También aparece un personaje más en escena que hace reír por sus constantes ocurrencias, al desempeñarse en muy distintos roles de empleo; éste caracterizado por el actor Mauricio Galaz
Con respecto a su autor, el Señor Juan Carlos Rubio Cruz, le comento qué además de dramaturgo es guionista de largometrajes e incursiona en el medio televisivo con sus textos. Es considerado como un gran en el medio artístico de su país.
Nacido en 1967 en la provincia de Montilla, en España ha colaborado en el medio fílmico, encontrándose entre sus películas “Las heridas del viento”, “Retorno a Hansala” y “EL INCONVENIENTE”.
Hoy en día es ésta última creación del escritor español, ha llamado la atención del importante productor mexicano, Morris Gilbert (directivo de la empresa Mejor Teatro) a quien tras haber llegado casualmente, a sus manos ésta obra, lo cautivó de inmediato, razón por la cual la está produciendo bajo el formato de obra teatral.
La dramaturgia presenta a dos mujeres totalmente distintas, quienes por azar del destino compartirán sus vidas mediante un convenio establecido por ambas ante la posición de un inmueble.
Una tercera persona aparece entre ambas, relacionándose más distantemente con ellas, pero quien tendrá que ver tanto en el acuerdo establecido, como en varios otros pormenores que se les presentarán.
La trama tenía como referente un piso en España en época contemporánea, el cual se ajusta en México perfectamente. Por ello dentro del montaje se muestra un agradable departamento habitado por su longeva dueña; ésta es perfilada como una mujer a quien le han prescrito una serie de cuidados por parte del médico de cabecera, los cuales no tomará en cuenta.
La obra lleva como consigna el vivir día a día, sin esperar al mañana, frase que parece muy trillada pero que al final de cuentas nos hace reflexionar, de una manera totalmente distinta al respecto de su significado; ello tras de presenciar éste melodrama con tintes de comedia, que gracias al personaje de “Lolita” interpretado por cierto majestuosamente la primera actriz Jacqueline Andere, hace que la obra sea un deleite.
Apreciación que hago sin desmerecer de ninguna manera a los otros dos personajes en escena; es decir el de Sara, caracterizado por Ana Karina Guevara y el de Mauricio Galaz, pues ambos también ejecutan con gran histrionismo escénico, a sus respectivos personajes.
Y tras de cerca de dos horas de función presentada en un cuadro escénico, que muestra mediante la magia de la escenografía el interior del departamento de Lolita y Sara, concluyó la función, arrancando fuertes y largos aplausos, poniendo de pie a parte del público asistente.
1002 EL INCONVENIENTE se estará presentado en el Nuevo Teatro Libanés, alternando con otra obra teatral producida también por Mejor Teatro, por lo cual será conveniente qué consulte la cartelera.
EL LADO SUR DE MI CORAZÓN CROMÁTICO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
EL LADO SUR DE MI CORAZÓN CROMÁTICO es el título del próximo Concierto en Vivo que ofrecerá la canta-autora y actriz Cecilia Toussaint, planeado el próximo sábado 26 de marzo, en el Teatro de La Ciudad “Esperanza Iris”,.
Recinto Cultural en el cual ha pasado la artista significativos momentos durante su trayectoria (iniciada justo a partir de 1977 con el grupo musical La Nopalera) en donde ha llevado acabo diversas presentaciones, como comentara el día de ayer miércoles 10 de marzo 2022 en la Rueda de prensa que se llevó a cabo para dar a conocer los pormenores del concierto.
Recordemos que Cecilia Toussaint (Distrito Federal, 1958) ha sido una de las figuras icónicas del rock en español en México, lugar en donde cautivara con sus creaciones e interpretaciones a los jóvenes amantes del rock, de aquel entonces, excediendo fronteras. Su música se ha conservado en el gusto del público, hecho que la ha mantenido vigente en ésta difícil carrera artística.
Cecilia Toussaint deja entrever su postura en apoyo a la mujer, al sostener qué “La voz femenina en el Rock Nacional es un patrimonio vivo, y también con respecto al hecho de nominar su próximo concierto como parte del ciclo Nosotras somos memoria.
La casa difusora a cargo de la Señorita Sandra Narváez, sostiene de manera textual la siguiente aseveración con respecto a la artista Cecilia Toussaint, dándola a conocer en el boletín de prensa con el siguiente párrafo:
Cecilia Toussaint, con una tr
ayectoria de 40 años dentro de la música, pero también como actriz, dice acerca de su disco CROMÁTICO: Estoy convencida de que la perseverancia, el trabajo y la disciplina son partes fundamentales para llegar a ser una mujer empoderada, emprendedora, empresaria, auto-gestiva y creativa.
Y justamente ¡todo eso es Cecilia Toussaint! una mujer empero, sencilla y con ideas muy claras, quien habla de manera abierta y sin máscara, y sobre todo muy constante en su trabajo como músico.
Finalmente al respecto de su Concierto en puerta le diré que fue preparado a manera de rendir tributo a varios de los grandes músicos compositores argentinos, (como Gustavo Cerati entre otros) reuniendo material que incluyen también canciones de su propia autoría.
EL LADO SUR DE MI CORAZÓN CROMÁTICO lo podrá Usted disfrutar tan sólo el día 26 de marzo en el Teatro de la
LOS NIÑOS DEL RÍO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Pobreza, marginación y migración, circunstancias que motivan la escritura de este texto. Temas que siguen lacerando nuestra realidad mexicana y lastimando el más sensible de nuestra sociedad, los niños. El sector más sensible.
Es la aseveración que se muestra con respecto a ésta dramaturgia en la cartelera teatral y, justamente, viene a ser la sinopsis a tratar de la puesta en escena original del escritor Medardo Treviño, motada bajo la dirección escénica del maestro y actor Víctor Carpinteiro.
Para el actor Víctor Carpinteiro el teatro va más allá de subir a un escenario y repetir diálogos, sino de crear ante un público y de tener vocación, como la que él ha tenido durante 30 años y que lo han llevado a interpretar con pasión personajes no sólo en teatro, sino también en cine y televisión…
Mi carrera se ha diversificado como director, como docente, como actor y he podido afortunadamente hacer lo que pocos actores, estar con la gente que deseamos estar. Mi primera película fue con Gregory Peck y Jane Fonda, en Gringo Viejo, estar con esos monstruos del cine realmente fue aprender a hacer cine. (Nota de una página Web)
En el escenario aparecen protagonizando los roles estelares jóvenes actores, quienes por cierto, son discípulos del destacado director Víctor Carpinteiro; ellos son Antonio Rutilo, Suryday Ugalde, Yani González, Daniel Piña y Mauricio Sembrano, todos ellos mostrando dotes histriónicas en sus emotivas actuaciones.
Es una puesta en escena se lleva de la mano al espectador hacia el sufrimiento qué comúnmente manifiestan LOS NIÑOS DEL RÍO fronterizo, al nfrente a la cruenta realidad de perder a muchos de sus seres queridos y conocidos en aras de la emigración para lograr un “supuesto mejor futuro”.
La miseria a flor de piel, que hace que muchos varones persigan un mejor destino ante la promesa nunca cumplida de volver es escenificada. Discriminación, violencia, ausencia, despojo y desaliento, son los ingredientes que sazonan éste drama peculiar.
Obra con rasgos un tanto costumbrista, en tanto que el autor con su pluma manifiesta de manera somera, esbozando su creación bajo matices del género naturalista, al tratar sin tapujos la sociedad formada por LOS NIÑOS DEL RÍO.
Acerca del autor le comentaré qué Medardo Treviño cuenta entre sus libros publicados “Figuras de Lluvia”; en calidad de largometrajes se encuentran “Los tiempos de Héctor” y “La frontera en llamas”.
Es autor de 42 obras de teatro, director, actor y Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido 2009. Nació en Río Frío, Tamaulipas en 1959, hecho que tal vez le inspirara para escribir ésta dramaturgia.
LOS NIÑOS DEL RÍO es una obra muy bien estructurada, con dejos del género surrealista, en cuanto a la presentación de personajes irreales, que intervienen en las vidas de LOS NIÑOS DEL RÍO.
La obra inició temporada el pasado día lunes 7 de marzo 2022 en el foro del Circulo Teatral, teniendo como madrina invitada a la actriz Beatriz Moreno, quien junto con Alberto Estrella, el también actor y directivo del recinto cultural, junto con Víctor Carpinteiro, subieron al escenario para ofrecer unas emotivas palabras al público asistente.
La temporada de representaciones de LOS NIÑOS DEL RÍO está planeada concluir el día 25 de marzo 2022, ofreciéndose funciones en días lunes a las 20:30 horas en el Teatro Círculo Teatral, de nuestra Ciudad de México.
Conferencia de Prensa de HÉROES DE LOBBY
POR: Dalia María Teresa De León Adams
LOBBY HERO es una obra del estadounidense Kenneth Lonergan (Nueva York, Estados Unidos 1962)que se estrenó por vez primera en Off-Broadway en formato de largometraje siendo el año 2001, sumando gran éxito que lo llevara a obtener un Óscar, como Premio al mejor guión original, Premio Satélite y, Premio BAFTA en el mimo rublo.
Y ahora esta obra en formato de dramaturgia, está en puerta bajo el proyecto de ser representada como obra teatral, en el foro del Teatro San Rafael Solana del Centro Cultural Veracruzano ubicado, en el sur de la Ciudad de México, estando bajo la patrocinio de “Llamas Producciones”.
La puesta en escena se planeó para comenzar sus funciones con fecha del día 18 de marzo y estará bajo la dirección escénica de Arturo Barba, quien dicho sea de paso, cuenta con varias importantes direcciones artísticas en su haber que le han hecho ser destacado por su labor en el medio teatral.
La obra tendrá como elenco estelar a los actores Horacio Pancheri, Regina Pavón, Adrián Makala y Miguel Jiménez; hecho que ha contemplado tener en ésta puesta en escena, a un público mayormente joven, quienes siguen la carrera de éstos nuevos baluartes.
Por tal motivo el día de ayer fue convocada la prensa en dicho Recinto Cultural Veracruzano, para dar a conocer los pormenores en que se incurrirá para el montaje escénico de HÉROE DE LOBBY.
Por lo tanto, en el boletín de prensa se dio de manera textual a conocer sobre la obra las siguiente, apreciaciones por parte de la casa Difusora dirigida por la Señorita Nadia Manzanero:
-El texto es considerado uno de los mejores trabajos del dramaturgo, quien en su adaptación de Broadway tuvo en su elenco a Chris Evans y Michael Cera. Narra los hechos que ocurren en el ocioso lobby de un edificio de Manhattan, resulta ser el escenario perfecto para que do guardias de seguridad y dos policías, se enfrenten a la insatisfacción de sus deseos y a la provocación de sus miedos a partir de que Bruno, un guardia impertinente y sin rumbo claro, destapa las claves de un lamentable crimen. Así, se pondrá a prueba la honestidad de cada personaje cuando la verdad amenace con salir a la luz y la pregunta sobre lo que es ser realmente un héroe que confronte sus decisiones. Escrita por el aclamado Kenneth Lonergan (ganador del Premio Óscar), HÉR
OE DE LOBBY es una historia incisiva, aguda y brillante ante la cual no podrás quedar indiferente.
HÉROE DE LOBBY iniciará temporada el próximo 18 de marzo con funciones de días viernes a sábados, en el Teatro Rafael Solana.
EL DOCTOR IMPROVISADO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Cansado de vivir en la pobreza, un sastre abandona a su familia en busca de fortuna. En su camino se encuentra con la muerte a quien le hace un nuevo traje; esta agradecida, lo convierte en médico. Pero hacer arreglos con la muerte no siempre resulta tan bueno.-
Justo ésta es la Sinopsis de la obra teatral para niños EL DOCTOR IMPROVISADO que aparece en el boletín de prensa del difusor del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (teatro) el Señor Raúl Medina Arce.
Y como se podrá ver, la dramaturgia esta basada evidentemente en el guión de Bruno Traven, la película intitulada Macario, que fuera dirigida por el entonces afamado Roberto Gavaldón, con el apoyo fotográfico de Gabriel Figueroa.
Un largometraje icónico del teatro experimental rodada en 1960, cuya interpretación protagónica corrió a cargo de Ignacio López Tarso. Una película vanguardista, perteneciente al género surrealista, por su tratamiento escénico en el cual lo irreal se mezcla con lo real.
También tiene un formato de género onírico-fársico, en tanto que las escenas se desarrollan en el marco del sueño provocado por la ingesta de un pavo y, por su desenlace a manera de drama.
Y así se lee en una página Web:
Macario es un campesino muy pobre que anhela una buena comida en el Día de los Muertos. Cuando su mujer le cocina un pavo, la Muerte le pide que comparta su comida. Macario hará un pacto con ella.
Por el contrario, en el arreglo de la Compañía creativa de éste montaje escénico infantil, el encuentro del personaje protagónico con la muerte, sucede en una humilde sastrería.
Varios cambios sucumben en el arreglo de ésta puesta en escena infantil, que empero hacen a la obra más digeribles para los pequeñitos, quienes como es su costumbre por la ingenuidad y frescura que les caracteriza, suelen colaborar en algunos momentos escénicos, con sus diálogos sutiles que emiten a gritos.
La puesta en escena es montada en un mini-teatro o carpa, en donde los interpretes son unos muñecos guiñol o de guante, manipulados por uno de los integrantes del grupo creativo.
Ésta es representa teniendo música en vivo, original en cuanto a letra y música de la Compañía “Teatro al Hombro” quienes utilizan en la representación de su obra infantil, instrumentos como la jarana Huasteca, el pandero, la guitarra y el violín, interpretando música y letra de su autoría, que reza acerca de algunos momentos medulares de la trama de ésta divertida dramaturgia.
La
puesta en escena infantil del
DOCTOR IMPROVISADO la
cual dio inicio el pasado sábado 5 de marzo 2022, se presenta en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque los días sábados y domingos a las 12:30 horas.
ALFOMBRA ROJA DE DOS LOCAS de remate.
