MONTERREY DOS3DOS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Diciembre 2016

Abrió sus puertas un nuevo espacio en nuestra metrópolis:  el Centro Cultural MONTERREY DOS3DOS, pensado como un foro con siete habitaciones, donde se presentarán en forma simultánea distintas obras de pequeño formato, con duración de 15 minutos cada una.  Además, el inmueble cuenta con una terraza para presentaciones de cantantes,  músicos,  bandas,  stand-up,  comediantes,  bohemia y poesía, entre otras actividades,  un área para exposiciones de artistas plásticos  y  fotografías,  y  un comedor donde se expenden bebidas y alimentos diversos, como  comida vegana y orgánica,  comida norteña con carnes y mariscos,  comida yucateca, cafetería con repostería gourmet y dulcería.  El propósito de este lugar es brindar una nueva alternativa artística y gastronómica.  

El director del proyecto es Aldrovandi Aguilar, productor, actor y director de casting.  La gerencia es conducida por Everardo Aguilar y Bryan Flores.

La cartelera de inauguración es la siguiente:
POR UN SHAMPOO de Víctor Salinas, dirigida por Miguel Hernández,  con  Claudia Silva,  Montserrat Marañón  y  Alejandra Bogue
MI PRIMERA VEZ producida por Laura Luz,  con  Silvia Mariscal / Macaria / Verónica Langer,  y  Enrique Montaño / Mario Morán
COMO SER UN NINI Y NO TRABAJAR EN EL INTENTO  autoría y dirección de Pablo Zuack,  con Antar Soberanes,  Marco León  e  Isaías Villegas
LA FÓRMULA DEL ÉXITO de Paulina Gómez Fernández,  con  Erica Edwards  y  Mario Filio
LOS APÓSTATAS, autoría y dirección de Jorge Plascencia Zermeño, con  Marcelo Córdoba, Sergio Ochoa, Eitan Miranda, Martín Saracho y David Palacio
DIFERENTES PERO IGUALES de Alberto Gonze,  producida por María del Carmen Marcos  y  dirigida por Enrique Pineda,  con  Socorro Miranda  y  Pablo R. Ruíz
YO ASÍ EN EL AMOR ... TÓMBOLA, teatro cabaret e improvisación, producida por Regina Orozco.  Unipersonal de Roberto Cabral
 
CÓMO SER UN NINI Y NO TRABAJAR EN EL INTENTO versa sobre un par de hermanos muy distintos, mientras uno trabaja y se esfuerza por labrarse un futuro, el otro pasa todo el día enajenado con los videojuegos, no le interesa estudiar ni trabajar, visitar a la familia y, en ocasiones, ni siquiera comer.  De pronto, nos desespera, ver a un joven sano, fuerte que no quiere encauzar su vida, pero esta obra nos enseña una gran lección.  Igual hay que incentivarlos, pero no obligarlos.  Debemos respetar los gustos de quienes amamos y dejar que hagan lo que les plazca. 
DIFERENTES PERO IGUALES es el encuentro entre una mujer madura y un chico joven muy atractivo.  Son como el agua y el aceite, diferentes en edad, entorno, forma de pensar.  Lo cierto es que los polos opuestos se atraen.  Si ambos sienten atracción en el mismo momento, todo puede ocurrir.  ¿No creen?
En YO ASÍ EN EL AMOR ... TÓMBOLA  se deja al azar el personaje que interpretará Roberto Cabral.  Hay tres opciones.  Así que la podemos ver varias veces y siempre nos tocará un personaje distinto.  Vimos a Ramona, una empleada doméstica muy dicharachera que se especializa en lavar ajeno.  ¡Divertidísima!
Acudan a MONTERREY DOS3DOS, podrán disfrutar de ricos alimentos y ver varias obras de teatro.  Seguro encontrarán una o más que sean de su agrado.  Recuerden que en estos sitios, hay combos.  Si ven más de una obra, se les ofrece un precio especial.  Está ubicado en Monterrey número 232, casi esquina con Coahuila --Estación Campeche del Metrobús--,  Ciudad de México.
DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Diciembre 2016
Nuestro México es diverso y maravilloso. Cada región tiene su propia cultura y siempre es grato que algún lugareño nos permita conocer sus detalles.   La actriz, dramaturga, directora, docente teatral, además de contar con un Diplomado en Dirección de Teatro para Niños, literatura, protocolo, periodismo y dramaturgia, Concepción León Mora, conocida como Conchi León, está tan orgullosa de sus orígenes que se ha convertido en promotora de Yucatán.   Conchi es una mujer empapada del Mayab de pies a cabeza que utiliza su dramaturgia para dar a conocer los aspectos culturales de su región.  Su teatro es vivencial.  Basa sus obras en hechos reales de sucesos propios o ajenos, toda vez que es una observadora nata y tiene mucha sensibilidad.  Surgió a la fama con "Mestiza Power", obra que ha presentado tanto en nuestro país como en el extranjero, logrando que ésta se convirtiera en un referente del teatro mexicano.   En 2005 fundó la agrupación teatral Sa'as Tun, misma que ella comanda y cuyo propósito es cubrir la necesidad de desarrollar un lenguaje propio que a la vez sea común para hable del misticismo y la memoria de los indígenas Mayas de Yucatán.
Su propuesta más reciente DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN versa sobre la vida y la muerte.  Si de algo se tiene certeza es que todo ser vivo algún día morirá, así que hay que honrar a la muerte tanto como a la vida.  Escribió el texto inspirándose en el dolor de su madre por haber perdido a su hija mayor.  Aun cuando tenía otras hijas, Conchi y sus hermanas pudieron constatar que el hueco que sentía su madre no podía llenarse con nada.  Sacó en claro que cuando un hijo fallece el agua de las lágrimas de la madre sale DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN lastimado.  Es así como surge un mosaico de relatos.  Los personajes son cinco mujeres -cuatro adultas y una menor-.  Cada una con un destino distinto.  Se van entrelazando las historias de una embarazada que se preocupa de cómo nacerá su nené, otra que se siente embrujada, la madre de un niño especial, una comadrona, aquellas que van a la iglesia a ver de qué se enteran y otras más.  Lo que más se retrata es el sentir individual.  También se habla de celebraciones, rituales, creencias, religiosidad, tradiciones, costumbres y las diferencias entre niños y niñas.  Todo esto queda enmarcado dentro de la fe de cada quien, el sahumerio y los mitos.  Por si fuera poco, se intercalan diversos términos mayas, con sus correspondientes significados.  En resumen, una travesía que va del pre-parto, el parto en sí y el post-parto hasta el destino del recién nacido. 
El montaje es sencillo, pero lleno de misticismo y simbolismos.  El espacio escénico es presidido por cuatro crucifijos, a fin de representar los puntos cardinales del Mayab, en tanto que al mismo tiempo el escenario se convierte en escaparate de artesanía tradicional mexicana, como los hermosos y originales muebles de madera con entramado de hilos de hamaca, en lugar de bejuco, o bien, la bellísima vestimenta de la región engalanada por coloridos bordados o finos encajes.  Ingeniosa la forma en que se utilizan los tradicionales rebozos y atinada la inclusión de flores, veladoras y aroma de copal. 
El texto y la dirección escénica dan prueba del singular talento de Conchi para lograr la comunión entre lo que se escenifica y el espectador.  En ambos rubros Conchi cumple con los objetivos de su compañía.
El elenco está integrado por Addy Teyer,  Mabel Vázquez,  Estrella Borges,  Lourdes León  y  la propia Conchi León.  Todas dan vida a personajes convincentes y lo hacen en forma comprometida, poniendo el corazón.  En varias ocasiones lágrimas verdaderas corren por sus mejillas.
El proyecto cuenta con la colaboración artística de Juliana Faesler,  la iluminación es de Esaú Corona,  el productor ejecutivo es Oswaldo Ferrer,  la música de Pedro Carlos Herrera,  las fotografías de Lía Rueda,  la pintura escénica de Ricardo Martínez,  y  el diseño de programa de mano de Juan Carlos Hernández Martínez.
La producción es de SEDECULTA,  Fondo Municipal para las Artes Escénicas y la Música, Sa'as Tun.
Aprovecha la oportunidad de conocer la península yucateca y la magia que encierra a través de su teatro, mientras presencias los testimonios de mujeres que con naturalidad cuentan sucesos de su vida. Igual y hasta eres parte de un bautizo.  Teatro de calidad que conmueve.   Sólo que tendrás que apresurarte porque la temporada está por terminar.
Al final de la representación, Conchi, con la nobleza que la caracteriza, dedica la función a Celeste, una nena de 6 años que ya no está con nosotros.  El artesano que realizó el entramado de los muebles escenográficos, le pidió que escribiera algo sobre la niña que él crio como hija, a lo que Conchi le respondió que no podía modificar su dramaturgia porque ya estaba escrita, pero compartiría su historia con el público.
Aprovecha la oportunidad de conocer la península yucateca y la magia que encierra a través de su teatro, mientras presencias los testimonios de mujeres que con naturalidad cuentan sucesos de su vida. Igual y hasta eres parte de un bautizo.  Teatro de calidad que conmueve.   Sólo que tendrás que apresurarte porque la temporada está por terminar.
 
DEL MANANTIAL DEL CORAZÓN
se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas,
sábados a las 19:00 horas  y
domingos a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL GRANERO XAVIER ROJAS
del Centro Cultural del Bosque, ubicado en Avenida Reforma sin número, atrás del Auditorio Nacional
-Estación Auditorio del Metro-,  Ciudad de México
La temporada concluye el domingo 18 de diciembre de 2016

 SENSATEZ Y CAUTELA

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Diciembre 2016
A veces la mente nos hace jugadas.  Cuando acaba de ocurrir un evento, nos es fácil describir cómo sucedió.  Sin embargo, es natural que conforme pasa el tiempo, los recuerdos se van desvaneciendo.  Así mismo, si alguien comete un ilícito, de algún modo manipula su mente para evadir el sentimiento de culpabilidad, entonces, altera lo que recuerda y consciente o inconscientemente lo va acomodando a su conveniencia.  En este caso, el que miente es quien más cree en sus propias mentiras.
 
El mundo sería distinto si todos actuáramos con SENSATEZ Y CAUTELA.  Aconsejarlo es fácil, seguirlo, no tanto.  Nos comportamos según se nos van presentando las circunstancias y  en muchas ocasiones dejamos de lado la SENSATEZ Y CAUTELA.

Escena Doble es una compañía teatral fundada hace poco tiempo, cuyo objetivo principal es tener un lenguaje propio y contundente que permita el encuentro real con el espectador, a fin de propiciar el diálogo e intercambio de ideas.  Su más reciente producción es SENSATEZ Y CAUTELA de la autoría de Ramiro Galeana Mellín, quien también es uno de sus fundadores.  Denominan a SENSATEZ Y CAUTELA como una Per-versión escénica colectiva y es el Capítulo II de la Comedia de Enredos Mentales.

El texto capta del interés del público desde el primer instante hasta el final.  La trama versa sobre un crimen.  Interpretados por dos actores, los personajes son cuatro, por un lado están él y Santiago y, por el otro, la Abuela y Evangelina.  Ellos intentan justificar sus propios actos, están decididos a encontrar al verdadero culpable y comentan una serie de hipótesis al respecto.   Ellas son un par de ancianas que gustan de conversar, pero dejan translucir que están sumidas en la paranoia, en todo ven peligro -hasta en abrir la puerta-.

En realidad, se trata de una propuesta muy sugestiva.  Si bien los personajes son cuatro, todos son uno y uno son todos.  Ambas historias están interrelacionadas.  No se ajusta a un relato convencional, va del presente al pasado sin orden cronológico.  Poco a poco van apareciendo piezas y toca al público ir uniéndolas, cual si fuera un complejo rompecabezas.  Es así como el espectador queda inmerso en un universo de metaficciones.

La labor de dirección por parte de Ramiro Galeana Mellín es formidable.  Aprovecha a fondo el espacio, su trazo escénico es versátil, cuida la estética, mantiene un ritmo balanceado y sorprende al hacer que la sonoridad también sea ejecutada por los actores.

Tanto Rogelio Obregón como Ramiro Galeana Mellín ofrecen un gran trabajo histriónico y corporal.  Se desdoblan en los cuatro personajes en forma convincente, apoyados por su actitud, expresión e inflexiones vocales.  Resulta evidente que ambos están muy comprometidos con el proyecto.

El resto del equipo creativo está conformado por:  Mahatma Ordaz e Isaac Barrios en asesoría de espacio e iluminación,  Virginia Molina en producción ejecutiva,  y  Edson López Ledesma.

Es loable que los jóvenes creadores teatrales busquen un lenguaje que los distinga para presentar el teatro que ellos visualizan.  Más aún que propongan el diálogo directo con el público.  Al final de la obra puedes dar tu opinión o preguntar lo que quieras.  SENSATEZ Y CAUTELA es una obra que profundiza en los recovecos de la mente del ser humano y que invita a la reflexión.  Día con día en los noticieros escuchamos sobre crímenes.  Nos sentimos agobiados por la inseguridad, así que mejor, vayamos al teatro a distraer nuestros pesares.  A pesar de que se trata de un crimen, nos divertiremos.   Apresúrense porque sólo quedan dos funciones.

La entrada es libre, pero se puede aportar un donativo voluntario.  Es importante tomar en consideración que si el grupo teatral se está esforzando tanto por ofrecernos un excelente montaje, aportando sus capacidades y habilidades e invirtiendo sus propios recursos, debemos compensarlos con lo más que podamos aportar.

SENSATEZ Y CAUTELA
se presenta sábados y domingos a las 13:00 horas en la
SALA JULIÁN CARRILLO de RADIO UNAM
ubicada en Adolfo Prieto número 133, colonia del Valle -cerca de la Estación Amores del Metrobús-, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 11 de diciembre de 2016.
OBEDIENCIA SIMULADA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Diciembre 2016
A partir de lo ocurrido entre el 26 y el 27 de septiembre de 2014, México no es el mismo.  La desaparición forzada de 43 estudiantes de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa, el país entero quedó conmocionado.  Se sabía que había crimen organizado, feminicidios, tráfico de drogas, trata de personas, impunidad, injusticias, escapes sospechosos, al igual que los hay en otras naciones, pero jamás habíamos tomado conciencia de lo fácil que es desaparecer personas.  El suceso podría haber pasado desapercibido, como muchos otros, pero el amor, la desesperación, la ira y la impotencia que sentían, provocó que los padres de los jóvenes alzaran la voz.  A través de notas periodísticas y redes sociales, el caso se volvió viral en todo el mundo y ya no hubo modo de ocultarlo.
Hasta el día de hoy, el caso permanece sin ser resuelto.  Fue la punta del iceberg que permitió ver que la desaparición forzada es una práctica común.  En el proceso de investigación han sido encontradas muchas fosas clandestinas con innumerables restos humanos.  Una comisión internacional integrada por peritos de diversas nacionalidades vino a tratar de esclarecer los hechos y sólo lograron dejar a México en evidencia por su corrupción e impunidad, al comprobar que los hechos fueron alterados en casi todas sus fases.  Ocultaron pruebas, los cuerpos no fueron quemados donde se creía, lejos de lograr sacar algo en claro, la maraña se ha ido haciendo más confusa con el tiempo.
Mario Ficachi es un hombre que ha dedicado su vida al arte, desempeñándose como actor, director, dramaturgo, escritor, fotógrafo, promotor cultural, artista plástico, productor y docente.  Su obra es diversa.     Recientemente nos divirtió con "Picardías Mexicanas", una comedia musicalizada estupendamente  interpretada por la primera actriz Teresa Selma, para luego conmovernos al relatar un amor perenne en "Dominó", ahora utiliza el teatro como vehículo para expresar su sentir cívico a través de la "Pentalogía de la Violencia", de la cual forma parte OBEDIENCIA SIMULADA.
Es común pensar que la ficción supera la realidad, pero el estructurado texto de Mario comprueba que desafortunadamente es todo lo contrario.  Los personajes son cuatro:  un noble, un pastor, un cazador y un joven mexicano de nuestros días.  Los tres primeros provienen de la ficción -un clásico, una tragedia griega y un cuento-, creados en distintas épocas.  El diálogo permite que sus historias vayan entrelazándose.  Tienen en común haber incurrido en OBEDIENCIA SIMULADA.  En su momento, cada uno de ellos, fingió obedecer fielmente las órdenes de sus superiores y haber faltado a sus responsabilidades les provoca remordimiento.  Tras no hacer aquello que se les ordenaba, se han estado preguntado qué hubiera ocurrido de haberlo cumplido cabalmente.  Uno a uno van confesando su indisciplina y compartiendo su sentir.  Se sienten identificados y pretenden determinar cuál de ellos es el que carga con mayor culpa.  De pronto, un joven los interrumpe, se mofa de ellos y les dice que dejen de lamentarse, pues lo que han hecho o dejado de hacer no tiene relevancia alguna.  Se presenta como Santiago y le gusta que lo llamen Shago, aun cuando todos lo conocen como "El Pozolero".  Con crudeza total refiere detalles de su oficio.  Lo que narra el joven es escalofriante, tiene en su haber más de 300 crímenes.  Lo más impresionante es que no siente remordimientos, para él es de lo más normal.
La labor de dirección por parte de Sergio Cuéllar es impecable.  Delimita bien el entorno de cada personaje, a pesar de su procedencia tan distante.  Imprime buen ritmo y combina acertadamente los diálogos con la corporalidad e intención de cada uno de los integrantes de su elenco.  Además, se encarga de la iluminación y del diseño del espacio escénico.   Andrés Quijano funge como asistente de dirección.
Ricardo Valdivia (el Pastor),  Guillermo Navarro (el Cazador),  Gilberto Dávalos (el Noble)  y  Eugenio Rubio (el Joven) ofrecen una buena labor histriónica y corporal, brindando credibilidad a sus personajes.
A fin de dar más realce a lo que se dice y al desempeño actoral, el montaje es sencillo.  La escenografía que tan sólo requiere de unos cuantos cajones de madera es producto de Jazmín López.  Los efectos visuales y multimedia coadyuvantes en el desarrollo de la puesta en escena son de Romeo de Paz.  El vestuario es de Foro Chapultepec / Abcdidáctico.  El diseño sonoro es impartido por Iván Mondragón.  La fotografía es de Arisbeth López.  La producción es de Orlando Producciones.
Si quieres enterarte de todo lo que dice el Pozolero, tienes que ver OBEDIENCIA SIMULADA.  Te aseguro que quedarás impactado.  Te surgirán muchas inquietudes, por ejemplo, ¿cuántos jóvenes como el Shago existen en nuestro país?, ¿cómo es que se haya perdido el respeto a la vida humana?,  ¿cómo se ha llegado a tal cinismo?, ¿nadie puede hacer algo al respecto?.  En definitiva, OBEDENCIA SIMULADA es una obra impresionante que nos confronta con la realidad que estamos viviendo.  Teatro independiente que pone su grano de arena en aras de que la situación mejore. 
 
Su temporada está por finalizar, así que apresúrate a verla.  La entrada es libre, pero se puede aportar un donativo voluntario.  Es importante que trates de compensar lo que estás recibiendo, por lo que tu donativo debe ser consciente.  Piensa en lo mucho que ha trabajado el grupo para ofrecerte un buen trabajo.
OBEDIENCIA SIMULADA
se presenta los lunes a las 20:00 horas en la
SALA JULIÁN CARRILLO de RADIO UNAM
ubicada en Adolfo Prieto número 133, colonia del Valle -cerca de la
Estación Amores del Metrobús-, Ciudad de México

 

La temporada concluye el lunes 12 de diciembre de 2016
#NO SOY GORDA!
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Noviembre 2016
Antaño nadie se preocupaba por estar delgado, cada quien se conformaba con ser como era.  Cuando la comercialización surgió, todas las mujeres querían verse como modelo de pasarela, sin pensar que algunas de esas modelos se han sacrificado tanto que han llegado hasta perder la vida víctimas de la bulimia o la anorexia.  En realidad, la belleza no estriba en los kilos.  Cualquier persona puede verse bien tenga sobrepeso o no.  En el arte, el pintor colombiano Fernando Botero se hizo famoso al reflejar gente de grandes dimensiones en sus cuadros.  De cualquier modo, en gustos se rompen géneros y hay quienes prefiere a los gorditos sobre los flaquitos.
Lo peor que puede hacer una persona es obsesionarse con su peso.  Aquellos hombres que son machistas, desprecian a sus mujeres si es que engordan, les ponen sobrenombres y las humillan, cuando lo único que consiguen es que ellas, además de padecer de sobrepeso caigan en la ansiedad, misma que hace que en lugar de adelgazar engorden más y más. 
María Chayo, participante del taller de dramaturgia que imparte Estela Leñero, decidió escribir #NO SOY GORDA!, a fin de dar voz a su protagonista Airam, una hermosa mujer con algo de sobrepeso que está cansada de escuchar lo que opinan los demás.  Si bien el texto tiene estructura, por momentos gira sobre su propio eje y resulta un poco reiterativo.  Lo bueno es que el mensaje se transmite claramente:  la actitud significa mucho para el individuo y los estereotipos carecen de importancia.
Para hacerse cargo de la dirección escénica fue convocado Morris Savariego, quien en su intento de aligerar la escenificación imprime tal celeridad que no da un solo momento de quietud a su actriz, sin tomar en cuenta que en ocasiones menos es más.  El montaje es acertado, combina técnicas teatrales como tragicomedia, cabaret, stand-up comedy y reality show.  El espacio es aprovechado a fondo.  Con unas cuantas prendas se logra una extensa diversidad, una cabeza de maniquí basta para representar a uno que otro alternante de Airam.
Lo que hace que #NO SOY GORDA! sea algo verdaderamente especial es el histrionismo de la hermosa Paola Izquierdo, quien con su gracia nata y experiencia hace una creación teatral de su personaje Airam que resulta magistral, haciéndola intuitiva, vital, fortalecida, simpática y divina.  Con cada expresión, cada movimiento, logra que el público esté al pendiente de qué sucederá y no queda otra que adorarla.
El resto del equipo creativo está conformado por Mario Marín en escenografía,  Adriana Olivera en diseño de vestuario,  Abimael Méndez en iluminación,  Héctor Barbone y Alfonso Zarco en música y diseño sonoro, Edson Martínez en movimiento escénico,  Pablo Corkidi en video y fotografía,  Eduardo Barrera en diseño gráfico,  Pamela Rendón / Innsite en difusión y promoción,  Guillermo Mondlak en coproducción,  Luis Montalvo en producción ejecutiva y asistencia de dirección,  Adriana Rentería en asistencia de dirección y producción,   Andrés Mota en asistencia de escenografía,  Leobardo Hernández y Ana Lilia Villarreal en asistencia general,  Yeana González López en registro y memoria de la temporada,  y Antonio Pérez / Construcciones Escénicas en construcción de escenografía.  Sin duda, un gran equipo de creadores comprometidos con el proyecto.
Quedan cordialmente invitados a ver  #NO SOY GORDA!  Una actuación sobresaliente siempre es grata.  Queda uno reconciliado con la vida.  No hay que vivir dilucidando ecuaciones entre lo que pesas y la edad que tienes.  Vivir siempre es maravilloso.  Arma un grupo y vayan un sábado o un domingo a entretenerse con esta obra y después tómense un café o una copa para intercambiar sus impresiones.  Seguro se la pasarán muy bien y tendrán tela de donde cortar.
#NO SOY GORDA!
se presenta los sábados a las 19:00 horas  y  los domingos a las 18:00 horas  en
EL CÍRCULO TEATRAL
ubicado en la calle Veracruz número 197-muy cerca del Parque España-, colonia Condesa, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 11 de diciembre de 2016
ETIOPÍA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Noviembre 2016
Tal vez por la vida tan agitada que hoy tenemos, en que la economía nos obliga a tener dos trabajos o más, el tránsito a toda hora es caótico, el tiempo que invertimos en trasladarnos de un lugar a otro, estamos aprovechando al máximo la nueva tecnología.  En muchas ocasiones, en lugar de ir a visitar a alguien, preferimos conversar a través de chats, mensajes de texto, o cualquier otra aplicación que tengan nuestros modernos teléfonos celulares.  Hemos creado una zona de confort, en la que no tenemos que dedicar mucho tiempo a las conversaciones, incluso inventamos abreviaturas para agilizar la escritura, dejando de lado la ortografía tradicional.  Con esto, sentimos que podemos estar en contacto con quien elijamos con tan sólo mover los dedos. 
Está tan generalizado que, sobre todo, los jóvenes, antes que comprarse ropa, prefieren tener un celular de alta tecnología.  Lo consideran un artículo de primera necesidad, en lugar de verlo como un lujo. 
Algunos han llegado al extremo de utilizar aplicaciones para conocer gente, perdiéndose de la calidez que da encontrar a alguien y poder verlo cara a cara.
Esto es parte de lo que refleja el actor y dramaturgo Alberto Wolf en su obra más reciente denominada ETIOPÍA.  Aun cuando el título sugiere que es algo sobre la República Democrática Federal de Etiopia, el segundo país más poblado del continente africano, después de Nigeria, no se trata de éste, sino de personas que viven en los alrededores de la Estación ETIOPÍA del Metro de la Ciudad de México. La sinopsis promociona de ETIOPÍA es la siguiente:  "Las relaciones disfuncionales de la actualidad en una época donde las formas de “comunicación” nos permiten evadirnos del verdadero sentir personal, escondiendo el dolor y la soledad. Todos estamos solos, pero podemos estar juntos. … Un viaje que va desde la capa gris de una ciudad, hasta el eco del susurro de los fantasmas personales del desierto. 'Los demonios vuelven al cielo. Alas siempre han tenido'.”
Los protagonistas de la historia de Alberto son tres:  un tío abuelo, su sobrino y una joven.  Cada uno de ellos tiene cargos de conciencia que no los dejan tranquilos.  Celedonio Cecilio, a quien cariñosamente llaman Totío -apócope de abuelito-tío-, sabe que no fue un buen esposo, a pesar de que amaba profundamente a Amalia.  Hoy en día extraña a su difunta esposa y a su pierna, misma que perdió a causa de una enfermedad.  Es un tipo que sólo ve por sí mismo y toma ventaja de todo lo que tiene a su alcance.  Es adicto a su iPhone y le encanta usar la aplicación Tinder.  Es ahí donde conoció a su actual novia.
Su sobrino Arcady acaba de salir de la cárcel, estuvo largo tiempo encerrado a raíz de un accidente automovilístico en el que atropelló a un hombre.  Es el único al que no le interesan los celulares, pues antes de ir a prisión no estaban tan en boga las redes sociales.  Emma es una joven que trabaja y se ejercita.  Lo único que le aterra es la soledad, así que con tal de tener compañía tiene a su peor-es-nada, a quien, desde luego, no ama.  En el pasado, ella y Arcady mantuvieron una relación, así que se alegra al verlo de nuevo después de años.
Estos tres seres tan distintos entre sí, un buen día, coinciden en que les gustaría hacer un viaje.  Se van al desierto de Wirikuta -uno de los territorios más sagrados de los indígenas wixarika (huicholes), en el Estado de San Luis Potosí.  Al igual que los huicholes quieren consumir el hikuri -peyote-.  Si quieren saber qué sucede durante la travesía, habrá que ir a ver ETIOPÍA.
La labor de dirección por parte de Cristian Magaloni es impecable.  Logra un buen trazo de movimiento escénico, a fin de alternar distintos tiempos y espacios.   El ritmo es fluido. 
El elenco está conformado por Jaime Garza como Totío,  Alberto Wolfgang como Arcady  y  Roxana Andrade como Emma.  Los tres brindan un buen trabajo histriónico y corporal.  Roxana muestra su profesionalismo al presentarse casi sin maquillaje.  Este montaje marca el regreso de Jaime Garza, tras una prolongada ausencia de los escenarios. 
El diseño de escenografía -consistente en cajas de madera -prácticas y multifuncionales y, sobre el piso, lienzos de corte simétrico que dan tersura y redimensionan el espacio- está a cargo de Patricia Gutiérrez Arriaga, a quien también se debe la variada iluminación.  El Maping para variar atmósferas es creación de Lizo Sambrano.   Reno Bëltz brinda asistencia de dirección y producción. 
Participan también Edgar Sánchez en realización de escenografía,  Gloria Castro en redes sociales,  Johnatan Molina en diseño gráfico,  Alberto Castañeda en personal técnico del Espacio Urgente 2.
La producción es de Gisela Sandoval y Mariano Ducombs.
Una obra que habla de soledad y culpabilidades no resueltas en la época en que vivimos, donde la comunicación es mejor a través de aparatos que en persona, sin pensar en que es una manera de abstraerse de lo cotidiano, o bien, de tratar de ocultarse hasta de sí mismos.  Una historia particular sobre seres disfuncionales, acertada dirección y actuaciones convincentes.  Recomendable.
ETIOPÍA
se presenta cada sábado en dos funciones, a las 18:00 horas  y  a las 20:00 horas,
en el ESPACIO URGENTE 2 del FORO SHAKESPEARE,
ubicado en la calle de Zamora número 7, colonia Condesa -cerca
de la Estación Chapultepec del Metro-, Ciudad de México.
La temporada concluye el sábado 17 de diciembre de 201
LA CRÍA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Noviembre 2016
Los animales actúan por instinto y los seres humanos gozan de raciocinio.  Sin embargo, en lo que se refiere al cuidado de sus crías, sea instintiva o razonadamente ambos proceden en forma similar.  Por ejemplo, las aves construyen minuciosamente los nidos donde albergarán, cobijarán y protegerán a sus crías, desde el momento en que la hembra pone los huevos hasta que las avecillas despliegan sus alas por sí mismas.  Las mujeres llevan en su vientre al bebé a partir de su concepción hasta producirse el alumbramiento, y mantienen su cuidado durante toda la vida.  
Antaño era costumbre que si una pareja contraía matrimonio, procreará lo más pronto posible.  Hoy en día ya no es así, pues se puede decidir cuándo ser padres o, simplemente, no serlo.  Muchas mujeres optan por no ser madres jamás, en tanto que para otras es el anhelo más grande en sus vidas.  Hay quienes llegan a obsesionarse con la idea.  La llamada "dulce espera", a veces no lo es tanto, dado que algunas mujeres se preocupan en extremo por el bienestar del bebé y suelen tener pesadillas horribles, en las que imaginan que llega enfermo o anormal.
Carlos Talancón, actor y dramaturgo mexicano, quien ganara fama con su obra "El Nahual", un monólogo escrito y actuado por él, mismo que resultó ganador  en el séptimo Rally de Teatro Independiente y, posteriormente, se anotara otro éxito con "Últimas alucinaciones de un hombre muerto", concibe ahora LA CRÍA, una mezcla de amor filial, relación de pareja, impotencia, carencias, sacrificio y un enorme deseo por proveer de todo lo necesario al hijo, todo esto relatado con un humor negro tan marcado que llega a ser espeluznante.
LA CRÍA fue seleccionada como finalista en el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo en el año 2014 y cuenta con el apoyo del Programa Fomento y Coinversiones del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
El estructurado texto de LA CRÍA narra la historia de una joven pareja que vive en condiciones muy precarias.  Ambos tienen que lidiar con la sombra de haber perdido a su primogénito, lo cual les produjo un dolor insoportable.  Tienen la convicción de que a su segundo hijo no le pasará lo mismo.  Están dispuestos a dar absolutamente todo para alimentarlo y protegerlo.  El principal problema de ellos es que sus hijos no son bebés comunes, sino por el contrario, nacen monstruosos, son enormes y tienen un hambre desmedida.  Les es imposible tenerlo dentro de su vivienda, por lo que lo mantienen aislado en un ático apartado. Ellos llegarán hasta las más imaginables consecuencias, sin límite alguno, con tal de brindar protección a su hijo.  El mundo exterior es representado por un inspector que los visita, para vigilar que la crianza del "pequeño" sea la apropiada.
El propio autor toma a su cargo la dirección de LA CRÍA y realiza una labor impecable.  En un montaje austero que refleja la lúgubre cotidianidad de los personajes -cual si vivieran encerrados en una jaula-, diseña un acertado desplazamiento actoral, mantiene buen ritmo y aprovecha a fondo el espacio escénico. 
El elenco está conformado por Miriam Balderas, Emmanuel Morales y Javier Sánchez.  Tanto Miriam (la madre), como Emmanuel (el padre) muestran su complicidad con el autor para hacer que la historia resulte lo más verosímil posible.  El histrionismo y la corporalidad de ambos es de extraordinaria intensidad. En particular, el trabajo corporal de Emmanuel es realmente impresionante.  Javier (el Inspector) realiza breves intervenciones con atinada circunspección.
El diseño sonoro creado por Rodrigo Castillo Filomarino coadyuva enormemente a proveer al proyecto del entorno idóneo a través de la resonancia de tétricos acordes. 
La adecuada escenografía y la bien administrada iluminación son creación de de Miguel Moreno.  La producción está a cargo de Erick Saúl Elizondo y, como productor asociado, funge La Gracia Producciones.  Sandra Narváez es la encargada de prensa y difusión.
El espectador encuentra en LA CRÍA una historia que lo mantendrá en suspenso de principio a fin, en un original montaje con actuaciones plenas de vehemencia y una estupenda musicalización.  El texto invita a reflexionar sobre hasta qué punto debe ser la responsabilidad de crianza de un hijo.  Desde luego, el sórdido relato es exagerado, pero existen casos de sacrificio casi ilimitado. 
 
LA CRÍA
se presenta los miércoles a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500, colonia Guadalupe Inn
-cerca de la Estación Barrancas del Muerto del Metro-, Ciudad de México.
La temporada concluye el miércoles 14 de diciembre de 2016.
ALGUNAS HISTORIAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Noviembre 2016

 

Cuando somos niños, de pronto llegamos a la edad de los "¿por qué? ".  Atosigamos a nuestros padres con preguntas sobre todo tipo de temas.  Conforme crecemos, esto continúa latente.  Igual y hasta desarmamos -por no decir destruimos- algún juguete sólo para verlo por dentro y tratar de entender cómo funciona. 

 

Más adelante, nos interesamos por la ciencia,  la matemática, la computación, los deportes, la automovilística, en fin, el universo entero.  Estamos ávidos de conocimiento y de desentrañar secretos.  A todo lo desconocido lo rodea un halo de misterio y anhelamos develarlo. 

 

Descubrir algo produce excitación y asombro y es bastante satisfactorio.  Imaginemos qué habrá sentido Cristóbal Colón al llegar a un Nuevo Mundo tan distinto al que habitaba. Hemos experimentado esa sensación cuando logramos resolver un problema algebraico,  cuando hacemos algo que no habíamos hecho, cuando amamos por vez primera, cuando se nos dice un secreto que ni imaginábamos.  Es un hecho que ese placer es personal y,  por lo general, inolvidable. 

 

Es difícil que alguien nos revele sus intimidades, por ello, hay que estar alertas cuando ocurre.   Laura Almela es sin lugar a dudas una de las mejores actrices con las que cuenta nuestro país.  Sin importar rango de edad, género o fisonomía, ella interpreta cualquier personaje, el cual resulta más que convincente.  Con cada una de sus interpretaciones, Laura reafirma que la esencia de la teatralidad radica en el arte del actor.   Ella forma parte del muy selecto grupo de histriones que hacen que el público vea y palpe lo inexistente.

 

En forma espontánea y generosa, a través de ALGUNAS HISTORIAS, Laura nos comparte su táctica personal para explorar su creatividad escénica.  Cómo aborda personajes cuando no está trabajando ni estudiando el texto de algún proyecto en puerta. 

 

Laura lee cuentos.  Muchos dirán: "¡yo también leo!"  Es cierto, pero Laura no sólo los lee, los vive, los vibra, llega hasta el rincón más profundo de cada detalle y encarna a los personajes que ahí residen.  Al respecto, nos dice "...  Estas historias forman parte de mi proceso personal, son resueltas en forma libre y partiendo de determinados pasajes mentales, estados de ánimo, asociaciones o simples y descarados deseos de jugar ... ".

 

El caso es que Laura ilumina la historia o cuento con infinidad de colores y provee a los personajes con una amplia gama de matices.  Un trabajo insuperable.  Lo que para ella es parte de su proceso, para el público es algo impresionante. Nos lleva de la mano por caminos y situaciones que vemos con los ojos de la mente  y  nos conmueve profundamente con el acontecer del personaje. 

 

Los autores a los que Laura acude para ALGUNAS HISTORIAS son Juan José Arreola -escritor, académico, traductor y editor mexicano, nacido en Jalisco-,  Alice  Munro -escritora canadiense, reconocida como una de las mejores cuentistas vivas, hay quienes la consideran la Chéjov de Canadá-,   Henry Graham Greene -escritor, guionista y crítico británico-,   y  Hector Hugh Munro, conocido por el pseudónimo de Saki -escritor, novelista y dramaturgo británico-. 

 

Acompaña a Laura Almela, ejecutando música en vivo, Daniel Hernández Mena entre una y otra historia.  El acertado diseño de iluminación es de Gabriel Pascal.  

 

ALGUNAS HISTORIAS no es una obra de teatro ni un montaje, es una puesta en escena única e irrepetible que expone la creatividad personal de una destacada actriz.  Algo verdaderamente digno de verse.  Teatralidad pura que nos lleva por caminos insospechados en un intercambio energético incomparable. Para quienes se dedican al quehacer teatral es una auténtica master class y para todos en general una experiencia sublime. 

 

Apresúrate a vivir el teatro y cargarte de energía.  Laura Almela te hará reír, emocionarte y tal vez llorar.  Lo disfrutarás tanto que querrás acudir varias veces y siempre verás algo distinto, pues los cuentos varían cada semana.  Es algo entrañable, además, la entrada es libre, sólo tienes que reservar previamente al 55 35 12 91, de 11:00 a 14:00 horas. 

 

 

ALGUNAS HISTORIAS

se presenta los lunes a las 20:30 horas en el

TEATRO EL MILAGRO

ubicado en la calle de Milán número 24, colonia Juárez,  Ciudad de México

La temporada concluye el lunes 21 de noviembre de 2016 

EL VENTRÍLOCUO

 

Por:  Eugenia Galeano Inclán

 

Noviembre 2016

 

 

La manipulación es algo intrínseco en el ser humano.  Antes de hablar, el bebé manipula a la madre a través de su llanto.  Todos hemos manipulado o sido manipulados al menos en una ocasión.  Entre parejas, es común que exista cierto tipo de manipulación -la esposa se pone melosa cuando quiere que el marido le compre algo, el hombre galantea a su mujer cuando pide acceda a lo que requiere.  La manipulación forma parte de los juegos entre hermanos.  Lo importante es no caer en excesos.  Un poquito de manipulación puede resultar agradable. En cambio, si ésta es extrema, es intolerable.  Ninguna persona quiere convertirse en muñeco de ventrílocuo de alguien. 

 

 

 

El escritor canadiense Larry Tremblay, nacido en Chicoutini, provincia de Quebec, tiene en su haber una brillante trayectoria durante la cual ha recibido numerosos galardones, sus obras han sido traducidas a varios idiomas.  Una de las características de la obra de Tremblay es su marcado contenido psicológico.  La compañía Los Tristes Tigres eligió su obra EL VENTRÍLOCUO para presentarla en nuestro país.

 

 

 

EL VENTRÍLOCUO versa sobre una pareja de hermanos que se aman y a la vez se envidian.  Se la pasan molestándose uno al otro, incluso, humillándose.  La situación los ha llevado al diván del psicoterapeuta en varias ocasiones.  A ella se le ve en sus consultas con el doctor Limestone.  Es difícil comprender qué piensan estos jóvenes.  El estructurado texto se desenvuelve en forma tal que cada suceso se va develando paulatinamente, cual si se fuera quitando una cubierta tras otra.  De hecho, esta metáfora aparece en la historia el día del cumpleaños de Gaby, quien abre un regalo y se sorprende de que dentro de la caja hay otra caja, y otra, y otra más.  

 

Gaby apenas tiene 15 años, pero sueña con ser una destacada escritora y no cejará hasta crear la más bella novela del mundo.  Su hermano, mayor que ella, es escritor y gusta de manipular a su hermana, incluso, tiene una rutina en la que la manipula como títere.

 

 

 

Un texto complejo que expone las diferentes formas de pensar del ser humano y sus emociones.  La traducción a nuestro idioma fue realizada por Boris Schoemann.

 

 

 

La labor de dirección por parte de Adrián Vázquez es brillante, con escasa escenografía, dimensiona el espacio para que vayan apareciendo múltiples planos -físicos y mentales- de los acontecimientos, define con acierto lo que viven los hermanos y los tiempos.  Incorpora la desnudez como algo natural. Bien administradas las imágenes que se proyectan en una enorme pantalla en el ciclorama.  El ritmo es preciso, la acción coordinada y son fluidos el desplazamiento y la corporalidad del elenco.

 

 

 

La labor histriónica y corporal es formidable, tanto de Rafael Balderas (Ventrílocuo / Dr. Limestone), como de Estefanía Ahumada (Gaby) se transforman en sus personajes y los dotan de una amplia gama de matices y emociones.  

 

 

 

El resto del equipo creativo está conformado por:  José Goro en asistencia de dirección,  Arleth Gamino e Ismael Gallegos en asistencia de producción,  Adrián Vázquez en diseño de iluminación, escenografía y vestuario del Dr. Limestone,  Escénica Producciones en construcción de escenografía,  Adrián Vázquez y Rafael Balderas en diseño de audio,  Arturo Sandoval y Adrián Vázquez en grabación de multimedia,  Arturo Sandoval, Rafael Balderas y Carlos Armando Escobedo en edición multimedia,  Leonor Téllez en diseño y construcción de vestuario del ángel y de Gaby, v  Flaviana Moreno en diseño construcción de títere,  Sergio Cupido en diseño de cartel y animaciones,  Francisco Beverido,  Gustavo Schaar,  Valeria España,  Tomas Owen,  Thania García  y  María Dolores son los actores que aparecen grabados en multimedia.

 

 

 

La producción es de Los Tristes Tigres  y  de Estefanía Ahumada.

 

 

 

Una obra diferente, un texto interesante de principio a fin que explora los vericuetos de la mente, montaje estupendo y actuaciones comprometidas.  No dejes de ver EL VENTRÍLOCUO, disfrutarás de la compañía de Gaby y de su hermano.

 

 

 

 

EL VENTRÍLOCUO

se presenta viernes a las 20:00 horas,  sábados a las 19:00 horas,  y  domingos a las 18:00 horas en el

TEATRO SERGIO MAGAÑA

ubicado en la calle de Sor Juana Inés de la Cruz número 114, colonia Santa María la Ribera

-cerca de la Estación San Cosme del Metro-, Ciudad de México. 

La temporada concluye el domingo 13 de noviembre de 2016.

 
TIRADERO A CIELO ABIERTO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Noviembre 2016
Uno de los crímenes más deleznables en la humanidad es la trata de personas.  Se da contra los dos géneros, pero es más común que las víctimas sean del sexo débil.  Engatusar a jovencitas o, incluso, a niñas, haciéndoles promesas de amor, de fama o de dinero, para luego privarlas de la libertad y, bajo amenazas, obligarlas a prostituirse, es algo sumamente cruel.   Mujercitas inocentes con ilusiones y anhelos que ansían conocer el amor y experimentar emociones nuevas, sin saber que su piso puede desaparecer y que su destino será vagar como alma en pena.  Las deslumbran prometiéndoles un cielo lleno de estrellas y, de pronto, se ven sumidas en un infierno del cual no pueden salir. 
Mauricio Garmona, nacido en Apizaco, Tlaxcala, egresado del Centro Universitario de Teatro -CUT- de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, quien se ha desempeñado como actor, productor y director escénico, es un hombre comprometido con el quehacer teatral y con la sociedad.  Alarmado ante las noticias que leía y consciente de que el teatro no sólo es entretenimiento, decidió utilizar éste como medio a fin de alertar a padres e hijos respecto del peligro que representa el dejarse llevar por falsas esperanzas.  Realizó una profunda investigación y basó su proyecto en la tesis de Oscar Montiel Torres, intitulada "Trata de personas: padrotes, iniciación y modus operandi", misma que fue seleccionada como la mejor tesis de género “Sor Juana Inés de la Cruz” (Maestría, 2008).
Conversó del tema con el destacado dramaturgo Alejandro Román, uno de los más galardonados por su capacidad creativa, quien se ha especializado en captar universos aciagos y, en muchas ocasiones, su inspiración emana de casos de la vida real.  Una vez que Alejandro accedió a escribir lo que Mauricio le solicitaba, surgió la alianza de estos dos talentos.
TIRADERO A CIELO ABIERTO es un texto de excelente factura, como todos los que nos ofrece Alejandro Román, a través del cual refleja el sentir de un joven que se dedica a la trata de personas.  Con sensibilidad, Alejandro no enjuicia al protagonista, sino que lo muestra como ser humano.   Es un joven ignorante, sin estudios, educado como se acostumbra, es decir, desde la infancia se les enseña que los hombres no loran, que son fuertes, que dominan, etcétera.  Para colmo, crece al lado de un tío que se dedica a la trata, así que el joven no sólo lo ve como un modus vivendi, sino como algo común.  Se habitúa a ver en un cuarto de su vivienda hasta media docena de niñas o "m'hijas", como les dice su tío, quien se aprovecha del respeto y cariño que le tiene el jovencito, para adiestrarlo en el "negocio".  Desde temprana edad, le va inculcando sus enseñanzas:  "A Hernán Cortés le dieron como tributo  a treinta hembras", "todas son presa fácil", sólo hay que mantener "pecho de acero, pecho de acero siempre" porque "el rencor de una dama despechada no tiene límite" y no se cansa de repetirle una y otra vez usted "enamórela y véndala m'hijo".
Sin tener otro medio de subsistencia, resulta lógico que el joven quiera ganar dinero haciendo lo mismo que ha visto siempre.  A pesar de dedicarse a tan nefasta actividad, no es un monstruo, en ocasiones siente remordimientos y alcanza a ver que lo que hace es reprobable, pero su inconsciencia y la falta de un oficio, no le permiten cambiar de giro.  Su arrepentimiento comenzó cuando conoció a Aurora, una de tantas de las chiquillas que se ha llevado.  Es la única mujer que estremeció sus sentimientos.
Además de haber concebido la idea de TIRADERO A CIELO ABIERTO, Mauricio Garmona se hace cargo de la dirección escénica y actúa.  En ambos rubros la labor de Mauricio es excelente.  En la dirección Garmona aprovecha a fondo el espacio escénico, su desplazamiento es constante y coordinado, el apoyo del multimedia sirve para crear imágenes sobre los sucesos, el ritmo es precios.  En cuanto a la actuación, además de su capacidad histriónica, Mauricio pone todo su corazón y personifica al proxeneta en forma tan convincente que logra conmover al público.
La producción es independiente y está a cargo de la Compañía Teatro Vientos.
Lamentablemente, millones de mujeres viven esta situación en todo el mundo, así que es más que loable concientizar a través del teatro.  TIRADERO A CIELO ABIERTO es un montaje bien diseñado, con un texto interesante y con una magnífica actuación.  Ya ha cubierto varias temporadas en la Ciudad de México y se ha presentado en diversas ciudades de México y del extranjero.  Varias instituciones nacionales la han llevado a talleres y seminarios.  Recientemente lo hizo la Secretaría de Turismo, a través de su división Código de Conducta Nacional para la Protección de las Niñas, Niños y Adolescentes en el Sector de los viajes y el turismo, donde se abarrotó el foro donde fue presentada. 
Es una obra que todos deben ver.  Los padres y maestros para alertar a los menores, y los adolescentes para tomar conciencia.  Independientemente de esto es un entrañable trabajo teatral.
El miércoles 2 de noviembre de 2016 se presenta a las 20:00 horas en un restaurante ubicado en Morelia número 35, colonia Roma Norte, Ciudad de México.  Si no pueden verla en esta fecha, estén pendientes de la cartelera, el caso es no perdérsela.
DO NOT DISTURB
La justicia es ciega
(el concepto de justicia está en reconstrucción)
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2016
Resulta paradójico que aun cuando en la época actual continúa habiendo discrepancias sobre la equidad entre hombre y mujer, los antiguos griegos hayan dado el protagonismo a la mujer en varias de sus tragedias.  Nos presentaron a mujeres de gran fuerza que lucharon por sus ideales o por su propia causa, como  Agripina,  Antígona,  Clitenmestra,  Electra,  Fedra,  Helena,  Lilit,  Medea,  Pandora,  Penélope.  Con el tiempo, todas ellas han sido fuente inspiradora para escritores y dramaturgos.
De Medea y Antígona se han hecho incontables montajes.  Han sido tantos que, en ocasiones, al espectador le da algo de flojera ver uno más.  Piensan, si ya conozco la historia, ¿qué gano con verla de nuevo?  Los que eso piensan, no están tomando en cuenta que cada creador da tintes distintos a su obra y, dependiendo del enfoque que le den, puede surgir algo no sólo diferente, sino excepcional.
Tal es el caso de DO NOT DISTURB, un proyecto dual en varios sentidos que aborda las tragedias de Medea y Antígona.   Comencemos por el título, que es idóneo, DO NOT DISTURB significa NO MOLESTAR.  Tanto Medea como Antígona molestaron a sus semejantes, al infringir preceptos familiares, sociales, religiosos, morales y/o civiles.
Medea, de la autoría de Eurípides (480 a.C.-406 a.C.), se estrenó en el año 431 a.C. Medea simboliza lo que una mujer puede hacer cuando los celos se apoderan de ella.  Ante el repudio de su esposo Jasón, Medea enloquece y fragua su venganza llegando a extremos insospechados.  Aparenta estar de acuerdo con la boda de Jasón con la hija de Creonte, rey de Corinto, para provocar la muerte de la novia, la del padre de ésta y la de los hijos que había procreado con Jasón, es decir, sus propios hijos. 
Antígona fue escrita por Sófocles (496 a.C-406 a.C.) fue representada por primera vez en 442 a.C.  Hija de Edipo y Yocasta, Antígona acompañó a su padre ciego cuando se dirigía a Colono.  Creonte, rey de Tebas, ordenó que los cadáveres de sus hermanos quedaran insepultos.  La joven incumplió la orden del rey y se enfrentó a quien se opusiera a dar debida sepultura a sus seres queridos, pues así se lo dictaba su conciencia.  Su desacato hizo que la condenaran a ser enterrada viva.  Ella prefirió quitarse la vida.
La idea original de DO NOT DISTURB -- La justicia es ciega (el concepto de justicia está en reconstrucción) fue concebida por Jessica Sandoval Miranda partir de Medea y Antígona,  En tanto que Medea tomó la justicia en sus manos, Antígona primero desobedeció a la justicia y luego huyó de ella.
Para la dirección de DO NOT DISTURB Jessica Sandoval se alió con Sebastián Sánchez Amunátegui y fue así como surge este proyecto tan original desarrollado por dos grandes creadores -Jessica Sandoval, mexicana, destacada coreógrafa y bailarina,  y Sebastián Sánchez Amunátegui, originario de Chile y residente en México, reconocido productor y director escénico.
El montaje no queda constreñido a un foro teatral, sino que, para su representación, un inmueble fue intervenido en su totalidad. 
En lugar de un programa de mano, al espectador se le entregan dos hojas con la sinopsis de las historias de Medea, de Antígona y de ambas mujeres, así como croquis de las plantas baja y alta del recinto.  La acción comienza en el Bar Grecia, ambientado al más puro estilo de un cabaret alemán.  Creonte es el animador, en tanto que Medea y Antígona suben al escenario.  El elenco masculino interactúa con los asistentes para definir algunos detalles.  Este es uno de los dos sitios donde el público podrá sentarse, toda vez que de ahí en adelante habrá de deambular siguiendo a la protagonista de su elección.  Se le otorga la opción de elegir a una entre Medea y Antígona.
Las dos historias tienen un elenco.  En la de Medea participan Patricia Marín Escutia (Medea), Marco Aurelio Nava Esquivel y Raúl Mendoza.  En la de Antígona, Gabriela Guerra Woo (Antígona), Dilery Sánchez (Ismene, hermana de Antígona) y Bernardo Benítez (Creonte, rey de Tebas).
En el caso de Antígona, se da inicio con la ejecución de una elaborada coreografía, donde la joven escala un estante y una mesa.  Los bellos rostros de las chicas contrastan con la sobriedad y fuerte presencia de Creonte.  Tras una escena con su hermana Ismene, es el recorrido que abarca diversos lugares, donde Antígona va reflejando sus diversos estados anímicos con emotividad a través del movimiento, hay que sortear un pasadizo, llegar a un cuarto semi-derruido -donde Antígona muestra su sentir: el universo entero está a punto de lapidarla-, y seguir hasta llegar a la culminación.
La parte final es en el foro del teatro por parte de los dos elencos.
La propuesta es más coreográfica que oral.  Parte fundamental en el proyecto es el diseño sonoro y la composición creada por Rodrigo Castillo Filomarino, quien ha encontrado una forma de expresar su arte proveyendo al teatro de un lenguaje musical siempre consistente con lo que se narra.
Todos los integrantes del elenco son jóvenes, con mayor o menor experiencia, pero comprometidos con el proyecto y muestran su ductilidad al ponerse en manos de sus directores y ejecutar su labor en forma estupenda.
La labor de Jessica Sandoval y Sebastián Sánchez Amunátegui es formidable, la creatividad de ambos salta a la vista en cada momento.
El resto del equipo creativo está conformado por Mauricio Ascencio M. en diseño de arte,  Raúl Mendoza en la realización y edición de video,  Ro Banda en adaptación de testo,  y  Mauricio Rico en asistencia de dirección.  La producción es de Realizando Ideas.
Un montaje realmente digno de verse.  Una idea extraordinaria, un proyecto diseñado con talento y logrado eficazmente.  Un edificio intervenido en forma integral.  Experimenta una forma sinigual de presenciar teatro, en medio de lienzos de plástico, tablones, muebles, piedras y mucho más, donde hasta en el techo puede aparecer la palabra injustos en un letrero de luz neón.  DO NOT DISTURB cumplió su temporada de septiembre a octubre, pero por la demanda del público, se vieron precisados a extenderla.  Ahora sí ya está por terminar, así que apresúrate a verla.  Recuerda que si quieres ver las dos historias, tendrás que ir en dos días distintos.
DO NOT DISTURB
se presenta lunes y martes a las 20:45 horas en
UN TEATRO, Alternativa Escénica
ubicado en la calle de Nuevo León número 46, colonia Condesa
-enfrente del Parque España-, Ciudad de México.
La temporada concluye el martes 8 de noviembre de 2016
SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS AL MUNDO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2016
Acostumbramos entonar "México lindo y querido, si muero lejos de ti, que digan que estoy dormido y que me traigan aquí ", con mucho sentimiento, para demostrar nuestro amor a la Patria.  Si bien, por lo general amamos al país donde nacimos, lo cierto es que lo conocemos sólo por encima.  En lo personal, he de confesar que no fue sino cuando regresé de un viaje a Europa que comencé a apreciar sincera y profundamente lo que México representa para mí.  Ocurre que poco nos preocupamos por tratar de conocer más de nuestro lugar de origen.  México es un país maravilloso, que no sólo tiene montes y valles, mares y ríos, pueblos pintorescos, ciudades cosmopolitas, gente trascendente, sino que alberga cosmogonías de grupos culturales que tienen sapiencia y tradiciones que no se encuentran en otros países. 
Uno de estos grupos es el de los huicholes, cuya cosmogonía alberga un conjunto de mitos, su forma de ver el mundo, sus conocimientos y concepciones, su lengua, su cultura prehispánica, su religión y el uso del peyote.  Este pueblo mesoamericano es de los pocos que se negó a reemplazar sus creencias por las de los españoles en tiempos de la conquista.  Hasta la fecha, se mantienen apartados de la civilización en un intento de no transgredir su ancestral forma de vida, con sus propios usos y costumbres.
Una de las artesanías más conocidas de los huicholes es el Ojo de Dios (si’kuli), una especie de rombo elaborado con una cruz de madera recubierta de estambres de diversos colores.  Por su forma, quedan cubiertos los cinco puntos cardinales o rumbos del universo (Norte, Sur, Este, Oeste y Centro -punto de partida de todo).  Cada color utilizado corresponde a una protección específica.  Simboliza poder y protección y sirve para ver y entender lo desconocido.  Apenas nace un niño huichol, los padres piden se le elabore un Ojo de Dios, mismo que llevarán sobre su cabeza a la fiesta del tambor.  Conforme el niño crece, los Ojos de Dios van siendo extendidos, a fin de ir representando la edad del niño.  
Nora Manneck ha dedicado gran parte de su vida al quehacer artístico, nacida en Alemania, ha realizado múltiples estudios en diversos países, como Alemania, Francia, Estados Unidos de América, España y México, entre otros. Poco antes de la década de los 80 llegó a nuestro país, donde estudió actuación con Juan José Gurrola. Desde entonces, aquí reside.  Se ha desempeñado como bailarina en diversas disciplinas, coreógrafa, actriz, directora y docente.   Se podría decir que ya es más mexicana que alemana.  Ama a México y todo lo que con el se relaciona.  Es investigadora nata e inquieta por naturaleza.  Se dio a la tarea de conocer de cerca a los huicholes y fue hasta donde habitan, platicó con ellos y logró que le hablaran sobre las deidades que adoran y hasta le contaron algo de sus leyendas, de esa cultura oral que se transmite de boca en boca a través de generaciones.
Con los resultados de su investigación, convocó a Felipe Rodríguez, actor, dramaturgo, quien saltara a la fama con su libro "El país de las metrallas", compendio de  tres textos de su autoría "México sin cabeza", "El penal" y "El país de las metrallas".  Tras conocer la idea original de Nora, Felipe procedió a desarrollar una historia y es así como surge VENIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS AL MUNDO, cuya sinopsis es:  "Cuentan los huicholes que en el principio no había nada más que agua. Y que en medio de ese mar infinito y oscuro vivían tres dioses, que no hacían nada más que nadar y flotar… hasta que se aburrieron. Entonces cerraron los ojos y comenzaron a imaginar. Cuentan que así fue como se creo el mundo".
El relato comienza cuando Takutsi (Nuestra abuela tierra - diosa de la tierra), Maxacuaxi (Nuestro abuelo cola de venado - dios creador) y Kauyumari (Nuestro hermano mayor venado azul) llegan al mundo desde el mal para recorrer espacios desconocidos, mientras descifran el verdadero significado de lo que han soñado.  Kauyumari es el más joven y quisiera aventurarse en todo lo que está a su alrededor, pero Maxacuaxi y Kauyumari se encuentran agotados y le piden los deje descansar.   A regañadientes, Kauyumari tiene que esperar, pero está dispuesto a vencer los miedos y aprender del nuevo mundo. Su convicción es que todo lo que puedes soñar, lo puedes crear.
En su recorrido les sucederán cosas buenas y malas.   Entre lo bueno, es que un venado -criatura emblemática en la cultura huichol- habrá de guiarlos.  Lo malo es que se toparán con tres gigantes, dos de los cuales podrían ser la representación del águila bicéfala -otro simbolismo huichol- y, asimismo, tendrán que resguardarse de lobos y serpientes.
Un texto de gran estructura que capta el interés de principio a fin.   Un montaje que lo enmarca perfectamente, apoyado por multimedia.  Tres grandes mamparas que delimitan el espacio y, a la vez, es donde se proyectan imágenes que ilustran los sucesos.  Vestuario muy apropiado, pleno de alegorías y símbolos.
Impecable labor de dirección por parte de Nora Manneck con acción constante, ritmo preciso, coreografías bien diseñadas, buena combinación de técnicas -luz negra, teatro de sombras, objetos- y aprovechamiento total del espacio escénico. 
Conforman el elenco:   Asur Zágada (Kauyumari),  María José Vargas (Takutsi),  Erick Israel Consuelo (Maxacuaxi),  Juan Acosta (Lobo),  Bruno Benítez (Gigante 1),  Bernardo Benítez (Gigante 2),  Adrián Alarcón (Gigante Mayor).  Ataz Urieta y Miguel Pérez Enciso realizan suplencias.  Todos los jóvenes ofrecen una labor histriónica, corporal y de expresión formidable.  Asur está verdaderamente deliciosa en su papel del chico travieso, intrépido y curioso.  Sorprendente la destreza de Bruno y Bernardo con los zancos, así como la variedad de matices que da a su voz Adrián.
El resto del equipo creativo está integrado por:  Edgar Sánchez en diseño y realización de pantallas.  El colorido y estilizado vestuario fue diseñado por Yolotzin García y realizado por De Corazón.  Yannick Menchaca en música original y diseño sonoro.  El divertido rap es de Atza Urieta, con textos de Bruno Benítez y Bernardo Benítez.  Regina Morales y Tenoch Olivares son los diseñadores de iluminación.  Las animaciones fueron diseñadas y realizadas por Mariano Romero, y, por parte del ITESM Campus Toluca, por José Carlos Mondragón (Coordinación), Lizbeth del Carmen Tovar López, Sara Vidales Fernández,  Daniela Ramos Carsollo,  Mariana Ponce Rey  y  Jaime Santiago Almeida Palacios.  El videomapping es de Ismael Gimate.  El diseño de imagen de Rogelio Valdés (Garguile.com).  Ángel Pérez Salazar brinda asistencia.
La producción es de AaP Adrián Alarcón Presenta  y  cortejo Producciones.  Los productores son Adrián Alarcón y Eloy Hernández.  Patricia Hernández Mendoza y Georgina Cueto brindan asistencia de producción.
SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS AL MUNDO está dedicada a la memoria de Rafa Covarrubias.
No lo dudes, embárcate en esta travesía, acompaña a las deidades huicholes a crear al mundo, vive junto con ellos todas sus experiencias.  Te aseguramos entretenimiento y sorpresas.  Un montaje bien pensado y mejor logrado.  Un equipo comprometido y creativo que da a conocer a las nuevas generaciones detalles de la cosmogonía de los huicholes y su magia.  Apresúrate porque la temporada está por concluir.  Después de la función, podrás visitar el altar de muertos que hay en uno de los salones del teatro y, además, los niños tienen la posibilidad de aprender manualidades, igual y hasta elaboran un Ojo de Dios. 
SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS AL MUNDO
se presenta sábados y domingos a las 13:00 horas en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle de Sor Juana Inés de la Cruz número 114, colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-, Ciudad de México.

 

La temporada concluye el domingo 6 de noviembre de 2016
DISECCIONES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2016
En esta época en que todo converge y está permitido, considerando que ya no existen tabúes ni transgresiones, es muy grato ver que en el arte pueden compartir la escena disciplinas diversas en beneficio de un mismo proyecto.  Tres creadores especializados en teatro, música y coreografía se unen para sumar talentos y concebir DISECCIONES, proyecto multidisciplinario que acaba de estrenarse.
El objetivo es utilizar el movimiento cual si fuera un escalpelo para diseccionar cuatro facetas distintas del ser humano -voces, memorias, rostros, imágenes- que yacen en su interior ocultos a la vista propia y de los semejantes..
El texto fue escrito por José Alberto Gallardo, a quien hemos conocido como actor, director y dramaturgo y ahora incursiona en la danza.  Para conservar el misterio y que su contenido vaya siendo develado poco a poco, el texto sólo se escucha en voz en off (emitida por el propio José Alberto).  La coreografía fue diseñada por la Rossana Filomarino, bailarina reconocida y coreógrafa destacada quien tiene en su haber poco más de medio siglo de trayectoria artística, y 25 años al frente de la Compañía DramaDanza.  Sus piezas son consideradas como únicas por los expertos y, desde luego, el caso de DISECCIONES no es excepción.  Su trazo es sobresaliente y utilizando técnicas como contemporánea, clásica y butoh, logra algo tremendamente original.  Por su parte, Rodrigo Castillo Filomario crea una composición musical vibrante que da relieve a los movimientos dancísticos y, además, acompaña al intérprete ejecutando en vivo instrumentos como guitarra, teclado o ecualizador electrónico.
Para promocionar DISECCIONES, lo que dicen es:  "De un hombre común, el movimiento de su cuerpo como escalpelo:  Disección sobre sí mismo, cuya biopsia sea ese canto íntimo, que quizá pudiera reconocerse como Danza".  ¿Cuántas veces hemos preferido expresar algo con un movimiento, en lugar de palabras?  A todos nos ha ocurrido.  El movimiento es intrínseco al ser humano.  DISECCIONES es una travesía hacia lo interno, desde la primera memoria en el útero de la madre "donde sólo se respira líquido amniótico", de la cual obviamente no estamos conscientes, pero que forma parte del inicio de nuestra vida. Aquel momento en que "antes que piel, tacto, rumor", esperando a estar listos para "amanecer a un mundo completamente nuevo".  Luego va transitando por diversas etapas, alguna en que "no tienes enemigos, sólo garganta y flemas", o bien "escuchar la manada diseccionar la jungla" y mucho más por toda la resonancia del ser interno, hasta llegar al momento en que no nos quede otra que caer cuando concluya nuestra existencia.
Imagínate que alguien pudiera hacer una autopsia a tu mente, no a tu cuerpo, diseccionando tu interior.  Eso es lo que ves en DISECCIONES, además de la oportunidad de ver la conjunción de tres talentos.  Una coreografía magistralmente diseñada, musicalizada en vivo con creatividad y una ejecución extraordinaria por parte de un hombre dedicado a la escena que ahora nos muestra una faceta distinta de su arte.  Un espectáculo completo donde la danza, lo acústico y lo visual convergen para disfrute del espectador.
DISECCIONES
se presenta viernes a las 20:30 horas,  sábados a las 19:00 horas  y  domingos a las 18:00 horas  en el
FORO de UN TEATRO
ubicado en Avenida Nuevo León número 46 -frente al Parque España-, colonia Condesa, Ciudad de México
La temporada concluye el domingo 6 de noviembre de 2016
TE AMO, EL MUSICAL
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2016
Es costumbre generalizada creer que el teatro cabaret versa sobre asuntos triviales, con palabras altisonantes, chascarrillos, mofas o chistes improvisados.  Sin embargo, en nuestro país hay quien hace teatro cabaret de calidad.  Cae dentro de esto TE AMO, EL MUSICAL, obra concebida por Marisol Gasé y Ana Francis Mor que escudriña el amor en la actualidad, cuando ya cualquier relación está permitida y prevalece la liberación sexual, pero que aún hay ciertas ideas que no han desaparecido, como el que la mujer debe ser sumisa y hacer todo lo que el marido le pida.
En un texto de perfecta estructura, a base de prosa y poesía, se defiende el libre albedrío de la mujer.  No existe razón alguna de que si se enamora, tenga que convertirse en la súbdita de su propio hogar.  Ella debe mantener sus ideales y perseguir sus anhelos, trabajar por sus objetivos, conservando su libertad.  Los hombres, por su parte, nunca se convierten en súbditos, pues ellos continúan haciendo lo que quiere, estén enamorados o no.
El mensaje promocional de TE AMO, EL MUSICAL es el siguiente:  "¿Qué pasaría si encontráramos en serio al amor de nuestra vida?, ¿si encontráramos a nuestra “media naranja” con quien dormir de cucharita, aquella persona perfecta que no mea la taza del baño, ni deja abierta la pasta de dientes?, ¿cómo sería el Mundo si estuviéramos por fin, con una persona que no tuviera problema con quienes somos, que no nos hiciera pedos si nos vamos de fin de semana a Valle con unos amigos, que nos amara de manera incondicional, que fuera la realización de todas nuestras fantasías, que dijera sí a todos nuestros requisitos de la lista? ¿Y si eso de todos modos no es suficiente para ser feliz? Las Reinas Chulas, expertas profesionales en el des-amor y sus intringulis (63 divorcios las respaldan), nos dirán ahora sí, de una vez y para siempre, cuál es el secreto del amor eterno", mismo que nos dice mucho de la intención de la obra.  ¿A poco no se te antoja conocer ese secreto?
El montaje es ameno, con una dinámica constante.  A un lado del escenario, se ven unos músicos.  Al frente unas bellas figuras artesanales que darán pie a cada cuadro.  Como elemento escenográfico sólo una cama y una pequeña mesa  y  una pantalla donde se proyectan imágenes de apoyo a la trama.
La acción comienza con una joven pareja intercambiando caricias.  Lucen embriagados de amor y se ven muy felices.  De pronto, el joven dice:  "¡Cásate conmigo!".  Ella queda asombrada, no responde.  Se pone a pensar cómo sería su vida si acepta.  Se dice a sí misma: "abre los ojos, en el amor no hay nada cierto", y se pone a pensar cuánto deberá dar a cambio de tener a alguien "teniendo yo más vida, tengo menos libertad".  Lo cierto es que: "no puedo vivir sin mi egoísmo porque quiero seguir siendo el centro de mi mundo".  Para tomar la decisión, hará una travesía en compañía de un pequeño barco, un rey, un pescador, un mago, un piloto aviador, entre otros, e irá compartiendo sus pensamientos y reflexiones con el público.
La protagonista es la propia co-autora Marisol Gasé, actriz completa que igual canta que actúa.   El protagonista es el músico Ro Velázquez, quien además de componer la música original, la ejecuta en vivo al lado de Mike Sandoval en el Contrabajo  y  Pedro García en la guitarra  y, por si fuera poco, alterna en determinados cuadros con Marisol.  Ambos están adorables.  Interactúan en forma directa con el público, formulando comentarios entre cuadro y cuadro.  Marisol está espléndida, canta, baila, actúa, se coloca distintas pelucas y cambia su vestuario añadiéndole o quitándole elementos.
La producción es de la Compañía Las Reinas Chulas.  La música en vivo es provista por el cuarteto Cartones de Tacho.  Talia Loaria es la creativa de los videos.
No te pierdas este musical, te divertirás muchísimo.  Te olvidas de problemas cotidianos y al mismo tiempo comprendes mejor la forma de pensar de la mujer actual frente al amor y la vida en pareja. Piensa bien en esta frase "aprendemos a amar no cuando vemos a una persona perfecta sino cuando vemos perfecta a una persona imperfecta".  Acompaña a esta hermosa mujer a decidir si se casa o no..
TE AMO, EL MUSICAL
se presenta los jueves a las 20:30 horas en el
FORO A POCO NO
ubicado en la calle República de Cuba número 49, Centro Histórico -cerca de la Estación Allende del Metro-, Ciudad de México
La temporada concluye el jueves 27 de octubre de 2016
OÍR AULLAR UNA VEZ A LOS LOBOS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2016
Desde el momento en que nacemos se comienza a moldear nuestro carácter.  Al principio sólo queremos comer y dormir.  Después nos vamos adaptando al entorno y descubriendo el mundo. Poco a poco aprendemos a caminar, a hablar y a pedir lo que necesitamos mediante el llanto o actitudes.  La comunicación va cobrando importancia.  Si no se nos da lo que queremos, hacemos berrinche y esto marca el principio de las máscaras que utilizaremos a lo largo de nuestra vida. 
Conforme crecemos el número de máscaras va aumentando.  Qué máscara utilizamos corresponde ante quién estemos y las circunstancias que nos rodean.  La aparición de cada máscara depende de la situación y del momento que estemos atravesando.  Si sobreviene la pérdida de un ser querido o una ruptura amorosa surgen la tristeza y la depresión, si tenemos algún logro o conseguimos algo por lo que hemos luchado, emergen la alegría y la satisfacción.  Las demás son menos obvias, incluso, hay máscaras que permanecen ocultas aún para nosotros mismos y sólo salen a flote cuando algo lo detona.
El actor, director y dramaturgo mexicano José Alberto Gallardo brinda al espectador, a través de OÍR AULLAR UNA VEZ A LOS LOBOS, texto de buena factura de su autoría, la posibilidad de un viaje introspectivo.  La obra versa sobre momentos en la vida de una pareja.  Estefan es un alto funcionario de arte y cultura, en tanto que su mujer, Marianne, se dedica al arte. Sin duda alguna se aman el uno al otro, se llevan bien.  Hace ya 5 años que iniciaron su convivencia.  Ambos han alcanzado objetivos. viven cómodamente.  Sin embargo, Estefan se encuentra a punto de quiebre.  Un día, durante un discurso, se sorprende a sí mismo -y a todos los demás-, abogando por más beneficios por la cultura, y hasta despotricando en cierta forma contra la labor de la institución para la cual trabaja, al reconocer que existe corrupción.  Luego de su apasionado discurso, se da cuenta de que mientras hablaba sólo tenía en su mente a Marianne. 
Por supuesto, a Marianne le parece un discurso magnífico y admira más que nunca a Estefan.   Ella, por su parte, se encuentra realizando la traducción de "La mujer zurda" de Peter Handke, una obra complicada del insigne escritor alemán Peter Handke, poseedor de un estilo peculiar, cuya obra suele abordar las dificultades de comunicación.   En tanto que Estefan ha tenido la revelación de la gran importancia que tiene Marianne en su vida, Marianne comienza a identificarse con las serpientes. 
La confusión mental de los protagonistas no termina ahí.  La asistente de Marianne presenta un proyecto que se centra en la oscuridad y Estefan forma parte del comité encargado de dictaminar si será aceptado o no.  Esto podría impulsar la fuerza de los torbellinos que se ciernen sobre el hogar y hasta podrían llegar a escucharse aullidos de lobos.