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El día de hoy lunes 7 de marzo 2022, en el Nuevo Teatro Libanés se llevó a cabo la rueda de prensa para informar sobre la próxima obra teatral programada por el importante productor teatral Morris Gilber, de Mejor Teatro, en asociación con el productor argentino asociado, Juan M. Caballe.
Así fue como tras de una breve espera de la llegada de las dos actrices con su director artístico el Señor Manuel González Gil y, sus dos productores asociados (el Señor Morris Gilbert y Juan M. Caballe, como a-priori he mencionado) descendieron todos de un lujoso automóvil para entrar en el recinto cultural y, con ello, dar inicio a la Rueda de Prensa, como comúnmente es habitual.
En la obra actuarán como se hizo saber, nada más y nada meno que la actriz y cantante Susana Zabaleta junto con su homóloga en actuación Gabriela Garza, quienes estelarizarán ésta puesta en escena en puerta de DOS LOCAS de remate.
Amabas en el papel protagónico en el cual caracterizarán a dos hermanas que se desgarran ante situaciones adversas que la vida las ha enfrentado. Sin embargo a manera de consigna, empero a todo al parecer, la obra se enfocará dándole gran peso escénico, al fuerte lazo filial que une finalmente a las familias, más allá de lo imperdonable socialmente.
Eso fue justo como se nos hizo ver en la probadita que ambas actrices protagonizaron para la prensa, a manera de poder enfocar la temática a tratar en la dramaturgia, minutos antes de iniciar la conferencia de prensa.
El importante productor Morris Gilbert explicó al respecto del motivo que le llevó a apostar por la representación teatral de ésta obra, quien ante el regocijo de tener entre sus manos un texto por demás interesante que lo atrapara desde el inicio de su lectura, atrapando de dicho modo su interés haciéndolo leer la obra en una sola lectura.
Hecho que lo decidió sin reservas, llevándolo a apostar por éste nuevo montaje escénico , el cual de inmediato y tras un anterior casual encuentro con Susana Zabaleta, le llevó a decidirse por producirla junto con el productor argentino José M. Cabale ésta obra que resultó ser un éxito en Buenos Aires, Argentina.
En ésta se dieron a conocer algunos de los pormenores acerca de la obra DOS LOCAS de remate que se estrenará el próximo día 24 de marzo, de manera alternada cada semana, con la otra puesta en escena intitulada “100 M2 O EL INCONVENIENTE” también presentada por la Compañía Teatral, ALFOMBRA ROJA DE DOS LOCAS de remate.
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El día de hoy lunes 7 de marzo 2022, en el Nuevo Teatro Libanés se llevó a cabo la rueda de prensa para informar sobre la próxima obra teatral programada por el importante productor teatral Morris Gilber, de Mejor Teatro, en asociación con el productor argentino asociado, Juan M. Caballe.
Así fue como tras de una breve espera de la llegada de las dos actrices con su director artístico el Señor Manuel González Gil y, sus dos productores asociados (el Señor Morris Gilbert y Juan M. Caballe, como a-priori he mencionado) descendieron todos de un lujoso automóvil para entrar en el recinto cultural y, con ello, dar inicio a la Rueda de Prensa, como comúnmente es habitual.
En la obra actuarán como se hizo saber, nada más y nada meno que la actriz y cantante Susana Zabaleta junto con su homóloga en actuación Gabriela Garza, quienes estelarizarán ésta puesta en escena en puerta de DOS LOCAS de remate.
Amabas en el papel protagónico en el cual caracterizarán a dos hermanas que se desgarran ante situaciones adversas que la vida las ha enfrentado. Sin embargo a manera de consigna, empero a todo al parecer, la obra se enfocará dándole gran peso escénico, al fuerte lazo filial que une finalmente a las familias, más allá de lo imperdonable socialmente.
Eso fue justo como se nos hizo ver en la probadita que ambas actrices protagonizaron para la prensa, a manera de poder enfocar la temática a tratar en la dramaturgia, minutos antes de iniciar la conferencia de prensa.
El importante productor Morris Gilbert explicó al respecto del motivo que le llevó a apostar por la representación teatral de ésta obra, quien ante el regocijo de tener entre sus manos un texto por demás interesante que lo atrapara desde el inicio de su lectura, atrapando de dicho modo su interés haciéndolo leer la obra en una sola lectura.
Hecho que lo decidió sin reservas, llevándolo a apostar por éste nuevo montaje escénico , el cual de inmediato y tras un anterior casual encuentro con Susana Zabaleta, le llevó a decidirse por producirla junto con el productor argentino José M. Cabale ésta obra que resultó ser un éxito en Buenos Aires, Argentina.
En ésta se dieron a conocer algunos de los pormenores acerca de la obra DOS LOCAS de remate que se estrenará el próximo día 24 de marzo, de manera alternada cada semana, con la otra puesta en escena intitulada “100 M2 O EL INCONVENIENTE” también presentada por la Compañía Teatral, Mejor Teatro la cual se comenzará a presentar éste 10.
Ambas por supuesto en el Nuevo Teatro Libanés de nuestra Ciudad de México.
Mejor Teatro la cual se comenzará a presentar éste 10.
Ambas por supuesto en el Nuevo Teatro Libanés de nuestra Ciudad de México.
DESEO INFINITO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Es una obra de ficción basada en momentos de la vida de cuatro artistas mexicanos del siglo XX, Nahui Olin, Antonieta Rivas Mercado, Manuel Rodríguez Lozano y Doctor Atl que fueron el parte-aguas en la cultura y el pensamiento de la época, donde a partir de sus escritos intentamos plasmar sus emociones y particular forma de ver la vida, creando su propio universo y cómo se van entrelazando sus historias en su lucha por conseguir el deseo infinito de ser.- (Difusora)
Bajo la dirección de Alberto Castillo, la obra teatral de su autoría presenta a dos mujeres del siglo pasado que tal vez han sido íconos del feminismo en nuestro país, paralelamente la temática a abordar del homosexualismo ultrajado, es representado en éste drama, mediante la persona de Manuel Rodríguez Lozano, quien curiosamente sería el esposo de Carmen Mondragón (Nahui Olin) y el amor imposible de Antonieta Rivas Mercado.
El autor de ésta obra en el comunicado de prensa, incurre a expresar su reflexión acerca de que la condición de la mujer actual, quien tras de un siglo, no ha avanzado o mejorado realmente su situación, pues tan sólo adquiriendo mayor responsabilidades, continúa vulnerable ante el machismo que ha aumentado las sumas de los feminicidios.
Pero volviendo a la trama de la obra, cuatro artistas se presentan desnudando sus almas. Ello tras escudriñar Alberto Castillo en los escritos que éstos artistas dejaron como legado cultural, dado fe, de parte de sus vidas románticas y emocionales.
Esto lo logra compaginando las historias de manera totalmente dinámica con matices de estilística plástica actoral y corporal, introduciendo algunos bailes y cantos que armonizan la puesta en escena.
Esto gracias al apoyo escenográfico que muestra muros movibles, así como utilería y presentación de imágenes acorde a cada uno de los cuadros a representar, con tres únicos actores, quienes son Karen Villa en el papel de Antonieta Valeria Rivas Mercado Castellanos ( D.F. 1900-1931); Sofía Sylwin interpretando a María del Carmen Mondragón Valseca ( Veracruz 1894-1978) (Nahui Olin) y Francisco Mena, éste último en los roles de Manuel Antonio Rodríguez Lozano ( D.F. 1896-1971) y el Doctor Atl ( Guadalajara 1875-1964).
Los tres mostrando grandes dotes histriónicas, sumergen al espectador en algunos de los episodios vividos en nuestro México del siglo XX tratada ésta trama dentro del género del drama. El vestuario, maquillaje y pelucas, dan un toque de realismo al montaje escénico, pues muestra también ciertos brotes de obra costumbrista que nos bosqueja de algún modo los albores del siglo pasado.
DESEO INFINITO se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.
HORAS DE GRACIA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Magnífica puesta en escena de la Compañía Nacional de Teatro (CNT). Y como siempre es sabido, las puestas en escena del CNT resultan ser una promesa tanto por sus dramaturgias, su dirección artística y por su calidad interpretativa, montajes escénicos, etcétera.
Y en ésta ocasión no podía ser una excepción. HORAS DE GRACIA esta siendo escenificada a manera de homenaje póstumo su escritor, Juan Tovar nacido en Puebla, México 1941, quien falleciera en 2019.
Y dicho sea de paso, Juan Tovar fue miembro del grupo de Teatro Universitario, Premio den la categoría de cuento de La Palabra y El Hombre en 1966 por Los misterios del reino, Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón en 2007, galardonado con una medalla por el Instituto Nacional de Bellas Artes y becario del IMCINE.
Su obra en concreto HORAS DE GRACIA ha sido considerada como una onirofarsa pues resulta ser un intento por reconstruir el ocaso de la vida de Don Agustín de Iturbide, haciéndolo con una deliciosa construcción temporal no lineal, esbozando mediante ellos los momentos más trascendentales capturados por la historia acerca de su vida.
Escrita en 2010, en ella Juan Tovar mediante el recurso de un sueño, recapitula con su pluma el imaginario encuentro de Iturbide con quien alguna vez fuese su amigo, colega en la política y pretendido compadre, Don Antonio López de Santa Anna.
La pluma del autor va dibujando de manera sutil y con un dejo de ironía, los posibles diálogos que construye a través de lo onírico, incurriendo justo en lo que pudieron ser los breves momentos antes de ser fusilado por la fuerza armada mexicana, hecho por el cual podemos decir qué intituló su dramaturgia, de manera muy ad-hoc al contenido medular de la trama a tratar.
Así es como el dramaturgo Juan Tovar concretó el encuentro onírico entre dos grandes figuras mexicanas, que dieron margen al destino de nuestro pueblo y que la Compañía Nacional de Teatro (CNT) bajo la dirección artística de Daniela Parra logran presentar con una espléndida puesta en escena de aproximadamente 100 minutos de duración, que el público esta recibiendo con gran audiencia. Los aplausos no se hicieron esperar de manera prolongada y calurosa por el espléndido trabajo del Compañía Nacional de Teatro., aunados al esplendido vestuario a la usanza secular, con uso de pelucas y
Los personajes son matizados con gran calidad histriónica que logran con sus movimientos corporales y modulaciones de voces, respetando el ácido y agudo humor del autor, según la consideración de Daniela Parra, quien como a-priori he mencionado, es su directora artística.
En el reparto estelar se encuentran Fernando Bueno, Miguel Cooper, Erika de la Llave, Ana Ligia García, Zaide Silvia Gutiérrez, Fernando Huerta Zamacona, Jorge León, Oscar Narváez, Carlos Ordóñez, Laura Padilla, José Carlos Rodríguez, Amanda Schmelz, Roberto Soto, Edwin Tovar y Andrés Weiss. Todos ellos grandes actores que forman parte del elenco estable de la CNT.
Y como un “Plus” la puesta en esc
ena está acompañada en diversas ocasiones, por cantos y música en vivo que van muy a colación con los momentos y cuadro escénicos a presentar, los cuales se representan bajo una escenografía móvil y adecuada, que brindan los cambios de escena justo en los momentos en que lo precisa la trama a tratar de ésta obra.
-Las últimas horas de Agustín de Iturbide, sus sueños de emperador, el encuentro imaginario con Antonio López de Santa Anna, sus recuerdos, su legado, su destierro y desenlace fatal son recreados en la puesta en escena HORAS DE GRACIA. ÚLTIMO SUEÑO DE AGUSTÍN I que la Compañía Nacional de Teatro- (la Difusora).
HORAS DE GRACIA se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.
A MAR DE MÍA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-La obra relata la vida de Emma, una escritora desahuciada que se reescribe a sí misma en sus últimos momentos de vida a través de Mía-
La obra es el resultado de un laboratorio de creación escénica que se hizo a partir de varias ideas y experiencias de la dramaturga Patricia Yáñez, quien escribió junto con Jimena Eme Vázquez en base a experiencias de su equipo equipo creativo incluyendo a las actrices, quienes mediante una reunión participaron contando remembranzas de mujeres conocidas y familiares, retomando temas en otro tiempo tabú como el de la represión y libertad sexual, la soledad vivida indistintamente al género masculino y la enfermedad aniquilante.
Así fue como surgió A MAR MÍA con una trama que escenificar, representada bajo un formato perteneciente al género fantástico, por su tratamiento escénico en donde seres irreales van junto de la mano, con una mujer envuelta en la soldad.
Personaje protagónico de Emma, quien se reescribe como Ester y Mía; un ser dual surgido de su pluma artística. Así es como la autora de ésta obra, Patricia Yáñez, caracteriza a Emma, la mujer que habita en su “Ciudad arena”, haciendo un paralelismo con el personaje de Mía, su amiga; un ser imaginario, quien a la vez cohabita con ella inmersa en su “Mar de asfalto”, lugar en donde ama con pasión y se desgarra de dolor.
También ésta obra teatral podría ser considerada dentro del género literario del realismo mágico, en donde los mitos y legendas forman parte de la realidad cotidiana de todos nuestros pueblos americanos, como dijera alguna vez con otras palabras, el afamado escritor franco-cubano, Alejo Carpentier (Lausana Suiza 1904-1980)
-Relata la vida de una mujer que tras la noticia de desahucio por la enfermedad terminal, decide escribir su propia historia y articular desde la palabra escrita ese pasado oculto que aún hoy en día la atormenta y de la cual no ha podido huir. Sin embargo será Mía , su personaje escrito, quien le devuelva la esperanza y la posibilidad de revivir ese viejo amor pasional que le dio vida y la fundo desde la mirada y la posibilidad de ser otra en otro lugar, fuera de las represiones sociales y el deber ser como mujer.-
Con éste párrafo es como se expone la sinopsis de A MAR MÍA en la cartelera teatral, para dar a conocer los pormenores de ésta co-producción de la UNAM con La Casa de Teatro A.C. en donde se presenta en corta temporada que concluirá el día 20 de marzo.