El primer reto que venció José Alberto Gallardo para llevar a escena OÍR AULLAR UNA VEZ A LOS LOBOS fue convencer a Jessica Sandoval de interpretar a la protagonista.  Mujer de belleza clásica, figura envidiable que ha pasado gran parte de su vida sobre los escenarios, pero no como actriz, sino como bailarina y coreógrafa de formidables espectáculos dancísticos.  Lo bueno, es que logró que ella aceptara porque difícilmente hubiera encontrado a alguien con una personalidad tan enigmática como la de Jessica y cabe hacer notar que aún cuando es la primera vez que actúa lo hace intensa y acertadamente, dotando a Marianne de las cualidades necesarias para ser convincente.  Por si fuera poco, para todos aquellos que seguimos la trayectoria de Jessica y que nos fascina verla bailar, José Alberto incluye un cuadro de danza, con coreografía creada por ella. 

Para complementar el elenco, en la temporada actual se presenta Juan Carlos Vives, actor de larga trayectoria, quien hace gala de sus capacidades histriónicas y corporales. 

José Alberto Gallardo imprime un sello original, tanto a su dramaturgia como a sus puestas en escena.  Para el montaje de OÍR AULLAR UNA VEZ A LOS LOBOS utiliza un cubo que representa una cocina del hogar de los protagonistas, a modo de señalar metafóricamente que viven en su propio mundo.  Su labor de dirección es impecable.  El ritmo es pausado, a fin de acentuar la intriga.  Los oscuros son igualmente bien administrados y las estridencias musicales van acordes al estado de ánimo de los personajes.

El resto del equipo creativo lo conforman:  Jesús Hernández en diseño de escenografía e iluminación,  Rodrigo Castillo Filomarino en composición musical y diseño sonoro,  Jerildy Bosch en diseño de vestuario,   Eduardo Sarabia en asistencia de dirección y producción, además de hacer una pequeña intervención en escena,   Ismael Carrasco en asistencia de iluminación y responsable de remontaje,  Jessica Sandoval en producción ejecutiva,  Daniel Lugo en difusión y diseño de imagen para redes,  Brenda Jáuregui en fotografía,  Gabriela Guerra Woo en diseño impresos.

La producción es de Un Teatro Alternativa Escénica.

Una historia interesante,  excelentes actuaciones,  estético montaje,  personajes que te develan sus pensamientos más íntimos,  teatro de calidad hecho por personas comprometidas con el quehacer teatral es lo que encuentras en OÍR AULLAR UNA VEZ A LOS LOBOS, así que ¡no te la pierdas!

OÍR AULLAR UNA VEZ A LOS LOBOS
se presenta martes y miércoles a las 20:30 horas en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en la calle Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México
La temporada concluye el miércoles 26 de octubre de 2016

BAMBIS DIENTES DE LECHE
Develación Placa 100 representaciones
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2016
 
Día con día la vida es más acelerada, con tanto vehículo que hay en nuestra Ciudad, nos vemos precisados a invertir más tiempo en transportación de un lado a otro.  Estamos ensimismados, ocupados en nuestros trabajos, tratando de alcanzar objetivos y vamos dejando para mejor ocasión la convivencia con familiares y amistades, aduciendo que no tenemos tiempo.  Cuando hacemos esto, no nos damos cuenta, de que estamos sacrificando lo que realmente importa y también vamos dejando de lado ciertos valores, como, por ejemplo, el agradecimiento.   Es por ello que es digno de admiración alguien que en medio de sus múltiples ocupaciones hace una pausa simple y sencillamente para agradecer.
Antón Araiza es un apasionado de su trabajo, desde la primera ocasión en que lo vi sobre un escenario, me impactó su histrionismo, tanto como su entrega y compromiso.  Lo curioso es que en cada oportunidad que lo he visto a lo largo de su trayectoria compruebo que Antón no ha perdido un ápice de aquello que me causó tanto asombro y con el tiempo se ha ido nutriendo de todas y cada una de sus experiencias.  Es uno de los actores más camaleónicos, toda  vez que puede interpretar cualquier rol sin importar su idiosincrasia ni edad.  Con sensibilidad analiza a fondo al personaje en turno y se mimetiza con él para crearlo, hasta aportarle una autenticidad única.  Además, su corporalidad es impresionante.  Leer su nombre en la cartelera implica garantía para el público de presenciar una actuación destacada. 
Aun cuando Antón da a todo trabajo la misma importancia, hay uno que al que le tiene un particular cariño.  Se trata de BAMBIS DIENTES DE LECHE, de su propia autoría.  Un texto de excelente factura y perfecta estructura que narra las vivencias de Juan a partir del momento en que se aproxima su quinto cumpleaños.  Sus padres le dicen que lo sorprenderán en su fiesta.  A él le parece que falta una eternidad y durante casi seis meses trata de adivinar cuál será la sorpresa.  Por fin llega el día, la fiesta es temática.  Todo es sobre E.T., el cual no es del agrado de Juan, por lo que se siente desilusionado y algo enfadado.  Para colmo, el "regalo especial" de su padre es inscribirlo en un equipo de futbol llamado BAMBIS y que corresponde a la división DIENTES DE LECHE.  De ahí, el título de la obra.  Lo malo es que a Juan no le agrada el futbol, lo hubieran hecho feliz si lo hubieran inscrito en clases de baile.  Nos cuenta que un día que su madre lo llevó al Palacio de Bellas Artes, vio a un bailarín de tap y, desde entonces, sueña con ponerse unos zapatos que hagan ruido y bailar como lo hacía aquel hombre sobre el escenario.  Años más tarde, el sueño de Juan estaba por cumplirse, siendo su primer trabajo estar al cuidado de los desechos de los elefantes en el Circo Atayde, a lo que su mamá le decía: "Para estar en el espectáculo, necesitas foguearte hijo".
En forma ágil y amena capta el interés del espectador en todo momento.  El montaje está perfectamente planeado y logrado.  Antón se adueña del escenario, sobre el cual se convierte en el pequeño Juan, narra sus experiencias en primera persona, además de desplazarse como pez en el agua, deslizarse, hacer una que otra acrobacia y hasta bailar tap sin música en total sincronía con sus parlamentos, sin perder paso ni palabra.  Esto último es algo muy meritorio, considerando que, para los musicales, los cantantes/actores tienen que esforzarse el doble para poder cantar y bailar al mismo tiempo, pero estos, tienen el apoyo de las notas musicales.  En fin, con el despliegue de sus admirables dotes histriónicas, Antón enternece al develar el pensamiento íntimo de un pequeñín y algunas anécdotas que provocan reír a carcajadas  y termina por robarse el corazón de la audiencia.
 
Para la dirección de BAMBIS DIENTES DE LECHE, Antón convocó a David Jiménez Sánchez, quien ha sido su cómplice en muchas ocasiones.  Su labor es loable, durante todo el desarrollo de la obra mantiene un ritmo preciso y coordinado, con ligeras pausas bien justificadas y marcadas.  Complementan la creatividad del proyecto:  Raúl Castillo en vestuario, iluminación y escenografía,  Roberto Ayala como maestro de tap,  Vince Miranda brindando asesoría en tap,  Diego Guadarrama en diseño gráfico. 
 
La producción es de Ocho Metros Cúbicos, A.C., a través de Andrea Celeste y Raúl Castillo.  La producción ejecutiva de las 100 de BAMBIS DIENTES DE LECHE es de Miguel Hernández.  La difusión y prensa es de PinPoint / Ramsés López y Arturo Piedras.  La canción "Amárrate a una escoba y vuela lejos" es de la autoría de Caifanes, escrita por Sabo Romo.  Las fotografías son de Carlos Mercado, Secretaría de Cultura de Colima, @ALEXBSW7, Entretenía,  y  Ulises Ávila H.
 
BAMBIS DIENTES DE LECHE fue estrenada en diciembre de 2013 y lleva tres años de presentaciones tanto en la Ciudad de México, como en casi todo el país..  A teatro completamente lleno, se llevó a cabo la develación de la placa de las 100 representaciones de BAMBIS DIENTES DE LECHE, la cual fue develada por Sabo Romo -Músico y Productor-,  César Tapia -Subcoordinador de Enlace de los Estados de la Coordinación Nacional de Teatro-,  y  Óscar Uriel -Conductor de Televisión y Productor-.
 
En el programa de mano, se lee lo siguiente:  "GRACIAS:  A todos los que están aquí esta noche.  De alguna u otra manera nos conocemos.  Hacemos y vemos teatro.  conocemos o intuimos la sensación de estar arriba del escenario.  No somos indiferentes ante el hecho.  Gracias a mi infancia.  Gracias a mis amigos, a los compañeros de escena que han estado junto a mí en el momento de tomarnos de las manos y dar las incómodas gracias. A mi director.  A mis directores.  Forman parte de mí.  Me han ido creando.  A mi equipo 8m3, por estar y creer, con cada montaje, que se puede construir un mundo cada vez más portentoso.  A mis maestros de profesiones y de vida.  A las vidas que he tenido en una sola y a quienes han estado ahí:  en el Tío Polito,  en el TEC,  en el Circo Atayde,  en la Danza, en Nueva Vida,  en Concierto,  en Casa Azul,  en el teatro .... A mis cómplices en este regalo.  A los que ya no veo pero sé que están:  mi padre, mi abuela y mi Miss Lupita.  A MI FAMILIA.-  Desde aquí los escucho .... Cómo se nota cuando un lugar está lleno de gente.  --ANTÓN ARAIZA".
 
Fue el propio Antón quien se encargó de enviar las invitaciones y de dar respuesta a las confirmaciones.  Al finalizar la función, el público aplaudió de pie.  Antón, visiblemente emocionado, dirigió unas palabras y realizó algunos agradecimientos especiales.  Se escuchó una voz infantil "¡Te quiero tío!", algunos miembros de la familia Atayde, gritaron "¡jamás te olvidaremos!", a lo que Antón respondió que él tampoco los olvidará.  Cariño, admiración y hasta alguna que otra lágrima ante un hombre que ha sabido sembrar amistades en lo personal y en lo profesional.
 
Del teatro nos trasladamos a un lugar de hamburguesas y mariscos, donde se ofreció vino de honor y comenzó la fiesta.  Una noche verdaderamente entrañable.
 
La función para conmemorar las 100 representaciones de BAMBIS DIENTES DE LECHE se presentó en el nuevo teatro SILVIA PINAL, ubicado en Versalles número 27, colonia Juárez, Ciudad de México.
TEZCATLIPOCA on line

 

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2016
En la actualidad la tecnología nos rebasa.  Día con día hay nuevos inventos.  Estamos en la era digital y casi todo se resuelve a través de aparatos.  Lo virtual es lo de hoy, ya casi nadie va a una biblioteca a sacar información para sus tareas, dado que es mucho más fácil realizar consultas en Google o en cualquier otro sitio.  Las reformas educativas van y vienen.  El caso es que los pequeños poco aprenden de historia.  Es común ver en televisión que algunos reporteros salen a las calles a hacer encuestas o bromas, preguntando a quien se topan sobre temas históricos y las respuestas más que risa causan alarma.  Si no se conoce la historia básica y sus participantes, mucho menos se sabe sobre la cultura prehispánica. 
Un grupo de jóvenes dedicados a hacer teatro se preocupan por este y otros temas, toda vez que su propósito es utilizar el arte para provocar transformaciones y brindar herramientas al ser humano para mejorar su relación consigo mismo, con sus semejantes y con su entorno.   Estos jóvenes dedicados a artes, como danza y teatro, fundaron la compañía Té de Artes Escénicas.  A través de sus proyectos buscan un contacto cercano con el público, a fin de provocar una reflexión sobre las conductas humanas.  Consideran al arte como una necesidad primordial de confrontación, comunión y revelación.
Su proyecto más reciente es TEZCATLIPOCA on line.  Tezcatlipoca es una de las deidades más veneradas y fascinantes de la cultura prehispánica.  En náhuatl, la traducción de su nombre sería espejo humeante.  Es un joven que usa taparrabos, lleva la cara y las piernas pintadas a rayas, porta un tocado de pedernales, orejeras de oro en espiral y brazaletes en plumas preciosas y muy coloridas.
Según una leyenda náhuatl, Tezcatlipoca y Quetzalcóatl fueron quienes crearon al mundo, luego de enfrentarse a Cipactli -monstruo de la tierra- que habitaba en el único océano que existía.  Cuando lograron atraparlo, lo extendieron para formar la tierra.  Los múltiples ojos de Cipactli fueron convirtiéndose en estanques y lagunas y sus fosas nasales en cuevas.  Para resarcir el daño que infringieron al monstruo, Tezcatlipoca comenzó a exigir ofrendas humanas, mediante las cuales se alcanzaba la trascendencia y la preservación de la naturaleza. 
Conforme a los toltecas, Tezcatlipoca era un protector transformador que descendió del cielo valiéndose de una tela de araña, con el propósito de destruir la obra de Quetzalcóatl, a quien se le apareció bajo aspecto de viejo y le ofreció un brebaje que aseguraba la inmortalidad, pero que en realidad era una bebida enloquecedora.  Los espíritus de los muertos debía presentarse ante Tezcatlipoca vestidos con piel de ocelote para que él dictara su sentencia.  Antes de poder entrar al Mictlán -el reino de la muerte, eran sometidos a varias pruebas.
TEZCATLIPOCA on line de la autoría de Kenia Abril Lara y Alfredo Macías Rubio contempla ambas culturas -náhuatl y tolteca-, para plantear que "El dios Tezcatlipoca regresa a Tenochtitlan después de una larga temporada de viaje, es momento de ser celebrado por su pueblo.  Sin embargo, en el México contemporáneo, nadie lo recuerda.  En la búsqueda de sus creyentes se topará con un 'Muchacho' quien no deja un momento su celular.  Los dos emprenderán una aventura fantástica para conocer el uno del otro".
El texto tiene buena estructura y está adaptado para mantener el interés de principio a fin.  Cumplen con su objetivo didáctico de dar a conocer a Tezcatlipoca, pero lo hacen en forma amena y situarlo en nuestra época es un gran acierto.  Al igual que todas las culturas, la prehispánica es digna de ser contada. 
Desde el comienzo captan la atención de los chiquitines al mencionar el popular juego Pokemon Go.  Tezcatlipoca no logra entender por qué Tenochtitlan ahora se llama Ciudad de México.  Es un dios y puede ver hasta los más íntimos pensamientos de los humanos, sin embargo, al encontrarse con un chico y tratar de explicarle quién es, el jovencito revisa primero si lo tiene entre sus contactos de Facebook.  Como no es así, a Tezcatlipoca le cuesta trabajo que lo considere su amigo.  Lo bueno es que es el único que puede viajar a través del tiempo e ir al pasado, así que lo invita a conocer nahuales, chamanes y chaneques. Juntos emprenderán una aventura fantástica. 
El montaje enmarca fielmente el texto, es estético y visualmente llamativo.  Debido a que Té de Artes Escénicas es una compañía independiente, no hacen producciones costosas, sino que echan a volar su imaginación para sus escenificaciones.  En lugar de una escenografía espectacular, en el caso de TEZCATLIPOCA on line hacen gala de su talento y creatividad al utilizar grandes libros pop-up, de aquellos que asombran tanto a los niños porque al abrirlos emergen imágenes tridimensionales, lo cual les permite tener distintos entornos, todos bellos y plenos de color.  Los personajes principales son títeres que son manipulados por los integrantes del elenco.  Además, incorporan música original y algo de multimedia.
La labor de dirección por parte de Alfredo Macías -uno de los coautores- es impecable.  Mantiene ritmo preciso, aprovecha a fondo el espacio escénico, los títeres y los actores tienen acción constante, las coreografías son fluidas y la interacción con el público es grata, sobre todo, por haber pequeños espectadores que suelen ser muy ocurrentes.
El elenco está conformado por Kenia Lara, quien funge como presentadora y animadora, y por Amaranta Getino y Juan Pablo Vargas, quienes hacen diversos personajes.  Los tres ofrecen acertado trabajo histriónico y perfecta manipulación de los títeres.  En cuanto a corporalidad y dicción, su trabajo es excelente.
El resto del equipo creativo está integrado por:  Luis Barrera en producción,  Sara Ramos en diseño de escenografía e iluminación,  Pedro Pazarán, Sara Ramos y Laura Martínez en realización de escenografía.  Fernanda García en diseño de títeres y vestuario,  Fernanda García y Katty Manzano en realización de títeres,  Al Mendoza en realización de vestuario,  Alfredo Galván en música original y sonorización,  Luis Barrera en diseño gráfico y multimedia,  Prema Torres en asistencia general.
La producción ejecutiva es de Té de Artes Escénicas.
Es loable que un grupo de jóvenes revisen nuestras raíces y difundan la cultura prehispánica.  TEZCATLIPOCA on line.es un hermoso trabajo realizado por gente comprometida con el quehacer teatral.  Una historia divertida que brinda entretenimiento a chicos y grandes.  Acompañen a Tezcatlipoca en un viaje a través del tiempo.  Les aseguro que será inolvidable.  No se la pierdan, vayan en familia.  Si no tienen chiquitines, inviten a sus sobrinos.  Todos saldrán encantados.
 
TEZCATLIPOCA on line 
se presenta domingos a las 12:00 horas  y  a las 13:30 horas  en la
SALA B de LA TEATRERÍA
ubicada en Tabasco número 152, colonia Roma Norte
--cerca de la Estación Durango del Metrobús  y de la Estación Insurgentes del Metro--, Ciudad de México
La temporada concluye el domingo 6 de noviembre de 2016
MAI-SHO-GAKU,
Trazos de Fuego


 
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2016



Irene Akiko Iida es la primera mexicana egresada de la Escuela de Arte Takarazuka, en Osaka, Japón. En el año de 1981 ingresó a la Compañía Teatral Takarazuka Kaqueki y, desde entonces, ha participado en más de medio centenar de espectáculos. Además de su dedicación al teatro, ha estudiado danza, logrando especializarse en l...a Danza Kabuki. Durante las festividades para conmemorar el Centenario de la Migración Japonesa en México, debutó en nuestro país como co-autora, directora, coreógrafa y productora del espectáculo musical Juan, el Momotaro, bajo el auspicio de una beca del FONCA. Se le conoce a raíz de su participación en la obra teatral El Automóvil Gris de la Compañía Teatro de Ciertos Habitantes, bajo de la dirección de Claudio Valdés Kuri.

Orgullosa de sus orígenes y con el anhelo de difundir el arte del milenario oriente, Irene Akiko ha puesto en práctica sus conocimientos histriónicos y dancísticos para crear MAI-SHO-GAKU, Trazos de Fuego, un espectáculo pleno de esplendor, color, ritmo y plasticidad, con base en el teatro Kabuki, donde conjunta diversas disciplinas de danza japonesa -Kabuki, Buyp y Butoh-, con un vestuario de gala con una espectacularidad pocas veces vista, a todo esto, le añade la caligrafía tradicional de signos, con lo cual crea un entorno lleno de simbología nipona.

El título da idea de MAI-SHO-GAKU, Trazos de Fuego, toda vez que, según el programa de mano, Mai significa danza, Sho caligrafía y Gaku música. El objetivo de Irene al concebir este espectáculo es crear un espacio libre de abstracción y riqueza visual , en donde ocurre una lucha interna que liberará la conciencia de un joven monje, El bonzo, a través de la disciplina "Shodo" -el arte de la escritura de ideogramas- convocará a fuerzas elementales y a deidades de oriente para, con sus trazos, provocar que encarnen los opresores de su mente, que no son otros que sus propios medios y debilidades.

El elenco está conformado por la propia autora Irene Akiko Iida (Elemental de Agua y Fude), Arturo Tamez (Elemental del Fuego y Sumi), Alejandro Méndez (Fujin -músico), Nahoko Kobayashi (Raijin -músico), y Berenice Contreras (Bonzo).  Equipo muy comprometido que ofrece su experimentada ejecución en las artes dancísticas, musicales y caligráficas.
Acude a ver MAI-SHO-GAKU, Trazos de Fuego, espectáculo visualmente hermoso con una simbología entrañable y vestimentas extraordinarias, donde la música y la danza están presentes en todo momento, al mismo tiempo que brinda la oportunidad de observar en forma directa la confección de la complicada caligrafía japonesa, o bien, la forma en que se puede plasmar en un lienzo de cerezos en flor.
MAI-SHO-GAKU, Trazos de Fuego
se presenta martes y miércoles a las 20:00 horas en el
TEATRO BENITO JUÁREZ
ubicado en Villalongín número 15, colonia Cuauhtémoc
--cerca del Monumento a la Madre--, Ciudad de México
  La temporada concluye el miércoles 14 de octubre de 2016.
ANGÉLIQUE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2016
La inspiración llega a escritores y dramaturgos de distintas maneras, puede ser una idea, algo que escuchan o, tal vez, la visita de una musa.  Eduardo Castañeda, egresado de la carrera de actuación en la Escuela Rusa de Actuación en México y de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, quien se ha desempeñado como actor en más de una veintena de montajes profesionales y como director en más de una docena, como cineasta, tiene en su haber un documental, siete cortometrajes independientes y tres largometrajes, y, como dramaturgo, ha escrito quince obras, de las cuales diez han sido llevadas a escena.  Entre sus logros destacan el haber sido nombrado Coordinador Teatral del Año de la Biodiversidad en 2010, tener su obra Juárez 6.01 publicada en la prestigiada revista Paso de Gato -en su edición de aniversario, en 2011-, así como sus obras Escamas al Rescate…una aventura de sangre fría, Los sueños de Carola y Con todo mi hipotálamo publicadas por la editorial Libros de Godot.
En el caso de ANGÉLIQUE, a Eduardo lo inspiró una musa.  Pensó en escribir un monólogo para una actriz-cantante, el personaje sería complejo, una chica que brincara de una idea a otra, de una emoción a otra, que pudiera dominar tres idiomas -francés, inglés y español-, y con una capacidad vocal para poder interpretar estándares musicales en vivo, además que fuera mulata.  Encontrar a alguien que reuniera todas estas características, hubiera sido prácticamente imposible para Eduardo, si no es porque ya tenía su musa:  Muriel Ricard, para quien escribió la obra.
Con la obra bajo el brazo y con la aceptación de Muriel de convertirse en la protagonista, Eduardo todavía tenía un largo camino por recorrer.  Como se sabe, hacer teatro implica sortear una serie de dificultades.  Se requiere armar el proyecto, convocar a un equipo de creadores para la atención de cada una de las áreas correspondientes, conseguir recursos económicos para producción, costos del teatro, publicidad, difusión, promoción y nómina.  Para arrancar su proyecto, Eduardo recurrió a solicitar el apoyo de FONDEADORA, donde el proyecto resultó exitoso, gracias a la gente que creyó en éste y puso su confianza realizando alguna aportación a fin de que se alcanzara la meta fijada.  Con este fondeo, ANGÉLIQUE ha tenido algunas presentaciones esporádicas en diversos foros.  Ahora, fue invitada a formar parte del Ciclo de Cabaret que se está presentando en el Centro Cultural del Bosque del INBA -Instituto Nacional de Bellas Artes-.
El texto es de buena factura y aborda los avatares de una cantante francesa que ansía desplegar sus alas y valerse por sí misma.  Llega a nuestro país a probar suerte y con la ilusión de conocer a Cantinflas.  La acción se desarrolla en 1959 en un bar de la Ciudad de México.  Entre canción y canción, ANGÉLIQUE irá compartiendo con el público detalles de su vida privada.  Igual nos hará reír que nos conmoverá.  Confesará qué groserías ha aprendido en español y cuáles le causan risa.  Sorprenderá al contarnos los quehaceres de sus abuelas, bastante peculiares.  En tanto que una de ellas es espía, la otra es esclava.  Tocará temas delicados como la migración y la discriminación.  Aludirá a colores y etiquetas.  En sus ratos libres, ANGÉLIQUE dedica su tiempo a la actividad epistolar.  Como es natural, extraña a su familia, así que se mantiene en contacto escribiendo cartas a su hermano Philippe, o bien, a sí misma. 
El montaje es espectacular, el foro completo fue convertido en el bar El Galeón, según se lee en el letrero de luz neón en rojo, hay mesas y sillas, donde los espectadores pueden ordenar bebidas -vino, cerveza, sodas, agua-, así como tapas delicatesen, chapatas o simplemente botanas.  Sobre el escenario tres músicos ejecutando sus instrumentos, para dar el entorno adecuado.  El maestro de ceremonias irá indicando las llamadas.
En la tercera llamada, elegantemente ataviada con un vestido blanco con aplicación de flores de colores en el ruedo de la falda, sale ANGÉLIQUE y con su privilegiada voz canta "La vie en rose" (La vida en rosa), como preámbulo de lo que vendrá después.   Melodías y anécdotas se van sucediendo alternadamente.  Para ilustrar algunos recuerdos o referencias, se utiliza el multimedia para proyectar breves imágenes en el centro del ciclorama.   Tras un breve intermedio, ANGÉLIQUE cambia de vestuario y porta un vestido negro, escotado, con apertura a los lados, que la hace lucir mucho más sensual.
La labor de dirección por parte de Eduardo Castañeda es formidable, aprovecha a fondo el espacio escénico, combina bien las canciones, constante acción escénica y buen ritmo.
Muriel Ricard luce al máximo su belleza, carismática personalidad y, desde luego, su armoniosa y educada voz con una amplia gama de registros y hace gala de su capacidad histriónica y corporal.  Encarna divinamente a ANGÉLIQUE.
La música en vivo es ejecutada por:  Geo Enríquez en dirección musical y teclados,  David Iracheta en percusiones,  y  Alonso López en contrabajo.
El resto del equipo creativo está conformado por:  Edgar Uscanga en producción ejecutiva,  Andrea Pacheco en diseño de vestuario,  Alejandra Aguilar en asistencia de dirección,  Gilda Méndez en asesoría vocal,  Ella Laboriel en relaciones públicas,  Enrique Saavedra en prensa y medios,  Andrea Estrada en animación,  Alejandra Salcido en video,  Isabel García Medina en administración,  Fabrina Melón es la voz en off,  y  María Isabel Gallardo tiene una participación especial.
La producción es de Vuelta de Tuerca Producciones.
Nada para despejar la mente como una noche escuchando amena plática y célebres melodías magistralmente interpretadas por una hermosa mujer plena de talento.  Interesante texto, excepcional montaje, formidable dirección, música en vivo.  Hagámosle caso a ANGÉLIQUE, quien asegura:  "lo vivido nadie nos lo puede quitar".  Simple y sencillamente Magnifique ... es teatro, es cabaret, es concierto.  No pierdas la oportunidad de disfrutarla, pero apresúrate porque las temporadas dentro del Ciclo de Cabaret son muy breves.  Sólo quedan tres funciones.
ANGÉLIQUE
se presenta viernes 30 de septiembre de 2016 a las 20:00 horas,
sábado 1° de octubre de 2016 a las 19:00 horas,  y
domingo 2 de octubre de 2016 a las 18:00 horas en el
TEATRO EL GALEÓN
dentro del Centro Cultural del Bosque del INBA, ubicado Reforma y Campo Marte
-atrás del Auditorio Nacional-,  Ciudad de México.
NEGACIÓN
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2016
 
 
El saber que alguien acaba de fallecer sin haber sido diagnosticado con una enfermedad grave o terminal siempre produce sorpresa, pero si ese alguien es un ser amado o muy allegado, inevitablemente aflorarán sentimientos encontrados.  Si el dolor llega a ser insoportable, se activan mecanismos de autodefensa.  Al llevar intrínseco el instinto de supervivencia, el ser humano hará todo lo posible por evadir la realidad y se rehusará a aceptar la muerte de quien ama. 
 
Conforme a la psicología, en todo duelo individual existen cinco fases.  La primera es la negación,  la segunda es el enfado, la indiferencia o la ira,  la tercera es la negociación -negociar con uno mismo, a fin de tratar de hallar una solución, aun cuando sea imposible-,  la cuarta es el dolor emocional  y, finalmente,  la quinta es la aceptación.  El escritor, dramaturgo y psicoterapeuta Daniel de la O, dedicado desde hace casi una década a ejercer la terapia psicoanalítica, optó por combinar dos de sus habilidades para compartir públicamente sus conocimientos.  Es así como Daniel concibió el proyecto de crear una pentalogía, es decir, escribirá cinco obras teatrales distintas para cubrir las respectivas fases del duelo.  La forma en la que cada persona recorra y logre superar las fases de duelo dependerá de sí misma y de la ayuda que reciba.
 
Luego de haberse dado a conocer con su obra "Salida Exit", a Daniel de la O le llegó el reconocimiento con "Voces de un asesino de cara larga y sin sonrisa", por la cual fue galardonado con el primer lugar del Concurso Nacional de Composición Dramática de Monólogo Víctor Hugo Rascón Banda 2004.  Fue precisamente en el más reciente montaje de dicha obra donde se alió con Josejuan Meraz, quien encarnó en forma sobresaliente a Buster, su protagonista.  Ahora, en NEGACIÓN vuelven a reunirse estos dos talentos para ser artífices de genuina magia teatral.
 
Daniel de la O, a través de NEGACIÓN, aborda la primera fase del duelo con mucho respeto. Un facultativo cuya labor primordial es analizar la psique, llega a conocer a fondo lo más íntimo del sentimiento humano y Daniel, en su función alterna como dramaturgo, aprovecha esto para crear un balance perfecto al dividir a su personaje en dos entes distintos. Uno es el personaje -una mujer- que atraviesa la fase de la NEGACIÓN, mientras que el otro -también mujer- es de algún modo su alter ego, estando ahí para ubicarla y ayudarla a manejar su inmenso dolor, lográndose un apoyo inmejorable.  El dolor está presente, pero Daniel tiene la sutileza de incluir rememoraciones que provocan risa espontánea con el propósito de permear un poco la intensidad del sufrimiento.
 
El bien estructurado texto de Daniel de la O narra la historia de Petra (Guadalupe Damián), una mujer sencilla, cuyo padre vive del mar hasta que éste decide cobrarle arrebatándole la vida.  Petra continúa con su vida y en medio de una fuerte lluvia conoce a Julián, hombre también relacionado con el mar, de quien se enamora profundamente, se casan y procrean a Carlos, su pequeño hijo.  Para su infortunio, a Petra se le detecta una grave enfermedad que le provoca terribles dolores de cabeza.  Sobrelleva su padecimiento de la mano de su esposo, quien le hace una dulce y sincera promesa: "Nunca voy a soltarlos, a ninguno de los dos", refiriéndose a ella y a su primogénito.  Piedrita era el mote cariñoso que Julián utilizaba para dirigirse a Petra y a ella le encantaba escucharlo, sintiéndose amada y cobijada. A pesar de su enfermedad, Petra agradece a la vida por la felicidad que le brindan Julián y su vástago, sin dejar de pensar que "el mar es inmenso, la lejanía también".
 
Por su parte, la poética teatral de Josejuan Meraz se fundamenta en la sensibilidad y, en su faceta de director, al tomar el texto de Daniel, logra que ambas mujeres sean el salvoconducto ideal para hacer entrega directa al público de la narración de Daniel y del trazo impuesto por Josejuan.  Con un ritmo escénico preciso, hace que en todo momento ambas transiten por el escenario en perfecta armonía.  Otro de los méritos de Josejuan es haber elegido a las dos actrices idóneas para el proyecto.  Tanto Guadalupe Damián -la dolida esposa y madre- como Diana Lein -la voz de la conciencia- transmiten en forma muy eficaz el sufrimiento, la impotencia ante lo inevitable, la no aceptación, pero sin que esto sea tan desgarrador para resultar molesto sino como algo extremadamente humano que conmueve al espectador al grado de hacerlo identificar su propio dolor al evocar las pérdidas que haya padecido a lo largo de su existencia.
 
La labor actoral, física y de actitud por parte de Guadalupe Damián y Diana Lein es a todas luces extraordinaria, es de admirarse la manera en que logran complementarse en forma tan atinada.  Por compromisos previamente adquiridos, Diana Lein se ve obligada a dejar el proyecto, por lo que a partir del día 30 de septiembre de 2016 la sustituirá Diana Sedano.  
 
Loable también es la labor del resto de equipo.  Jorge Valdivia funge como asistente de dirección, Félix Arroyo se encarga del diseño de escenografía e iluminación, mientras que Gus Sandel asume el diseño de vestuario, Jesús Díaz se hace cargo de brindar asesoría corporal y Juan Carlos Vives impone la coreografía. El diseño de audio es responsabilidad de Jorge Valdivia.
 
NEGACIÓN es un montaje imperdible para todo aquel que guste del buen teatro. Cabe recordar que NEGACIÓN ha cubierto varias temporadas y que en esta ocasión se reestrena, motivo por el cual no hay que perder la oportunidad de verla. Sin Sonrisa Teatro se anota un éxito más en su repertorio.  Un interesante texto en una atinada puesta en escena, con actuaciones memorables y un equipo de trabajo comprometido.
 
NEGACIÓN
se presenta viernes a las 20:00 horas,  sábados a las 19:00 horas  y  domingos a las 18:00 horas en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en Sor Juana Inés de la Cruz 114, colonia Santa María la Ribera
--cerca de la Estación San Cosme del Metro--,  Ciudad de México.
La temporada concluye el día 9 de octubre de 2016
YO SOY CHAVELA
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2016
En todo el mundo llama la atención la singular forma en que el mexicano toma la muerte.  No entienden cómo es posible que tengamos fechas para celebrar la muerte, que pongamos altares muy adornados donde colocamos fotografías, velas, flores, papel picado y todo aquello que gustaba al difunto.  Todavía más extraño les parece que tengamos pan de muerto, calaveritas de azúcar y que hagamos versos aludiendo a las características de alguien que ha partido.  Lo cierto, es que nosotros rendimos culto a quienes se han ido y en nuestro corazón los llevamos por siempre.
 
En cuanto a los homenajes, también somos especiales.  Una canción popular oaxaqueña proveniente del folklor del Istmo de Tehuantepec recoge nuestra idiosincrasia.  Se trata de La Martiniana, cuyas estrofas dicen lo siguiente;  "Niña, cuando yo muera no llores sobre mi tumba, toca sones alegres, mi vida, cántame La Sandunga" ... "No me llores no, por que si lloras yo peno, en cambio si tu me cantas yo siempre vivo, yo nunca muero".  Una de las mejores formas de honrar a los muertos es cantándoles.  El creador teatral Raúl Serrano ha de estar de acuerdo con esto porque en YO SOY CHAVELA honra la memoria de la famosa cantante Chavela Vargas, con música y canto.
 
María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, conocida artísticamente como Chavela Vargas, nació en Costa Rica en 1919 y falleció en Cuernavaca, Morelos, México, en 2012.  Si bien era oriunda de Costa Rica, vivió prácticamente toda su vida en México, al que consideraba como "su" país.  Fue una famosa cantante que imprimía un peculiar sello a las canciones con su peculiar voz, a la que coloquialmente los mexicanos definiríamos como "aguardientosa".  Era una mujer recia que fumaba tabaco, bebía mucho y portaba pistola.   Anticipada a su época, valientemente se ostentaba como lesbiana. 
El primer paso para escribir algo sobre una personalidad es realizar una investigación exhaustiva, para luego hacer una sinopsis con todos los datos recabados y, finalmente, crear la dramatización que será llevada a escena.  Todo esto lo hizo magistralmente Raúl Serrano en forma extraordinaria.  Su síntesis es formidable, da a conocer detalles esenciales, cita fechas determinadas, incorpora frases dichas por Chavela en entrevistas, hace referencias a celebridades que, en su momento, convivieron con la intérprete, a sus éxitos, giras y conciertos y a datos de su vida personal que, para muchos, son desconocidos.
 
En otras palabras, da voz a la cantante, cual si ella misma fuera quien narrara su vida, para decir justamente lo que ella quisiera decir.  En forma sorprendente logra captar la esencia misma de Chavela Vargas. El diseño del espacio escénico es aparentemente sencillo, pero estético y apropiado.  Le bastan un equipal, una pequeña mesa y un espejo de mano.  Música en vivo, algo de baile y un dispositivo multimedia para proyectar imágenes de apoyo a la narrativa.   En el vestuario no podía faltar el tradicional jorongo que Chavela adoptó como parte de su personalidad.
 
A través de un texto de excelente factura y una impecable labor de dirección escénica, Raúl Serrano brinda al espectador el recuento de diversos pasajes de la vida de la cantante desde su juventud hasta sus últimos días.  Chavela rememora momentos que le fueron significativos, hablando para sí misma, cual si estuviera reviviendo para disfrutarlos de nuevo.  Habla con toda sinceridad, sin ambages ni tapujos.  Se remonta a su niñez.  El sufrimiento de haber nacido con poca vista y padecer poliomielitis.  Mientras su madre parecía no quererla, su padre sólo estaba interesado en conquistar jovencitas, así que creció con unos tíos.  Fue una niña solitaria que platicaba sola y le cantaba a la luna.  Nunca jugó con muñecas, pero le encantaba dispararle a las serpientes.  México le sonaba a mágico.  El canto siempre ligado a sus andares "¡Que cante la niña Isabel!".
 
Sus noches de bohemia con su entrañables amigos José Alfredo Jiménez, Tomás Méndez y Álvaro Carrillo, siempre al calor del tequila y el mariachi.  Ríe al recordar el mote con el que llamaban a Miguel Aceves Mejía.  Su asombro de haber llegado a La Habana sin saber ni cómo, tras una parranda.  La admiración que sintió por Lola Olmedo, el impacto que le causó Frida Kahlo, su pasión por Macorina, el amor incondicional que le prodigó Vicenta Vargas.  La alegría de conocer a Liliana Felipe y a Jesusa Rodríguez.  Las sensaciones que le provocaban los poemas de Federico García Lorca.  La apoteosis de sus grandes conciertos.  Sus múltiples viajes, donde siempre iba con canciones mexicanas.  Una mujer que nos dice de frente:  "amé más de lo que hubiera querido y sufrí más de lo que debía".
 
Otro acierto de Raúl Serrano es haber elegido a Laura Cortés para encarnar a Chavela, aun cuando física y vocalmente son tan distintas.  En tanto que Chavela era una mujer recia, Laura es bella y delicada.  Los registros de voz y la tesitura de ambas cantantes son diametralmente distintos.  Laura Cortés es una joven con larga trayectoria artística, que básicamente se ha dado a conocer en comedia musical.  Dado que en este género lo más relevante es la voz, es difícil descubrir la capacidad histriónica de los intérpretes, en razón de que la mayoría de las producciones son franquicias con estipulaciones precisa sobre la forma en que deben desarrollarse sobre el escenario.  En YO SOY CHAVELA, Laura Cortés despliega todas sus habilidades para construir su personaje con sensibilidad y talento.  Se despoja de su natural femineidad y se transforma en Chavela.

Acompañan a Laura Cortés:  Ana Pruneda con algunos bailables y dando vida a algunos personajes alternos.  Alberto Alvarado ejecutando la guitarra  y  Eduardo Arreola en percusiones y dirección musical.

Eduardo Arreola también funge como asistente de dirección  e  Iván Rosales como asistente de producción.

La producción es de Movimiento Artístico Multidisciplinario.  El productor es Cuauhtémoc Luna.

Seas o no seas fan de Chavela Vargas, el montaje te encantará.  Es loable que Raúl Serrano haya realizado una rememoración tan completa en honor de una persona que ha partido.   Un trabajo donde no quedan cabos sueltos, perfectamente planeado y creativamente logrado.  En YO SOY CHAVELA conocerás a la auténtica Chavela Vargas, a través de la fabulosa interpretación de Laura Cortés y, además, disfrutarás escuchando en vivo la privilegiada voz de Laura.  Reirás y sufrirás junto con Chavela.  Sólo aquí podrás descubrir su sentir.  Apresúrate porque la temporada está por concluir.

YO SOY CHAVELA
se presenta viernes y sábado a las 20:30 horas en el
TEATRO RODOLFO USIGLI
ubicado en Calle Héroes del 47 número 122, Coyoacán, Ciudad de México.
La temporada concluye el sábado 24 de septiembre de 2016

 

Los boletos se compran en taquilla o en www.yosoychavela.com
5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2016
Bien dicen que el hábito no hace al monje, al igual que un vestido no hace a una mujer.  Por debajo del vestido, hay un ser humano con sus propios defectos, virtudes, pensamientos, anhelos y logros, pues ha sido educada bajo distintas premisas, le han inculcado diversas normas, ha vivido en circunstancias ajenas a los demás, ha enfrentado retos y problemas particulares.
El guionista, director y productor de cine y televisión norteamericano Alan Ball, nacido en Atlanta, E.U.A. en 1957, quien ha tenido éxitos tan connotados como Belleza Americana, por la cual recibiera el Oscar en el año de 1999, aborda el tema al que aludimos en el párrafo anterior, al escribir 5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO, una comedia que narra conversaciones sostenidas por cinco mujeres durante un banquete nupcial.
Antaño, era costumbre que las damas de honor de una boda fueran vestidas exactamente igual.  Como las tradiciones han ido cambiando con el tiempo, hoy en día, la tendencia es que lleven vestidos en un mismo color, con la libertad de añadir ciertas variaciones, según sus propio estilo o preferencias.  Ésta es la línea que se sigue para el montaje actual de 5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO.  Así que, dejando de lado que sea un mismo vestido, portan atuendos similares. 
El texto de 5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO versa sobre la amistad, las relaciones familiares, perspectivas de vida, ideas sobre, el amor el sexo y la lealtad.   La recepción de una boda muy elegante se lleva a cabo en la residencia de Tracy, la novia.  En un momento dado, abrumada por el ruido de la fiesta, Francis, prima de Tracy se resguarda en la habitación de su otra prima, Meredith.  Pronto esa recámara se irá convirtiendo en el punto de reunión de las cinco damas de honor.  Además de Lorena y Meredith, las otras son Trisha, Georgina y Mandy.
A través de lo que conservan, poco a poco se irá develando la personalidad de cada una.  Todas se sienten en confianza y hablan de toda clase de asuntos, lo que propicia que salgan a la luz secretos que, tal vez, ninguno de los invitados a la boda sabe.  Se escucha que a una le divierte trabajar en una tienda popular de hamburguesas, no obstante su familia es adinerada.  Otra afirma que está determinada a llegar virgen al matrimonio, gracias a que es Cristiana y respeta mucho los principios que le han inculcado sus padres.  Alguien asombra a todas al compartirles que sabe de las infidelidades de su esposo y está empeñada en vengarse.  Divierte la que afirma ser muy sociable cuando en realidad es promiscua.  El coraje que siente la flamante cuñada de la novia porque no le permitieron llevar a su pareja, a fin de que los demás no se enteraran de que es lesbiana.  A final de cuentas, descubren que a pesar de ser distintas, como mujeres se entienden las unas con las otras y se respetan.
Javier Yerandi, egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México     -UNAM- y del Centro de Educación Artística de Televisa -CEA-, con casi tres décadas de trayectoria se hace cargo de la dirección escénica.  Su labor es acertada, aprovecha bien el espacio, diseña una coordinada coreografía y balancea adecuadamente la participación de cada una de las integrantes de su elenco.
La labor histriónica y corporal es homogénea, en virtud de que las cinco actrices se desempeñan al mismo nivel sobre el escenario.  Lorena San Martín es Francis, prima de la novia.  Sandra Kai es Meredith, hermana menor de la novia.  Esperanza Rendón es Trisha.  Erika Blenher es Georgina.  América Gabriel es Mandy.
El traductor y adaptador de la obra es José Olivares.  El diseño de escenografía e iluminación es de José Luis Lejarezu, quien se inclina por representar una amplia recámara tradicional y lujosa.  El realizador de la escenografía es Daniel Ramírez.  Los elegantes vestidos de fina caída son diseño de Elba Camacho, quien está a cargo del vestuario.   El diseño corresponde a Dorian Daimon.  El programa de mano fue diseñado por Leticia Pérez del Valle.  La fotografía es de Francisco Calvillo y el video de Francisco Casasola.
Javier Yerandi es productor y director, además de encargarse de la ambientación y la musicalización.  El productor asociado es pablo Jiménez.  La gerente de producción es Susana Campos.  Las relaciones públicas las lleva Lourdes Gómez.
El montaje es de corte comercial y cumple con el objetivo de brindar entretenimiento.  Apadrinaron el estreno de 5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO Rosa Gloria Chagoyán, mejor conocida como "Lola la trailera" y su esposo, el productor Raúl Rolando Fernández.
No fuiste invitado a la boda ni conocerás a Tracy, la novia, pero puedes ser testigo de todo lo que conversan cinco bellas mujeres, elegantemente ataviadas y con atractivas figuras.  Te enterarás de muchos secretos y, sin duda alguna, te divertirás.
5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO
se presenta los jueves a las 18:30 horas y 20:30 horas en el
TEATRO OFELIA
ubicado en Thiers número 287 -muy cerca de la Avenida Mariano Escobedo-,
colonia Anzures, Ciudad de México.
MUNDO KILLER
Por:   Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2016
Si nos va bien, todo lo vemos hermoso, pero si nos va mal, nos sumimos en la oscuridad.  Lo cierto es que en la vida hay de todo.  En los noticieros hay más noticias malas que buenas.  En ocasiones lo que escuchamos nos parece tan deplorable, que no nos queda más que sentirnos afortunados de no sufrirlo en carne propia.  Sin embargo, por más que tratemos de abstraernos, el mal existe y es una realidad en nuestro país y en muchos otros lugares.  Lo aconsejable es mantenernos bien informados para evitar en la medida de lo posible que los nuestros caigan en células de malvivientes o que sean víctimas de estos.
El destacado dramaturgo Alejandro Román, uno de los mexicanos más galardonados por su capacidad creativa, se ha especializado en captar universos aciagos.  Sus textos son de excelente factura.  Delinea a sus personajes en forma minuciosa, dejando ver cómo piensan y proporcionando referentes de su entorno, con lo cual el espectador percibe el por qué de su actuar.  Por lo general, son seres en situación límite, a causa de faltas de oportunidad por las circunstancias que los rodean, sin propósitos firmes para salir de donde están.  No han recibido educación, se sienten marginados y, por consiguiente, ven la vida de otro modo.  Simplemente están en la jungla de asfalto y su consigna es matar o morir. 
Alejandro, hombre culto y sensitivo, ha escrito sobre feminicidios, secuestros, desaparecidos, narcotráfico y mucho más.   En una de sus más recientes entregas, denominada MUNDO KILLER (Mundo Asesino), los personajes son cuatro René, Leonardo, Paula y León.   René es travestido, actúa como stripper -bailarín que se desnuda- y se prostituye.  Su proxeneta es Leonardo.  Entre ellos no existe amor, lo que prevalece es el sexo.  Mientras más hombres haya en la vida de René, mayor será la ganancia para Leonardo.  Si acaso hay algo que pudiera molestarle es que en ocasiones René apesta.
Paula y León son pareja.  Para obtener ingresos, León le entra a todo, igual roba que mata, secuestra o vende drogas.  Si algo les llega a sobrar, ellos lo consumen y esa es su "felicidad".   Carecen de aspiraciones.  No ven el trabajo como algo para construir un futuro.  Quisieran más bien recibir alguna herencia.  El lenguaje es altisonante --no podría ser de otra manera, pues se perdería autenticidad--.  Los cuatro hablan de sus excesos, incluso de orgías.  Es su forma de vida.  En cuanto a sus fechorías, lo ven como algo natural, no dan importancia alguna a la vida ni a la muerte.  Comentan que en ocasiones han matado por accidente, tan sólo porque en un momento dado se les pasa la mano.
A cargo de la dirección escénica de MUNDO KILLER se encuentra Guillermo Navarro, proveniente de Veracruz, cuya trayectoria ha sido no sólo en México sino en Francia, donde participó en la celebración del trigésimo aniversario del teatro de Versant, convocado a realizar tres coproducciones.  Navarro también es reconocido en el campo de la docencia.  Su labor de dirección para MUNDO KILLER es impecable, aprovecha a fondo el espacio y diseña coreografías acordes con el relato.  Aun cuando la superficie es de poca dimensión, se aventura a introducir un cambio, invirtiendo la escenografía.
El dispositivo escénico y audiovisual es creación de Pablo Romero.  Si bien, la escenografía refleja el entorno en que viven los parias, con el cambio que introduce el director, por tan corta distancia puede verse claramente que la supuesta cama no es sino un taburete triangular con ruedas.  No hay que olvidar que parte fundamental de la convención teatral es lograr que el espectador se adentre en la ficción.  Algo tan evidente puede resultar riesgoso para mantener la ficción y, peor aún, cualquier accidente, como una caída de la pequeña cama, provocaría carcajadas en lugar de asombro.  En cuanto al multimedia, éste está muy bien diseñado y aporta estética visual al montaje.  
Con el vestuario se repite el riesgo de alejarse de la ficción.  En general, es apropiado, pero se nota cierto descuido.  Citamos como ejemplo, los parches en un pantalón que porta León, mismos que no sólo se ven burdos, sino que no se usan, pues los jóvenes prefieren traer los pantalones desgarrados que parchados-.
El elenco está conformado por Domingo Mijangos (René),  Mauricio Vázquez (Leonardo),  José Ángeles Cástulo (León),  Pilar Castillo (Paula)  y  Diego Cervantes (participación especial).  El trabajo corporal de todos es acertado.  En el área del histrionismo, destaca Domingo Mijangos, quien interpreta a su personaje en forma convincente.  Mauricio Vázquez  y  José Ángeles Cástulo cumplen con su labor, pero les falta expresividad.  A Pilar Castillo quizás la traicionan los nervios, pero su desempeño resulta plano.  Ninguno de ellos tres utiliza adecuadamente una de las más importantes herramientas del actor, que es la voz.  No la modulan en absoluto.  Diego Cervantes está bien en su participación.
La producción ejecutiva fue encomendada a Yazmín Jáuregui.  La producción es de Teatro La eMe.
Los textos de Alejandro Román son de gran valor humano y antropológico.  Hay cosas que no quisiéramos que existieran, pero es mejor ir a verlas al teatro que en la vida real.  Atrévete a experimentar una confrontación con el mal y acude a ver MUNDO KILLER.  El relato despertará tu interés de principio a fin.
MUNDO KILLER
se presenta los domingos a las 19:00 horas en el
ESPACIO URGENTE 2 del FORO SHAKESPEARE
ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa --cerca de la
Estación Chapultepec del Metro--, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 26 de septiembre de 2016.
LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2016
Todos hemos sufrido pérdidas.  Desde luego, las humanas son las más dolorosas.  Cuando un ser amado se va caemos en el desconsuelo.  Si perdemos un amor o una amistad, no sólo nos duele sino que lo extrañamos.  Perder la salud es de lo peor que puede ocurrir y perder la memoria es mucho muy triste.  Por otro lado, también están las pérdidas materiales.  Existen casos en que por un mal negocio o inversión se han perdido fortunas enteras, lo cual devastaría a cualquiera.  En la vida cotidiana, perdemos objetos que son nuestros preferidos sea por sentimentalismo, por quien nos lo obsequió o simplemente porque no nos gusta perder lo nuestro.  Es posible que perdamos más tiempo del debido al tratar de encontrar algo perdido.  De cualquier forma, nos entra la nostalgia.
Ángel Luna, a quien hemos conocido, primero como actor, en obras tan exitosas como Monster TruckAbrasados  y  Desvenar, entre otras, y después, como director de escena en Satisfaction (aún en cartelera).  Aquellos que vieron Desvenar, saben que Ángel es cantante, pero pocos saben que también es músico.  Ahora, Ángel echa mano de sus conocimientos y experiencia para incursionar en la dramaturgia con LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS, un texto estructurado que describe un lugar utópico donde se puede encontrar todo lo perdido, sea tangible o intangible, mientras habla de las relaciones humanas, el amor, el desamor, la familia, los apegos.  En su relato, Ángel alude a lo que es irrecuperable, lo que nunca se ha tenido y lo que está verdaderamente perdido, incluye referencias al álter ego y a mundos alternativos y hasta se aventura a exponer su propia teoría del bing bang.  El final no es complaciente, pero sí esperanzador.
Los personajes son cuatro:  Mario, una mujer sin nombre, Globo y Glänzend.  Los tres primeros están en búsqueda de algo y, por ello, deciden emprender el viaje.  Mario perdió al amor de su vida.  Un día recibe una carta de la mujer amada, citándolo en el Caribe. Desafortunadamente, durante el trayecto pierde la memoria y no recuerda qué es lo que lo impulsó a ir allá.  El deseo de la mujer sin nombre es encontrarse a sí misma, saber quién es.  En tanto que Globo es un niño que durante mucho tiempo ha estado esperando a su padre, hasta que decide buscarlo.  Gläzend es quien los llevará al lugar de las cosas perdidas.  Al contrario de Caronte, el barquero que transportaba las almas de los muertos hasta el reino del inframundo, Glänzend ofrece un viaje hacia la esperanza.
De vez en cuando, los personajes se desdoblan y expresan sus pensamientos a una sola voz.  Asimismo, hay interacción con el público, lo que propicia que el espectador se integre mejor y, tal vez, al evocar memorias personales en algún momento sienta que se está escenificando algo que le inquieta.
No sabemos si Ángel creó primero la historia y luego la acción o viceversa, el caso es que nos presenta una historia donde la palabra va de la mano con el movimiento, en forma tan coordinada que lejos de opacarse el uno al otro, ambos lucen por igual.  El creativo diseño del dispositivo escénico consiste en la exploración de un sinfín de posibilidades tanto en los elementos escenográficos como en la corporalidad humana. Parte fundamental ocupa la composición musical y las consistentes letras de las melodías, todo lo cual es concebido exclusivamente para el proyecto.  Los actores cantan individual o al unísono, acompañándose tan solo por un ukelele que ellos mismos ejecutan, logrando una excelente acústica.  El resultado es estético y la dinámica impresionante. La labor de dirección por parte de Ángel es impecable. 
¿Qué mejor lugar para hallar una utopía que el mar?  El relato está enmarcado junto al mar, ante una inmensidad insondable y con los sonidos propios del lugar -unas cajas con arena cuya resonancia es tan tranquilizadora como la de los palos de lluvia.  El viaje da inicio en un muelle que después se irá transformando en múltiples figuras tal como se logra en el juego Lego con el que construimos tantas cosas en la niñez. 
La elección del elenco y del equipo creativo es inmejorable.  Los jóvenes actores Andrés Torres Orozco (Glänzend),  Xóchitl Galindres (Globo), Florencia Ríos (la mujer sin nombre)  y  Aldo Barhego (Mario) encarnan a los personajes proveyéndolos de expresiones y tonos de voz adecuados.  Su labor histriónica y corporal es estupenda.  Han abrazado con calidez el proyecto y muestran su compromiso desbordando entusiasmo sobre el escenario. 
Contribuyen a la magia para que el espectador pueda ver el entorno onírico Roberto Paredes mediante su iluminación y Emilio Narváez en la realización del dispositivo escénico.  Laura Álvarez Zanollo capta la esencia de la obra al diseñar y realizar un vestuario con colores llamativos, básicamente rojo, azul y amarillo, con los cuales juega dándoles variación, de modo que cada prenda luzca distinta.  La fotografía es de Carlos Alvar, en tanto que el diseño gráfico es de Roxana Deneb y Diego Álvarez.
De la producción, difusión y relaciones públicas se hace cargo Sandra Narváez.  Adriana Jiménez brinda asistencia en la difusión.
Se dice que a través de una obra conocemos un relato y también parte de la esencia del autor.  De ser así, vemos en Ángel a un joven sensible y soñador, pero con los pies bien firmes sobre la tierra, mente brillante llena de pensamientos y reflexiones, imaginación ilimitada, determinado a vivir en un mundo mejor y luchando por ello desde su trinchera, no con armas, sino con sus artificios teatrales.  LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS ha recibido su primer reconocimiento al resultar ganadora en el Circuito de Jóvenes Directores y Dramaturgos.
¡No se diga más!  Quedas cordialmente invitado a dejar de lado tus problemas cotidianos y refrescarte zambulléndote en las aguas de un mar de ilusión.  Tus compañeros de viaje serán jóvenes bellos que te contagiarán su energía y buena vibra.  A su lado comprenderás que la vida es un privilegio que a cada momento ofrece algo nuevo y que debemos disfrutarla al máximo, sin permitir que nos distraiga la añoranza por lo perdido, pues esto sólo desgasta.  Guardemos en el corazón el amor de quienes han partido y en nuestra memoria todos los sucesos que nos han marcado.  Lo material siempre puede reponerse o sustituirse.   ¿A poco no se te antoja? 
LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS
se presenta  sábados  y  domingos  a las 13:00 horas  en el
FORO A POCO NO
ubicado en República de Cuba número 49, Centro Histórico
-cerca de la Estación Allende del Metro-, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 2 de octubre de 2016.
LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2016

Todos los seres humanos tenemos miedos.   Lo mejor es tratar de superarlos, pero hay algunos que agobian demasiado.  Las mujeres, en particular, sienten miedo del parto, pero el temor no es nada comparado con el que sentirán de que a sus hijos no les ocurra algo malo.  En ocasiones, esta preocupación llega a adquirir niveles enfermizos.  En su afán de proteger a sus pequeños, pueden caer en excesos.

Esto es lo que ocurre a Irene, uno de los personajes de LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS, obra escrita por Camila Villegas Amtmann, quien obtuvo su Licenciatura en Economía en la Universidad Iberoamericana -UIA-, para luego estudiar Creación Literaria en la Sociedad General de Escritores de México -SOGEM- y obtener su maestría en Letras Modernas en la UIA.  Ha tomado muchos talleres, entre los que destaca el del Royal Court Theatre.  Recibió una residencia artística en Banff Centre of the Arts en Canadá, donde escribió la obra que ahora nos ocupa.

La intención de Camila es abordar situaciones contemporáneas.  Siempre ha abordado temas sociales y es clara su preocupación por niños, gente en desamparo e injusticias.  En 2011 estrenó "Nos lleva el tren", la cual resultó ganadora en un certamen organizado por CONACULTA y SOGEM en el marco de la conmemoración del Bicentenario.  Después, ha cosechado éxitos con "Instrucciones para Jugar de Memoria", "Jacinto y Nicolasa", "Finea en el Papaloapan", y "Lluvia de Alegrías", entre otras.  Se ha desempeñado como dramaturga, productora e investigadora teatral.  Es cofundadora de Tepalcate Producciones y miembro de El Arce Colectivo Escénico.

Su texto de LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS es de excelente factura, narra una historia en forma lúdica entrelazando lo real con lo onírico y capta el interés absoluto.  Eleazar e Irene gozan de un matrimonio bien avenido, tienen una hija, Amelia, que es hermosa, inteligente y soñadora.  El hermano de Irene es titiritero y cuenta a Amelia relatos apoyándose en sus títeres.  Esto le fascina a la niña, tanto como el atole de avena que acostumbran darle de cenar.  Con lo que escucha, la pequeña echa a volar su imaginación y a veces hasta se figura ser un ave. 

Su padre es norteño y su madre costeña.  En tanto que Irene nació entre flamingos, Eleazar entre garzas. Viven en Guachochi, una población de Chihuahua, donde abundan las garzas que viven en masas de agua estancada y poco profunda en la que crece vegetación acuática, a veces tan densa que se torna pantanosa.

Es momento de que Amelia inicie su escuela, pero a Amelia le preocupa la inseguridad.  Le da terror que su hijita tenga un accidente o que alguien la moleste.  Este miedo se ha acrecentado por una pérdida que acaba de sufrir.  Su ideal sería mantenerla bajo sus faldas y no permitir que le ocurra nada.  Esto no es normal y podría poner en peligro su maravilloso hogar.

Para LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS, Camila vuelve a convocar a Alberto Lomnitz, con quien trabajara anteriormente en "Jacinto y Nicolasa".  Alberto realiza una labor de dirección impecable y creativa, con muy buen ritmo, aprovechando adecuadamente el espacio y diseñando movimiento constante.  Así mismo, Alberto diseña tanto la escenografía como la iluminación, acertando en ambos rubros. El montaje es de belleza plástica, vegetación, rocas y garzas (títeres de varilla o de guante).  La combinación de música, títeres y metáforas escénicas es digna de admiración.

Harif Ovalle da vida a Eleazar, un norteño franco, para quien la familia es de suma importancia.  Teté Espinosa es Irene, una costeña encantadora, que ama a su hija por sobre todas las cosas y, por lo mismo, la sobreprotege.   Ambos brindan un trabajo histriónico, de expresión y corporal espléndido.  Valentina Rivera aporta su candidez para interpretar a la preciosa Amelia, niña vivaz y juguetona.   Los tres son más que convincentes.  Adicionalmente, Harif toca la guitarra y Teté ofrece su entonada y melodiosa voz, ya sea acompañada por acordes de guitarra o a capela.   Majo Ovalle alterna funciones con Valentina.

El entorno musical es de Leonardo Soqui, quien compuso canciones y música original especialmente para la obra.  Paloma Arredondo es la encargada del entrenamiento actoral de las niñas.  El apropiado y variado vestuario es creación de Estela Fagoaga.  Héctor Pérez Juárez se hace cargo de la escultura y el atrezzo.  Gerardo Ballester realizó los títeres de garzas voladoras.  Alejandra Lomnitz y Alberto Lomnitz diseñaron los títeres adicionales y las máscaras.  El diseño gráfico es de Benjamín Becerra.  Pamela Rendón en difusión y medios.  Javiera Núñez en asistencia de dirección.  Everardo Trejo en producción ejecutiva.

La producción es de Tepalcate Producciones, A.C. - Producción teatral realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (EFITEATRO).

Un relato sencillo que confronta la felicidad con el miedo.  Te encantará conocer a esta familia que aun cuando vive fuera de una ciudad ajetreada como la nuestra, también enfrenta problemas y temores.  Bello texto, gente sencilla y honesta, una niña tierna y simpática que nos roba el corazón, creativo montaje, formidable dirección y estupendas actuaciones.  ¿Qué esperas?  Acude a ver LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS, teatro de calidad. 

LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS
se presenta los lunes a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO, ubicado en Avenida Revolución número 1500,  colonia Guadalupe Inn
-cerca de la Estación Barrana del Muerto del Metro-, Ciudad de México.  Para adolescentes y adultos.

 

La temporada concluye el lunes 24 de octubre de 2016.
PEQUEÑOS ZORROS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2016

Uno de los directores de escena más renombrados en nuestro país es Luis de Tavira, nacido en la Ciudad de México en 1948.  Se ha desempeñado como dramaturgo, director de teatro, ensayista y pedagogo. En su juventud fue seminarista.  Un día alguien le pidió que dirigiera una obra de teatro y, a partir de entonces, él supo que eso era lo que realmente disfrutaba.  Sus primeros montajes fueron de teatro religioso y litúrgico, posteriormente, exploró las obras de Bertolt Brecht, el teatro social y el político.  Fue cofundador del Centro Universitario de Teatro -CUT- de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, el cual dirigió durante cuatro años.  Fundó el Taller de Teatro Épico de la UNAM y el Centro de Experimentación Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-. También es cofundador de la Casa del Teatro, la cual dirige. Por muchos años impartió clases ahí y en sus extensiones, primero, San Cayetano y luego el Centro Dramático de Michoacán -CEDRAM-.