AL CUERNO POR LOS TOROS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Obra teatral escrita y dirigida por la joven dramaturga mexicana Mariana Bastida, la cual cuenta con el reparto estelar, compuesto por los actores Elías Toscano, Ditmara Náder, Pamela Ruz, Diego Martínez Villa, Pablo Gálvez, y Tamara Niño de Rivera.
Es una puesta en escena en un solo cuadro escenográfico que muestra la sala de una casa habitación, en donde un festejo de cumpleaños irá dando paso poco a poco a diversos conflictos que se fueron anidando con el paso del tiempo.
Entre los seis aparentes amigos e intentos de parejas sentimentales que se formaran en antaño, se desencadenan ciertos conflictos de enemistad, aunados a una serie de traumas personales qué se irán mostrando, lo cuales van quedando al desnudo tras el calor de un poco de copas y pinturas exhibidas que habían sido creadas por ellos mismos en el pasado, quedando un tiempo en el olvido.
Los personajes son Salvador, Virginia, Remedios, Vicente, Eleonora y Pablo. Personajes matizados bajo un trasfondo mayormente psicológico, y sin embargo perfilados un tanto cuadrados.
Características que su autora les otorga para lograr un melodrama contemporáneo, que bien puede encajar en cualquier sitio y sociedad. Y que los actores logran caracterizar matizándolos con gran histrionismo actoral.
-Narra la historia de seis amigos que se reúnen para festejar un cumpleaños tras de un año de no verse. Durante la velada desenterrarán los conflictos que nunca lograron resolver entre ellos, pero sobre todo los problemas existenciales que cada uno carga y no ha resulto por sí solo. Los espejos se vuelven necesarios para identificar quien es uno mismo, y a veces un amigo puede ser un gran espejo.
Así es como la misma compañía creativa se expresa al respecto de éste obra teatral, bajo la asistencia de producción y dirección de Rossana Deneb, el equipo escenográfico y de iluminación de Aurelio Palomino y la producción general de Pablo A. Ch. Y a manera de Sinopsis en la cartelera teatral se continúa diciendo:
-La pieza escénica relata uno de los problemas más fundamentales de la condición humana; la identidad, quien soy a partir de la mirada de los otros, en el amor, en la amistad y en la sociedad.
Temas que se abordan durante todo el tiempo escénico y que invitan a la reflexión de tipo existencial, acerca de nuestra propia persona . ¿Cómo creemos ser? Y ¿cómo somos para los demás? Juicios de valor que a veces se crean de manera muy lejana a la realidad.
AL CUERNO POR LOS TOROS tan sólo ofrecerá dos funciones más los jueves 10 y 17 de marzo 2022 en el Teatro La Capilla en la Ciudad de México.
AVERÍA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Obra teatral del género experimental que aborda de manera metafórica la AVERÍA que el cuerpo y el alma sufren a través del tiempo, recordándonos lo efímero de la existencia y de los objetos que deja tan sólo nos dejan el recuerdo de lo vivido; recuerdo de lo amado, lo compartido, de lo obtenido y lo perdido.
AVERÍA es una puesta en escena que no tiene una historia que contar, Sin embargo contiene una trama que su autor e interprete va entretejiendo poco a poco, compartiendo con el público algunos momentos escénicos, e interactuando con frases legadas por el espectador, sin perder de vista la temática de la demencia senil o el Aiz-heimer.
Los objetos de utilería que se presentan en el escenario, le sirven al actor de manera simbólica para ir desarrollando en base a varias ideas, algunas historietas breves a tratar, en donde la familia retoma singular importancia en los recovecos de la memoria.
Así es como objetos viejos se van convirtiendo en parte de la dramaturgia, tales como una casettera móvil con su respectivo casette ya en desuso, un reloj de cuerda para armario, una figurita de adorno antigua, una matraca, una corneta, un aparato pequeño para hacer raspados, entre otros objetos más que en antaño fueran da gran utilidad.
Con respecto a ésta obra, se puede leer textualmente en el comunicado de prensa lo siguiente:
-AVERÍA de David Almaga. Un unipersonal pleno de música e improvisación sobre lo difícil de la demencia senil, del Aiz-heimer, del querer olvidar algo por lo traumático, y también del deseo de nunca perder esos recuerdos que nos llenan de alegría.-
AVERÍA se encuentra dirigida, actuada y escrita por David Almaga. Es un montaje escénico que resultó ser el ganador de la 3ª Incubadora de Proyectos de Teatro realizados por parte de La Capilla en 2021, hecho que le otorgara un espacio escénico para ser representada en el mismo Foro de dicho Teatro, con funciones del 2 al 30 de marzo en días miércoles.
ENTREGA DE LOS PREMIOS SAN GINÉS, 2022
POR: Dalia María Teresa De León Adams
¡Por fin fueron otorgados los PREMIOS SAN GINÉS! Por si aún Usted no se había enterado, son los galardones ofrecidos al Teatro Independiente Mexicano, que se llevó acabo el pasado día lunes 28 de febrero 2022 en el Foro OFF SPRING.
Para tal efecto estuvo presente el consejo presidido por el dramaturgo, escritor y presidente de la Asociación, el Señor Arturo Amaro junto con la productora y Directora de dicho Foro, la Señora Adriana Enríquez, el comunicador Alejandro Bernal y el dramaturgo Pablo Zuack.
Todos ellos bajo la supervisión del maestro Benjamín Bernal quien entre muchas labores más, es el presidente de la Agrupación de Periodistas Teatrales (APT) quien tuvo a bien informar a la prensa mediante un comunicado, lo siguiente:
-Fue en el año 2019 cuando surgieron los premios; el teatrista Arturo Amaro es el artífice de dicha iniciativa, junto con un consejo presidido por el propio Arturo Amaro, la productora Adriana Enríquez, directora del Foro Off Spring, el comunicador Alejandro Bernal, el dramaturgo Pablo Zuack, con la supervisión del maestro Benjamín Bernal, Presidente de la Agrupación de Periodistas Teatrales (APT), los PREMIOS-SAN GINÉS, en este año debido a la afectación al teatro por la pandemia que dio inicio desde el 2019, se darán algunos premios que estaban pendientes para actores que cuentan con una vasta trayectoria en el medio por designación directa y habrá algunas ternas sobre trabajos que lograron exponerse de manera presencial.
Se pretende destacar la labor no reconocida de creadores escénicos que han laborado infatigablemente a lo largo de décadas enteras en el teatro independiente.-
Le comento que como es bien sabido por todos, la pandemia del Corona Virus causó tanto el cierre como la interrupción de muchos proyectos de todo índole, no tan sólo en nuestro país, sino en el mundo entero, motivo por lo cual habían quedado pendiente la entrega de algunas preseas.
Así finalmente llegando por fin el día esperado para la entrega de los PREMIOS GINÉS, el evento fue conducido por Carla Lorena Bauche y José Antonio López Tercero, quedando la entrega de preseas de la siguiente maneras, acorde a las distintas categoría:
Premio de trayectoria San Ginés de oro por 20 años en escena a Donnovan Santos y a Oscar Gómez por sus 30 años de trayectoria en escena. Por sus reconocida e ininterrumpida labor de aproximadamente más de 25 años a Miguel Fuentes, Néstor López y a Francisco Cota, quien cuenta con más de 30 años de trayectoria teatral. Todos ellos galardonados con un San Ginés de Oro.
Por la mejor obra infantil se otorgó el San Ginés de plata a Miguel Enrique Sánchez por la interpretación del personaje de Pekeko, en la obra El pescador de sueños, de su propia autoría.
José Antonio López Tercero recibió el galardón por su destacada actuación en "El fascinante mundo de Shakespeare". Otros galardonados fueron Enrique Guerrero, quien cuenta con más de 30 años en escena y, Daniela Pedraza por sus 25 años.
Cómo mejor monólogo se premió a Derek Luken por su dramaturgia intitulada La Catrina, en tanto que Antonio Toga recibió premio por su trayectoria de 35 años en el teatro.
En la categoría de mejor actor, José Canchola por Pito Pérez el anarquista iluminado, Jorge Prado Zavala por su actuación en El corazón delator y por último, Enrique Guerrero por su actuación al encarnar al Mocho.
En el grupo ovacionado como el mejor director se encontraron Wilfrido Momox por Las perlas de la virgen y Jorge Sandoval, por Pito Pérez, el anarquista iluminado; ambos recibieron un San Ginés de Oro.
Así mismo en el Foro OFF SPRING, aunado con los PREMIOS SAN GINÉS se hicieron entrega de placas conmemorativas denominadas "La butaca de oro" en reconocimiento a personalidades que han destacado en el mundo del teatro independiente, las cuales le comento, son colocadas en tan significativo lugar dentro del teatro, a manera de homenaje por su arduo trabajo en escena, recibiendo placa conmemorativa la actriz Aleyda Gallardo, los productores y actores, Elvira Trejo y Pako Martínez y el primer actor Pedro Aguayo.
Y no podía faltar la revelación de una placa conmemorativa EL MILAGRO DEL OFF SPRING a manera de homenaje a todos los grupos teatrales, actores, productores y creativos en general, en éste foro, durante el periodo 2021, por lo cual gracias a ellos, el foro OFF SPRING sigue de pie, así como al público que se ha continuado sumando a dicho esfuerzo.
Y por si Usted desea participar para el siguiente Ciclo de PREMIOS GINÉS, se acaba de abrir la siguiente comunicado:
Convocatoria:
El ciclo 2022-2023 se tomarán en cuenta los trabajos presenciales que tengan un mínimo de 12 funciones en cartelera y cuya propuesta se dé a conocer a los miembros del consejo. Además de no recibir subvención alguna. Se hace un llamado a inscribirse para el siguiente año 2022-2023. Se reconocerá, además, la labor de un decano o decana del teatro independiente en México.
CUTTIN’ IT
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Dramaturgia de la escritora británica Charlene James traducida y adaptada al español por Roberto Cavazos la cual se presentara en corta temporada, en el Foro “A poco No”, bajo la dirección artística de Maya Vargas y, con la interpretación artística de Debby Báez y Yesica Silva.
Nacida en Birmingham, Reino Unido, la autora Charlene James es una dramaturga y guionista quien por cierto obtuviera elogios sustanciales justamente por su obra CUTTI’ IT.
Obra que aborda la temática en torno a la mutilación genital femenina por parte de los grupos étnicos de origen somalí, que habitan algunas regiones en la Gran Bretaña. Hecho por el cual ganaría numerosos premios, siendo por parte de la crítica periodística The Circle Theatre Award for Most Promising Playwright.
CUTTI’ IT cuyo significado como Usted sabe es “cortada” en español, gira en torno justamente a dicha mutilación efectuada en el genital femenino, la cual generalmente es efectuado a las niñas musulmanas justo al cumplir tan sólo 7 años de edad, como un rito cultural tradicional del comienzo a ser mujer.
Temática que tuvo a bien presentar la compañía creativa denominada Teatro Mexicano Monterrey, de ésta puesta en escena bajo la siguiente consigna textual:
-Ante la crisis humanitaria del siglo XXI, el teatro propone un terreno fértil para dar luz a una de las pugnas culturales más controversiales a nivel mundial: la migración, el sincretismo cultural y la resignificación de la fe en el occidente y oriente.
Por medio de una dramaturgia franca, la autora británica Charlene James expone la complejidad humana y propone dos miradas hacia la tradición CUTTIN’ IT nos habla del dolor, de tradiciones, de migración, de refugiados, de violencia de género y de dignidad humana. Problemática sin fronteras y totalmente empática con la actualidad mexicana.-
Obra teatral montada en un solo cuadro escenográfico que muestra una mega-pantalla al fondo y de un costado del foro, entre algunos objetos de utilería o tramoya que sirven para el desarrollo de la trama a tratar.
Contando con una moderna pieza musical inglesa, que de algún modo introduce al espectador al referente de la obra; es decir, a una determinada región en Inglaterra, en donde se desarrolla la historia contemporánea que presenta a dos adolescentes somalíes caracterizadas (como inicialmente comenté) por las actrices Debby Báez y Yesica Silva, quienes actúan con gran histrionismo escénico, al inferirle a sus personajes gran emotividad.
Son dos personajes casi niñas (Numa e Ikra) quienes se conocen dentro de una secundaria y quienes en base a una experiencia cultural ancestral, vivirán juntas momentos amargos, más allá de lo concebido en el resto del mundo no islámico.
El dolor, la negación a los valores culturales, la herencia cautiva y la decepción, son algunos de los ingredientes de ésta trama, que lleva al público a encarnar la angustia y desazón de una mujer adolescente, quien reaviva cruentos recuerdos de su infancia a través de su hermanita, tras de cumplir ésta apenas sus 7 años de edad.
Obra teatral perteneciente al género de denuncia en cuanto a su tratamiento narrativo, que empero también se ubica como una obra un tanto de estilo costumbrista, en cuanto a que muestra algunos de los rasgos musulmanes (entre ellos el de la vestimenta) aunque de manera solamente muy somera, pues la escritora da mayor peso escénico al CUTTIN’ IT padecido por las mujeres en plena infancia y no tanto a los elementos culturales de los grupos somalíes.
CUTTIN’ IT se presentó en el Foro “A poco No” tan sólo con funciones del 23 al 27 de febrero 2022.
CONCERNIENTE AL ALBEDRÍO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Original de Daniela Paola, Mara Ximena Espinosa de los Monteros e Ignacio Ferreyra, el proyecto realizado gracias al Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales del FONCA, a la Secretaría de Cultura, al ANTI y al Milagro, volvió por segunda ocasión al escenario teatral.
Dirigida bajo la autoría del mismo Ignacio Ferreyra, la puesta en escena muestra algunas vicisitudes que en general solemos enfrentar las mujeres; ello dicho sin tapujos ante una sociedad machista la cual masivamente alberga, sometiendo debido a aún estar plagada de prejuicios y valores mal enfundados, producto de matices misóginos.
Por dicha razón las actrices y dramaturgas se muestran al descubierto. No tan sólo corporalmente, sino además mostrando al público una perspectiva femenina. De tal modo qué las interpretes desnudan tanto su alma como su cuerpo, ante el deseo de hablar sin ninguna reprimenda.
Es un montaje escénico que tiene apoyo multimedia, del cual se sirve para mostrar tanto escenas tomadas en la calle, como imágenes acorde al aspecto psicológico- simbólico e incluso dar a conocer finalmente a todos los creativos de ésta obra, a manera largo metraje. Y ¿qué es a fin de cuentas ésta vida, sino una especie de película a veces mal lograda?
La música es otro elemento de apoyo en el desempeño de la obra que sirve a las actrices para matizar las escenas a tratar, nutridas por una narrativa, que retoma mayor peso que los diálogos ocasionales.
Así la trama inmerse en la dramaturgia muestra a una obra perteneciente al género de denuncia, en cuanto a su tratamiento. Una denuncia en contra de la manera de focalizar y tratar comúnmente y por generaciones, a la mujer.
Sin embrago, tal vez la parte medular de éste drama es la violencia de género llevada al extremo del asesinato, en donde se van narrando y mostrando algunas fotografías en torno a lo que sería finalmente un crimen a plena luz, en donde nadie hace nada.
Y con respecto al objetivo que llevó a materializar éste montaje llevándolo al escenario teatral, se puede leer en el boletín de prensa la siguiente aseveración al respecto:
-CONCERNIENTE AL ALBEDRÍO es una puesta en escena que surge de querer explicar qué pasa con el cuerpo, psique y emocionalidad frente a la violencia que se ejerce actualmente sobre las mujeres. A partir de un caso real de un feminicidio, la compañía Realidades Asimétricas decide indagar no sólo en los factores sociales o culturales que rodean el fenómeno sistemático de la violencia de género, sino principalmente en cómo esa violencia trastoca la vida de manera irreversible para quienes viven el suceso.
Estableciendo un diálogo con la ausencia, la desaparición, la impotencia y con todas las emociones que la violencia genera, dos mujeres se confrontan entre ellas y a sí mismas, recorren un laberinto formado por recuerdos, sueños, vacíos y conflictos, desde la vulnerabilidad y la franqueza de su propia desnudez, reapropiándose de un cuerpo que ha sido violentado y sometido cultural, política y socialmente.
CONCERNIENTE AL ALBEDRÍO se presenta en uno de los foros del Teatro el Milagro hasta el día de hoy domingo 27 de febrero 2022.
MANUSCRITO 512
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Puesta en escena impactante, en cuanto a su contenido narrativo. Para tal efecto aparece en escena la actriz Ainé Martelli, quien en base a un monólogo presenta parte de un ritual que en antaño fuera practicado por el grupo étnico denominado los Shuar; Así hilándolo con la ficción que es el producto creativo de la pluma de su autor, el dramaturgo y antropólogo José Luis Cruz, logran una puesta en escena interesante.
Pues bien, la trama gira en torno a dicha práctica, explicándose parte del procedimiento a efectuar al comentando por ejemplo qué una vez cortada la cabeza, los Shuar hacían una incisión en la parte de atrás y arrancaban la piel del cráneo, podía tardar aproximadamente 6 días; procedimiento qué junto con otras técnicas de elaboraciones son tratadas someramente mediante la trama.
Así es como su autor José Luis Cruz recrea al personaje de Persi, un europeo a quien llegaría a sus manos, el MANUSCRITO 51, por lo que se puede leer de manera textual como sinopsis de la obra, la siguiente aseveración que aparece en la cartelera del Circulo Teatral:
-MANUSCRITO 512 cuenta la “falsa “ historia de un pergamino mágico, que hechiza a quien lo lee o quien lo toca. Éste data de la antigua cultura ancestral de los egipcios, que va pasando de mano en mano, de cultura en cultura, de civilización en civilización y cada una de ellas te va insertando parte de sus historias y mitos, para así formar parte esencial del relato que contiene; el cual sirve de inspiración para desarrollar las obras más importantes de los historiadores, los poetas, los filósofos, los narradores, los dramaturgos y los trovadores.-
Su escritor, el dramaturgo José Luis Cruz quien además dirige su propia obra, plaga con dejos de historicidad el texto, al mencionar algunos de los pormenores que en la realidad practicaban de manera ancestral los Shuar.
Ritual considerado para muchos como un acto macabro, sin embargo en ésta puesta en escena la ejecución de minimizar las cabezas dentro de la narrativa, se efectuó además como un acto de monetizar e, incluso, como una moda europea que hacía verse muy “chic” a la persona que poseía una cabeza en miniatura; siendo dentro de la historieta a través del personaje de Persi y su tío Jacques.
Para sustentar el monólogo, en la obra teatral se mencionan algunos pormenores con respecto a dicha practica, que en la realidad operara como a-priori se ha dicho, el grupo tribal de los shuar.
Un grupo étnico minoritario habitante de la zona Amazona Occidental, es decir del centro y sur de Ecuador. Cercanos a lo grupos de los chicam, los aguruna, los shiwiar y los achuar, quienes junto con los shuar, son considerados como los grupos triviales originarios.
Los shuar comúnmente han habitado los bosque, viviendo en casas aisladas, más no, como una entidad grupal. Actualmente conservan su lengua “el shuar-chicam, además del idioma español y, por lo que se sabe, ya no practica el ritual del achicamiento de cabezas.
Acorde a ello se puede leer en una página Web, al respecto:
Tzantza, tsantsa o cabeza reducida es nominado el ritual de la práctica del pueblo indígena shuar de "reducir cabezas". Este místico procedimiento hacía que el nativo también conocido como jíbaros, momificase y conservara las cabezas de sus enemigos como talismán y trofeo de guerra.
La actriz protagónica mediante el apoyo de objetos de tramoya, música y movimientos corporales un tanto rítmicos, da vida con su narrativa al personaje de Persi y su avaricioso tío, introduciendo incluso un monólogo en portugués, muy ad-hoc al momento escénico.
Ello lográndolo en apoyo en la dirección escénica bajo un cuadro presentado en un sólo tiempo, en donde la actriz Ainé Martelli logra una magnífica interpretación de manera unipersonal, con su acento extranjero, el cual tal vez le da un plus a su caracterización protagónica.
MANUSCRITO 512 se presenta los días sábados y domingos a las 19:00 horas en El Círculo Teatral.
OJOS DE NUBE
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Bajo la dramaturgia y dirección de Berta Hiriart, la obra teatral infantil OJOS DE NUBE el día de ayer, sábado 19 de febrero 2022 se estrenó en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico, apareciendo como reparto estelar Myrna Moguel, Alberto Cerz, Jimena Soto Mayor y Diego Álvarez, entre otros jóvenes entusiastas que cantaban y ambientaban la puesta en escena.
Artista que aparecen en escena compartiendo créditos con pequeños muñecos guiñol o de guante, para avivar ésta historia la cual presenta a una pequeña que es llamada OJOS DE NUBE debido su carente colorido en la piel y en el pelo.
-Yari es una niña albina, se ha aislado con Muma y su conejo Felix a causa del rechazo experimentado en la escuela. A varios niños les da entre miedo y risa convivir con alguien de diferente apariencia que el resto de la comunidad. Pero esto no ha apagado a la niña. Ella vive feliz en su mundo de libros y plantas, nutrido por Muma, bióloga que cultiva nuevos árboles, con la esperanza de que algún día contrarresten la sequía, causada por la tala desmesurada y por el humo de las chimeneas de las fábricas. (texto de la difusora)
Y como comúnmente sucede en el teatro para infantes, la narrativa lleva un mensaje de consigna implícito, y que en éste caso es el de NO deber creer en los rumores de la gente, que asientan en sus creencias populares, como reales.
Palabras en referencia a la credibilidad de supersticiones qué en el caso de éste montaje escénico, se traduce en pensar que el personaje protagónico de OJOS DE NUBE (Yari) provocó la sequía, lo cual provocará que dos niños, la persigan hurtando su pequeño conejo, para intentar castigarla por dicho motivo.
Es un cuento infantil que puede ser considerado Pro-natura, pues además intenta de algún modo crear un poco de consciencia entre los pequeñitos, para que cuiden el medio ambiente, sembrando y cultivando plantas y árboles (al igual que el personaje de la niñita Yari) que permitan mejorar el ambiente a largo plazo, y con ello poder habitar un mejor planeta.
Otro elemento a considerar en este montaje escénico sin duda es el apoyo multimedia, el cual sirve como parte de la escenografía para ambientar varios cuadros escénicos, como lo son el de aparecer en una mega pantalla ubicada en la parte central del fondo del escenario varias fábricas humeantes, o la tala de árboles entre otras muchas imágenes más, acorde a la trama a seguir.
Dramaturgia ofrecida en co-producción con el Centro Cultural Helénico y por la compañía creativa “Los Cantores del Confín”, bajo la dirección artística de la misma autora Berta Hiriart, quien por cierto, expresara de manera textual la siguiente consideración:
-Esperemos poner nuestro granito de arena para que los más jóvenes se inclinen por la ciencia, dejen atrás las falsas creencias y colaboren a frenar el deterioro ambiental- Teatro Helénico de Ave Revolución 1500, san Angel
OJOS DE NUBE se presenta los sábados y domingos hasta el día 27 de marzo y estará sujeta al semáforo epidemiológico.
WENSES Y LALA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Ovacionada como la Mejor Obra Teatral de la 1ª Edición de los Premios Metropolitanos, la puesta en escena WENSES Y LALA volvió a tocar escenario, siendo en esta ocasión en el Centro Cultural San Ángel.
Con anterioridad había sido ovacionada por los aplausos del público tanto en el Teatro Xavier Villaurrutia del INBA, en la Sala A de La Teatrería y en el teatro BANAMEX Santa Fe de la Plaza Comercial Zentrika en co-producción de “Mejor Teatro, en El Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris” y, en el Foro Shakespeare al colocarse en el gusto del espectador, por su tierna y conmovedora narrativa, y no se diga de su magnífica interpretación de sus dos protagónicos quienes son Teté Espinoza y su propio autor e interprete, el Señor Adrián Vázquez.
Así fue como el día de ayer viernes 18 de febrero 2022, desde afuera del Centro se podían apreciar las largas filas para entrar al Foro Ignacio López Tarso para que nuevamente la Compañía productora “Tres Tristes Tigres” comenzará su ciclo de representaciones con la puesta en escena de WENSES Y LALA, pero en ésta ocasión nuevamente con la casa productora Mejor Teatro, cuyo dirigente es el Señor Morris Gilbert.
Es un drama perteneciente al género romántico, original del escritor veracruzano Adrián Vázquez quien como Usted sabe, cuenta con un gran historial académico y sobre todo, profesional, siendo ésta dramaturgia quizás, la que hasta el momento le ha dado mayor reconocimiento en el medio teatral y gratificación personal.
-“WENSES Y LALA, con más de 350 representaciones, es una puesta en escena donde actúa Teté Espinoza y su director Adrián Vázquez, la cual es todo un referente al teatro actual. “Es la historia de un hombre y una mujer, una comedia que no es cursi. WENSES Y LALA se alejan de la cursilería, es la historia de dos seres que viven en algún paraje perdido de México. “Es ante todo una comedia donde se inserta una historia de amor”, comenta el actor-director-dramaturgo.”- Así es como se expresara una de sus su compañías difusora al respecto de la obra.
Ahora también se puede leer de manera textual la siguiente aseveración en el boletín de prensa de la difusora Sandra Narváez:
- La crudeza de la vida, la violencia que permean los tiempos actuales, la virulencia y un sinnúmero de obstáculos desgarradores son aquí suplantados por la virilidad de los personajes, una pareja que se conoce desde la infancia y se promete estar siempre juntos, pero también por la lucidez con la que la propuesta entreteje un telón de fondo en el que la inocencia y la recuperación de esa niñez a la que todos solemos olvidar; nos recuerda una vieja alegoría que versa; la alegría de vivir jamás debe perderse para dejarnos una reflexión profunda acerca del amor.
Obra que no tan sólo se ha logrado mantener en el gusto del público, sino que también ha sido elogiada por la crítica periodística tanto por su esplendida actuación, como por su texto muy bien estructurado, llenando foros, y el día de ayer no fue una excepción.
Adrián Vázquez quien además la dirige, actúa con gran candidez al interpretar su personaje de WENSES, antípodamente al personaje un tanto atrevido e intrépido de LALA de su co-protagonista, la actriz Teté Espinoza, quien canta espléndidamente en ésta obra de matices romántica y actúa como su pareja sentimental en éste melodrama.
Y a propósito de cantos, y hablando entre paréntesis le comentaré qué inicialmente antes de ingresar a la Sala, se amenizó el momento de espera introduciéndose por parte de la compañía productora, a una melodiosa cantante, quien interpretó por cierto, tres bellas baladas románticas, aludiendo de alguna manera a la atmósfera de romanticismo de la esperada obra teatral a punto de disfrutar.
A manera de sinopsis podríamos decir qué la trama de WENSES Y LALA gira en torno al amor que poco a poco va surgiendo a través de una amistad, narrada por los mismos personajes protagónicos quienes narran algunos de los pormenores vividos a través del paso de los años, utilizando para ello un lenguaje totalmente coloquial, con recurrentes palabras altisonantes que le infieren cierto dejo de gracias a los personajes. Asís es como presenta a dos niños, quienes ante la adversidad, se enfrentan solos en el mundo ante la carencia de sus padres, cuyo fallecimiento es narrado someramente; hecho que les llevará a unir sus destinos en soledad.
Por fin la adolescencia llega, y con ésta da inicio la pasión entre WENSES Y LALA; sin embargo como comúnmente suele suceder, no podía faltar el rol antagónico, es decir un hombre en disputa intentando coartar el amor jovial de la pareja. Personaje quien empero, nunca aparece en escena, pero es mencionado dentro de la narrativa como una tercera persona del drama.