Ha impartido conferencias, cursos y talleres de teatro, estética e historia de teatro en diversos países de Europa, de Centro y Sur América, en Estados Unidos y en Cuba.  En 2006 la Secretaría de Educación Pública le otorgó el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes.  Es miembro del Consejo Mundial de las Artes de la Comunidad Europea y ha sido becario del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.  En su trayectoria ha montado más de sesenta obras y ha escrito trece.  Actualmente dirige la Compañía Nacional de Teatro.

En la página de la Compañía Nacional de Teatro, se puede leer lo siguiente:  "es una asociación de artistas, trabajadores, promotores y espectadores de las artes escénicas que tiene como finalidad fundamental la creación y difusión de un repertorio teatral estable, dinámico y plural.  Esta compañía, reestructurada en el 2008 por el creador del proyecto y director artístico Luis de Tavira, se configura como un marco  adecuado y eficaz para el desarrollo de un sistema teatral.  La construcción de un repertorio propio como finalidad artística, misión social y modo de organización de la Compañía Nacional de Teatro, se fundamenta en el discurso teatral, la formación del espectador y la alternancia como criterio de oferta y distribución.  Se trabaja para la conformación nutrida de ciclos integrados por espectáculos que buscan la articulación abierta y equilibrada de la creación teatral como representación de la realidad, visión plural del mundo y experimentación dramática del acontecer humano universal y nacional, histórico y actual, íntimo y colectivo.  Los rubros o dimensiones que integran cada ciclo están compuestas por: Patrimonio Universal del Teatro, Nuevas Teatralidades, Teatro Mexicano y Laboratorio Actoral".

El montaje que ahora nos ocupa cae dentro del rubro de Patrimonio Universal del Teatro.  Lillian Florence Hellman (1905-1984) fue una dramaturga y guionista, nacida en Nueva Orleans, Louisiana, E.U.A. que creció en Nueva York, N.Y., E.U.A., en el seno de una familia judía convertida al cristianismo.  Muchos de sus parientes eran excéntricos y avaros.  Se dice que Lillian Hellman se inspiró en ellos para forjar sus personajes. En 1934 tuvo su primer éxito con "La Hora de los Niños" (The Children's Hour) en 1934, la cual fue re-intitulada en español como "La Calumnia".  Tras su representación en teatro, la obra fue adaptada y llevada al cine en dos ocasiones, bajo los títulos de "Esos tres" y "La Calumnia" -esta última protagonizada por Audrey Hepburn y Shirley MacLaine-.  Otro de sus grandes éxitos fue Los Pequeños Zorros, la cual también se adaptó y fue llevada a la pantalla bajo el título de "La Loba", con Bette Davis en el papel estelar.

Lillian Hellman tenía un fuerte compromiso político con las causas izquierdistas.  Se desempeñó también como crítica teatral y como profesora en las prestigiadas Universidades Harvard y Yale.  Entre los galardones que obtuvo, se encuentran el Premio del Círculo de Críticos en Drama de Nueva York (New York Drama Critics Circle Award) y la medalla de oro de la Academia de Artes y Letras por Logros Distinguidos en Teatro (Academy of Arts and Letters for Distinguished Achievement in the Theater).

Luis de Tavira  y  José María de Tavira reescribieron una versión de PEQUEÑOS ZORROS de Lillian Hellman.  La obra versa sobre una familia aristocrática del sur de Estados Unidos, en tiempos de la postguerra.  Luego de los estragos de la Segunda Guerra Mundial muchas fortunas desaparecieron o quedaron menguadas.  Los aristócratas hacían hasta lo imposible por preservar las apariencias y trataban de vivir en la misma forma, pero, para esto, les hacían falta recursos económicos.  En esta categoría se encuentran los hermanos Ben, Óscar y Regina Hubbard, quienes harán todo por obtener dinero.  Para ellos sólo importa el fin, los medios no les tienen sin cuidado. 

Un texto de precisa estructura, interesante de principio a fin.   Una historia donde salen a la luz los más oscuros resquicios de la ruindad humana que conlleva avaricia, codicia, despreocupación por los demás, sed de poder, además de problemas de alcoholismo, violencia intrafamiliar, engaños, un amor idílico, racismo, disimulos, docilidad y dominio.  Gente que se aprovecha de quien sea en su propio beneficio.

El montaje enmarca consistentemente la época y la historia.   Alejandro Luna, arquitecto, escenógrafo, catedrático y académico mexicano con múltiples reconocimientos en su haber, en forma creativa diseña la escenografía e iluminación de PEQUEÑOS ZORROS, representando la casa de una familia adinerada con una impresionante escalinata y elegante decorado, incluyendo un espejo a través del cual se ven algunas escenas.  La labor de Alejandro Luna en los dos rubros es magistral. 

El vestuario bien diseñado para ubicar la época y perfectamente confeccionado con finas telas de excelente caída.  Las prendas son vistosas y coloridas, algunas muy hermosas.

Como siempre, Luis de Tavira busca la excelencia teatral y la logra, tanto en la dirección escénica como con el equipo que le apoya en esta representación. Capta en tal forma la atención del espectador, que éste no siente las 3 horas de duración, con 2 intermedios.

La labor histriónica, corporal y expresiva del elenco es formidable.  El público queda convencido de que está hurgando en la vida cotidiana y los ocultos pensamientos de los personajes.  Arturo Ríos es Ben Hubbard, Juan Carlos Vies es Oscar Hubbard,  Yulleni Pérez Vertti es Birdie Hubbard -esposa de Óscar,  Pedro de Tavira Egurrola es Leo Hubbard -hijo de Óscar y Birdie-,  Stefanie Weiss es Regina Giddens,  Raúl Adalid es Horacio Giddens -esposo de Regina-,  Ana Clara Castañón es Alexandra Giddens -hija de Horacio y Regina-,  Rodolfo Guerrero es el Sr. Marshall, en tanto que Marisol Castillo es Addie  y  José Antonio Becerril Cal -empleados domésticos-.

Aun cuando se trata de una historia de época, los defectos y virtudes del ser humano no evolucionan con el tiempo, así que tal vez encuentres personas similares a los Giddens en nuestros tiempos.  Una historia que te mantiene pendiente de lo que está por ocurrir.  Un montaje de gran belleza plástica,  actuaciones entrañables,  dirección precisa.  No pierdas la oportunidad de acudir a ver esta obra.  Te enterarás de quiénes son los zorros y de sus oscuras intenciones.  Recuerda que los jueves el costo del boleto es de sólo $30.00.

 

 

PEQUEÑOS ZORROS
se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas,  sábados a las 19:00 horas,  y  domingos a las 18:00 horas  en el
TEATRO SANTA CATARINA
ubicado en Jardín Santa Catarina número 10, Santa Catarina, Coyoacán,  Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 9 de octubre de 2016.
FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2016

 

Con el apoyo de la Secretaría de Cultura a través del Sistema de Teatros, el Instituto para la preservación y fomento del Bolero en México AC. UNESCO - UNAM - ICOMOS - INAH - CULTURA DGCP. PCI Patrimonio Cultural Inmaterial se llevó a cabo el Primer Festival y Congreso Mundial del Bolero con sede en México.

Todos y cada uno de nosotros llevamos en el corazón, por lo menos, un bolero.  Si bien el bolero tuvo su auge en los años 50, es un género musical que se mantiene en el gusto del público.  Muchos cantantes se hicieron famosos al interpretar un bolero, en tanto que muchos otros han recurrido al bolero para impulsar sus carreras, como por ejemplo, Luis Miguel, quien siendo aún muy joven y ya famoso, grabó varios discos con boleros de antaño.

El bolero ha tenido grandes exponentes y, pensando en esto, el FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO rindió a tres de ellos: ARMANDO MANZANEROLUCHO GATICA MARCO ANTONIO MUÑIZ.  El programa fue planeado e tal forma que cada día correspondía a un homenajeado y los artistas invitados eran distintos.

El primer día se homenajeó a ARMANDO MANZANERO.  Por motivos de trabajo, ese día no pudimos asistir, por lo que la presente Nota se refiere a los siguientes días.

El segundo día se homenajeó a LUCHO GATICA.  Luis Enrique Gatica Silva, mejor conocido como Lucho Gatica, nació en Rancagua, Región de O'Higgins, Chile en 1928, es una de las figuras más emblemáticas del bolero.  A la temprana edad de 13 años comenzó a cantar en la radio de su pueblo natal, a dúo con su hermano.  En 1943 grabó su primer disco de acetato, acompañado por las guitarras de dos de sus amigos.  Se trasladó a Santiago de Chile 2 años después y se matriculó en un instituto de Hermanos Maristas. Más adelante, quería obtener un título técnico, para ejercer como mecánico dental, pero su hermano lo llevó a la Radio y, a partir de ese momento, se dedicó íntegramente al canto, no obstante lo cual obtuvo su título unos cuantos años después.  En la década de los 50, en Chile se impuso el bolero sobre el tango como género musical favorito. En Santiago Lucho conoció a la cantante cubana Olga Guillot. Los éxitos comenzaron a llegar.  Para 1956 Lucho inició una gira internacional.  Cantó en Venezuela y luego en México, donde lanzó las canciones "No me platiques", "Tú me acostumbraste" y "Voy a apagar la luz".  Lucho decidió residir en México y en 1960 contrajo matrimonio con la mexicana María del Pilar Mercado, cuyo nombre artístico es Mapita Cortés. Procrearon cinco hijos.  Tras 18 años, se divorciaron y Lucho se ha casado dos veces más.  De esos matrimonios, Lucho tuvo una hija en cada uno, así que, en total, tiene siete hijos.

El FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO dio inicio con la entrega de un enorme diploma a nombre de LUCHO GATICA, el cual fue recibido por sus familiares, toda vez que él se encuentra un poco delicado de salud.  El diploma fue entregado por  Graciela Margaona,  Cecilia Mota  y  Rodrigo de la Cadena, quienes integran el Consejo Directivo del Instituto para la preservación y fomento del Bolero en México.

Las canciones no se hicieron esperar y comenzó el desfile de vocalistas .  Abrió la parte musical del Festival Andrea del Carmen, cantando "Angelitos Negros".  El dueto de Los Bribones que marcó toda una época formado por Nacho Irigoyen y Fernando Ocampo fue representado por la segunda generación -Genaro Fernández y Raúl Irigoyen-, quienes interpretaron "Mil Besos" y la melodía que los identifica "Sentencia". Daniel Herrera, muy conocido en México a través de la televisión, entrelazó dos temas con base en "Contigo" de Chico Novarro.

Siguió un segmento con leyendas vivas del bolero, a las cuales también se les entregó un diploma.  Con 74 años de trayectoria, apareció Marilú -la muñequita que canta- con un popurrí que incluía "Siempre viva".  Luego vino Jorge Fernández, quien algunas veces cantó a dúo con Agustín Lara, para interpretar "Rosa" y "Señora Tentación".  Cerrando el segmento, llegó Irma Carlón, intérprete favorita de Vicente Garrido, para cantar "Todo y Nada" y un dueto con el anfitrión del Festival Rodrigo de la Cadena, quienes sorprendieron al público cantando distintas canciones a la vez, una de las cuales era "Tú me acostumbraste". 

El programa continuó con un sexteto, el ensamble de músicos Vocalis, cuyos integrantes son hijos de Roberto Pérez Vázquez (violines de Villa Fontana) y Mario Ruiz Armengol, que deleitaron al público con sus armoniosas voces interpretando "No me platiques más" -tema icónico de LUCHO GATICA- , "Encadenados". y "La Puerta".  Otra segunda generación, esta vez del conjunto Los Dandys, originalmente formado por Armando Navarro, Güicho Cisneros, Luis Segura y Joaquín Ruiz, cantaron "Tres Regalos" y su tema emblemático "Gema".

Acto seguido, el segmento internacional, con invitados de otros países.  Representando a Ecuador Egberto García con "Somos".  De Costa Rica, Rony con "Lluvia en la tarde".  Desde Paraguay, Porfirio Zapattini con "Recuerdos de Ypacarai".   De Colombia, Mario Bustillo con "De lo que te has perdido", quien además de agradecer la invitación, se dijo feliz de por fin vivir en un país libre, gracias al recién firmado acuerdo entre el gobierno colombiano y las FARC.  Paisano del homenajeado, Patricio Aguilera con "Vanidad".  De Panamá, Fabio Martínez con "Inolvidable" y "Tiemblas".

De nuevo, figuras de México.  Chacho Gaytán con sus dos cantantes la mezzosoprano Itia Domínguez y el tenor Oscar Roa, con voces privilegiadas, interpretaron "Bésame" y "Júrame", respectivamente, mientras que Chacho no sólo tocaba el piano, sino que dirigía a músicos e intérpretes.   El popular Humberto Cravioto cantó "Solamente una vez". 

El cantante que tantos éxitos cosechó en el Festival OTI, Yoshio, interpretó "Total" y "Virgen de Medianoche", dando cuenta clara de que conserva en forma impecable su prodigiosa y cálida voz.  Al terminar su intervención, departió con el público, bromeando y conversando.

Para cerrar, apareció una cantante retirada desde hace tiempo de los escenarios, Olga María, con mucho sentimiento y portentosa voz cantó "Tú me acostumbraste".  Compartió con el público una anécdota relacionada con el homenajeado.  Dijo que en el año de 1958 cuando Lucho tenía algunas presentaciones con la madre de ella, la famosa Olga Guillot, Lucho mandó traer de Los Ángeles, California, E.U.A., al compositor y pianista René Touzet.  Después del ensayo, se fueron juntos a un coctel.   Olga Guillot acababa de divorciarse del actor Alberto Insúa y mucho se habló en los medios de la separación.  René Touzet se acercó a Olga Guillot y le dijo:  "Olga, ahora que se ha quedado sola ¿piensa volver a enamorarse o no?", a lo que Olga respondió "Maestro, yo estoy enamorada de usted".  René Touzet no supo qué decir y optó por retirarse.  Era hombre de pocas palabras.  Al día siguiente, cuando iban a comenzar otro ensayo, en el momento en que René vio a Olga, la llamó y le preguntó:  "¿reitera o rectifica lo que dijo anoche?".  Olga, en tono firme respondió:  "¡Lo reitero!".  René confesó haber pasado toda la noche despierto, pensando en lo que escuchó el día anterior y componiendo la melodía "La noche de anoche", misma que procedió a interpretar Olga María, con amor infinito hacia sus padres y su excepcional historia de amor.

El segundo día el homenaje fue para el lujo de México MARCO ANTONIO MUÑIZ, nacido en Guadalajara, Jalisco en 1933, se le conoce también como "El embajador del romanticismo", la tesitura de su voz es de barítono y alcanza notas graves de gran poder.  Comenzó su trayectoria profesional formando parte del inolvidable grupo "Los Tres Ases", con quienes grabó 8 discos de larga duración. En 1959 optó por ser solista y los 2 temas con los que comenzó "Luz y Sombra" y "Escándalo" tuvieron un éxito inusitado.  Es un artista consolidado y reconocido en muchas partes del mundo.  Para nosotros es uno de los intérpretes más emblemáticos del país.

Por cuestiones de salud, MARCO ANTONIO MUÑIZ no pudo asistir a su homenaje.  Su hijo Coque Muñiz, querido por todos, fue el encargado de recibir el diploma conmemorativo.  Se suponía que Coque sólo iba a recibir la presea y se retiraría, pero el público casi exigió con gritos y aplausos que cantara.  Coque generosamente accedió y deleitó a los asistentes entonando "Escándalo" y "El Despertar", recibiendo cálidos aplausos.

Por el escenario desfilaron artistas nacionales y extranjeros, cantando temas que alguna vez fueron éxitos en la voz de MARCO ANTONIO MUÑIZ, así como uno que otro estreno. 

En el plano internacional estuvieron presentes:  Camilo Blanes de España, a quien el público ovacionó al igual que lo hacía a su padre Camilo Sesto.  Radha Kunja, una hermosa joven de Panamá, elegantemente ataviada con un vestido rojo y largos guantes.  Camilo Mederos de Cuba.  El grupo de virtuosos cantantes Trenors de Venezuela.  Robertha de Perú, en su regreso a nuestro país, a quien el público brindó calurosos aplausos recordando sus éxitos de antaño.

Entre nuestros compatriotas, se presentaron:  Salvador Rivera,  la Dinastía Correa,  Ricardo Caballero,  Alvaro Carrillo Jr.  Todos ellos entonando canciones que fueron coreadas por el público.

Lyn May interpretó "Tengo ganas de un beso", para luego bailar una exótica danza, haciendo gala de su flexibilidad y sorprendiendo a todos.

Gil Rivera aprovechó la ocasión para estrenar dos temas de su autoría intitulados "Debí matarte ayer" y "Te hicieron para amarme", cuya letra compartió con los asistentes al incluirla en un pequeño programa de mano que entregaban a la entrada.

Astrid Haddad, con su peculiar personalidad, siempre dando particular atención a la cultura mexicana a través de sus vestuarios, llegó ataviada con un elegante vestido cuya capa semejaba un pavo real y portando un abanico hecho con plumas de dicha ave, consistente con su interpretación de "Hastío", cuya letra dice:  "Como un abanicar de pavos reales en el jardín azul de tu extravío, con trémulas angustias musicales se asoma en tus pupilas el hastío". Luego se despojó de la capa, para interpretar "Tiempo" de Renato Leduc.

Otro de los integrantes de la dinastía Muñiz, Rodolfo Muñiz con un timbre de voz portentoso, interpretó varios temas en forma muy emotiva.

José Cantoral, hijo de Roberto Cantoral, compartió un tema que compuso para su padre, dejando conmovido al auditorio.

Uno de los más grandes boleristas del país, el gran cantante Carlos Cuevas, también estuvo presente, interpretando temas muy populares de MARCO ANTONIO MUÑIZ.

Mención especial merece la fabulosa ORQUESTA MEXICANA DEL BOLERO bajo la dirección de Enrique Ríos, virtuosos músicos con estudios, dedicación y compromiso, que acompañaron a todos los participantes durante los tres días que duró el FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO.

El último día del FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO se ensombreció un poco por la lamentable noticia del fallecimiento de JUAN GABRIEL.  Sin embargo, Rodrigo de la Cadena, principal organizador y anfitrión del evento, dijo que había muerto el hombre, pero que debíamos dar la bienvenida a la leyenda y atinadamente al principio del Festival pidió al público un minuto de aplausos para el Divo de Juárez y, para el final, improvisó una emotiva conmemoración en su honor donde todos los participantes unieron sus voces para interpretar el tema "Se me olvido otra vez" de la autoría de JUAN GABRIEL y con este entrañable cierre se clausuró el FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO.

Fueron noches deliciosas, con entrañables Boleros, letras que son verdadera poesía y melodías que todos hemos escuchado y que algún recuerdo traen a nuestra memoria.  Una experiencia maravillosa, como estar en una larguísima serenata.  Un evento perfectamente organizado que tuvo teatro lleno los tres días.  Felicitaciones al Instituto para la preservación y fomento del Bolero en México, así como a Rodrigo de la Cadena,  por su organización, dedicación y logros en el primer FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO.  Esperamos que sea sólo el comienzo y que cada año continúe celebrándose hasta convertirse en una tradición.  El FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO se presentó en el TEATRO DE LA CIUDAD ESPERANZA IRIS de la Ciudad de México, los días viernes 26, sábado 27 y domingo 28 de agosto de 2016. 

DELIRIO ... 3:45 am
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2016
Los dos órganos más importantes de nuestro cuerpo son el corazón y el cerebro.  Si el corazón deja de latir, no hay vuelta atrás, todo termina.  En tanto que el cerebro es la más compleja de todas las estructuras vivas.  Procesa información sensorial, coordina y mantiene todas las funciones vitales del organismo.  Está conformado por aproximadamente un billón de células nerviosas (neuronas) que trabajan en conjunto a través de impulsos eléctricos.  Si cualquiera de dichas células falla, sobreviene un deterioro que pudiera ser imperceptible.  Todos hemos sufrido por lo menos en alguna ocasión pequeñas deficiencias del funcionamiento mental, tal vez olvidando dónde guardamos algo, no sabiendo en qué lugar dejamos las llaves, no recordando un nombre o un rostro, o cualquier otra cosa similar.  Sin embargo, si se presentaran varias deficiencias a la vez o en forma subsecuente, lo aconsejable es acudir al médico.  Una vez que se lleven a cabo estudios, podrá determinarse si se trata de algo transitorio o permanente y cuál es el padecimiento.  Existen muchos tipos de desórdenes mentales, algunos de los cuales si no son diagnosticados a tiempo y/o medicados apropiadamente pudieran derivar en pérdida de la razón.
En la actualidad, se ha incrementado notablemente el índice de un desorden mental en particular:  la depresión.  Antiguamente, sólo la padecían adultos, hoy en día, hay casos en que aparece a temprana edad.  Los síntomas de este trastorno son profunda tristeza, decaimiento anímico, baja autoestima, apatía, falta de energía, dificultad para conciliar el sueño o frustración.  La vida cotidiana de quienes la padecen se ve seriamente afectada.  Todo lo que antes hacían con normalidad, cada vez se les dificulta más.  No tienen ánimo de limpiarse ni acicalarse, se les quita el hambre, no duermen, se ausentan del trabajo y de la realidad, todo lo que quieren es escapar y, en casos graves, incluso tienen comportamientos suicidas.
Según los médicos, las personas más susceptibles de padecer depresión son aquellos que pierden a un ser querido, viven bajo amenazas, tienen trabajos estresantes, terminan una relación importante, se ven obligados a abandonar sus casas o sus países, severos problemas financieros, es decir, cualquier cambio drástico o intolerable en su forma de vida puede detonar la enfermedad.
Ángeles Marín egresada de la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- del Instituto Nacional de Bellas Artes, cuenta con una trayectoria de más de 30 años como actriz de cine, teatro, televisión, series y lecturas.  Desde muy jovencita destacó en su carrera.  Sin importar cuán pequeño fuera su papel, ella lo desempeñaba con energía.  Hoy nadie duda de que es una primera actriz en toda la extensión de la palabra.  Se distingue por su entrega absoluta al personaje en turno, al cual borda y dota de un enorme caudal de emociones gracias a su talento y su indiscutible capacidad histriónica.  Si al revisar la cartelera teatral o cinematográfica, ella forma parte del elenco, el público acude sabiendo que tiene garantizada una interpretación entrañable.
Preocupada por la alta incidencia de depresión en el país, Ángeles decidió hacer algo al respecto desde la plataforma teatral.  Para tal propósito, llamó a su amiga Verónica Musalem, mujer culta, inteligente, talentosa, observadora y sensitiva.  Obtuvo su título de Licenciada en Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM--.  Se ha desempeñado como dramaturga, directora, guionista y docente.  A pesar de ser netamente mexicana, se podría decir que es ciudadana del mundo porque ha viajado a muchos países por estudios, trabajo o placer, pero jamás se ha olvidado de sus raíces a las que honra y respeta utilizando su impetuosa pluma para trazar con amplitud de colores la cultura, la cartografía, la vegetación, la artesanía, las tradiciones, las creencias, los sabores, los aromas, las leyendas y, sobre todo, el sentir del pueblo de su amada Oaxaca. 
Ángeles pidió a Verónica que escribiera una obra de teatro sobre la depresión y la crisis otoñal en la mujer.  Ambas convocaron a Víctor Carpinteiro, reconocido actor con una larga trayectoria en cine, teatro y televisión.  Hace casi 12 años, Alberto Estrella y él fundaron El Círculo Teatral, espacio escénico que ellos han transformado por completo, a base de dedicación, esfuerzo, trabajo e inversiones.  En El Círculo Teatral el espectador encuentra tres foros, galería, cafetería y cursos de teatro y de danza.  A los discípulos se les brinda la oportunidad de presentar sus trabajos en alguno de los foros.  Tanto Alberto, como Víctor participan activamente en todo lo que atañe a El Círculo Teatral, así que además de impartir clases, actúan o dirigen algunas de las obras que ahí se presentan.
Fue así como surgió DELIRIO ... 3:45 am, un texto de excelente factura que capta el interés de principio a fin, mediante el cual Verónica lleva al espectador a adentrarse en los laberintos mentales de su protagonista y tome conciencia del sentir de quien está atravesando una crisis a causa de la depresión crónica que padece. 
DELIRIO ... 3:45 am versa sobre una mujer que heredó los genes de su madre.  Por la brecha generacional, ella ni cuenta se da de cuán parecidas son.  Al llegar a la pubertad su belleza florece en la misma medida en que la de su mamá se va apagando.  Ya adulta, se sabe hermosa.  Le encanta atrapar todas las miradas, mientras las mujeres la admiran o envidian, los hombres la desean.  En su profesión le va muy bien, se presenta en una televisora y gana bastante dinero.  Por exigencias de su trabajo y por gusto propio, viste ropa de diseñador y porta calzado de marca.  Cualquiera que la vea piensa que nada le queda por desear.  Ella suele comentar:  "tengo el trabajo perfecto, el marido perfecto y hasta el gato perfecto". 
De pronto, un día frente a un espejo descubre el rostro de su madre en lugar del de ella.  Esto la desequilibra, tiene "miedo de sentir miedo".  No se detiene a pensar que el físico es lo único que cambia con la edad y que los valores y cualidades permanecen por siempre.  Entra en depresión.  Pierde interés en todo, no puede dormir.  Quisiera alejarse de sus problemas, tener alas y volar.  Como no puede, se conforma con salir en su auto y conduce sin rumbo a alta velocidad.   
Víctor Carpinteiro se compenetra a fondo con la poética de Verónica y la espléndida interpretación de Ángeles y, a través del montaje, les proporciona un marco inmejorable.  Con creatividad entreteje la trama con la acción y diseña una bella y fluida coreografía que coadyuva al lucimiento del texto y de la actriz.  Su labor como director es extraordinaria, aprovecha el espacio a lo largo y a lo ancho y el ritmo es preciso.
Como de costumbre, Ángeles Marín se mimetiza con el personaje y hace gala de sus dotes histriónicas y corporales.  Su trabajo en esta obra sólo puede calificarse como magistral.
El resto del equipo lo conforman:  Mónica Kubli en escenografía e iluminación.  Diseña un entorno apropiado que incluye diversas texturas en piso, un columpio para "volar", una bandeja con líquido vital,  y distribuye una iluminación consistente con la acción, acentuando ciertos momentos con estéticos contrastes.  Cristina Sauza en vestuario -con pocas prendas logra versatilidad y va desde un elegante vestido hasta un glamoroso camisón.  Angélica González en asistencia de dirección.  Leticia Olvera en fotografía.  Rodney Steve en pista sonora.  Juan de Dios Mastachi es el técnico de sonido,  y la producción ejecutiva es de Al Producciones.
El estreno de DELIRIO ... 3:45 am fue todo un acontecimiento teatral al que se dieron cita muchas personalidades, entre quienes se encontraban los dramaturgos Medardo Treviño y Miguel Sabido, las actrices Vanessa Bauche e Isaura Espinosa, los actores Luis Cárdenas y Javier Escobar.  El público aplaudió de pie por varios minutos.  No todos los días se tiene la oportunidad de ver algo tan creativo.
Tres seres comprometidos, talentosos, sensibles y apasionados del teatro tienen la satisfacción del deber cumplido, mientras que el público queda conmovido, llevándose reflexiones, un mejor entendimiento acerca de la depresión, concientización, y una inmensa gratitud a quienes se dedican a hacer teatro de calidad que se ve, se siente y se vive.
DELIRIO ... 3:45 am
se presenta los martes a las 20:30 horas en
EL CÍRCULO TEATRAL
ubicado en Veracruz número 107, colonia Condesa, Ciudad de México. 
La temporada concluye en noviembre de 2016.
PARA ELIZA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2016
En varias notas hemos hablado del Movimiento Teatro Intimo para Departamentos fundado y comandado por Xavier Villanova, a quien en 2010 se le otorgara el Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido por su obra “Birdstrike”.  El concepto de este Movimiento es similar al de teatro de cámara, pero con mayor intimidad, dado que se representa en una casa habitación y no en un foro convencional.  La cercanía entre público y elenco es como la que se tiene con familiares o amigos en una sala de estar.  Esto impacta notablemente al espectador.  No es lo mismo sentarse en una butaca a observar el quehacer teatral que sentirse partícipe del mismo al lado de los actores.  Se produce un pacto de solidaridad que hace que quien presencia la obra termine involucrándose en la historia y, en ocasiones, se vea precisado a interactuar al ser convocado por los actores o actrices.
Desde que inició el Movimiento, Xavier le ha dedicado tiempo y esfuerzo para ofrecer obras de calidad, tanto propias como ajenas.  Ha abierto las puertas a jóvenes que no cuentan con los recursos suficientes ni apoyos para estar en posibilidad de alquilar un foro, a fin de brindarles la oportunidad de presentar sus propuestas teatrales.  Poco a poco el Movimiento Teatro Intimo para Departamentos ha ido ganando adeptos y hoy en día goza de popularidad.   Es loable lo que hace Xavier porque esto le reporta satisfacciones y experiencia, mas no ingresos, dado que el cupo es limitado y la cooperación voluntaria apenas alcanza para la recuperación de gastos y para cubrir la nómina del elenco.

Hasta ahora, la obra más emblemática del Movimiento Teatro Intimo para Departamentos es PARA ELIZA, por ser una de las que marcaron su comienzo y la más representada de su repertorio.  PARA ELIZA es de la autoría de Xavier Villanova, quien también la dirige.  Se trata de una obra fuerte, para adultos.  Versa sobre dos hermanas con un padre ausente y una madre promiscua, lo cual, desde luego, las ha dejado marcadas de por vida.  Predicar con el ejemplo es lo aconsejable, pero hay padres que no se percatan de cuánto pueden afectar la integridad psicológica de sus hijos si ellos a temprana edad los ven abusando de alcohol o drogas, en actos inmorales o ejerciendo violencia.  Los niños no sólo sufren, sino que se desorientan respecto de su propio comportamiento.

Eliza y Elena viven dentro de una dualidad de amor y odio.  Se apoyan o se agreden.  Ambas han tenido que acudir a psicoterapeutas, aparte de lo que han padecido con sus padres, los familiares se han aprovechado de ellas.  Sufrieron abusos de un tío.  Sus aptitudes artísticas las expresan dibujando. Como viven solas, para escapar de la rutina, han inventado ciertos juegos particulares, como personificar a seres presentes en sus vidas -un enamorado, un médico, un familiar-.  Elena se dedica a la actuación y le pide a Eliza que repase sus líneas con ella, pero del texto pasan a la improvisación para representar pasajes de sus vivencias cotidianas.  Echan a volar su imaginación y no se sabe si lo que interpretan realmente ocurrió o no.  Por momentos, esos juegos se tornan peligrosos, por ejemplo, cuando aluden a una violación. 

Las heridas del pasado persisten, no encuentran cómo evadirlas.  En ocasiones, saben que sólo cuentan la una con la otra y eso hace aflorar el cariño y la ternura.  El lazo que las une es indisoluble.  Lo malo es que sus emociones son como un péndulo que oscila entre el bien y el mal.  

El trabajo histriónico y corporal de Laura Camés (Eliza) y Paula Vrelly (Elena) es digno de toda admiración.  Interpretan sus roles intensamente y los iluminan con emotividad, se mantienen dentro de la ficción y se despojan de su ropa a unos cuantos centímetros del público. 

El texto es estructurado y capta el interés absoluto del espectador.  El montaje está bien diseñado, incluye coreografías coordinadas y estéticas.  En sustitución de cambios de vestuario, las actrices se visten y desvisten para crear entornos distintos. Un punto importante es la interacción con el público.  Al azar eligen a ciertos espectadores y los invisten de personajes alternos. 

La labor de dirección por parte de Xavier es impecable.  Asimismo, participa activamente, ya sea como alguien relacionado con las hermanas o escribiendo con celeridad sobre un cuaderno. 

PARA ELIZA es una obra muy impactante para el espectador al ser testigo de los demonios internos de dos chicas atribuladas por las circunstancias que han tenido que atravesar.

La producción es de Oscura y Verde Realidad.

Xavier Villanova consideró que PARA ELIZA había cumplido su cometido y decidió culminarla a las 100 representaciones, pero debido a que seguía teniendo demanda, llegó a las 107.  Fue estrenada el 28 de octubre de 2013, cubrió 7 giras en el territorio nacional.  A casi tres años de ser representada por vez primera, PARA ELIZA cierra su ciclo con la develación de la placa que conmemora 100 funciones.

Entre los asistentes a la última función de PARA ELIZA estuvieron Leonora Cohen, Ignacio Eduardo Corona, Flora Villanova Pijoan, Georgina Espinosa, David Gaitán, Rocío Vázquez, Bonny Carpozo, Javier Fle, Isaac Weisselberg, Viridiana Sánchez, PauSo Oliver, Dorte Janesn, Michelle Ramírez, Juan Carlos García Alvarez, Raúl Solís, Pepe Appo, Hugo Yoffe, Johnatan Molina Arroyo, Juan Carlos Manrique (espectador que vio la obra en 10 ocasiones), Viridiana Sánchez, Julia Ioulia, Oliver Barona, Sergio Baeza y Mariano Ducombs.  

El aplauso verdaderamente apoteótico fue un digno broche de oro en la despedida de la entrañable PARA ELIZA.  Duele decir adiós, pero PARA ELIZA continuará siendo una estrella del Movimiento Teatro Intimo para Departamentos y formando parte de la trayectoria de sus artífices.

Los padrinos de develación fueron Ximena Escalante y Martín Acosta que, en su momento, fueron maestros de Xavier.  Al develar la placa, Ximena comentó que ella siempre supo que Xavier era un fabulador, en tanto que Martín compartió con el público algunas anécdotas del paso por las aulas de Xavier.  Ambos coincidieron en que se sienten orgullosos de los logros de su alumno.

 

Después de la develación, hubo una grata convivencia con charla, risas y nostalgia.  Se degustaron exquisitas brochetas de queso, salchicha, jamón, tomates baby y aceitunas, acompañadas de mezcal, vino, refrescos.  Una noche inolvidable.

DESDÉMONA
(Réquiem por el deseo)
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2016

Uno de las figuras más célebres en la literatura universal es, sin duda alguna, William Shakespeare (1564-1616), reconocido como el más importante escritor de la lengua inglesa en todos los tiempos. . Nacido en Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Inglaterra se desempeñó como escritor, dramaturgo, poeta y actor.   