La historia es narrada a detalle por los dos personajes en escena, logrando desde hacer reír, hasta llorar, conmoviendo con ello a gran parte del público asistente, utilizando diálogos sencillos y algunos localismos al parecer veracruzanos (como el autor) acorde a la provincia en que se sugiere éste drama de matiz romántico.
Todo ello enmarcado con cantos ocasionales que brindan los personajes en escena, durante la obra presentada en un solo cuadro escenográfico, como suele comúnmente ser representada la obra de Adrián Vázquez.
Cuadro en donde se presentan como apoyo escénico solamente una banca, desde la pareja cuenta los pormenores de sus vivencias de una manera amena y fresca. El amor triunfal no impiden un final desgarrador para algunos, en tanto que bello para otros espectadores, pues es tan sólo cuestión de enfoque.
WENSES Y LALA se presenta en el Teatro López Tarso del Centro Cultural San Ángel.
3 Ganadores 3 del 14 Concurso Internacional de Dramaturgia "Victor Hugo Rascón Banda" organizado por la Agrupación de Periodistas Teatrales.
LAS PRESEAS A DRAMATURGIA DE LA APT, 2021-2022
AGRUPACIÓN DE PERIODISTAS TEATRALES
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Como es ya bien sabido en el medio teatral, La Agrupación de Periodistas Teatrales (cuyas siglas son APT) es un organismo independiente qué se ha formado bajo el rubro de otorgar cada año una estatuilla a cada uno de los mejores en categorías que conciernen a la creatividad teatral, tales por mencionar algunos, como productores, directores, actores protagónicos femeninos (así como masculinos) co-estelares, etc.
Además, mediante su creativo y presidente, el Señor Benjamín Bernal, también surgió la propuesta de galardonar a las dramaturgias contemporáneas de diversos géneros como musicales, drama, melodrama, farsa, comedia, tragedia, teatro vanguardista, surrealista, o parodia, entre otros.
De dicho modo se extendió una convocatoria dirigida a los dramaturgos que quisieran colaborar con sus obras, haciéndose de manera que incluyera a los escritores también extranjeros que desearan participar.
Por fin llegó el momento de la selección y tras de una ardua labor se hicieron manifiestos los resultados, a través del presidente del la APT, el Señor Benjamín Bernal, también escritor y periodista (entre muchas profesiones más) quien tuvo a bien escribir los resultados enviando a la prensa el siguiente comunicado:
La AGRUPACION DE PERIODISTAS TEATRALES
Da a conocer los resultados del 14 Concurso Internacional de Dramaturgia “Víctor Hugo Rascón Banda”
Participaron 40 escritores. Hemos identificado el origen de algunos participantes: México 10, España 4, Argentina 7, Venezuela 2, Canadá 1, Perú 1. De los demás escritos, no está claro el país de origen. Es interesante saber que participaron varias nacionalidades.
Tres Ganadores
1er. lugar La resurrección de la libélula, Seudónimo El Agaporni. Arturo Amaro, México.
2o lugar. Voila Paris, Seudónimo, Fem. Gilda Salinas, México
3er. lugar. La última esclava de Guadin, Seudónimo Soledad sonora, Antero Jiménez, España.
Presidente del Jurado, Humberto Morales. Integrantes: Donnovan Santos y Benjamín Bernal.
La Entrega de Diplomas se hará en la 38 Ceremonia de Entrega de Premios, sea virtual o presencial.
Se ha prometido el montaje de las obras, generalmente sólo se otorga a Primer lugar. Pero por la calidad de los participantes se ayudará al montaje de las tres obras ganadoras en la ciudad de México. Dentro de los seis meses que sigan a esta fecha. No incluye elenco, trámites ante la Alcaldía, ni producción. Benjamín Bernal, presidente de la Agrupación de Periodistas Teatrales. El primer teatro que acepta es El Foco. Entre otros que están solicitados es el de Enrique Lizalde.
VUELVE GHOST!
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Mejor Teatro presentó el día de ayer 17 de febrero 2022 algunos de los
pormenores acerca de éste gran musical, que vuelve al escenario el próximo día 3
de marzo por haberse colocado en la preferencia del público, amante del arte
escénico.
Para tal efecto su afamado productor Morris Gilbert asistió por supuesto, para dar
a conocer a la prensa a los nuevos protagonistas de GHOST en el Teatro San Rafael,
en donde nuevamente se montará ésta afamada dramaturgia romántica, con tintes
surrealistas.
Y digo surrealista, pues como es bien sabido por todos, la temática medular a tratar
gira en torno a la existencia del contacto de algunas personas, con los seres
desencarnados; tal como se sugiere muy ad-hoc con su título GHOST (espectro o
fantasma en español) por lo cual en escena Usted podrá ver efectos a colación,
impactantes.
Y pues bien, los nuevos protagonistas del musical serán Paulina Goto en el rol de
Molly, junto con el actor español Christian como Sam. Ellos juntos con los co-
estelares y el Señor Morris Gilbert expusieron tanto los motivos como los
pormenores que les ha hecho colaborar este nuevo sueño escénico, en donde se
presentarán alrededor de veintidós actores.
Y a manera de broma muy suigéneris, su productor nos hizo reír al comentar qué
era el único teatro que cuenta con su propio metro. Y vimos qué ¡es totalmente
cierto! cuado al presentar al nuevo reparto estelar, aparecieron dentro de un
vagón del metro, que subió mediante una plataforma movible a dichos actores al
escenario.
Por supuesto que dicho metro es tan sólo parte de la escenografía que Mejor
Teatro planeó. Le diré que Morris Gilbert comúnmente suele utilizar en sus
grandes y costosas producciones, un equipo escenográfico impactante, entre
numerosa coreografía ejecutada tanto por bailarines profesionales, como por
actores.
Esto aunados a coloridos vestuarios, juego de iluminación, música generalmente
en vivo, maquillajes, pelucas, vestuarios, tramoya y en fin, todos los elementos que
hacen posible la realización de los musicales de Mejor Teatro, que logran que sean
realmente todo un deleite.
En fin, nuevamente en el Teatro San Rafael como a-priori mencioné, se presentará
la puesta en escena intitulada GHOST, donde el drama del amor entre Sam y Molly
imaginado por su autor Bruce Joel Rubin, retomará vida junto con su simpática
vidente.
Producción planeada por el Señor Gilbert para el 2 de marzo, casi al mismo tiempo
que dos obras teatrales más, entre las que se encuentra “100 m2. El inconveniente”
estrenándose en el Nuevo Teatro Libanés.
ANTES DE QUE TE VAYAS
POR: Dalia María Tersa De León Adams
Sinopsis:
-Un oso escapó del bosque. La zona de mayor seguridad es dentro del teatro y paradójicamente se transforma en el lugar de mayor vulnerabilidad para la hija del oso. Mientras la búsqueda se realiza, conoceremos la vida de ambos a través de os recuerdos de ella. Pero toda memoria es incompleta y toda vida muy corta, entonces se abrirán espacios para imaginar aquello que faltó por vivir juntos…- (consideración de la Compañía)
Obra teatral escrita por Tania Vázquez, quien habla acerca del amor y el desamor filial. Dejando volar la imaginación la autora mediante la narrativa la aborda de manera medular sentimientos antípodas como lo son el amor, el odio, el desapego, la obsesión, la indiferencia y el apego.
Sentimientos que retoman fuerzan en el personaje protagónico de una osezno hacia el ser que le ha gestado la vida. Dentro de ésta metáfora la joven osezno, muestra hacia su padre, un oso carente de estima hacia su cría.
Así en la historia la osezno cuenta varios de los pormenores de su relación con su padre, el oso, dejando saber sobre el abandono sufrido. Empero a ello, mediante la información que de manera paralela presenta a colación de las características de dicho animal, se deja entrever la condición natural de desapego e individualidad que toda bestia de su raza en condiciones adultas, desarrolla, haciéndolo no co-habitar ni en manadas como lo hace el lobo, ni en parvadas como los pingüinos, ni en parejas como los castores, ni mucho menos en nidos como suelen hacer los pájaros.
La autora vuelca la relación de un padre indiferente en contraposición con su hija carente de afecto, quien de manera insistente, mediante reclamamos, vigila de manera obsesiva a su padre.
Esta búsqueda inconsciente la traduce en un oso y la osezna, personajes que protagonizan éste melodrama peculiar, en donde la psiquis está a flor de piel. Parte-aguas que sirve un poco de pretexto a la dramaturga para exponer cierta información respecto a éste peculiar animal totalmente fortachón y peludo.
Y así se puede leer en algunas páginas Web al respecto:
-Los osos se caracterizan por su cabeza de gran tamaño, orejas pequeñas, redondeadas y erectas, ojos pequeños, un cuerpo pesado, robusto y una cola corta. Las patas son cortas y poderosas, con cinco dedos provistos de uñas fuertes y recurvadas garras.
Los osos son animales promiscuos. El vínculo de pareja dura tan sólo unos días…A pesar de su complexión pesada y su forma de andar torpe, son corredores, escaladores y nadadores expertos.
Los osos andinos utilizan refugios, como cuevas, en tanto qué los osos polares están clasificados como mamíferos marinos porque pasan la mayor parte de su vida en el hielo marino del océano Ártico.
En fin, aseveraciones semejantes son las que se brindan entre bailes y música en vivo, por parte del grupo creativo dirigido por Talía Yael. Dentro del reparto estelar se encuentran actuando en escena su misma escritora, Tania Vázquez, junto con Omar Lozano, , Paulina Sandoval y Farah León Gaytán.
ANTES DE QUE TE VAYAS se presenta los días miércoles en el Foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico.
100 m2. EL INCONVENIENTE.
POR: Dalia maría teresa De León Adams.
Buenas noticias para los seguidores de Mejor Teatro. El productor Morris Gilbert en asociación en ésta ocasión con Juan M. Caballe, convocó a la prensa para dar a conocer el día de hoy 15 de febrero 2022, mediante una rueda de presa, los pormenores de su nueva puesta en escena 100m2. EL INCONVENIENTE en el Nuevo Teatro Libanés, lugar en donde se presentará próximamente, alternando con otra obra más.
Para dicho efecto se presentó con el reparto estelar que en esta ocasión son tres actores en escena de gran talento histriónico, como lo son la Primera actriz Jacqueline Andera, junto con la también talentosa Ana Karina Guevara y, Mauricio Galaz.
Debemos reconocer qué Mejor Teatro es la Compañía Productora Teatral más importante en nuestro país, la cual presenta generalmente, musicales de gran calidad en todos sus rublos.
Mejor Teatro acostumbra hacer unos montajes escénicos espléndidos, trayendo y encontrando dramaturgias de fama internacional, llenas de colorido, con numerosos actores, coreografías, y escenografías majestuosas, en fin, un deleite tanto escénico, visual y, actoral.
En ésta ocasión no será representado un musical, sino un melodrama, el cual no precisa de abundantes actores en escena, pero a cambio, suele ser de gran calidad en su dirección escénica, e histriónico, así como por supuesto, por el contenido de la narrativa de la obra.
Así fue como el podio se presentó para hablar cada uno de los integrantes, de su próxima labor en ésta puesta en escena del Señor Morris Gilber, quien dio inicio a la rueda de prensa presentando tanto al director artístico quien es el Señor Manuel González Gil como al reparto estelar.
Morris Gilbert comentaría como de manera casual, platicando, se enteró de algunos pormenores de la obra teatral 1002. EL INCONVENIENTE, y tras leer el libro, quedó fascinado y motivado para producir ésta dramaturgia original de Juan Carlos Rubio Cruz (nacido en Montilla, España en 1967).
Le comento que bajo el título de EL INCONVENIENTE a manera de texto cinematográfico se presentó en España a manera de largometraje en el año 2020, por Filmax.
Para concluir por el momento, a manera de probadita expongo textualmente solamente un poquito de cómo empieza la Sinopsis de la trama de ésta obra proporcionada por Mejor Teatro, y que es la siguiente:
-El departamento que el agente inmobiliario le ofrece a Sara reúne todas las
características que ella desea: bajo precio, amplitud, luz y una hermosa vista.
Tan sólo presenta un pequeño “inconveniente”: Lola, la dueña, deberá vivir en él hasta el día de su fallecimiento-.
100 metros2. EL INCONVENIENTE como
a-priori he mencionado, está muy próxima a estrenarse en el Nuevo Teatro Libanés.
CONCIERTO B&W
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
El día de ayer sábado 12 de febrero 2022 aún cuando parecía que comenzaba a
llover, el Teatro “Ángela Peralta” comenzó a llenar su Foro con las multitudes que
acudieron a escuchar interpretar el concierto BANCO Y NEGRO (B&W) ofrecido
por motivo de la celebración del “Día del Amor y la Amistad” o “ Saint Valentine’s
Day”, para el resto de los países extranjeros anglicanos.
Recordemos que “El Día de San Valentín es una festividad de origen Cristiano-
Occidental, que conmemora las buenas obras que efectuara el Santo Valentino en
Roma, en aras de proteger la amistad y amor.
Según reza la leyenda, se dice que por orden del emperador los hombres debían
convertirse en soldados, por lo cual debían permanecer solteros quedando así
prohibido el contraer nupcias.
Ese fue el motivo por el cual un Sacerdote Valentino, de manera clandestina
efectuó el sacramento del sagrado matrimonio, entre las parejas de enamorados
quienes se lo solicitaron.
Pero volviendo al Concierto intitulado BANCO Y NEGRO, éste fue organizado y
producido por la Compañía “La Filarmónica de las Artes”, conjuntamente con los
Señores productores, Diego Careaga y Abraham Vélez.
Concierto en formato de Cámara ejecutado a dos pianos, por los maestro Gustavo
Jáuregui y Samantha Alcázar. Como interpretes en diversas baladas románticas y
arias operísticas se presentaron las cantantes Marisol Meneses y Silvia Duhart.
Éstas aparecieron conjuntamente con los pianistas en el Segundo Tiempo,
interpretando
EL VIAJE DE TADEO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Obra infantil escrita e interpretada por Gonzalo Herrerías, quien incurre en el mundo mítico-mágico provincial de un poblado en Veracruz; referente en donde buscará su identidad de pájaro, a través de invocar a su Nahual, además para poder reafirmarse como músico durante su vida.
Obra teatral que involucra la imaginación ancestral popular. El joven escritor, actor y músico, se presenta en escena acompañado por una ejecutante en vivo del arpa; ella es la música Mariana Urbina.
Ambos dan vida a ésta dramaturgia, aún cuando la dramaturgia más bien podría ser considerada bajo el rubro de monólogo, pues la participación de Mariana Urbina prácticamente es solamente como ambientadora musical dentro de la trama a tratar, con una muy breve participación interpretando el rol de Oscar.
Gonzalo Herrería por su parte ejecuta en escena la jarana, a la vez de catar, e interpretar a dos personajes a la vez; el personaje protagónico de Tadeo y del viejo brujo del pueblo Don Julián.
Tadeo es un adolescente quien vive aislado por su condición pasmada, lo cual le hace ser criticado incluso, por su propio padre, al no saber relacionarse socialmente.
Un día decide irse de su casa buscando su futuro, el cual constantemente se cuestionaba, hasta e día en que conoció casualmente a Oscar, un niño pueblerino quien se encontraba en una de las calles de la Ciudad de México, tocando un instrumento.
Tadeo amaba la música y deseaba sobre todo poder aprender a manipular algún instrumento, para lo cual Oscar se ofrece en enseñarle a aprender música, invitándolo a alojarse en su pueblo, en donde su madre le podría brindar ayuda, rentándole un espacio para vivir. Así fue como aprendería a tocar la jarana y sobre todo, será el momento que detonará su futuro.
La dirección artística corre a cargo de Martha Mega, quien propuso el espacio abierto afuera de la cafetería de la Sala “Salvador Novo” del Centro Cultural “La Capila”, para ser representada ésta obra teatral infantil, lo cual escénicamente es todo un acierto, pues el espectador deja más fácilmente volar su imaginación en esa área natural.
Puesta en escena en un solo acto y cuadro escénico en donde la narrativa invita a soñar en aras de la propia identidad. EL VIAJE DE TADEO inició el día de hoy sábado 12 de febrero 2022 su temporada, la cual concluirá el último día domingo de éste mes.
TIBURÓN
POR: Dalia María Teresa De León Adams
El día de ayer jueves 10 de febrero 2022 la Compañía teatral “Lagartijas Tiradas al Sol” por segunda ocasión regresó al escenario del Teatro Juan Ruiz de Alarcón con la obra TIBURÓN original de la dramaturga Luisa Pardo, con la co-producida de Teatro UNAM y Zucher Theatre Spektakell.
Le comento que ésta puesta en escena es una co-producción internacional, la cual ya se había anteriormente presentado en las ciudades de Madrid, Girona y Zurich, en Europa.
TIBURÓN es una dramaturgia que formara parte del Programa “México 500” que evoca una realidad de la época de evangelización colonial española, en una de las isla alojada en tierras americanas durante la Conquista.
Contando con la dramaturgia de Luisa Pardo, el actor protagónico y además director escénico Lázaro Gabino Rodríguez ,construye un paralelismo con la realidad actual (mediante el apoyo multimedia) con respecto a la época de la estancia del fraile novo-hispano Fray José María Barona en la isla TIBURÓN, quien se alojó por un largo tiempo en dicha región habitada por un grupo tribal autóctono, corriendo el siglo XVI.
-En ésta obra el autor y director escénico Lázaro Gabino Rodríguez evoca el periplo emprendido en el siglo XVI por el evangelizador Fray José María de Barahona, quien viajó de Sevilla, España a la isla de TIBURÓN, en el estado de Sonora, México, para plantear un diálogo entre la colonia y el presente, la fe y el teatro.”- (Así se expresa la Compañía Difusora a cargo de Delia de la O Bahámaca, con respecto a ésta puesta en escena).
Su autora Luisa Pardo recopiló dicha información con respecto al fraile, en base a los escritos legados por el sacerdote jesuita Andrés Pérez de Ribas, en su libro que intituló “Triunfos de nuestra Santa Fe sobre éstas tribus, las más bárbaras del norte” que retomara a la vez, el escritor argentino Juan José Saer y de la poetiza mexicana Elisa Ramírez Castañeda, entre algunos periodistas y antropólogos.
Y justo la obra es el resultado de algunos de los pormenores que en ésta puesta en escena se muestran, respecto con el encuentro tanto actual, como ancestral con la tribu aún existente de los Tocarikus, quienes son un grupo étnico-minoritario que aún hoy en día habitan en la isla; los pobladores originales de la isla TIBURÓN, actualmente considerados indígenas.
El texto es el resultado del compendio de ideas, poemas y escritos de los argentinos Juan José Saer, la poetiza Elisa Raírez Castañeda, el escritor César Aira y de la antropóloga Roxana Guber; así como de los mexicanos Fernando Benítez y Olivier Debroise; el antropólogo australiano Michael Tausing y su colega australiano Nigel Barley.
Montaje escenográfico que contiene una trama la cual sin embargo, no puede ser considerada como perteneciente al género documental, o histórico, pues si bien es cierto que se narran algunos elementos etno-antropológicos, la obra tiene mayor peso en la narrativa descriptiva personal del fraile, más no en los hechos históricos o documentales fehacientes, con respecto a la cultura autóctona de los Tokarikus en la isla TIBURÓN.
Empero es una interesante puesta en escena, ingeniosa, propuesta a manera de monólogo, en donde su intérprete aparece tanto de manera física a manera de narrador, así como en el video expuesto en la pantalla; por supuesto utilizando diferentes vestimentas, a la usanza de la época a narra.
TIBURÓN se está presentando tan sólo del 10 al 20 de febrero del año en curso (2022) con funciones de miércoles a domingos, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario (UNAM)
DAMIANA & CAROLA
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Por segunda ocasión la puesta en escena de DAMIANA & CAROLA ha vuelto a arrancar aplausos del público. Ayer martes 8 de febrero de 2022 se reestrenó en el Foro “La Gruta”, la obra teatral DAMIANA & CAROLA original del joven dramaturgo Sergio López Viguera.
Ya en 2018 por primera ocasión se había presentado en el Teatro “La Capilla” lo cual la postuló para ser ovacionada un año más tarde con los Premios ACPT (Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro).
DAMIANA & CAROLA es una propuesta dirigida por su autor, quien como a-priori he mencionado es Sergio López Viguera, de quien le comentaré, ha sido el ganador de la presea como Dramaturgo Joven otorgada con El Premio “Gerardo Mancebo del Castillo Trejo”, en el año 2017.
Su peculiar manera de narrar a manera de Tercera Persona, utilizando la voz de los distintos personajes, los cuales también fungen como protagónicos del drama, a la vez de interactuar y ser los narradores de las escenas a tratar, le hacen ser un escritor totalmente contemporánea por su narrativa.
Personajes tanto víctimas, como victimarios y Voces homni-presentes, en éste drama dentro del cual, se planea el asesinato de los progenitores. Dos mujeres jóvenes tienen una relación de complicidad enfermiza, que les hace planear la muerte de sus padres, para deszafanarse de ellos y, por supuesto, gozar de los beneficios de lo qué promete ser una jugosa herencia.
Un tercer personaje aparecerá; éste será el presunto homicida, quien entrará en la vida de éstas jóvenes causando revuelos y conflictos entre las hermanas. Un vuelco inesperado al parecer, hará cambiarles los planes a cada uno de ellos.
Drama montado en un solo acto escénico bajo la dirección escénica de su mismo autor, quien logra matizar las escenas con pocos recursos escénicos qué empero, enmarcan perfectamente cada cuadro escénico a tratar.
Drama de estilo vanguardista por su manera de presentar pocos diálogos entrelazados con la narrativa de los hechos de la trama, en la cual actúan dándole vida a Damiana la actriz Michelle Betancourt; en el rol estelar de Carola aparece Verónica Bravo y, finalmente como Diego, el actor Federico Zapata.
Al respecto de ésta obra pudimos leer en el programa de mano la siguiente interesante aseveración:
-Ésta obra es un poema escénico, su ritmo no brindará un ápice para la distracción. El diseño sonoro conducirá al espectador por los senderos de la perversión y el asesinato. Este thriller –con un tempo sensible al aumento de la tensión- proponer al imperio de la palabra como el salvamento de la inminente debacle.
El diseño escénico parte del jardín como ámbito del inconsciente y, permitirá que las y los espectadores se zambullan en las raíces míticas del relato. Al centro de este espacio dominará un espejo de agua: el humeante espejo negro de Tezcatlipoca, que subyuga la pieza como un sacrificio ritual. En el fondo, un ciclorama de plástico: membrana, himen y frontera. Otro plástico descenderá sobre los actores a medida de que avance el drama, hasta formar una pared que los empuje a proscenio, asfixiándolos conforme a la tensión aumente.-
DAMIANA & CAROLA es una producción del equipo creativo “Los Bocanegra y Gaudeamus Arte y Entretenimiento” que se presenta en días martes al filo de las 20:00 horas en el Foro “La Gruta”, del Centro Cultural Helénico.
BLANCO Y NEGRO EN CONCIERTO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Ya próxima la festividad del Día del Amor y la Amistad o, también llamado Día de San Valentín, la Compañía de la “Filarmónica de las Artes” bajo la batuta del director Enrique Abraham Vélez Godoy, tienen programado presentarse en el Teatro Ángela Peralta, para ofrecer un Concierto que incluye varias piezas románticas, tanto de la música clásica, como vernáculas mexicana.
En el concierto aparecerán interpretando las piezas melódicas con sus pianos los músicos Samantha Alcázar y Gustavo Jáuregui. En el saxofón aparecerá Ximena Constanino y desde luego que no podía faltar en ésta velada romántica, el violín ejecutado por Antonio Camacho.
Además, todos esos músicos tocarán sus instrumentos musicales, para ser interpretados con las voces armónicas de las cantantes, Marisol Meneses y Silvia Duhart.
Al respecto, en el boletín de prensa se expresa textualmente la siguiente aseveración:
-Nuevo espectáculo de la Filarmónica de las Artes en formato de cámara, a dos pianos. Con una festividad amorosa sofisticada y músicos de primer nivel, la filarmónica de las Artes te invita a celebrar el día del amor y la amistad bajando las estrellas de las butacas del Teatro Ángel Peralta con la luz de los celulares.-
Y para que Usted conozca parte del programa a seguir, le diré qué se interpretará como parte del Setlis el afamado “Huapango” de José Pablo Moncayo (Guadalajara, México 1912-1958 Ámsterdam); el “Intermezzo” de Manuel M. Ponce (Fresnillo, México 1882-1948 D.F.), La partitura del “Claro de Luna “y “Para Elisa” del afamado músico alemán Ludwig Van Beethoven (Bonn, Alemania 1770-1827Viena Austria).
También sonará el aria de “Oh Mio babbino Caro” de Giacomo Puccini y Giovacchino Forzano; la pieza Habanera de la Opera de “Carmen” de Georges Bizet; la melodía “Memory” del Musical de la obra teatral Cats, la canción “I will survive” de Gloria Gaynor; y la melodía“This will be” de Natallie Cole.
También sonarán temas mexicanos de compositores como Francisco Gabilondo Soler Cri-Cri (Orizaba, México 1907-1990 Texcoco) , Emma Elena Valdelomar D.F. 1925-2012 Ciudad de México), Armando Manzanero (Ticul, México 1935-2020 Ciudad de México) y José Alfredo Jiménez (Dolores Hidalgo, México 1926-1973 D.F.) por lo que BLANCO Y NEGRO EN CONCIERTO será toda una promesa musical.
EL CHARCO INÚTIL
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Estar locos para sobrevivir, es la consigna de ésta puesta en escena original del escritor español David Desola, en donde se conjuga el talento histriónico, con la pluma del destacado autor.
Y justo eso es lo que comprobamos con el montaje escénico dirigido por Rubi Tagle bajo la producción general de Jean Bernard Tenaille y la Compañía “Gang Studios el día de ayer, jueves 3 de febrero de 2022 en el estreno para prensa e invitados, en donde como es costumbre, acudieron a la alfombra roja algunos de los compañeros y amigos de los artistas que forman el elenco estelar.
Así fue como vimos por ejemplo, a Pablo Perroni, Pedro Prieto y, a Víctor Carpinteiro, quienes entre otras luminarias acudieron a apoyar y celebrar el estreno de EL CHARCO INÚTIL en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico.
Acerca del autor David Desola Mediavilla (nacido en Barcelona en 1971) le comento qué éste fue galardonada con el Premio “Lope de Vega” en el año 2007. Es el creativo del film “El Hoyo” (además de Baldosas y almacenados) el largometraje que causara tanto furor dentro de la programación de Netflix, colocándola entre las 10 películas más vistas.
Por la calidad de las obras teatrales de David Desola, sus dramaturgias han sido traducido en diversos idiomas, trascendiendo con ello las fronteras de su país y colocándose como una gran figura en el medio artístico contemporáneo.
Su obra EL CHARCO INÚTIL es un drama con ciertos matices de comedia, en donde la locura, la pérdida y el dolor, son los elementos medulares a tratar. Melodrama en donde empero hay brotes de amor, compasión y empatía, que hacen junto a las extraordinarias actuaciones de Alberto Estrella (en el rol de Oscar, un profesor de secundaria ya retirado) David Hevia (caracterizando a un antiguo maestro de Oscar) y, Mariana Garza (personificando a Irene, una madre que ha perdido a su hijo mediante un atentado terrorista) logren que ésta obra sea, todo un deleite para el espectador.
El montaje escénico a cargo de Rubi Tagle es montado en un solo tiempo escénico, en donde aparecen distintos cuadros escenográficos (a cargo de Jesús Hernández) como una banca situada al frente del escenario, que se sugiere perfectamente el sitio en donde se ubica el lago o “charco”; y una casa habitación, en donde se muestra el comedor, junto al cuarto de estudio de un infante.
Escenografía que permiten junto con puertas movibles y los efectos de iluminación y sonido (de Leonardo Soqui) que la temporalidad transcurra de manera lineal, dando coherencia a éste melodrama.