De su vida personal poco se sabe.  Contrajo matrimonio sólo una vez.  Él y su esposa procrearon tres hijos: la primogénita fue Susanna y luego nacieron unos mellizos Hamnet y Judith.  Lamentablemente, Hamnet, su único hijo varón falleció a los 11 años de edad, por lo que el apellido no se perpetuó.  Diversas leyendas rodean su historia.  Se cuestionó su autoría, debido a que muchos no creían que alguien de extracto rural pudiera poseer múltiples recursos lingüísticos, lo cual, según sus detractores, sólo podría ser atribuible a escritores egresados de escuelas prestigiosas y por consiguiente, de la alta esfera social.  Lo cierto es que nadie pudo probar jamás que él no fuera el verdadero autor.  También se especuló sobre su presunta homosexualidad a causa de una colección de sonetos cuya publicación no fue autorizada por él.  Sin embargo, se cree que su inspiración para uno de sus más bellos sonetos intitulado "La esposa del mundo" (The world's wife) fue precisamente su mujer.

En la época en que falleció Shakespeare era costumbre que, por cuestiones de espacio, cuando se necesitaban nuevas sepulturas se vaciaban las antiguas.  Según la Enciclopedia Británica, ante tal temor, el propio Shakespeare redactó su epitafio:  "Buen amigo, por Jesús abstente de cavar el polvo aquí encerrado. Bendito sea el hombre que respete estas piedras y maldito el que remueva sus huesos".   Esto dio origen a la creencia de que el autor fue enterrado con sus obras inéditas, pero nadie se ha atrevido a comprobarlo por miedo a la maldición consignada en el epitafio.

El caso es que Shakespeare ha seducido con su escritura a propios y extraños.  Su obra ha trascendido tiempo y distancia y constituye parte fundamental del teatro.  Ahora toca el turno de caer ante tal seducción a Luis Santillán, dramaturgo y director de escena mexicano, quien iniciara su trayectoria cuando le fue otorgado el Premio UAM-Xochimilco en 2004 por su obra "La historia del oso polar que se quedó encerrado en el baño del restaurante".  Entre sus obras más conocidas, podemos citar:  "Autopsia a un copo de nieve",  "De nuevo el principio", "Polvo de Hadas",  y "Malintzin". 

La compañía teatral SORGINAK --palabra euskera que equivale a "bujas"-- vio su primera luz en 2012.  Luis Santillán es su fundador y director.  Respecto de SORGINAK, el programa de mano señala que  "una de las características radica en que sólo convoca actrices.  Desarrolla un trabajo escénico en el cual los personajes femeninos son quienes detonan tanto el relato como las acciones dramáticas ...".  Con respecto a su obra actual, mencionan:  "Contaminados por los 400 años del natalicio de William Shakespeare, SORGINAK inicia una exploración y diálogo con las obras de este autor británico, siendo el primer trabajo a presentar DESDÉMONA (réquiem por el deseo)".

Para su más reciente montaje, Luis tomó como base la obra que todos conocemos como Otelo, de la autoría de William Shakespeare, cuyo título original es "La tragedia de Otelo", el Moro de Venecia (The Tragedy of Othello, the Moor of Venice).  En virtud de que Luis Santillán se caracteriza por recrear universos femeninos en su obra, resulta lógico que el rol protagónico se lo dé a la mujer del Moro y no a él.  Es así como surge DESDÉMONA (réquiem por el deseo)".  

En su texto de DESDÉMONA (réquiem por el deseo), Luis conserva parte de la trama de la tragedia shakespeareana que versa sobre amor puro, pasión, orgullo, perversidad, hipocresía, venganza y, desde luego, celos.  DESDÉMONA se enamora perdidamente de Otelo, un general moro. Él la rapta para luego casarse con ella.  Por normas del servicio militar, Otelo y Desdémona viajan separadamente a Chipre, donde habrán de reunirse.  Otelo tiene dos subalternos Casio y Yago.  Acaba de nombrar teniente a Casio, lo cual hace que Yago se sienta desdeñado al sentirse merecedor del cargo.  Por su parte, Emilia --esposa de Yago-- se siente despechada al saber que Otelo prefirió a Desdémona.  Emilia urde su venganza y, utilizando a Yago para sus fines, envuelve a Otelo en una serie de intrigas y finalmente logra que Otelo piense que Desdémona le ha sido infiel.  Muy tarde comprenderá Otelo el profundo amor de Desdémona y su honestidad.

Para su puesta en escena, Luis Santillán no sólo traslada el clásico de Shakespeare, convertido en DESDÉMONA (réquiem por el deseo), a la actualidad, incorporándole un diseño sonoro con música de Los Beatles y los Rolling Stones, sino que se aventura en dos innovaciones.  La primera es que, aun cuando respeta la característica de SORGINAK de sólo convocar actrices, tres de ellas interpretan personajes masculinos en contraposición con el teatro que se presentaba en los tiempos de Shakespeare en que la profesión actoral estaba reservada a varones y, si la obra incluía mujeres, éstas eran encarnadas por hombres.   La segunda, es que enmarca el montaje en un mundo acuático, para lo cual utiliza un dispositivo escénico donde se desarrolla la acción con su elenco sumergido en agua. 

La labor de dirección por parte de Luis Santillán es impecable.  Le infunde acción constante con buen ritmo.  La corporalidad es parte primordial de la puesta en escena.  Las coreografías están bien diseñadas y muy bien logradas.  Ciertos cuadros coreográficos son de particular belleza estética, como, por ejemplo, cuando se hacen a la mar.

El elenco está conformado por:  Ingrid Bravo (Desdémona),  Lorena de la Parra (Emilia),  Darling Lucas (Yago),  Ixchel de la Rosa (Otelo),  Montserrast Mundo (Bianca),  y  María Figueroa (Casio).  Todas ellas integran un buen equipo.  Ha de ser bastante difícil trabajar en agua a lo largo de toda la función.  Para evitar resbalones su única protección es portar botas o livianas sandalias de material antiderrapante.  En ocasiones, se sumergen por completo, quedando empapadas con el cabello escurriendo.  Que las actrices hayan aceptado el reto y que venzan las dificultades e incomodidades correspondientes, es digno de admiración.  Su labor corporal es formidable y coordinada.  Su compromiso y entrega suplen ciertas deficiencias en su desempeño histriónico, por falta de experiencia --titubeos o errores en sus parlamentos, deficiente dicción, y falta de modulación en la voz para estar en posibilidad de reflejar las intensas emociones de los personajes.  Por ejemplo, Lorena de la Parra utiliza un invariable tono fársico en todo momento.

El equipo creativo lo integran:  Luis Santillán en autoría, dirección escénica  e  iluminación,  Francisco Mondragón en asistencia de dirección y producción,  Alejandro Huicochea en coreografías y asesoría de movimiento corporal,   Fernanda Jardi en dispositivo escénico,  Gatitas Siniestras en diseño de vestuario,  Teresa García y Lissete Jiménez en realización de vestuario,  Midra Diseño en diseño gráfico,  Francisco Mondragón en fotografía,  Asunción Pineda en difusión y prensa.  La producción es de SORGINAK.

Según Luis Santillán, el autor, "una mujer puede perdonar que no la ames, per nunca perdonará que no la desees".  ¿Será cierto esto?.  Compruébalo yendo a ver DESDÉMONA (réquiem por el deseo).  Ahí encontrarás un texto de buena estructura que captará tu atención, una versión erótica de la clásica tragedia en un montaje muy original y arriesgado, con escenas plenas de sensualidad y lujuria, interpretadas por bellas jóvenes que lucen sus esbeltos cuerpos al desnudo.  Sumérgete en el mundo de los celos y la falta de fe en el amor verdadero.

DESDEMONA (réquiem por el deseo)
se presenta los sábados a las 19:00 horas en  la
SALA NOVO
-al fondo del mismo inmueble del Teatro La Capilla-,
ubicado en Madrid número 13 -casi esquina con Centenario-, en Coyoacán, Ciudad de México. 
La temporada concluye el sábado 1° de octubre de 2016.
SATISFACTION
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2016
Es indudable que hombres y mujeres somos distintos.  Las diferencias no son sólo físicas sino internas.  Las mujeres tenemos una sensibilidad que ningún hombre podría tener.  Mientras a ellos les gusta la acción, nosotras somos mucho más apacibles.  A pesar de que por años hemos luchado por la igualdad de géneros, aún vivimos en un mundo dominado por los hombres.  En todos los ámbitos existen mujeres que han logrado destacar, pero en la vida cotidiana, no podemos dejar de ver que los empresarios prefieren contratar hombres o que los sueldos para un mismo puesto son distintos si se trata de hombre o mujer. En el mundo hay muy pocas Presidentas, líderes o astronautas, en virtud de que los cargos realmente importantes están reservados para el género masculino.  Se nos considera el sexo débil cuando en realidad hay mujeres con tremenda fortaleza.
En el universo femenino caben todos los sentimientos y contamos con el enorme privilegio de dar vida.  Sin embargo, nos toca caminar por un sendero mucho más escarpado que el que toca a los hombres.  En cuestiones laborales tenemos que esforzarnos para que nuestras capacidades y habilidades sean reconocidas.  En el plano personal, corremos el riesgo de toparnos con cualquier "macho", de esos que creen que mientras más mujeres conquistan, se incrementa su supuesta "hombría", o de aquellos que con palabras dulces al oído nos enamoran, para luego, ejercer su dominio sobre nosotras o, peor aún, golpearnos.  Basta con revisar las estadísticas, para comprobar que el índice de violencia intrafamiliar es alto.   Y no se diga, los repugnantes violadores que utilizan a las mujeres para saciar sus bajos instintos y, en ocasiones, hasta les arrebatan la vida. 
Por fortuna, aun cuando son difíciles de encontrar, quedan algunos caballeros que comprenden que hombres y mujeres pueden caminar juntos y convivir en armonía, si la base de su relación son el  amor y el respeto.  Ellos saben que mientras mejor traten a sus parejas más felicidad habrá en el hogar.  Independientemente de su condición amorosa, la mujer puede encontrar muchas satisfacciones en su vida, al igual que cualquier otro ser humano que así se lo proponga.
Carmen Zavaleta, mujer atractiva, apasionada del teatro y trabajadora incansable, cursó estudios en la Escuela Nacional de Arte Teatral, en los Centros de Educación Artística --CEDART-- Luis Spota Saavedra y Frida Kahlo.  Se desempeña como actriz y como periodista teatral.  Ahora incursiona en la dramaturgia con SATISFACTION (Satisfacción), un texto estructurado e interesante para un unipersonal, en el que devela la esencia femenina, un tema que le es inherente por naturaleza.  Aparte de ser la autora, es la propia Carmen quien da vida a Sara, la protagonista.
De entrada, en el material de promoción de SATISFACTION se lee:  "¿Cuál es tu tipo de primate?" y no sabemos a qué se refiere y, a nuestra vez, nos preguntamos  ¿Por qué primate?, ¿de qué se tratará esta obra?, ¿será de monos?.  Pronto saldremos de la duda.  Elegantemente ataviada en color negro -pantalones ceñidos, blusa suelta de corte moderno recamada con algunas lentejuelas y zapatos rojos de alto tacón-, aparece Carmen sobre el escenario y, transformada en Sara, se dirige al público hablando en primera persona.  Comienza contándonos que creció al lado de su padre, toda vez que su madre se alejó de ellos.  En consecuencia, Sara no tiene un modelo a seguir y habrá de explorar por sí misma el comportamiento femenino.  
Por la época en que Sara tenía 7 años de edad, su papá la lleva al cine a ver la película King-Kong.  Es inenarrable el impacto que provoca en Sara observar la majestuosidad y el poderío del enorme gorila, en contraste con la delicadeza que dispensa a la heroína.  Sin siquiera darse cuenta, Sara queda fascinada con semejante monstruo, incluso, su cuerpecito infantil experimenta por vez primera un atisbo de sensualidad.
Fue así como, a diferencia de la mayoría de las nenas que sueñan con el Príncipe Azul, Sara soñaba con un primate.  Un ser gigantesco con fortaleza abrumadora que pudiera protegerla y librarla de todo mal.  Le tenía sin cuidado que no fuera guapo.   Quería que ser levantada del piso y elevada por los aires.  Eso sí sería sentirse fuera de este mundo.  Con pensamientos tan peculiares, Sara no lograba comprender a sus compañeras y casi no tenía amigas. 
Cual si se confesara consigo misma, Sara continúa compartiendo todas y cada una de sus experiencias, sin guardarse nada, haciendo un recuento de todo aquello que para bien o para mal marcó su vida.  Su charla es tan vívida que el espectador casi se siente testigo presencial de cada acontecimiento.  Así mismo, dará voz a ciertos personajes que tuvieron que ver con ella.  En sus remembranzas habrá risas, llanto, conmoción, incluso, antojo -cuando describe la forma en que degusta la crema de ciertos pastelillos-.  Sara ha vivido intensamente sus penas y glorias.  Acaba de cumplir 45 años, se siente plena, sabe lo que quiere y lo que no.  Ha llegado el momento de darle la bienvenida a la SATISFACTION.
Ángel Luna, el destacado actor joven que hemos visto en obras tan exitosas como Sturm Ruger,  Abrasados  y  Desvenar, entre otras, asume la dirección escénica de SATISFACTION y realiza una labor impecable.  Diseña una dinámica tan fluida como el relato para que Carmen no quede estática ni un solo instante.  Con discreción, es ella quien enciende o apaga las luces colocadas sobre el escenario.  Ángel aprovecha a fondo el espacio y con muy pocos elementos realza ciertos detalles de uno que otro acontecimiento.  Mantiene un ritmo preciso.  Lizet Rodea brinda asistencia en la dirección.
El diseño del espacio y la música original también son creación de Ángel Luna.  La escenografía es por demás sencilla, le basta un sillón.  Al igual que en la película de Mary Poppins, una bolsa de mano contiene los elementos escénicos que serán hábilmente utilizados como complementos -anteojos, cartulina, plumón-.  La música compuesta especialmente para dar el entorno propicio.
Carmen hace gala de sus aptitudes histriónicas, corporales, de expresión y dicción.  A la par que habla, camina, brinca, baila, se agacha, se incorpora, ríe, llora.  Definitivamente, este es uno de sus trabajos más entrañables hasta ahora.
El resto del equipo creativo está conformado por Roberto Paredes en iluminación,  Roxana Deneb y Diego Álvarez en diseño gráfico,  Carmen Zavaleta en vestuario,  Carlos Alvar en fotografía,  Sandra Narváez en producción y difusión,  y  Adriana Jiménez en asistencia de difusión.
Lo único que realmente molesta a Sara es la soledad, así que acompañémosla.  Estará feliz de recibirnos y desnudará su alma ante nosotros, relatándonos hasta el último detalle de su devenir.  Una obra que capta el interés absoluto del espectador.  Apoyemos al teatro independiente que se hace con sangre, sudor, lágrimas y mucho esfuerzo, por amor al arte, por la necesidad de crear, sobre todo, si apoyándolo vamos a reírnos y conmovernos en un montaje logrado, con un texto interesante, una actriz entregada que aporta su físico y toda su emotividad al personaje, al lado de un joven director que acertadamente la conduce.  ¡No te la pierdas!  Quedan pocas funciones.
SATISFACTION se presenta los jueves a las 20:00 horas
en un espacio que recientemente abrió sus puertas, la
SALA NOVO -al fondo del inmueble donde está el Teatro La Capilla-,
ubicado en Madrid número 13 -casi esquina con Centenario-, en Coyoacán, Ciudad de México.
La temporada concluye el jueves 1° de septiembre de 2016
PROYECTO SUTIL
(o de la infinitesimal diferencia)
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2016
Entre la amplia variedad de opciones que ofrece la cartelera teatral en la Ciudad de México, de vez en cuando cabe la posibilidad de asistir a una propuesta poco convencional, algo que no se ciñe a lo que consideramos teatro.  En lugar de que la narrativa tenga planteamiento, desarrollo y conclusión, pudiera ser una anti-historia o un contra-relato.  Los creadores teatrales tienen libre albedrio para determinar sobre qué tema harán su propuesta, así como para elegir el proceso a utilizar para concretar su proyecto.
Tal es el caso de PROYECTO SUTIL, al cual se dio inicio hace poco más de un año.  Un director, un dramaturgo y una actriz concertaron reuniones periódicas para generar material que investigara puntos de encuentro entre Francia y México.  Durante sus sesiones pusieron sobre la mesa temas que alguno de ellos trajera a colación al considerar que pudiera aportar algo a la interrelación de las dos naciones.  Conversaron sobre Antonin Artaud, Porfirio Díaz, la nanotecnología, la gastronomía y cualquier otro tipo de lazo histórico o cultural.  Investigaron conceptos, historias y personajes y comenzaron a pensar en la ficción que los representaría.  Los sucesos que ocurrieron en ese lapso de tiempo fueron cambiando el rumbo de sus cuestionamientos iniciales y ampliando sus inquietudes.  Tras largas disertaciones, el resultado de este laboratorio llevado a cabo por tres creativos fuertemente ligados al teatro --Diego del Río,  Edgar Chías  y  Sophie Alexander Katz-- fue presentar una obra en proceso, a la cual denominaron PROYECTO SUTIL (o de la infinitesimal diferencia).
Cuando Aurora Cano, creadora y directora del DRAMAFEST se encontraba organizando su edición 2016 se enteró del PROYECTO SUTIL y decidió incluirlo, aprovechando que el país invitado de este año es precisamente Francia. Es así como PROYECTO SUTIL pasa a formar parte del DRAMAFEST 2016.
El enfoque básico de PROYECTO SUTIL (o de la infinitesimal diferencia) es sobre la vida de tres personajes: una francesa mexicana, un iraní y un mexicano que sin conocerse, en forma casual, coinciden en un atentado terrorista en marzo de 2016. Tal vez el que ocurrió en Bruselas. Se trató de un ataque coordinado en el aeropuerto de Zaventem y en una de las estaciones del Metro, los cuales dejaron alrededor de 30 muertos y más de 200 heridos.  En su momento Bélgica activó el nivel de alerta máxima.  Quienes los presenciaron los describen como una auténtica pesadilla. 
En medio del caos y la confusión Sophie, Kaveh y Raúl se conocen.  Tres personas que se encontraban en el lugar y en el momento inadecuados.  Inevitablemente, a partir de ese momento en sus conversaciones no dejarán de hacer referencia al incidente que los unió.  Aquellos que han tenido el infortunio de vivir un atentado saben que el impacto mental es más fuerte que el físico.  Las lesiones tienden a sanar, pero para lo que se siente y piensa no existe paliativo.  Son seres que quedan marcados de por vida y jamás podrán olvidarlo.
Tras el estruendo de la detonación, se dijeron "¡la libré!". Se echaron a correr por su vida, huyendo de lo desconocido, lo incomprensible.  Ella, al verse al espejo, se figuró que era "una muñeca con una mirada tristísima y fría".  Se percatan de que el cambo operó radicalmente en sus mentes.  Pensaban muy distinto antes del incidente "germinaban otros mundos y otros sueños".  Ahora consideran "que el futuro no es otra cosa que una posibilidad", o bien, que "somos máquinas en el proceso evolutivo del planeta".
Kaveh pregunta al público qué es lo que sabe de Irán.  Poco sabemos de un país tan lejano.  Continúa diciendo:  "Irania es la antigua Persia".  "Yo crecía en una tierra que no era la mía, en Alemania, algo perdido a los 17 años".  Sin duda, siente que Siria constituye "el esplendor".  Por su parte, Sophie comenta que nació en Francia, pero ha vivido en México la mayor parte de su vida.  Raúl supuestamente buscaba obtener su nacionalización en Francia.  Se sienten tan libres que pueden hablar sobre cualquier tema, incluso su propia muerte.
PROYECTO SUTIL (o de la infinitesimal diferencia) no es teatro entretenido, es una flagrante confrontación entre la individualidad y el anonimato.  Todo lo que conlleva nuestra identidad, estamos formados por los genes de nuestros ancestros, llevamos en la sangre partículas de distintas nacionalidades o razas. Difícilmente podría encontrarse a alguien con una sola nacionalidad en sus venas.  La migración forma parte del universo desde tiempo inmemorial.  Somos un todo y no somos nada.  A veces sólo formamos parte del entorno y nos convertimos en seres paisaje.  "Mapas de territorios ignotos se encuentran aquí debajo de nuestra piel".  Los sobrevivientes de un atentado son "anónimos decimales en las estadísticas del daño colateral".
La dramaturgia de Edgar Chías provee un fiel retrato del sentir de las víctimas de un atentado.  Diego del Río realiza una formidable labor de dirección sin cuarta pared permite al elenco dialogar con el público, mantiene el ritmo y diseña un dinámico desplazamiento, aprovechando a fondo el espacio escénico.  Pilar Flores del Valle y Ana Karen Flores brindaron asistencia a Diego en la dirección.
Sophie Alexander Katz,  Kaveh Parmas  y  Raúl Villegas  dan vida a los personajes en forma muy convincente, a través de su buen desempeño histriónico, corporal y vocal.  Captan la atención del público y lo hacen partícipe de su impactante experiencia.  Pilar Flores del Valle será alternante en algunas funciones.
Auda Caraza y Atenea Chávez diseñan una escenografía idónea conjuntando aislamiento y área común, con tintes de azul sideral.  Matías Gorlero aporta la iluminación con creatividad, haciendo lucir los reflejos de la luz neón caprichosamente distorsionados sobre el cristal o acrílico, dotando de belleza plástica al espacio.  Félix Arroyo funge como asistente de Matías. 
La exploración vocal es provista por Muriel Ricard.  Julia Reyes Retana es la responsable del diseño de vestuario. 
La producción es de DRAMAFEST y de Teatro UNAM.
Una propuesta muy interesante conformada por investigación, diálogo y reflexión.  No siempre hay que ir al teatro buscando entretenimiento.  En el mundo hay eventos que quisiéramos que no ocurrieran, pero, aunque lo lamentemos, ocurren.  Un tema impactante que convoca a la reflexión y a un mejor entendimiento del planeta que habitamos y de nuestra presencia en éste.  Un montaje original, bien cimentado.  Altamente recomendable.

PROYECTO SUTIL (o de la infinitesimal diferencia)
se presenta dentro del marco del DRAMAFEST 2016 miércoles, jueves y viernes a las 20:00 horas en el}
Teatro JUAN RUÍZ DE ALARCÓN,
dentro del Centro Cultural Universitario, ubicado en
Insurgentes Sur número 3000, Ciudad de México. 
La temporada concluye el viernes 14 de septiembre de 2016.
MEJOR NO CONTESTES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2016
Aún en estos tiempos en que prevalece la tecnología y que estamos ligados a la comunicación, hay ocasiones en que hubiéramos preferido no contestar alguna llamada.  De hecho, los avances electrónicos nos permiten ver quién llama, tanto en los teléfonos fijos como en los aparatos celulares.  A pesar de que hay llamadas indeseables, ciertas normas de conducta, o bien, por cortesía o cariño, hacen preciso que atendamos el teléfono.  Este es lo que viene a nuestra mente al ver el título de la obra MEJOR NO CONTESTES.
Como lo hemos comentado en notas anteriores, el Teatro El Milagro alterna obras de autores conocidos con las de aquellos que apenas buscan darse a conocer.  Es uno de los teatros que presenta más apoya a los proyectos independientes.  Tanto su Consejo Directivo y Artístico conformado por Daniel Giménez Cacho,  Pablo Moya Rossi,  David Olguín  y  Gabriel Pascal, como su Administración, a cargo de Eduardo Pascal, apoyan e incentivan a jóvenes estudiantes de teatro o recién egresados de carreras relacionadas con el quehacer teatral, para que colaboren en el recinto.  Cuando alguno de estos jóvenes les presenta una propuesta que les parezca viable, no dudan en abrir sus puertas para su presentación.
Tal es el caso de Emmanuel Varela que desde hace tiempo colabora en el Teatro El Milagro brindando apoyo técnico y ahora presenta como director y co-autor MEJOR NO CONTESTES, obra compleja que Naolli Eguiarte, Alejandro García y Emmanuel Varela conciben a partir del mundo de Raymond Carver (1928-1988), escritor estadounidense, quien contribuyó a revitalizar el cuento corto en el ámbito de la literatura durante los años 80 y considerado por muchos críticos como el creador de la corriente denominada realismo sucio.  Definitivamente, Carver es reconocido como uno de los mejores cuentistas del siglo y muchos lo equiparan con Antón Chejov.  En su narrativa, Carver describe las situaciones con crudeza y, por lo general, alguno de sus personajes padece de alcoholismo, quizá porque él tuvo que luchar contra esa terrible adicción la mayor parte de su vida.  Le era común entrar y salir de clínicas de rehabilitación.  En Argentina Carver es tan admirado que diversos autores y directores destacados han tomado su prosa como fuente de inspiración para sus obras.
El texto de MEJOR NO CONTESTES tiene buena estructura y mantiene el interés de principio a fin.  Versa sobre una familia, cuyos integrantes están estrechamente ligados.  Seres imperfectos, ninguno de ellos ha logrado alcanzar sus sueños y todos en algún momento han caído en el alcoholismo.  Consideran que los lazos familiares son lo más importante y siempre están dispuestos a apoyarse.  Lo malo es que por ser tan inestables les es difícil conservar el trabajo, una pareja, cierta seguridad económica, etcétera y, para colmo, se les va haciendo costumbre que sea uno solo a quien acuden los demás en busca de ayuda.
La esposa de Gabriel terminó con él a causa de su alcoholismo.  Esto lo sacudió en tal forma que ha dejado de beber y está intentando dejar también el cigarro.  Desde hace tiempo vive con su novia Ana.  La ama y siente que le brinda paz.  Mientras están solos son felices, aún con las dificultades cotidianas que hay que sortear, por ejemplo, que al perro del vecino le gusta defecar justo en la puerta de la casa de ellos.  Ana trabaja en una veterinaria donde asea y peina perros.  No entiende por qué si su trabajo es tratar bien a los perritos, puede odiar tanto al perro que vive al lado de ellos.  Sin embargo, los problemas realmente fuertes surgen siempre que aparece algún miembro de la familia de Gabriel.  La madre cifra su felicidad en las mudanzas.  Su hermana Julia está casada con Julián, un hombre abusivo y, para ganar algo de dinero básicamente para sus hijos, vende gelatinas Conejo.  Julio, el hermano, acaba de divorciarse y perdió el empleo, así que muy a menudo requiere de préstamos.  ¿Podrá subsistir la relación de Ana y Gabriel a tanto embate?  Llega el momento en que Ana suplica a Gabriel:  MEJOR NO CONTESTES.
La dirección corre a cargo de Emmanuel Varela y la co-dirección a cargo de Naolli Eguiarte.  Ambos realizan una labor impecable.  Bien diseñado el trazo escénico. Total aprovechamiento del espacio.  Ritmo preciso. Acción constante. Mantienen la continuidad de los cuadros en forma apropiada, incluso, cuando algunos se sobreponen unos a otros. 
La escenografía también es responsabilidad de los co-autores y co-directores Emmanuel Varela y Naolli Eguiarte.  En este renglón su labor es asimismo un logro.  La escenografía consta de mobiliario tradicional, integrando un departamento completo con recámara, baño, sala, cocina, comedor y segundo piso.
Participan en el proyecto para crear el entorno adecuado:  Rodrigo Espinosa en diseño sonoro  y  Natalia Sedano en iluminación.  La fotografía es de Alejandro García.
El trabajo histriónico y corporal es estupendo.    Todos y cada uno de los integrantes del elenco encarnan a sus personajes con compromiso y veracidad, dotándolos con variedad de expresiones y matices.  Diana Sedano impresionante en su versatilidad al dar vida tanto a La Madre como a Ana,  Ricardo Rodríguez es Gabriel -queriendo hacer todo bien-,  Isaac Pérez Calzada es Julio -ocurrente y aprovechado-,  Natalia Goded es Sofía -graciosa y atribulada-,  y Ramiro Galeana, al igual que Diana, interpreta a dos personajes Julián y El Conejo.
La producción es de El Milagro y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del programa México en Escena del Fondo Nacional de Cultura y las Artes.
Teatro hecho por jóvenes mexicanos comprometidos con su quehacer.  Loable la forma en que superan los retos que ellos mismos se imponen.  La historia interesante de una familia disfuncional que anhela alcanzar la normalidad.  Según ellos se esmeran lo más que pueden.  Diversión garantizada a base del humor negro que manejan.  Convoca a la reflexión sobre prioridades y empeño.  Acompaña a estos peculiares personajes para ver la forma en que viven.  ¡No te la pierdas!  En MEJOR NO CONTESTES encontrarás un acertado montaje y actuaciones sorprendentes.
MEJOR NO CONTESTES
se presenta a las 20:30 horas lunes y martes en el
Teatro EL MILAGRO,
ubicado en Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México.
La temporada concluye el martes 13 de septiembre de 2016.
ESTO NO ES DINAMARCA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2016

La compañía 8m3 (Ocho Metros Cúbicos) fundada en 2009 por jóvenes creadores tiene como objetivo primordial hacer teatro bajo la consigna de construir un mundo más portentoso.  El grupo crea, produce y concreta sus proyectos, diseñando ejercicios escénicos individuales y conjuntos, a través de los cuales expresan sus poéticas personales.  A partir de su primer montaje, mostraron su propio lenguaje escénico, mismo que continúa distinguiéndolos de los demás grupos.  Sus propuestas son originales y creativas.  Tanto si la dramaturgia es de alguno de sus integrantes como si lo es de otro autor, imprimen su inconfundible sello en los montajes.

Entre los reconocimientos que ha recibido 8m3 se encuentran:  el apoyo del FONCA a Jóvenes Creadores 2010-2011, así como ciertos premios en el Festival Nacional de Teatro Universitario.  Ha participado en el Décimo Festival de Monólogos. Teatro a Una Sola Voz, así como en la XXXV Muestra Nacional de Teatro en Monterrey, Nuevo León, en el FESTAJalisco en 2015, y en el Festival Joven Dramaturgia en Querétaro y Xalapa

Actualmente están por concluir su residencia artística en el Museo Universitario del Chopo, misma que estuvo conformada por cuatro obras --Disertaciones sobre un charcoEl camino del insectoVenimos a ver a nuestros amigos ganar,  y  Esto no es Dinamarca.  Las tres primeras son de repertorio y la última es un estreno.  Cada uno de estos montajes aborda un tema distinto.  Disertaciones sobre un charco es sobre cuatro jóvenes editores que trabajan en una revista de carácter religioso.  De pronto, cambian el sentido de una sentencia divina, lo que les acarrea severos problemas.  Para salvar la situación, inventan que un hacker entró en sus sistemas.  Denominan al hacker como Martirio Lampeduza.  El camino del insecto entreteje los temas de los que cotidianamente hablamos los mexicanos --política, futbol, muerte-- y es una delicia para la afición futbolera. Venimos a ver a nuestros amigos ganar constituye una revisión histórica y actual sobre la discriminación racial.