Respecto a la narrativa de ésta obra teatral, se puede leer en el boletín de prensa el siguiente comentario al respecto:
-Se trata de una puesta que se posiciona en el no-lugar que habitan las y los exiliados, para configurar una narrativa que le habla a la sombra de cada ser humano, al deseo de la huída y peso de una vida que a veces resulta asfixiante. Además, El charco inútil no se acerca a la locura para romantizarla, tampoco para crear un ambiente que banalice los problemas mentales, por el contrario, se sostiene de una reflexión profunda sobre la angustia existencial.-
Realmente la obra no tiene un lugar definido, como referente de la trama, sin embargo, dentro de la trama el lago denominado por los mismos personajes como EL CHARCO INÚTIL es justamente el sitio enigmático y elemental, para que pueda desarrollarse su historia matizada bajo la pluma del mismo autor, con muchos brotes psicológicos, que hacen cuestionar al espectador acerca de lo que pudiese ser considerado como “real existencial” aún visto desde la locura o el realismo imaginario.
En EL CHARCO IMAGINARIO tres historias se hilan mediante sus peculiares personajes, en un tiempo, sin tiempo. Personajes los cuales acorde a la consideración del mismo David Desola son seres -atormentados y victimas de un entorno opresivo, quines se refugian en la locura, para mantenerse cuerdos.-
Y aquí cabe mencionarse ¿hasta dónde la realidad es cierta y, la locura tan sólo una manera elocuente de transitar por ésta vida?
EL FIN DE EDMUNDO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-El fin del mundo llegó. Edmundo y Morla subsisten refugiados en un precario bunker construido bajo una tienda de disfraces en medio del desierto de Sonora. La rutina y la locura prevalecen hasta que cierto día reciben la visita d Berto, un sobreviviente del Apocalipsis. A partir de este encuentro se pondrán en juego las ideas de lo que fue, es y será la humanidad, o lo que queda de ella.-
Bajo ésta tónica expuesta textualmente por el Colectivo “Desde los Huesos”, está puesta la escena, se encuentra escrita por la dramaturga Mariana Hartasánchez. Al respecto le comento qué EL FIN DE EDMUNDO es una obra de tono farsico como comúnmente su autora suele estructurar.
Está escrita con un dejo de humorismo negro que hace que sus obras teatrales sean matizadas con cierta comicidad, empero a la temáticas comprometidas con las cuales suele abordar la trama, qué en el caso de esta reciente puesta en escena, se traduce en la carencia de empatía que presenta la humanidad y, que aborda como tema medular en EL FIN DE EDMUNDO.
Falta de empatía que según el tratamiento de la propuesta escénica, se expone un tanto a manera de denuncia. Carencia la cual propone como la detonante de la extinción de la humanidad en su obra, la cual recrea además su autora Mariana Hartasánchez, matizando su drama con ciertos matices del llamado “teatro del absurdo” en donde la locura y la poco elocuencia tienen gran peso escénico.
De hecho, uno de sus personajes se llama Berto. Justamente por uno de los íconos del teatro del absurdo como lo fuera Bertol Brecht, el dramaturgo y poeta alemán nacido en Augsburgo en 1898 y fallecido en 1956 en Berlín del Este (quien dicho sea de paso fuera el creador del Teatro Épico o también llamado Didáctico).
Le comento que es por segunda ocasión qué el montaje escénico de EL FIN DE EDMUNDO se representa, siendo en ésta ocasión con una muy breve temporada que inició el día de ayer 2 de febrero 2022, para concluir el próximo domingo 6 de febrero en el Teatro “El Milagro”.
El director escénico de la obra es Omar B. Betancourt, quien bajo su propuesta escénica presenta ésta obra teatral en tan sólo un cuadro y tiempo escénico, con la escenografía e iluminación a cargo de Sergio López Vigueras.
Montaje escénico en el cual aparecen actuando Josue Domingo Martínez interpretando al personaje de Edmundo, junto con Federico zapata en el rol de Berto, y la actriz Beylin Sabeth como Morla; siendo ésta última quien caracteriza un peculiar personaje, que funge en calidad de la muerte, por lo cual al actuar no emite dialogo alguno, hasta finalizar la obra, momento en el cual cerrará con una breve explicación.
EL FIN DE EDUNDO forma parte del ciclo de teatro emergente del Teatro “El Milagro” y tan sólo se presentará hasta éste fin de semana, cerrando con ello su breve temporada de miércoles 2 a domingo 6 de febrero de 2022.
SABUESO
POR: Dalia María Teresa De León Adams.
Como es bien sabido por todos, a raíz de la pandemia, el Teatro ha tenido en muchos Foros que transformarse en formato Streaming (transmisión en Línea) para sobrevivir.
Por ello hoy día, es un tanto frecuente ver Vía On Line la creatividad de los hacedores del arte escénico, montando sus obras de interés, para ser presenciadas en la comodidad de su hogar.
Uno de éstos casos, es precisamente el drama de SABUESO. Puesta en escena que representa al Estado de Sinaloa, durante el Ciclo dedicado al “Teatro de los Estados” convocado por “La Capilla Teatro”.
SABUESO está escrita, dirigida y actuada por Teresa Díaz del Guante mediante la Compañía “La Terca Teatro”, para ser transmitida como anteriormente he mencionado, por El Teatro “La Capilla”.
Planeada por tan sólo éste fin de semana; es decir el sábado 29 y el domingo 30 de enero, bajo la producción de la Secretaría de Cultura, el FONCA, ANTI y La Compañía de Teatro los Endebles.
Con un contenido controversial, la trama intenta reproducir el dolor que una madre siente al perder a su hijo en condiciones un tanto clandestinas. El joven es extraído de su propio hogar, mientras se alistaba para ir al cine con su novia y, frente a su madre, es golpeado, amarrado y esposado por supuestas autoridades.
Su destino queda incierto, por lo que la madre intentará saber sobre su paradero, o al menos, en la peor de las circunstancia, recuperar su cadáver. Temática cruenta y dolorosa que muestra los momentos de desasosiego que un humano puede enfrentar ante tal perdida.
La dramaturgia expone hasta dónde una madre es capaz de sobreponerse y luchar para convertir su búsqueda, en una lucha sin tregua. En algún momento escénico la trama es acompañada con unos cánticos con la música tradicional de “La Llorona” (de desconocida autoría que Chabela Vargas popularizó) pero con una letra totalmente distinta, cuyo arreglo, es acorde a ésta triste y recurrente obra de denuncia, la cual utiliza de manera repetitiva las frases:
-En éste país, no puede desaparecer lo que NO existe-, -Somos un país sin memoria.
SABUESO finalmente es el grito y el llanto de dolor, de todos los familiares de seres desaparecidos.
UN BANJO Y DOS MUERTOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Divertida dramaturgia que mezcla la locura, la perdida y la imaginación, original de Mariana Hartasánchez, montada bajo la dirección escénica de Andrea Salmerón Sanginés, contando con un gran reparto estelar compuesto por Paola Izquierdo, Roam León, Sofía López, Carlos Pascual, Diego Santana y Minerva Valenzuela.
Obra teatral que contiene muchos brotes de humorismo negro que logran que ésta comedia, tratada a modo de farsa, sea todo un deleite para el espectador quien pasa 120 minutos sin sentir.
Es una puesta en escena por el Colectivo “Teatro en Fuga” cuya Sinopsis de la trama, como se advierte en el programa de la obra de manera textual, es una mezcla que va de lo escatológico a lo real, resumiéndose de la siguiente manera:
-Jaime Fitzgerald, aspirante a mago recién salido del psiquiátrico, pierde su mano derecha intentando un truco legado por su padre muerto. La mano, libre y autónoma entabla una relación erótica con su psiquiatra. El mago acude con las prestigiosas abogadas Markby y Markby para demandar a la mano insurrecta y obligarla a volver. La visita es infructuosa. Desesperado Jaime, invoca al espíritu de su padre quien, en vida, tuvo un conflicto feroz con el padre de las Markby, otro espíritu que deambula, desprendido de su cuerpo insepulto. Ambos fantasmas pretenden cobrar venganza uno del otro, a través de sus hijos.-
“Una obra políticamente incorrecta” como la define su Compañía Creativa, con fantasmas shakesperianos que claman venganza y sangre. Elementos que bien pueden ubicarla como una obra perteneciente al estilo literario del “Realismo Mágico” porque en ella todo puede pasar, dándole rienda a lo real imaginario.
UN BANJO Y DOS MUERTOS tiene inspiraciones griegas, pues el público verá en el escenario hombres colgados ante la impotencia de sus hijas sabias(pero tartamudas); magos que no creen en la magia, deudas de honor que vencen cuando comienza el amanecer y una mano autónoma bastante sexual que no quiere seguir pegada al cuerpo de su dueño virgen.
Realmente existen diversos elementos interesantes a analizar o, simplemente observar, en ésta puesta en escena totalmente creativa, en donde Mariana Hartasánchez demuestra su gran talento como escritora, mostrando su estilo propio qué en ésta ocasión precisa de un modelo escenográfico movible, ejecutado por medio de los tramoyistas, quienes de inmediato cambian cada cuadro escénico, para dar secuencia a cada acto.
Y por si fuera poco, a todos estos elementos artísticos le añade un “Plus” al ejecutarse la música en vivo por parte de maestros y maestras Clowns, en donde el instrumento del Banjo es un invitado estrella, dando un toque de estilo “Cabaret” al montaje escénico.
UN BANJO Y DOS MUERTOS se presenta en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico” y, como dato final le informo qué ésta obra fue galardonada con el Premio Nacional de Dramaturgia “Manuel Herrera” en el año 2009.
Se estrenará El Charco Inútil
Por
Dalia D´León Adams
Llega al teatro Principal del Centro Cultural Helénico la dramaturgia de David Desola Mediavilla EL CHARCO INÚTIL (el autor de la película El Hoyo) con una puesta en escena que invita a la reflexión retratando al dolor, planteado desde dos distintas premisas que el autor unifica, con el talento expresado con su pluma.
Montaje escénico producido por Jean Bernard, bajo la dirección escénica de Ruby Tagle que dará inicio éste jueves 27 de enero. Una obra que como temática medular, parte del dolor humano más profundo que es el de la perdida de un hijo y, aquel que se engendra a causa de ser truncada la profesión que se ha abrigado tanto tiempo con el alma.
Dos vertientes del dolor humano que coinciden en un momento dado para perfilar a los personajes protagónicos del drama intitulado EL CHARCO INÚTIL. Estelarizado por dos grandes actores como lo son Alberto Estrella y David Hevia, junto con la actriz Mariana Garza, quien por cierto ha demostrado gran pasión por el teatro.
Acerca de la obra podemos leer en el comunicado para la prensa en donde se presenta el siguiente párrafo textual:
-Se trata de una puesta en escena que se posesiona en el no-lugar que habitan las y los exiliados, para configurar una narrativa que le habla a la sombra de cada ser humano, al deseo de huída y al peso de una vida que a veces resulta asfixiante. Además EL CHARCO INÚTIL no se acerca a la locura para romantizarla, tampoco para crear un ambiente que banalice los problemas mentales, por el contrario, se sostiene de una reflexión profunda sobre la angustia existencial.-
Y para saber un poco respecto a los pormenores de éste montaje escénico, fue que se reunieron Mariana Garza, David Hevia y Alberto Estrella, con su directora Ruby Tagle y su productor Jean Bernad, siendo este último quien dio inicio a la rueda de prensa realizado para presentar al reparto estelar y dar a conocer a los medios sobre el próximo estreno en nuestra Ciudad de México, de la puesta en escena de EL CHARCO INÚTIL.
Por supuesto que cada uno de los integrantes de la mesa, dieron sus propios puntos de vista con respecto a la labor que a-priori se efectuaron para darle forma y vida escénica a éste melodrama qué promete ser todo un éxito por su contenido y calidad artística.
Para Usted que está interesado, debido a la pandemia se han tomado todo tipo de medidas de prevención, siendo una de ellas el no acudir directamente a la taquilla a comprar sus boletos, sino lo desea, realizando su pago en la comodidad de su hogar entrando a la página WEB helenico.gob.mx
PERFECTOS DESCONOCIDOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Interesante adaptación de David Serrano y Daniel Guzmán, basada en el texto de la película de Paolo Genovese, cuyo tráiler oficial en nuestro país, fuera presentado el 18 de octubre 2017.
Recordemos qué en 2016, Paolo Genovese presentaría en formato de largometraje la historia de Filippo Bolona, Paola Mamini, Rolando Ravello y Paolo Castella, resultando ser súbitamente todo un gran éxito en las taquillas, en Italia.
Dicho hecho qué haría reproducirla, no tan sólo en el medio cinematográfico, sino también en el medio artístico teatral, como es el caso del montaje escénico producido por el Señor Morris Gilbert con la Compañía Mejor Teatro y OCESA.
De tal modo qué el día de ayer, viernes 21 de enero 2022, el Nuevo Teatro Libanés se vistió de gala cumpliendo las 224 representaciones de la puesta en escena PERFECTOS DESCONOCIDOS.
Para dicho festejo se presentaron a develar la placa conmemorativa la destacada actriz Arcelia Ramírez, quien junto con el artista de moda Jesús Zavala fueron los invitados de gala para dicho efecto.
Por supuesto qué el Señor Morris Gilbert también pasaría al escenario tras de haber concluido la puesta en escena, para junto con ellos dedicar algunas palabras tanto a los actores, como al equipo creativo y al público presente, quien les brindó un muy caluroso aplauso.
En el reparto estelar en dicha ocasión aparecieron Moisés Arizmendi, Stefani Salas, María Chacón, Ulises de la Torre, Luis Orozco, Christian Ramos y Fernanda Borches. Todos bajo la dirección artística asociada en México de Jaime Matarredona.
Al respecto de la trama a tratar, la obra aborda como temática medular el desconocimiento que solemos tener en muchas ocasiones, con respecto a la gente más cercana con la cual solemos convivir; todo ello sazonado por el miedo, la inseguridad e incluso la traición a la gente que se ama.