ESTO NO ES DINAMARCA es de la autoría de Edgar Chías, destacado dramaturgo mexicano, quien también es actor, traductor y docente, egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.  A lo largo de su trayectoria ha obtenido diversos reconocimientos.  Su obra ha sido traducida a diversos idiomas: alemán, francés, italiano, griego, inglés y letón.  Entre sus obras más conocidas, podemos citar Crack, o de las cosas sin nombre, De insomnio y media noche, El cielo en la piel, Ternura suite y Disertaciones sobre un charco.
Para ESTO NO ES DINAMARCA, Edgar Chías tomó como inspiración Hamlet de William Shakespeare.  Algunas de las características de la tragedia Shakespereana Edgar las traslada a la realidad que se vive en México para reflejar nuestra política, la falta de orden, la carencia de lógica para conducir al país, las malas prácticas de algunos seres que resultan despreciables, los asesinatos impunes, la desaparición de personas, el crimen organizado, la sistemática guerra por alcanzar poder, el narcotráfico, las tribulaciones económicas del pueblo, y mucho más.  Un texto de excelente factura escrito con lucidez y sagaz conocimiento de la problemática que nos aqueja.
Los personajes protagónicos conservan los nombres concebidos por Shakespeare, pero aquí a Hamlet se le llama cariñosamente Ham.  Comienza con la afirmación de que "esto no es Dinamarca, pero podría serlo".  Hamlet dice: "yo no soy un príncipe y nunca lo fui", pues se considera un "no príncipe".  Se quejan del "mal sexo" y de "la mala comida".  Aluden a "la diaria intoxicación por alcohol" y hasta a "capos".  Denominan "cucaracha" a la "escoria política".  Se mofan de "la corta memoria del populacho".  Llaman "fotos narcisistas" a las tan populares selfies.  En medio de estas frases contundentes, también hay muchas alusiones incisivas a lo mediático y al mundo del teatro contemporáneo, tales como:  "bodrios televisivos",  "popularidad no es importancia",  "espejismo barato del reconocimiento institucional",  "crear no es como hacer tortillas".  Todo esto lo escucharás en un entorno de percusiones, instrumentos de viento, música moderna y canciones a coro.
Como es costumbre de 8m3, en lugar de una escenografía tradicional, el dispositivo escénico es una enorme estructura metálica, muy maleable, que les permite gran versatilidad para la dinámica diseñada.  Llama la atención un espectador estático y silente que tiene reservadas las dos primeras filas.  La plástica visual que logran es impresionante.  Las coreografías conjuntas e individuales están bien planeadas y mejor ejecutadas.  El aprovechamiento del espacio es absoluto y el ritmo preciso.  La labor de dirección por parte de David Jiménez Sánchez es formidable.
Los actores despliegan al máximo sus capacidades histriónicas y sus habilidades corporales, de equilibrio, coordinación y precisión.   Dan lo mejor de sí mismos en beneficio del proyecto.  En todo momento sus movimientos, expresiones, tonalidad de voz y matices son los apropiados.  Salen airosos del reto de decir sus parlamentos mientras escalan, brincan o caminan por angostos bordes metálicos.  Infunden gracia y alegría en los bailables y el canto.  Inmejorable trabajo por parte de todo el elenco:  Antón Araiza (a veces Polonio, Agustín Arévalo, la Sombras del Rey),  Fernanda Aragón (a veces Yocasta),  David Gaitán (a veces Laertes), Aldo González (a veces Hamlet),  Margarita Lozano (a veces Gertrudis),  Andrea Celeste Padilla Gutiérrez (a veces Lady Macbeth),  y  Raúl Villegas (a veces Raskólnikov).
El resto del equipo creativo está integrado por:  Raúl Castillo, responsable de la escenografía, iluminación, vestuario y diseño de imagen,  Ricardo Estrada tiene a su cargo el diseño sonoro y la construcción de instrumentos,  Marilú Garcíaluna impartió las coreografías,  Jesús Parada Aguilar y María Guadalupe Pérez Rocha realizaron el vestuario,  y  Abraham Morales, Simón Morales y Rafael Pineda realizaron la escenografía.
Teatro mexicano de calidad hecho por jóvenes.  Una historia interesante con verdades que duelen o que nos hacen reír, un equipo comprometido y tan integrado que pareciera estar mimetizado.  Todos y cada uno de ellos se colocan en el mismo nivel para brindar un trabajo homogéneo y consistente.  Ejercicios escénicos impactantes y nada fáciles de olvidar.  No pierdas la oportunidad de acudir a ver ESTO NO ES DINAMARCA.  Aun cuando ahondan en lo que nos preocupa o disgusta de nuestra cotidianidad, lo presentan en tal forma que resulta grato y divertido, a través de un montaje visualmente atractivo.  Apúrate, pues sólo restan cuatro funciones.
ESTO NO ES DINAMARCA
se presenta a las 20:00 horas del jueves 4 de agosto y del viernes 5 de agosto de 2016,
a las 19:00 horas el sábado 6 de agosto de 2016,
y  a las 18:00 horas del domingo 7 de agosto de 2016,
en el FORO DEL DINOSAURIO JUAN JOSÉ GURROLA
dentro del Museo Universitario del Chopo,
ubicado en Dr. Enrique González Martínez número 10, colonia Santa María la Ribera, Ciudad de México.
DIOS. O NO SER
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2016
Tanto para los escritores como para los dramaturgos no existen límite alguno en cuanto al tema o al desarrollo de la historia que conciben.  Para el inicio les basta una idea, la estructura y la forma en que narren esa historia depende de su talento y su cultura.  El asistir al teatro siempre guarda un misterio.  Nadie sabe si la obra será de su gusto o no.  Se le puede sorprender favorable o negativamente.  Puede ser que alguien vaya porque el título le atrae, por el autor, por el elenco, por la buena publicidad, o bien, por una recomendación.
David Gaitán, nacido en la Ciudad de México en 1984, cursó sus estudios de Actuación en la Escuela Nacional de Arte Teatral.  Antes de obtener su titulación, fundó la compañía Teatro Legeste y tiempo después, co-fundó la compañía Ocho Metros Cúbicos.  A lo largo de su trayectoria se ha desempeñado como actor, director y dramaturgo.  En esta última faceta es donde más ha destacado.  Además de los muchos reconocimientos que ha obtenido a nivel nacional, en 2010 fue seleccionado para integrar el grupo internacional de dramaturgos en el Royal Court Theatre de Londres y en 2012 participó en una residencia artística en el Lark Play Development Center de Nueva York, E.U.A. 
En España los integrantes del grupo El Desván Teatro tuvieron noticia de la obra de David Gaitán y fue de su agrado-  Se sintieron tan identificados con la misma que decidieron intentar una colaboración.  Utilizando las redes sociales contactaron a David y le propusieron la realización de un proyecto conjunto.  David aceptó de inmediato y, a su vez, convocó al prestigiado director escénico Martín Acosta.  Luego de comunicarse sólo por correspondencia, el equipo binacional emprendió la aventura a través de un taller de exploración al cobijo de la Casa Luis Buñuel.
Se plantearon una pregunta que, en su momento, muchos nos hicimos "¿Dónde se encuentra el avión de Malasya Airlines?"  Recordemos que en marzo de 2014 el vuelo 370 desapareció, llevando 239 personas a bordo --227 pasajeros y 12 tripulantes--.  Desde el momento en que se interrumpió el contacto con la torre de control, empezó la alerta que desembocó en una intensa investigación para localizar la aeronave.  La búsqueda no sólo resultó ser la de mayor duración, sino también la más difícil y costosa de que se tenga registro.  Tras varias semanas de indagaciones en aguas del golfo de Tailandia y zonas aledañas, así como en el océano Índico, por si acaso el avión hubiera cambiado de rumbo, nunca se logró localizar al avión ni a las personas que iban dentro.  Se trata de algo que jamás había ocurrido, inexplicable y continúa siendo uno de los más grandes misterios.
Así que la pregunta está más que justificada.  Los participantes del taller echaron a volar su imaginación y, entre las potenciales respuestas, consideraron que pudiera haber sido alguien que, atrapado en una especie de limbo, podría haber estado huyendo de un dios cruel y retrógrado y, como lo hiciera Jonás, según la biblia, en lugar de esconderse dentro de una ballena, lo hizo en el interior del avión perdido.  Inicialmente, intitularon la obra "Proyecto Ballena", para luego renombrarla como DIOS. O NO SER
David Gaitán fue el encargado de dar estructura dramatúrgica a los resultados de la disertación del taller.  El texto, aun cuando es fantasioso, tiene una estructura sólida, con referencia a fe, religiones, vida cotidiana y muerte.  Desde su inicio capta el interés del espectador, lo mantiene y lo incrementa a lo largo de la representación.  En esta ocasión, dios es una mujer, a quien llaman la profeta de la juventud eterna.  La joven entra en un conflicto existencial cuando dice haber visto a dios haciendo algo grotesco.  Ante la magnificencia de dios, se siente hormiga y empieza a divagar afirmando que "nuestras neuronas no soportan nuestros pensamientos y que la lucidez es una tortura".  Su principal dilema es que dios le ha pedido predicar su palabra y hacer ver a los demás sus equivocaciones.  Ella se siente impotente para la encomienda.  No cree en la heroicidad y se adentra en una pesadilla donde presenciará severos castigos y rituales diversos.  Por mucho que trate de esquivar el mandato, tendrá que acatarlo, porque "huir de dios, sería como huir del mundo".
El montaje es estupendo, acción constante, originales y coordinadas coreografías individuales y de grupo, atrayente visual y sonoramente, dinámica bien trazada, cuadros muy variados, utilización de múltiples recursos teatrales y aprovechamiento a fondo del espacio escénico.  La labor de dirección por parte de Martín Acosta es formidable.
Además de la voz en off de Daniel Giménez Cacho, el elenco está conformado por dos actores españoles y dos mexicanos.  Los españoles son Domingo Cruz y Carolina Rocha, quienes representan a una especie de coro e interpretan a diversos personajes.  Los mexicanos son Diana Sedano (la profeta) y David Gaitán (el devoto).  Los cuatro tienen un excelente desempeño histriónico y corporal, destacando Diana Sedano por su excepcional corporalidad y los drásticos cambios que logra con precisión a lo largo de la obra.
Aportan su creatividad:  Matías Gorlero en iluminación,  Martín Acosta y Natalia Sedano en escenografía y vestuario,  Xicoténcatl Reyes en diseño sonoro,  Vika Fleitas y Diego Ramos en diseño gráfico,  Domingo Cruz en producción general,  Diego Ramos en producción,  Servando Anacarsis Ramos en asistencia de producción México,  Ángela Fraga en asistencia de producción España,  Tanya Gómez Andrade en asistencia de dirección y producción ejecutiva.
La producción es de la compañía española :El Desván Teatro  y  las compañías mexicanas Teatro Legeste y Teatro de Arena,  con el apoyo del Programa Iberescena.
En estos momentos en que lo virtual es tan importante como lo cotidiano, que existen juegos con realidades paralelas, resulta oportuna una ficción estrechamente ligada a la realidad.  Aventúrate a ver DIOS. O NO SER, teatro realizado por jóvenes, con sus cuestionamientos, texto interesante pleno de simbolismos, montaje excepcional, actores entusiastas y comprometidos, respaldados por creadores teatrales de gran talento.   
DIOS. O NO SER
se presenta los miércoles a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA del Centro Cultural Helénico,
ubicado en Avenida Revolución número 1500, colonia Guadalupe Inn
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro--,  Ciudad de México. 
La temporada concluye el miércoles 17 de agosto de 2016.
ARTOGRAFÍA SOBRE LA ARENA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2016
Cartografía es la técnica de trazar mapas o cartas geográficas.  Si el título de CARTOGRAFÍA SOBRE LA ARENA se refiere a un individuo, resulta más que acertado, toda  vez que si alguien pretendiera dibujar el esquema geográfico de sus vivencias aun cuando lo hiciera con una estilográfica en una cartulina, sería igual a trazarlo sobre la arena, porque los seres humanos estamos en constante movimiento y, por lo tanto, estamos sujetos a cambios.  Cuando alguien dice: "eso jamás lo haría", es probable que en determinado tiempo lo haga.  Ni nosotros mismos llegamos a conocernos a fondo, dependemos de nuestro entorno y de las circunstancias y en múltiples ocasiones cambiamos de opinión. 
En el programa de mano se lee lo siguiente:  "Cinco mujeres trazan, a través de la memoria y los recuerdos, la cartografía de su propia vidas. Vuelven sobre sus pasos para entender las migraciones y las divisiones que conforman su territorio íntimo.  A través de la amistad tejen puentes y definen las fronteras para resignificar las viejas relaciones, la vida a punto de cumplir cuarenta años, las distancias geográficas y las perdidas".    CARTOGRAFÍA SOBRE LA ARENA es un proyecto de creación colectiva de la autoría de Mahalat Sánchez,  Alejandra Chacón,  Georgina Ságar,  Raquel Urióstegui  y  Rebeca Trejo.
Cada una de las autoras aportó un texto con sus propias ideas, incluyendo, tal vez, alguna vivencia personal.   A pesar de que en el programa de mano dice que "vuelven sobre sus pasos", van mucho más lejos, hasta el origen del hombre.  Parten de la teoría de Charles Darwin (1809-1882), quien afirmaba que tanto hombres como primates descienden de un primate.  Continúan con la teoría de la evolución, respaldada por arqueólogos que afirmaron haber encontrado restos de seres a los que llaman homínidos, por su semejanza biológica con el hombre.  Representativo de los homínidos es Australopithecus por ser la primera especie que se separó de los grandes monos (gorila, chimpancé y orangután), marcando el inicio de la carrera evolutiva del hombre hace aproximadamente 4 millones de años en África. El Australopithecus también fue el primero en ponerse de pie caminando en forma bípeda.  CARTOGRAFÍA SOBRE LA ARENA comienza con una referencia al Australopithecus para trazar un mapa de arena.
Posteriormente hablan de astronautas en el espacio y de avances tecnológicos, así como del cuidado que debemos dar al planeta.
Las integrantes del elenco van alternando sus parlamentos para hablar sobre el sentir de los migrantes, mientras una dice que en su familia la migración es una tradición, otra habla de Nantes una ciudad de Francia-, una tercera recuerda la letra de "En los Muelles de  San Blas", una canción del grupo Maná -"Sola, sola en el olvido / Sola, sola con su espíritu / Sola, con su amor el mar / Sola, en el muelle de San Blas-, la problemática de hacer maletas, los viajes, recuerdos de la niñez, alimentos que prefieren, la dificultad de aprender idiomas, los miedos -aún aquellos que son inventados-, las pérdidas que han sufrido, la convicción de que todo lo que inicia termina, los misterios del mar y la importancia de la amistad.
Como suele suceder en las creaciones colectivas, el texto es fragmentado, o quizá porque se abarcan demasiados temas.  En cuanto a los parlamentos, podría decirse que son monólogos, pues casi no hay interacción oral entre ellas.   En cambio, en lo corporal, CARTOGRAFÍA EN LA ARENA está mucho mejor lograda.  La interacción corporal está bien trazada y las coreografías son coordinadas y visualmente estéticas.   
La escasa escenografía sólo consta de cuatro bancas de madera que igual sirven para sentarse que para ser usadas como pedestales o muros.  Los elementos que utilizan coadyuvan al desarrollo escénico por su simbolismo.  En ciertos cuadros, algunas de las protagonistas ejecutan instrumentos musicales o cantan.   A través del dispositivo multimedia s proyectan en una gran pantalla imágenes de momentos significativos para las autoras --fotografías de su niñez, de viajes, de lugares, etcétera-- 
En su temporada original la dirección estuvo a cargo de Ricardo Rodríguez, en tanto que para la temporada actual, la responsabilidad recae sobre Mahalat Sánchez.  Suponemos que Mahalat adoptó el trazo escénico concebido por Ricardo y quizá le introdujo algunos ajustes, así que el mérito es de ambos.  La labor de dirección es impecable, buen aprovechamiento del espacio, ritmo preciso, movimientos coordinados.
En el escenario aparecen cuatro mujeres.  Ellas son:  Georgina Ságar,   Rebeca Trejo,  Pilar Cerecedo  y  Mahalat Sánchez.  Cecilia Ramírez Romo alterna funciones.  Bien en lo histriónico y mejor en la corporalidad., 
El resto del equipo creativo está conformado por:  Elizabeth Alva en diseño de escenografía e iluminación,  Lucia Geraldo en diseño de utilería,  Rebeca Trejo y Lissete Barrios en diseño de vestuario,  Daniel Primo en video,  Abigail Araoz en asistencia de dirección,  Rebeca Trejo en producción general,  y  Sandra Narváez en relaciones públicas y prensa.
La producción es de la Compañía Dorado 70.
Entérate de diversas opiniones de jóvenes mujeres dedicadas al teatro en CARTOGRAFÍA SOBRE LA ARENA, un espectáculo ágil y entretenido.  Cuatro lindas actrices hablando, cantando y tocando algún instrumento musical.
CARTOGRAFÍA SOBRE LA ARENA
se presenta viernes a las 20:00 horas,  sábados a las 19:00 horas,  y  domingos a las 18:00 horas, 
en el TEATRO BENITO JUÁREZ,
ubicado en la calle Manuel Villalongín número 15 --cerca de Reforma e Insurgentes--, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 17 de julio de 2016.
LOS PURITANOS
Ópera

 

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2016
Por lo general, acostumbramos hablar sobre la obra musical de los compositores, pero, a veces, vale la pena, conocer ciertos datos de su vida personal.  Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (1801-1835), quien acortó su nombre para ser conocido profesionalmente como Vincenzo Bellini, nació en un entorno musical.  Vincenzo Tobia, su abuelo, se ganaba la vida como agricultor, pero era un apasionado de la música, tanto que se convirtió en violinista aficionado y tocaba su instrumento en cuanta reunión se lo solicitaran.  Heredó a su hijo Rosario Bellini su pasión y éste se convirtió en organista profesional.  Cuando nació Vincenzo Bellini, tanto el padre como el abuelo le impartieron sus primeras lecciones de música desde muy temprana edad.
Vincenzo Bellini no tardó en convertirse en niño prodigio.  Cuentan sus biógrafos que al año y medio de edad podía cantar un aria completa, que a los dos años comenzó a estudiar teoría musical, a los tres inició sus lecciones de piano, instrumento que llegó a tocar con soltura dos años después, es decir, a los cinco de edad.  Gracias a que se supo de sus sorprendentes avances, el duque de San Martino le otorgó una beca en el Colegio San Sebastián de Nápoles, Italia, donde cursó estudios de armonía con Giovanni Furno, de contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli.
Vincenzo Bellini compuso música sacra, de cámara, un concierto para oboe, sinfónica y otros géneros musicales.  Sin embargo, fue la ópera la que le dio fama.   Su primera ópera fue "Adelson e Salvini" en 1825, cuyo éxito fue rotundo y, a raíz de éste, Domenico Barbaja, director del Teatro de San Carlos de Nápoles y de La Scala de Milán, encargó a Bellini que produjera más obras.  Probablemente, su ópera más conocida es "Norma", sobre todo, porque en una de sus reposiciones fue protagonizada por la afamada cantante María Callas. 
Los expertos dicen que las óperas de Bellini son representativas de la pasión romántica.  Se sabe que Bellini sirvió de inspiración a otros célebres compositores, como Verdi y Wagner en el aspecto operístico, mientras que en el ámbito instrumental a Chopin y Liszt, entre otros.  Quizá por su sensibilidad y conocimientos Vincenzo Bellini hubiera sido el más grande compositor de todos los tiempos, pero lamentablemente la vida no le duró tanto para serlo.  La obra que cerró su ciclo creativo fue LOS PURITANOS (I puritani), con libreto de Carlo Pepoli, basada en Têtes rondes et cavaliers (Cabezas redondas y caballeros) de Jacques-François Ancelot y Joseph Xavier Saintine, misma que fue estrenada en París en el Théatre Italien (Teatro Italiano) el 24 de enero de 1835.  Unos cuantos meses después, Vincenzo Bellini perdió la vida tras una breve enfermedad, el día 23 de septiembre de ese año, teniendo tan solo 34 años de edad.
A pesar de su corta vida, Vincenzo Bellni es reconocido como un insigne compositor y destacado melodista. La ópera es una de las disciplinas musicales que más trabajo demanda.  De principio, se requiere de     un texto, luego los parlamentos con arias y recitativos, algunos coros para apoyar a los intérpretes, la composición musical y la orquestación.  Cada melodía debe ser interpretada por un cantante con determinada tesitura,   Así mismo, se debe mantener la continuidad de la acción dramática y combinar los cuadros con precisión y las voces con armonía. 
La trama de LOS PURITANOS es un triángulo amoroso.  Riccardo está muy enamorado de Elvira y regresa del campo de batalla dispuesto a conquistarla, pero al llegar se entera de que Elvira está por casarse con Arturo.  Tras un malentendido, la boda no se celebra.  Elvira pierde la razón por el amor que profesa a Arturo,  La acción se desarrolla en una época en que estaba de moda Escocia, con todo su romanticismo, aunado a sus brumas y castillos tenebrosos.  Cromwell había derrocado a Carlos I, último rey de la dinastía Estuardo, así que al drama romántico que viven los protagonistas, se le suman los conflictos social, político y religioso que privan en esos momentos.  Se sabe que los partidarios de Cromwell practicaban un protestantismo extremo que, en aquel entonces, se definía como 2puritanismo".  De ahí el título de esta ópera.
Los personajes son:  Elvira --soprano-- (hija de Lord Valton, enamorada de Arturo).  Lord Arturo Talbot --tenor-- (novio de Elvira, Capitán, partidario de los Estuardo),  Sir Riccardo Forth  --barítono-- (coronel, líder Puritano y enamorado de Elvira),  Sir Giorgio Valton --bajo-- (tío de Elvira, coronel retirado, Puritano),  Enrichetta de Francia --mezzosoprano o soprano-- (viuda de Carlos I, fugitiva de Cromwell),  Sir Bruno Robertson --tenor-- (oficial Puritano, amigo de Riccardo),  Lord Gualterio Valton --bajo-- (padre de Elvira, Puritano, Gobernador del Castillo de Plymouth),  y  el Coro (soldados, Puritanos, habitantes del castillo y otros).
Aun cuando Vincenzo Bellini concibió la expresión lírica demandando gran precisión y agilidad vocal, así como la utilización de marcadas y variadas coloraturas, el elenco mexicano superó el reto y sorprendió a la audiencia con su magistral interpretación.  Leticia Altamirano (Elvira),  Javier Altamirano / Alessandro Luciano (Lord Arturo Talbot),  Armando Piña (Sir Riccardo Forth),  Rosendo Flores (Sir Giorgio Valton),  Isabel Stüber Malagamba (Enrichetta de Francia),  Enrique Guzmán / Edgar Gutiérrez (Sir Bruno Robertson),  y  José Luis Reynoso (Lord Gualterio Valton).  Los Covers o Suplentes son:  Angélica Alejandre (Elvira),  Hugo Colín (Lord Arturo Talbot),  y  Oscar Velázquez (Sir Riccardo Forth).
El diseño de escenografía de Luis Manuel Aguilar es muy acertado, provee el ambiente propicio, práctica y ofrece ciertas variantes.  La espectacularidad escénica reside en el diseño de vestuario por parte de Brisa Alonso, a quien con esta encomienda se le dio la oportunidad de tener un lienzo de mayores dimensiones para plasmar su arte.  En esta ocasión, Brisa pudo echar mano de oropeles, gasas, sedas, linos, rasos, mantas, brocados, apliques, complejos bordados, y hasta hojalateó armaduras, sin dejar de lado los múltiples detalles, como botonaduras y demás.  Brisa Alonso desplegó su creatividad en todos los atuendos de dama y de caballero.  Combinó telas y colores en forma impresionante.  La elegancia y vistosidad alcanzadas son incomparables.  La talentosa Brisa no se ciñe por esquemas ni se impone límites, sin embargo, realiza una exhaustiva investigación para determinar tendencias y modo de la época de que se trate.  Igual confecciona un traje varonil en tonos vivos que provee vuelo a una falda sin necesidad de un miriñaque metálico.  Prueba de ello es que Elvira, enfundada en su suntuoso vestido de novia, puede hincarse, correr, o arrojarse al suelo, sin denotar rigidez alguna por el vestuario.  Definitivamente, Brisa es una de las mejores diseñadoras de vestuario en nuestro país. 
El resto del equipo creativo está integrado por:  Srba Dinic, director concertador,  Ragnar Conde, director de escena,  Carlos Arce, diseño de iluminación,  Gabriel Ancira, diseño de maquillaje y peluquería,   Orquesta y Coro del Palacio de Bellas Artes,  Christian Gohmer, director huésped del coro,  Bertha Coutiño, producción,  Rogelio Riojas-Nolasco, asistente musical,  Gilberto Gamboa,  Sergio Vázquez y Ángel Rodríguez, pianistas y maestros internos,  César Velázquez y León Felipe Tapia, maestros internos,  Hilda Pamela Garduño, asistente de dirección de escena,  Francisco Méndez Padilla, traducción y supertitulaje.
LOS PURITANOS se estrenó en México en el Teatro Principal en febrero de 1843.  Se volvió a representar en el Palacio de Bellas Artes hasta mayo de 1952 y recientemente a finales de mayo de 2016. 
El desempeño de los artistas mexicanos dedicados al  bel canto es extraordinario.  Varios de ellos son constantemente contratados para plazas importantes en todo el mundo y representan a México con mucha dignidad.  Nos sentimos muy orgullosos de ellos.  Esperamos que LOS PURITANOS sea repuesta en un futuro próximo.  De cualquier forma, es grato saber que el Palacio de Bellas Artes siempre ofrece una cartelera amplia y atractiva.
PASEO POR LAS ESTRELLAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2016
Al nacer, el primer lazo con la humanidad lo constituye la madre. Es común que el recién nacido reconozca la voz de la madre, en virtud de que lleva meses escuchándola desde el vientre.  Una vez que el bebé va tomando más conciencia, además de la madre, se va relacionando con el padre, los hermanos, los abuelos y el resto de la familia.  La salud física y mental en los primeros años del pequeño dependen absolutamente de los padres.  Poco a poco se va desarrollando el cariño entre el niño y sus familiares y con algunos se estrechan tanto que se crean vínculos indisolubles.
Cuando fallece alguna de las personas con quienes se tienen vínculos semejantes, el vacío que dejan es tan doloroso que lo único que podemos hacer es atesorar su memoria en nuestro corazón, agradecer todo lo que nos proporcionó, revisitar los lugares que juntos recorrimos y recordar con amor todos y cada uno de los gratos momentos vividos a su lado.
La reconocida dramaturga mexicana Silvia Peláez es una mujer polifacética.  Se ha desempeñado como directora teatral, docente, investigadora, traductora, guionista y narradora.  Y también es hija y nieta.  Como todo ser humano, ha sufrido pérdidas dolorosas cuando alguno de sus seres más amados ha partido.
Un día Silvia sintió nostalgia al extrañar a su padre.  Recordó cuando él le mostraba el cielo y la ilustraba sobre las constelaciones, comentándole que, a su vez, el padre de él le había hecho apreciar el universo.  Ese recuerdo la hizo feliz y dio paz a su espíritu.  Decidió compartir esta experiencia y esto indujo a Silvia a incursionar en la dramaturgia de obras para niños.  Partiendo de la metáfora de "lo distante siempre presente", la creatividad de Silvia hizo el resto y es así como surge PASEO POR LAS ESTRELLAS.
El texto de PASEO POR LAS ESTRELLAS es de buena factura, estructurado y, por momentos, poético al tocar esa parte tan sensible que implica la pérdida de un ser amado.
El pequeño Pablo acaba de perder a su abuelo, a quien adoraba.  Uno de los juegos que añora, era cuando juntos exploraban el firmamento y Pablo debía descubrir estrellas para nombrarlas   Esto aunado a la costumbre popular de decir de quienes han partido que "se fueron al cielo", le da la seguridad de que su abuelito debe andar por allá.   Le preocupa que "olvidó" sus zapatos y que sin estos no podrá caminar tal y como lo hacía, así que decide llevárselos.  Para ello, tendrá que buscar la forma de encontrar a su abuelo.  Se le ocurre que ha de estar en la Constelación del Cisne, la cual él definía como la constelación de la amistad.
Pablo sabe que tendrá que sortear dificultades para llegar hasta el cielo, pero la ilusión propia de los pequeñines hará que su imaginación tenga alas.  Lo importante es encontrar al abuelo y entregarle su calzado.  Durante el recorrido, Pablo sentirá la presencia de su abuelo más fuerte que nunca antes.
Para la puesta en escena, Silvia Peláez entregó su texto a Alicia Martínez Álvarez y a Fernando Sakanassi, concediéndoles total libertad para la concepción del montaje.
Alicia Martínez Álvarez, experta en máscaras, opta porque el actor utilice una.  Las máscaras son un arma de doble filo.  Por un lado, coadyuvan con la magia teatral y hacen más etéreo a un personaje.  Por otro lado, ocultan la expresión facial tan importante para una representación.  En la obra que nos ocupa, puede ser que hagan lucir al actor más infantil, pero, le disminuyen notablemente su expresividad. 
Para el montaje utilizan muy pocos elementos, pero con definido simbolismo.  Por ejemplo, el abuelo es representado por un pequeño sillón con unas gafas encima.  También hay títeres chicos --supuestos a ser alter egos de Pablo-- y un pequeño piano que suena espléndidamente.  Dan relevancia particular a la iluminación para emular el brillo de los astros celestes y crear un entorno mágico.
La dirección por parte de Alicia Martínez Álvarez está bien trazada, movimiento constante, pausas programadas, buen ritmo.
En el aspecto histriónico, Fernando Sakanassi no destaca como lo ha hecho en sus anteriores interpretaciones, si bien, hay que tomar en cuenta que en esta obra va a contracorriente en todo.  Fernando mide casi 2 metros de altura, así que luce como un niño grandote.  Como comentamos antes, la máscara le impide expresión natural y, a causa de la impostación de su potente voz para hacerla infantil, su tono resulta monótono.  No es sino hasta el final de la obra que al retirarse la máscara y emitir su voz, cuando llega al corazón del espectador.  En tanto logre que los niños se identifiquen con él y los haga sus cómplices en los ejercicios de interacción, habrá logrado su objetivo.
Edgar Mora es el diseñador de escenografía e iluminación.  Rodrigo Muñoz diseña el vestuario.  La producción es independiente por parte de Laboratorio de la Máscara  y  Teatro Nómada.
Adéntrate en esta tierna historia, acompañando a Pablo en la búsqueda de su abuelo a través de las estrellas. A ustedes los hará evocar el amor y apego a quienes se han ido y a los pequeños les caerá bien Pablo y les encantará estar dentro de un teatro que tiene una carpa similar a la que utilizan los circos, toda vez que la obra se representa en la Bambudésica, llamada así porque es una carpa geodésica construida con bambú, un hermoso lugar fuera de lo común.  Además, para grandes y chicos, la carpa está enclavada dentro de un huerto urbano que fue creado con base en la permacultura --trabajar con la naturaleza y no en contra de ella--.  En el huerto hay siembras de frijol, rábano, calabaza y betabel. Cuentan con un gatario que se puede visitar y hay diversos puestos en donde venden productos naturistas y artesanales: plantas, mermeladas, jaleas, salsas, moles, mezcal, quesos, sales de baño y mucho más.  En el campo cultural, además del multiforo, se imparten talleres.
¿Qué más se puede pedir?  No sólo disfrutarás dando un PASEO POR LAS ESTRELLAS, sino que también podrás adquirir productos saludables, dentro de un espacio ecológico.  Te comento que el multiforo está detrás de unos puestos de comida, así que, para identificar la entrada a Huerto Roma Verde, busca un hueco entre dichos puestos, hasta ver un letrero que dice: "PozoleMoleChiliza".
PASEO POR LAS ESTRELLAS
se presenta sábados y domingos a las 13:00 horas en el
MULTIFORO BAMBUDÉSICA, dentro de HUERTO ROMA VERDE,
ubicado en Jalapa número 234 --entre Coahuila y Campeche--,
colonia Roma Sur, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 10 de julio de 2016.
45 MINUTOS DE DIVÁN
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2016
Cuando conocemos a alguien, si nos interesa, quisiéramos saber todo sobre esa persona.  Es común que hagamos preguntas sobre a qué se dedica, cuáles son sus anhelos, sus pasatiempos, sus opiniones.  Dado que nadie tiene una bola de cristal, ni dotes de adivinación, esta es la forma normal de conocernos unos a otros.  El hecho es que aun cuando sostengamos largas charlas, jamás lograremos conocer al otro a fondo porque hay ciertas cosas que se callan, sea porque es algo que intencionalmente no deseamos revelar, o bien, porque ni nosotros mismos hemos tomado conciencia de que forman parte de nuestra personalidad.  Estos aspectos inconfesables, sólo pueden salir a la luz en una sesión de psicoterapia. 
Los psicólogos y los psicoterapeutas tienen las habilidades y los mecanismos para que en sus sesiones los pacientes digan lo que realmente sienten.  Si alguna persona intenta engañarlos, ellos se darán cuenta y no sólo eso, sino que sólo a través de la verdad es que se puede prescribir el tratamiento adecuado.  Si las terapias se basan en mentiras, tanto el profesional, como el paciente perderán sus respectivos tiempos irremediablemente.
Todo ser humano es curioso por naturaleza, ¿a poco no te gustaría asistir a una de esas sesiones y enterarte de lo que le ocurre a un semejante?  45 MINUTOS DE DIVÁN nos brinda esta oportunidad.  Se trata de un  proyecto teatral creado por Té de Artes Escénicas con textos de David Olguín, Felipe Rodríguez y Kenia Abril Lara.  Está cumpliendo cinco años de presentaciones en diversas temporadas y distintos foros.  Algún tiempo se estuvo presentando dentro del Movimiento Teatro Íntimo en Departamentos, del que Xavier Villanova, dramaturgo, director y actor, es  fundador y promotor.  La producción considera que 45 MINUTOS DE DIVÁN ha cumplido su ciclo y la despiden en esta su última temporada.
En el diván los pacientes se relajan para liberarse.  Tienen que compartir con su terapeuta todo lo que sienten, hasta sus más íntimos pensamientos.  Quien acude a una terapia va en busca de cura.  Si tomamos en cuenta el costo, para que la sesión sea efectiva, se debe aprovechar bien el tiempo.  Dos mujeres muy diferentes entre sí, acuden al consultorio con esto en mente.  Coinciden en que ambas logran abrirse totalmente ante el médico ... le revelarán lo que a ningún otro ser confesarían.
Ana es muy atractiva y lo sabe, tiene un buen empleo.  Luce muy ejecutiva y segura de sí misma.  Disfruta fumar.  Cualquiera se preguntaría ¿por qué requiere de tomar terapias?  La verdad es que Ana se desarrolla perfectamente en su vida social y laboral, pero en el área personal no ha encontrado al hombre de sus sueños.  Abundan los pretendientes y tiene en su haber varios romances fallidos ... ¿qué puede hacer para cubrir el hueco que supone hay en su vida?
Amalia lleva años de casada.  Le gusta su hogar, lo limpia a fondo, lo cuida, lo adorna.  De hecho, es hiperactiva y no sabe estarse quieta.  Ama a su esposo, pero, en la intimidad es aburrido.  Se siente aprisionada por la sociedad, el amor, el qué dirán ... quisiera desplegar las alas y volar.  Su imaginación le brinda aventuras plenas de pasión.
El montaje es en formato de teatro íntimo, así que está diseñado en forma sencilla, sólo dos sillones y un perchero.  Como implemento escénico utilizan unos reflectores que, por un lado, coadyuvan con la ficción y, por el otro, lamentablemente, lastiman los ojos del espectador en ocasiones, al llegarle en forma directa por lo reducido del espacio.
Kenia Abril Lara realiza una labor de dirección impecable.  El trazo escénico es fluido, el desplazamiento dinámico y el ritmo constante.
El trabajo histriónico y corporal es estupendo.  Las actrices Amaranta Getino (Amalia)   y  Laura Camés (Ana) encarnan a sus personajes a la perfección, infundiéndoles parte de sus atributos personales.  Amaranta, su gracia y Laura, su sensualidad.  Ambas están adorables. 
Alfredo Macías Rubio es productor ejecutivo  y  Fernanda García es asesora de vestuario.
Acompaña a Ana y Amalia a su terapia de 45 MINUTOS DE DIVÁN.  Procura que no se den cuenta, para que puedan explayarse a gusto.  Conocerás el alma al desnudo de estas dos jóvenes, es decir, sus más íntimos secretos y ... deseos.  Te divertirás tremendamente.  Recuerda que si no vas ahora, te la pierdes, puesto que es la última temporada. 
45 MINUTOS DE DIVÁN
se presenta los sábados a las 18:00 horas en el
ESPACIO URGENTE 1 del FORO SHAKESPEARE,
ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa --cerca de la Estación Chapultepec
del Metro--, Ciudad de México.
La temporada concluye el sábado 30 de julio de 2016.
LA ÚLTIMA PALABRA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2016
En fechas recientes las redes sociales se revolucionaron ante la etiqueta (#hashtag) "mi primer acoso".  Innumerables historias sobre acoso, abuso, golpes, maltrato y/o violación fueron narradas por usuarios.  Estos relatos --algunos realmente tenebrosos-- narrados en primera persona, no sólo nos conmovieron sino que nos llevaron a la reflexión de que derivan de la equívoca premisa sobre el sexo fuerte, que no es sino el machismo.  El abuso de poder o de fuerza física para dañar a una víctima es un acto deleznable que no debe ser permitido.  Salieron a la luz algunos nombres y apellidos y no nos queda sino esperar que se imparta la justicia. 
Existe otro tipo de crueldad de la que, comúnmente, no se habla, pero que está mucho más generalizada de lo que creemos y se trata de la violencia intrafamiliar, la cual es igual de abominable que los demás actos de acoso o abuso, con el agravante de que ocurre dentro de un lugar preciado.   Todo ser viviente se preocupa y esfuerza por tener un hogar, llámese nido, madriguera, colmena o casa, es el lugar que sirve de protección y amparo, donde uno se siente cobijado y seguro.  Los hombres que agreden a sus mujeres dentro del hogar cometen una doble afrenta: victimizan a quien los ama y mancillan su hogar.
Por naturaleza, las mujeres son románticas y cuando se enamoran lo hacen con todo su ser.  Suelen ver al elegido como su príncipe azul y lo idealizan agregándole cualidades que sólo están en su pensamiento.  Les cuesta mucho trabajo situarse en la realidad.   La mayoría de los ataques son bajo el influjo del alcohol.  Al principio, ellas tratan de encontrar justificaciones:  cometí un error, lo hice enojar, tomó de más, etcétera, porque su mente no puede aceptar que su príncipe sea un agresor.  Sin embargo, mientras más a menudo o más intensas sean las agresiones, llegará el momento en que tomen conciencia de lo que realmente ocurre.  Por profundo, sincero e incondicional que sea el amor termina por esfumarse y el rostro del ser amado se va desdibujando para redefinirse en el de un miserable-  Es ahí cuando se le puede ver  tal y como es.  La desilusión, el dolor y el terror que padecen estas mujeres son inenarrables.  Lo lógico sería intentar una separación, sin embargo, es muy difícil que el verdugo libere a su víctima, tanto como pretender arrancar una presa de las garras de un depredador.  En caso de que medien amenazas de muerte o si la mujer siente que su vida o la de sus hijos corre peligro, el instinto de supervivencia le infundirá la fortaleza necesaria para buscar la forma de suprimir los ultrajes, incluso, si la única salida es matar o morir.
Un caso semejante a éste es la temática elegida por el connotado autor argentino Luis Agustoni para LA ÚLTIMA PALABRA, un texto de excelente factura, muy estructurado, escrito con inteligencia y conocimiento, con parlamentos fundamentados y personajes bien definidos, que capta el interés de principio a fin.  En nuestro país recordamos a Luis Agustoni por Los Lobos. uno de sus grandes éxitos.  Su trayectoria teatral es amplia y en la misma se engloban sus diversas facetas, toda vez que se ha desempeñado como actor, director, docente y dramaturgo.  Ha sido merecedor de numerosos premios, entre los cuales hay muchos de gran relevancia.  Sus obras han sido presentadas básicamente en Argentina, México, Chile, Uruguay, Brasil, Perú, Venezuela y Colombia.
La trama de LA ÚLTIMA PALABRA versa sobre la deliberación de un jurado para emitir sentencia a Adriana Vélez, quien asesinó a Ernesto Molina, su esposo.  En la sala del  tribunal, tres jueces habrán de llegar a un acuerdo unánime que decidirá el destino de Adriana.  En el expediente del caso consta que Adriana era víctima de violencia intrafamiliar.  En varias ocasiones, trató de levantar denuncias en contra de su marido, pero éstas no prosperaron.  Optó por separarse de su esposo y conseguir un trabajo.  Dado que durante el matrimonio procrearon a Tomás, continúa reuniéndose con Ernesto cuando él hace las visitas paternas. 
Tras la revisión, cada uno de los jueces da un veredicto distinto.  El problema es que deben unificar su decisión y dictar la sentencia definitiva.  Para alcanzar un acuerdo tal vez requieran escuchar LA ÚLTIMA PALABRA de Adriana.
La dirección corre a cargo de la primera actriz Angélica Aragón, quien hace una labor brillante. Planea bien el desplazamiento escénico de su elenco y acentúa las características individuales de cada personaje mediante la corporalidad adecuada.  Mantiene buen ritmo.