Por ello la importante compañía presenta a modo de información en su cartelera teatral de PERFECTOS DESCONOCIDOS una sinopsis de la obra con el siguiente párrafo textual:
-La trama nos relata el encuentro de cuatro parejas de amigos que se reúnen a cenar, uno de los personajes desafía a cada uno, a que pongan sobre la mesa sus móviles y compartan con los demás toda la comunicación que reciban durante la cena. Lo que comienza como un juego podría desatar secretos y confesiones poco conocidas por el resto del grupo.-
PERFECTOS DESCONOCIDOS es un melodrama muy bien estructurado, puesto en escena en un solo cuadro y tiempo escénico a cargo de Silvia de Marta, en donde se simula un agradable departamento en lo alto de la ciudad, en donde seis parejas y un amigo, aparecen para dar vida a diferentes personajes, matizados para ello bajo diversos roles.
Éstos se reúnen de manera habitual, para convivir y cenar juntos, sin caer en la cuenta de que no sería una noche, como otras tantas. Ésta vez una propuesta podría cambiar el rumbo de sus vidas. La suerte puede estar echada para descubrirse qué todos resultan ser unos PERFECTOS DESCONOCIDOS. Aquí cabe cuestionarse si ¿Usted es también un PERFECTO DESCONOCIDO?
La obra se presenta en el Nuevo Teatro Libanés.
OLEANNA
POR: Dalia María Teresa De León Adam
A manera de trabajo de laboratorio por parte del grupo creativo teatral “Cíclopes Compañía Teatral” y bajo la dirección artística de Aarón Amaya se abrió el telón éste año 2022, es decir en uno de los foros del Teatro “El Milagro” con la puesta en escena de OLEANNA. original de David Mamet.
Le comento qué como escritor, David Mamet en el campo teatral ha obtenido el Premio Pulitzer , en tanto que en el cinematográfico fue nominado en dos ocasiones como candidato al Oscar.
David Mamet nació en Chicago, Illinois, Estados Unidos en 1947 y ha cultivado grandes logros como escritor, dramaturgo, guionista y director, escribiendo OLEANNA en el año de 1990, estrenándose dos años más tarde, logrando una gran controversia
Al respecto se puede apreciar en el boletín de prensa otorgado por parte de su difusor Ramiro Galeana, el siguiente testimonio:
La polémica y emblemática obra de David Mamet llega de nuevo a la escena mexicana, esta vez dentro de un contexto social encendido. El poder, la intransigencia, el acoso sexual, la cacería de brujas y las políticas académicas encuentran vigencia en un país dividido carente de un estado de derecho que da pie al abuso de poder y a la impunidad, pero también a la persecución y condena en redes sociales, una especie de inquisición moderna que parece tener la facultad de dictar lo que es justo y lo que no, sin atenerse a un juicio cayendo en otra pandemia que parece aniquilarnos, lo políticamente correcto.
El montaje escénico presenta a dos jóvenes actores en éste drama en donde la actriz Claudia Hernández estelariza a Carolina, una alumna universitaria quien aparentemente guiada ante las dudas que surgen de un texto escrito por uno de sus profesores, acude a él, destrozando su carrera tras ciertas circunstancias que llevarán implícitas y, que ella denunciará ante un juicio de valor, llevado a extremos exagerados.
Junto con ella aparece el actor Christian Gil en el rol protagónico del profesor. Un hombre exitoso quien está por ser elegido dentro del grupo docente, para el asenso a un gran puesto dentro de la Universidad.
Ambos interpretando sus personajes con la emotividad que precisa este interesante drama actoral controversial , el cual Usted podrá ver en El Teatro “El Milagro”.
MULTIVERSOS
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-Se trata de dos programas musicales que oscilan entre el canto clásico y el teatro musical, de esta manera las y los espectadores serán testigos de una conversación que les hará reconocer sus pequeños y –grandes- dramas cotidianos.-
Así es como se expresó la Compañía difusora al respecto, de éste evento musical llevado a cabo en la hermosa Capilla Gótica del Centro Cultural Helénico. a cargo de la cantante soprano Denise Ramery, quien además funge como directora artística, presentándose en escena junto con el pianista Isaac Saúl y el cantante y actor Carlos Banega, quien se presenta como invitado para introducir los diálogos o texto mediante una pantalla fija..
Con una duración aproximada de 90 minutos, MULTIVERSOS dio inicio presentando pequeñas muestras de icónicos cantos operísticos, en las que se incluyeron cuatro Áreas; es decir fracciones musicales o momentos en que los personajes muestran algo al respecto a sus sentimientos, que en dicho caso giraban en torno a la temática del amor.
Así, “Madame Butterfly” de Giaccomo Puccini, “Carmen” de George Bizet , “Turandot” de Giacomo Puccini y “A Chloris” de Reynaldo Hahn, entre otras bellas interpretaciones, sonaron en el hermoso recinto.
Recordemos qué una Ópera es considerada como un género tanto teatral como musical. Es una composición ejecutada bajo un tono dramático, dentro de la cual es utilizado un texto, el cual a manera de diálogo es utilizado para ser escenificado. Comúnmente de forma unísona con una orquesta, llamándose de dicho modo, “Ópera Bufa”
Aunque en el caso de la presentación de MULTIVERSOS esta musicalizada tan sólo a cargo del maestro Issac Saúl en el teclado, se cumpliendo perfectamente con el cometido u objetivo de ser presentada cada fracción de las Áreas, cantadas por supuesto con el melodioso colorido de voz que posee la cantante Denise Ramery.
Como Usted sabe, Denise Jane de Ramery Morahan es una gran cantante, actriz y profesora de la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) quien además ha colaborado en importantes montajes teatrales de OCESA, como lo han sido “Los Miserables” o “El hombre de la Mancha” y por supuesto ha cantado en importantes recintos Culturales.
En MULTIVERSOS además se da a la tarea de ilustrar cada canción con breves comentarios y explicaciones tanto teóricas como musicales, despertando con ello mayormente el interés del espectador, por el contenido y deleite de cada numero a presentar, los cuales divide en tres secciones, para ser ejecutadas y bellamente interpretadas por ella y el maestro al teclado.
MULTIVERSOS se presenta en “La Capilla Gótica” del Centro Cultural Helénico.
BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
-“El espectáculo es un museo viviente, recorrido de historia y tradición, con músicos de mariachi y huasteco en vivo. El programa va desde la hipnotizante danza de matachines, danza de la Huasteca, los Estados de Guerrero, Veracruz y Jalisco. (nota textual de la Difusora)
Todo esto y más constituye la presentación del tradicional BALLET FLOKLÓRICO DE MÉXICO de Amalia Hernández, tan icónico y reconocido internacionalmente por su gran nivel de profesionalismo y calidad coreográfica.
Recordemos qué con alrededor de 70 años de existencia el BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO ha continuado con sus exitosas presentaciones; Compañía de Danza que la cual ha dando vueltas por gran parte del mundo, llevando a conocer nuestros hermosos bailes regional, así como la música vernácula de nuestro país, haciendo gala de ellos durante largo tiempo.
Está por demás decir qué la pandemia les impidió presentarse en importantes foros, recintos y lugares emblemáticos de la cultura en otros lugares; sin embargo por fin vuelve a deleitarnos y en ésta ocasión nada menos que en la hermosa Explanada del Castillo de Chapultepec ubicado en la Ciudad de México.
Espectáculo dancístico lleno de colorido y elegantes atuendos de los que hace gala el equipo de bailarines a cargo de la hija de Amalia Hernández, quien se ha dado a la tarea de continuar con la gran labor que iniciara su madre.
A manera de semblanza recordemos qué la bailarina y coreógrafa profesional, Amalia Hernández Navarro (1917-2000) fundadora del BALLET FLOKLÓRICO DE MÉXICO nació y murió en la ciudad de México, antes el Distrito Federal.
Fundó su Compañía en el año de 1952 cosechando con ella grandes triunfos y fama a nivel mundial; compañía qué empero a su fallecimiento, no ha cesado de presentarse en los más importantes recintos internacionales debido a su emblemático prestigio y a la labor de su hija y heredera de dicho legado artístico.
Le comento qué su vástaga Amalia Viviana Basanta Hernández, es hoy en día la Directora Artística General de tan importante Compañía, quien como dato adjunto, alguna vez reconocería que a través de su madre, descubriría su pasión por dicha arte.
Y continuando con su legado, es que el día de ayer 15 de enero 2022 nos ofreció un espectacular programa en donde como a-priori había mencionado, se ejecutaron algunos bailes típicos de la región de Veracruz, Guerrero y Jalisco.
FELICIDADES A TODA LA COMPAÑÍA!!
LO PEQUEÑO DESCONOCIDO
POR: Dalia María Teresa De León Adams
MIRAR DESDE EL OTRO LADO es uno de los Programa que se están presentando en el marco de las Residencias Artísticas de Centro Cultural Helénico con el afán de su constante Espíritu de búsqueda y experimentación.
Es decir qué dicho Programa en ésta ocasión, conforma uno de los Laboratorios Escénicos y de Nuevo Circo presentado por grupos creativos, los cuales son “Ohtil Producciones”, “Transversales Lab” y “Teatro de Líneas de Sombra” quienes han estado conjuntado esfuerzos conjuntamente a partir del mes de julio del 2020 iniciadas en publicaciones de revistas en Línea, logrando finalmente presentar MIRAR DESDE EL OTRO LADO con formato escénico.
Éste está a la vez conformado por diversas piezas escénicas entre las que se encuentra LO PEQUEÑO DESCONOCIDO y CHARLY: Un acto contra el olvido; piezas que el día miércoles 12 y el jueves 13 de enero 2022 fueron representadas en el Teatro Principal del Centro Cultural Helénico, junto con dos fragmentos de los proyectos escénicos intitulados “CHABOCHI RAKÉ PACHÁ” conformado con las piezas: “Dar semilla adentro” y “Azares”.
LO PEQUEÑO DESCONOCIDO Es una obra interdisciplinaria que combina la danza el circo y el teatro donde se tejen los vínculos que parten de nuestra genealogía, atravesando la hermandad y la feminidad. En esta puesta se tocan las fibras de lo inconsciente, aquellas que permanecen en la oscuridad y se relacionan con nuestro comportamientos viscerales. En escena, el público verá a dos mujeres que, unidas por sus raíces, realizan un viaje para despertar su parte salvaje y limpiar sus ciclos de vida.
Así es como se expresó la compañía Difusora, mediante el boletín de prensa para dar a conocer los pormenores de ésta puesta en escena perteneciente al género experimental en donde se mezclan diversas disciplinas del arte, en donde lo visual corporal tiene un peso preponderante en el escenario.
Danza, canto, movimientos acróbatas circenses y un breve dialogo repetitivo seguidos de un pequeño discurso, introducen al espectador junto con la artista, en una nueva propuesta escénica que intentara hacer reflexionar e introducir al público en el mundo mágico en donde la escena se afianza en el marco de lo estético en el mundo de LO PEQUEÑO DESCONOCIDO.
MOBY DICK
POR: Dalia María Teresa De León Adams
Solamente contando con una función para el público el domingo 8 de enero 2022, del Recinto Cultural del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, se presentó la obra teatral original de Herman Melville MOBY DICK.
Se recreó de manera breve y divertida para los infantes presentes, con la finalidad de ilustrarlos y alentarlos a introducirse tanto en las lecturas de novelas, como en la apreciación del Arte Escénico.
Por ello es qué para la adaptación de dicha obra clásica se basaron en la siguiente narración:
José Pérez es un hombre común con sed de emociones nuevas. Su amiga Mary le dice que a través de los libros puede vivir historias extraordinarias; juntos abren uno y entonces la magia sucede: José se convierte en el protagonista de los relatos escritos ahí.
Y es en base a ésta parábola textual fue que la Compañía “Lagú Danza” abrió el telón para dar inicio, a la puesta en escena de MOBY DICK comenzando con presentar de manera somera algunas escenas de algunos cuentos infantiles, como lo fueron por ejemplo “La espada en la piedra”, “Los tres Mosqueteros” o “La Princesa encantada”.
Por supuesto qué serían representadas solamente a manera de probadita y en formato de parodia, ofreciéndose algunos de los argumentos claves de cada uno de éstos reconocidos textos, de manera muy chuscas y divertida.
Tras de esto y para comenzar de lleno con la representación de la novela de Melville, se introdujo un largo telar azul, el cual al ser manipulado por los mismos artistas que aunados a los efectos de sonidos en el escenario, lograron remitir al espectador al profundo mar abierto.
Así fue como la Compañía “Lagú Danza” logró escenificar ésta icónica obra, con apoyo en la danza, teatro, parodia y comedia. Una peculiar puesta en escena, en donde bailarines y títeres interactúan para mediante un barco mezclarse entre las olas y ballenas marinas, apoyados en la imaginación permeada a través de la escenografía.
Le comento qué MOBY DICK como a priori he mencionado, es la novela del escritor estadounidense Herman Melville (Nueva York 1819-1891) publicada en 1851, la cual se convertiría tiempo más tarde, en un baluarte de la Literatura Universal.
Narra la travesía del barco ballenero Pequod, comandado por el capitán Ahab, junto a Ismael y el arponero Queequeg en la obsesiva y autodestructiva persecución de un gran animal marino, cuyo capitán diese el nombre de MOBY DICK; una enorme ballena a la cual intentará aniquilar a toda costa.
MOBY DICK se presentó en el Teatro Esperanza Iris, en donde el reparto estelar de la Compañía “Lagú Danza” al finalizar la obra, logró un bonito acercamiento con su público infantil con el cual conversó.
EXPEDIENTES SECRETOS
ARTE, FINANZAS, POLITICA Y DERECHOS HUMANOS
PROFESIONALES DEL PERIODISMO
PUBLICACION DONDE TODOS TRABAJAMOS GRATUITAMENTE.
Benjamin Bernal 55 56 88 02 80 benjamin.bernal@gmail.com