El montaje es realista. Representa la sala de un tribunal de justicia de un tribunal, moderna, con tintes propios de burocracia, mobiliario adecuado, café, jugo y agua para hidratarse, computadora portátil para que la secretaria del jurado lleve constancia de la deliberación.  La escenografía e iluminación son provistas por Edgar Sánchez.

El elenco para personificar a los tres magistrados y a la secretaria del tribunal está conformado por:  Roberto D'amico,  Pablo Perroni,  Víctor Huggo Martin  y  Adriana Llabrés, quienes ofrecen un formidable trabajo histriónico y corporal.  Roberto encarna al magistrado decano, a punto de jubilarse, muy respetado por su experiencia y desempeño,  Pablo al magistrado joven, inteligente, de carácter fuerte, de físico cuidado, algo galán e impulsivo,  Víctor Huggo al magistrado tradicional, ecuánime, educado, elegante, siempre en busca de una solución justa,  y  Adriana a la abogada que funge como secretaria del tribunal, la belleza no le resta inteligencia ni profesionalismo, con una memoria tan privilegiada que dicen de ella que "tiene un disco duro en el cerebro".

El resto del equipo creativo lo integran:  Mariano Ducombs y Eloy Hernández en producción,  Sebastián Ventura en multimedia,  Rubén Vera en diseño gráfico,   Memo Pineda en relaciones públicas y medios,  Julio Arroyo en asistencia de dirección,  Patricia Hernández Mendoza, Alejandra Sandi, Francisco Hernández Castelán y Georgiana Cueto en coordinación de producción.

Cabe hacer la aclaración de que se trata del estreno mundial de LA ÚLTIMA PALABRA.  No pierdas la oportunidad de ver esta obra.  Texto interesante sobre un tema de actualidad, acertadas interpretaciones y buena dirección.  Sería maravilloso que el teatro contribuyera a que al menos un agresor se concientice de cuánto daño causa y que entienda que mientras mejor trate a su mujer más placentero será su hogar.

LA ÚLTIMA PALABRA
se presenta los lunes a las 20:30 horas en el
TEATRO HELÉNICO,
ubicado en Avenida Revolución número 1500, colonia Guadalupe Inn --cerca de la Estación Barranca del Muerto
del Metro--,  Ciudad de México. 
La temporada concluye el lunes 1° de agosto de 2016.

TÓCALA DE NUEVO, CACHO

 

 

Por:  Eugenia Galeano Inclán

Mayo 2016

 
 
En México hay mucha gente que hace teatro, lo cual deriva en una amplia cartelera de oferta teatral.  Además del teatro comercial, existen teatros, complejos teatrales, foros alternativos y algunos restaurantes o bares.  Cada quien decide qué ver y dónde verlo.  Por lo general, se prefieren los teatros conocidos a los pequeños foros,   Se cree que en los espacios alternos sólo se presentan obras experimentales o actores recién egresados, lo cual no es cierto.  En ocasiones, hay buen teatro en esos lugares.  Este es el caso de TÓCALA DE NUEVO, CACHO, co-escrita por Oscar "Tato" Tabernise y Enrique Morales, dramaturgos argentinos.  Se trata de una comedia al estilo de teatro cabaret.
 
Los personajes de TÓCALA DE NUEVO, CACHO, también llamada Catálogo de Perversiones, son en su mayoría mujeres y las hay de todo tipo, algunas de ellas están inspiradas en los casos reales que Sigmund Freud describió en sus libros.  El estructurado texto lleva al espectador a ser testigo de la minuciosa investigación que lleva a cabo un detective privado para localizar a Cacho Bongiovanni.
 
Segismundo Bogart es un hombre algo soñador, le encanta ir al cine y  leer, sobre todo, novelas policiacas.  Al ejercer su trabajo, se siente protagonista de esas novelas.  Es gran admirador de su tocayo de apellido, el actor Humprey Bogart.  Una mujer lo llama y le dice que desea contratarlo para que esclarezca la desaparición de su marido, Cacho Bongiovanni.  Segismundo acude a conocer a su cliente -una mujer con doble personalidad- que, cambia entre ser Charlotte y Ana O.  De cualquier modo, la dama impacta a Segismundo y no dejará de tenerla en mente durante su investigación.  El caso se va complicando devbido a que Cacho es un amante empedernido y Segismundo habrá de visitar a todas las mujeres relacionadas con Cacho.  Es así como tiene que interrogar entre otras a a Mesalina, Juliet, Jusanita y su abuelita, la licenciada en análisis veterinarios Paloma Sánchez, Marta y hasta a Narcisa, la mejor bailarina del mundo.  ¿Logrará el detective ubicar a Cacho?
 
Sin escenografía, el montaje se basa en el desempeño actoral y la corporalidad del elenco.  Los entornos son creados mediante musicalización y múltiples cambios de vestuario femenino.  Cada vez que el detective se entrevista con una nueva mujer habrá de recordar a Charlotte / Ana O con un tema musical "tan pequeña es ... tan fragil es".  El espectáculo está muy bien planeado y logrado.  El elenco y el encargado de la musicalización forman un equipo muy profesional y comprometido.
 
Admirable trabajo histriónico y corporal por parte de Guillermo Jair (Segismundo Bogart) y Adriana Reséndiz, quien, además sorprende con su versatilidad al interpretar a todos los personajes femeninos.  Como actor invitado, Andrés de León encarnando a Cacho Bongiovanni y deleitando al público con su melodiosa y educada voz.  Cada semana un invitado distinto se incorpora al proyecto e interactúa con el dúo formado por Guillermo y Adriana.  Los próximos invitados serán:  Alberto Reyes (22 de mayo)  y  Fercho Nolla (29 de mayo).
 
La producción está a cargo de Sergio Hernández López.
 
Embárcate en la vertigionosa aventura de investigar la desaparición de Cacho, acompañando y apoyando al detective Segismundo Bogart.  La diversión está garantizada.   Pásate una tarde de domingo distinta, disfrutando de un espectáculo bien armado y actuaciones muy convincentes.  Como el foro es de cupo limitado, te sugerimos llegar temprano para asegurar tu lugar.  Hasta podrías llegar con tiempo, comer ahí -platillos deliciosos-, o bien, tomarte una aromática taza de café recién hecho, un frappé, una cerveza o una Margarita.  Incluso, tienen ciertas promociones si muestras el boleto de entrada. 
 
TÓCALA DE NUEVO, CACHO
se presenta los domingos a las 18:00 horas en el
FORO DEL TEJEDOR
--dentro de la Cafebrería El Péndulo--, ubicado en Álvaro Obregón número 86,
colonia Roma, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 29 de mayo de 2016..
SE BUSCA MARIDO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2016
Sebastián Ferrat ha trabajado en televisión y teatro.  Entre sus participaciones se encuentran la telenovela Reina de Corazones, la obra de teatro Ya mátame por favor y la teleserie El Señor de los Cielos, personificando a "El Marcado".  Hace ocho años incursionó en la dramaturgia al concebir SE BUSCA MARIDO, la cual estrenó en 2012 en el Foro Tu Escenario de la ciudad de Chicago, Illinois, Estados Unidos de Norteamérica, aprovechando que imparte algunos talleres en dicho espacio.  El éxito de SE BUSCA MARIDO en Chicago quedó avalado al ser la primera obra teatral en idioma español que se mantuvo en cartelera durante 22 semanas, a teatro lleno.
Animado por la buena temporada en el país vecino, Sebastián decide presentarla en México como autor, director, productor y actor.  Anuncian SE BUSCA MARIDO como un triángulo en el que las contrapartes son un hombre y una mujer que desean conquistar a un hombre.  En realidad, es una comedia de enredos escrita mediante lo que en el medio del espectáculo se conoce como sketches (cuadros), cuyo objetivo primordial es provocar la risa.  Los cuadros se van entrelazando hasta formar la historia completa. 
Mauricio es quien supuestamente busca marido.  Está cansado de tener amantes ocasionales y lo que anhela es encontrar un amor estable.  Es tan grande su deseo que en cada joven bien parecido que se cruza por su camino ve al "amor de su vida".  Su mejor amiga y confidente es Fidelia -una especie de chamana-, a quien convoca cada vez que surge cualquier tropiezo.  Ella siempre acude al instante, dispuesta para apoyar a su querido amigo.  Un día que Mauricio va manejando, ya casi para llegar a su casa, ve a otro prospecto de amor.  Se emociona tanto que lo atropella.  Por suerte, nadie lo ve.  En lugar de llamar a emergencias, decide llevárselo.  Por supuesto, habrá de hacer el acostumbrado conjuro para que Fidelia aparezca.
El atropellado se encuentra inconsciente.  Tanto Mauricio como Fidelia quedan estupefactos ante la galanura del recién llegado.  Cuando por fin recobra el conocimiento, dice que no recuerda nada.  Esta pérdida de memoria podría ser utilizada por Mauricio a su favor.  Dado que no recuerda ni su nombre, los anfitriones deciden nombrarlo Antonio ¿Será el desconocido el amor que tanto espera Mauricio?
El relato está salpicado de doble sentido, palabras altisonantes, chascarrillos y bromas sobre temas de actualidad en la Ciudad de México -como las contingencias ambientales, el doble no circula, etcétera-. El montaje es sencillo.  La escenografía a base de mamparas de llamativos colores, con estructuras metálicas superfluas, sirve para representar el departamento de Mauricio.  La labor de dirección por parte de Sebastián Ferrat es acertada, mantiene buen ritmo y diseña bien el desplazamiento escénico.
La iluminación está bien distribuida, no así el sonido que presenta ciertas fallas, por ejemplo, que se escucha mucho más alto cuando la voz proviene de alguien que está fuera de escena.
En la parte actoral es Sebastián Ferrat (Mauricio) quien lleva la carga principal.  Pedro Prieto (Antonio), popular por ser actualmente conductor en el programa Hoy de televisión, tiene escasos parlamentos.  Bárbara Torres (Fidelia), mejor conocida por su personaje de Excelsa en la Familia P.luche -serie televisiva-, hace gala de sus tablas recurriendo a la improvisación para enmendar sus equivocaciones.  Participa como invitada -no se le anuncia en el programa de mano- la actriz María Rebeca, de amplia trayectoria, aportando una convincente interpretación.
La producción es de Effect Producciones.  Los productores son Oscar Salgado y Sebstián Ferrat.  El productor asociado es Alfonso Martínez.  El asistente de producción es Guillermo Cortez.  La asistente de dirección es Diana Mota.  La prensa está a cargo de Emilio Morales y las redes sociales de Karla Santos.
Una comedia ligera diseñada para provocar risa con facilidad.  Lo mejor es el atractivo visual, tanto Sebastián Ferrat como Pedro Prieto son jóvenes muy guapos que cultivan su físico.  Pedro luce su cuerpo con desparpajo y queda en trusa sobre el escenario.  Si lo que quieres es diversión, tienes una opción en SE BUSCA MARIDO.
SE BUSCA MARIDO
se presenta los jueves a las 20:30 horas en el
Teatro SILVIA PINAL,
ubicado en Versalles número 27, colonia Juárez, Ciudad de México.
IRIS HACE SALA
Por.  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2016
Toda mujer anhela verse más joven.  Sin importar  cuántos años tenga si alguien le dice "oye, qué bien te ves, no digas tu edad porque nadie te creerá", es indudable que se sentirá feliz.  Sin embargo, toda regla tiene su excepción y, en el caso que nos ocupa, Iris es esa excepción.  Iris se siente muy orgullosa cuando le dicen que aparenta más edad.  Iris es una encantadora niña de 7 años a quien le fascina la vean como si tuviera 25. 
De entrada, Iris nos explica que "hacer sala" es recibir amigos en casa.  Iris es una pequeña que vive entre adultos, no tiene hermanos ni primos de su edad.   Ha tenido que acostumbrarse a las conversaciones entre su madre y su abuela.  A fin de participar en esas charlas, Iris se comporta a la altura y es así como se ha convertido en una niña "adulta".  Se precia de ser distinguida y lo que más disfruta es hacer sala, para contar a sus amigos imaginarios lo mucho que ha aprendido sobre la vida.
Sólo puede verse el lado infantil de Iris en su ingenuidad y su carismática ternura.  En la sala teatral, el espectador se convierte en el amigo imaginario de Iris.  Ella lo recibirá cordialmente y lo mantendrá entretenido a lo largo de toda la función con su amena charla, contándole las características de su abuela Claudet y de su madre Dominick, a quienes imita en su forma de hablar y de moverse, a fin de retratarlas mejor.  Así mismo, ella dejará ver lo mucho que ha aprendido al comentar la forma en que ve los ciclos de la vida, el crecimiento y el desarrollo del ser humano. Hará una que otra confesión, como que un día estaba tan cansada que se quedó dormida haciendo sala, algo imperdonable para una criatura tan distinguida como ella.  Compartirá los cuestionamientos que se hace y algunas de sus propias reflexiones.
En contraposición con la madurez que ha adquirido y lo mucho que sabe, continúa siendo niña.  Amante de la naturaleza, se ha creado un entorno de fantasía -parecido al de Alicia en el país de las maravillas-, el de Iris está lleno de libros, plantas, sorpresas, melodías, juegos y movimientos corporales. Iris cuida de su jardín tanto como de sus modales.
IRIS HACE SALA es de la autoría de Dominick Parenteau-Lebeuf, dramaturga canadiense reconocida internacionalmente.  El estructurado texto narra el sentir de Iris con sensibilidad, proveyendo una interesante visión de lo cotidiano desde la perspectiva de una encantadora niña.
La idea del montaje de IRIS HACE SALA en México surgió de un taller de traducción de literatura dramática que impartió Boris Schoemann en el Centro Universitario de Teatro en 2012.   Fue a la actriz Violeta Sarmiento a quien tocó traducir este texto.  Iris le arrebató el corazón a Violeta y no descansó hasta lograr llevar a escena IRIS HACE SALA, incluso, asumiendo la responsabilidad de dirigirla.
La labor de dirección de Violeta es impecable.  Violeta ilumina el mundo de Iris haciéndolo multidisciplinario.  En forma creativa fusiona estética visual con música y corporalidad, dando así, realce a la atrayente narrativa.  Violeta cuenta en su haber con una trayectoria actoral de más de una década y en la actualidad es miembro del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes.  Cabe destacar que es el primer montaje de IRIS HACE SALA en nuestro idioma y es la ópera prima de Violeta en dirección escénica.
La labor histriónica de Patricia Yáñez es formidable.  Paradójicamente, mientras Iris quiere aparentar ser mayor, Patricia nos hace ver a una dulce y perspicaz niña.
La música ejecutada en vivo por Carlos Cuevas con su acordeón y algunas percusiones coadyuva a trasladar al espectador al mágico entorno de Iris.
El diseño de la escenografía es producto de una creación colectiva.  También participan:  Patricia Gutiérrez en diseño de iluminación,  Mariana Gandía en diseño de vestuario,   Carlos Cuevas y Violeta Sarmiento concibieron la música original,  Expresso Doble (Gabo Rodríguez, Agustín Martínez y Violeta Sarmiento) en musicalización,  Santiago Ulloa en diseño gráfico,  Antonio Sarmiento y Rafael Crooz en asesoría de movimiento,  y  Fundación Bancomer y el Instituto Magia Producciones en producción.
Quedan convocados a ir a hacer sala con Iris.  Les aseguro que disfrutarán de todas las ocurrencias de una linda nena y ella estará encantada de recibirlos.  Tiene tazas de todos los tamaños, así que encontrará la adecuada para servir el té a cada uno de sus invitados.  Un texto interesante, ingenioso montaje, brillante dirección y conmovedora actuación.
IRIS HACE SALA
se presenta sábados y domingos a las 13:00 horas en el
FORO A POCO NO
ubicado en República de Cuba número 49 -entre República de Chile y Allende-,
Centro Histórico, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 18 de junio de 2016.
REMEDIOS PARA LEONORA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2016
Cuando un autor concibe una obra, goza de total libertad para determinar el tema, las características de sus personajes, a qué se dedican, las condiciones en que viven y el lugar o lugares donde se encuentran.  Sin embargo, si desea escribir una obra sobre alguien, para realizar la dramatización, antes debe documentarse y tomar en cuenta sus datos biográficos. 
El insigne autor Vicente Leñero (1933-2014) se desempeñó como novelista, periodista, guionista, ingeniero civil, dramaturgo y académico.  Como legado dejó un caudal literario.  Fue uno de los precursores del teatro documental y uno de sus más distinguidos exponentes.  La obra más reciente de su hija, la reconocida dramaturga Estela Leñero, aborda el teatro documental.
Tras realizar una exhaustiva investigación, Estela Leñero escribe en torno a la amistad que unió a dos ilustres representantes del surrealismo: Remedios Varo (1913-1963) y Leonora Carrington (1917-2011) y, jugando con las palabras, intitula su obra REMEDIOS PARA LEONORA.  Con conocimientos sobre arte, cultura y, desde luego, el sentir femenino, Estela crea un entorno onírico donde ocurre el imaginario reencuentro de estas dos mujeres.  En tanto que la pintora española Remedios Varo había fallecido años atrás, la escultora y escritora inglesa Leonora Carrington siente que la muerte le acecha. 
A través de un hechizo -como aquellos que en complicidad hacían cuando jóvenes-, Leonora logra traer de vuelta a Remedios.   Remedios se muestra sorprendida.  Está consciente de que reposaba plácidamente junto a un eucalipto, en un "lugar sin contradicciones ni terrores nocturnos", pero se alegra de ver a Leonora.  Como si el tiempo no hubiera transcurrido, retoman su amistad de siempre, conversan fluidamente yendo de un tema a otro -amores, traiciones, pintura, escultura, personajes con quienes se interrelacionaron, temores, viajes, exilio, guerras-.
Leonora le reclama a Remedios, ya que considera que lo que la mató fueron las 3 cajetillas que se fumaba y las 20 tazas de café que se tomaba.  También hay confidencias respecto de amantes, amigos y conocidos.  Se entristecen al recordar los horrores de la guerra -sea civil o mundial- y sus propios infortunios, mientras una estuvo presa, la otra fue recluida en una clínica psiquiátrica.  Ríen alegremente cuando rememoran algo divertido.  Deciden realizar un nuevo hechizo para viajar a las estrellas o a las constelaciones, pasando por laberintos, hasta llegar adonde deseen.
Un texto brillante mediante el cual Estela Leñero hilvana la realidad con la ficción en forma muy acertada.  En el grato reencuentro se hacen puntuales referencias a fechas en que ocurrieron determinados eventos de la vida de estas mujeres tan creativas como aguerridas.  Con sensibilidad, Estela logra retratar fielmente la esencia individual de cada una de las dos grandes artistas.
El montaje es totalmente acorde al bello texto.  Pocos elementos son utilizados, colores neutros, ambiente surrealista, un armario/espejo, mantas vaporosas, para representar el estudio de Leonora donde habrán de encontrarse las protagonistas. 
La labor de dirección por parte de Gema Aparicio es formidable.  Profundiza en el texto y diseña una corporalidad que hace ver a las actrices casi etéreas, cual si pudieran volar y traspasar tiempo y espacio.  Incorpora un atinado uso del multimedia con imágenes del documental Remedios Varo, misterio y revelación dirigido por Tufic Makhlouf Akl.  Impone un ritmo preciso.
Otro acierto es el vestuario, también en colores neutros, el cual, además de ser práctico es versátil.  Junto con el programa de mano, entregan un útil Glosario en el que se describe lo que es el surrealismo y se resumen datos biográficos de las personas a quienes se hace alusión durante la obra.
El trabajo histriónico y corporal es extraordinario.  Gabriela Betancourt da vida a Remedios  y  Bertha Vega a Leonora.  Ambas representan a sus personajes con emotividad para reflejar en escena su dualidad, por un lado, genios artísticos, por el otro, mujeres sensibles.  Tanto Gabriela como Leonora encuentran las expresiones, los movimientos y las inflexiones de voz apropiados para cada momento.
El resto del equipo creativo lo integran:  Carolina Jiménez en diseño escénico,  David G. Martínez en música original, diseño gráfico y foto fija,  Julio Martínez en video,  Lorena Glinz en asesoría corporal,  Arturo Cruz en asistencia general,  Constructores Escénicos, Antonio Pérez en la realización de escenografía,  Talleres Santa Elisa en la realización de vestuario,  Trama en calzado,  Alejandra Vega Barrera en muñecas,  INNSITE/Pamela Rendón en prensa y difusión,  y  Carolina Jiménez en producción ejecutiva.
La producción es de Este Lado del Teatro.  Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Revisitar a grandes representantes del arte siempre resulta atractivo y más si es en una puesta en escena tan bien lograda.  Texto interesante, estupenda dirección y entrañables actuaciones.  La temporada es breve, así que apresúrate a acompañar a Remedios y a Leonora en su viaje onírico y llegarás a lugares insospechados que llegarán a tu corazón.  Tanto Remedios Varo como Leonora Carrington, desde su plano de eternidad, han de estar complacidas y orgullosas de la imagen que se da de ellas en REMEDIOS PARA LEONORA.  Altamente recomendable.
REMEDIOS PARA LEONORA
se presenta martes  y  miércoles  a las 20:30 horas en el
Teatro EL MILAGRO,
ubicado en Milán número 24 -entre Lucerna y General Prim-, colonia Juárez,  Ciudad de México.
La temporada concluye el día 25 de mayo de 2016.
LUZ DE LUNA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2016
 

La luna siempre ha estado presente en nuestras vidas.  Es la compañera inseparable del Sol.  En forma alterna nos marcan el día y la noche.  En tanto que el sol nos ilumina y da calor, la luna es un satélite que no tiene luz propia.  La parte brillante que vemos es el reflejo de la luz solar.  Según sea la distancia entre la luna y el sol, será más o menos visible la luna.  Para completar su órbita alrededor de la tierra, la luna está en movimiento constante.  A este ciclo se le denomina lunación y dura aproximadamente 27 días.  La lunación consta de 9 fases que comienzan en luna nueva, pasan por creciente y menguante, hasta llegar a luna llena, cuando se puede apreciar la brillantez de la luna redonda en todo su esplendor.

Tanto los astrónomos como los astrólogos están pendientes de la luna.  Los signos zodiacales y los horóscopos están estrechamente ligados a las fases lunares.  Los esotéricos también le prestan atención. Para todos es importante la luna.  Además de formar parte de nuestra cotidianeidad, está en la literatura, en la música, en el arte, en la cultura.  Uno de los grandes anhelos de la humanidad es viajar a la luna.  Hay quienes la creen mágica y le piden deseos.  Se ha dicho que la luna es de queso.  Se recomienda la dieta de la luna para adelgazar.  Nos gusta tanto que al viaje de bodas, se le llama "luna de miel".

En la magia y en la sanación, la luna es trascendental, toda vez que su energía fortalece o debilita el plano emocional del ser humano.  La teoría básica es que nuestros fluidos internos se mueven en correlación con la gravedad que se ejerce entre la luna y la tierra.  Se trata de un fenómeno físico.

Hace unos cuantos días tuvimos una luna llena en Escorpio.  Este signo zodiacal simboliza la fuerza misteriosa y conlleva mucha fuerza psíquica y emocional, brindando un caudal de energía.  Actúa como catalizador para el ser humano y propicia una sanación interior que puede resultar renovadora.  Para evocar el misticismo que inspira la luna, la Secretaría de Cultura, a través del Sistema de Teatros trajo a México el espectáculo LUZ DE LUNA.

"El viajero", un poema del austriaco Johann Gabriel Seidl que en una de sus estrofas el viajero dice a la luna: "Tú siempre te sientes en tu casa donde quiera que estés y yo que viajo por el mundo, nunca me siento en mi casa" sirvió de inspiración para crear LUZ DE LUNA --Francia/Suiza/México--.

LUZ DE LUNA fusiona la música con la danza.  El espectáculo fue estrenado en 2014 y se ha presentado en importantes recintos y encuentros internacionales, por ejemplo en el Carnegie Hall de Nuevas York, el Orchard Hall de Tokio y el Festival Origen en Suiza.  El elenco está integrado por cuatro prominentes artistas. 

Los bailarines son:  Aurélie Dupont, quien ingresó en 1983 a la Escuela de la Ópera de París Danza, donde se ha desempeñado como Coryphée, Primera Bailarina y Bailarina Estrella.      En su haber se encuentran preseas tan relevantes como la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Danza de Varna, Bulgaria,  el Círculo Carpeaux -París, Francia-,  el Premio AROP (por sus siglas en francés de Association pour le Rayonnement de l'Opéra national de Paris -- Asociación para la Propagación de la Ópera Nacional de París),  la Mejor intérprete Benois de la Dance, y el nombramiento de Caballero de la Orden de las Artes y Letras en Francia.

Hervé Moreau, originario de Saint-Mandé, Francia.  Desde los 17 años ingresó a la Ópera de París, formando parte del cuerpo de baile, para luego ser Coryphée, Primer Bailarín y Bailarín Estrella.  Al igual que Aurélie Dupont recibió el Premio AROP.  Ha participado en numerosas giras en Estados Unidos y Japón.

Los músicos son:  Lionel Colett, de Ginebra, Suiza, graduado de la prestigiosa escuela de música Julliard School de Nueva York, Nueva York, E.U.A.  Entre sus logros se encuentran ser el ganador en las Audiciones Nacionales de Artistas Astral que se lleva a cabo en Filadelfia, E.U.A. y obtener el Premio Suizo del Embajador.  Ejecutando el cello, ha participado como solista en la Academia San Martin en los Campos, la Orquesta Sinfónica del Estado Ruso y la Filarmónica de Belgrado.  Se ha presentado en salas de concierto tan prestigiadas como la Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín y la Victoria Hall de Ginebra.  Actualmente colabora con la Orquesta Filarmónica Bayerischen Rundfunks en Alemania.

Jorge Villadoms, oriundo de Durango, México.  Jorge comenzó a tocar el piano a los 15 años.  Para su mayoría de edad, fue aceptado en el Conservatorio de Lausanne en Suiza.  Cuenta con maestría con mención honorífica.  Entre los reconocimientos que tiene en su haber, se encuentran el Gran Premio Marguerite Meister de Zúrich, Suiza,  el Gabrielle Agostini de Ginebra  y resultó ganador en el Concurso Kiefer Hablitzel Wettbewerb en Berna, Suiza.  Fue nombrado profesor titular de piano en el Conservatorio de Lausanne, Suiza, convirtiéndose en el académico más joven en obtener ese puesto.  Ha ofrecido conciertos para la Organización de las Naciones Unidas en diversas partes del mundo.

En 2012 constituyó la Fundación Crescendo con la Música, una institución dedicada al altruismo, la cual él preside.  A la fecha la Fundación ha conseguido más de 300 instrumentos en Europa y los ha trasladado a México con el propósito de crear un nexo gratuito para la población infantil que no cuenta con recursos económicos.  Ha realizado varias giras en nuestro país para recaudar fondos.  Algunos de los recintos donde se ha presentado son el Teatro Victoria de Durango, Durango, el Teatro Degollado de Guadalajara, Jalisco  y  el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.

La música de LUZ DE LUNA incluye melodías de célebres autores:  Luna, Vocalise de Serguei Rachmaninov,  Claro de Luna de Claude Debussy,  La muerte del Cisne de Camile Saint Saéns y Estrellita de Manuel M. Ponce.  Para la danza, participaron los reconocidos coreógrafos Benjamin Millepied, Director del Ballet de la Ópera de París y coreógrafo de la película El Cisne Negro,  y  Jiri Burbenicek.

Un espectáculo digno de verse y escucharse.  Los integrantes de LUZ DE LUNA son auténticos virtuosos de la música y de la danza.  El piano y el cello son ejecutados magistralmente.  Los bailarines logran una estética dancística extraordinaria.  A teatro casi lleno, el público quedó arrobado viviendo "el hechizo de una noche pasional, soñadora, clandestina y artística".  A quienes asistimos llegó la energía de este cuarteto tan pleno de talento y perfección en su desempeño.  Cabe mencionar que los fondos reunidos serán donados a la Fundación Crescendo con la Música.  Al final de la función, el aplauso fue estruendoso. 

Se trató de una función única, presentada el domingo 24 de abril de 2016 en el Teatro la Ciudad Esperanza Iris, gracias a la Secretaría de Cultura, a través del Sistema de Teatros, en el .  Esperemos que pronto se presenten nuevamente.

Gastronomía Escénica
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2016
Los seres humanos somos sensoriales.  A partir del nacimiento, comenzamos a ver, escuchar, oler, tocar y degustar.  Lo primero que un bebé reconoce es el olor de su madre.  Con el tiempo, vamos almacenando recuerdos que van ligados a lo que sentimos en ciertos momentos especiales. 
Los mexicanos estamos muy orgullosos de nuestra gastronomía y no es para menos, a finales del año 2010 la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) declaró patrimonio cultural inmaterial de la humanidad a la comida mexicana.  Nuestra base fundamental es la familia y cuando nos reunimos, se perciben los olores provenientes de los platillos que juntos habremos de compartir.  La calidez de nuestros seres queridos y los sabores de los alimentos preparados con amor es una sensación tan particular que deja un recuerdo imborrable.  Cada región de nuestro país tiene sus especialidades culinarias.  Toda festividad o tradición también conlleva alimentos preparados para la ocasión. 
Entre nuestras tradiciones, se encuentra la de celebrar a los muertos.  Para honrarlos hay pan de muertos y calaveritas de azúcar.  La costumbre es armar un altar adornado con flores de cempasúchil -de intenso color naranja-, velas o veladoras y fotografías de quienes se han ido.  Se pueden incluir crucifijos o imágenes de algún Santo o Virgen.  Se tiene la creencia de que en ese día los difuntos regresan para visitar a sus seres amados, así que, como ofrenda, no pueden faltar los platillos que disfrutaban, así como dulces, algún refresco, licor o vino de su preferencia y hasta cigarros, a fin de honrarlos y hacerles patente que los recordamos con cariño.
Independientemente de este ritual, nuestro país es conocido en todo el mundo por "jugar" con la muerte.  En ciertos aspectos, la usamos para reír.  Se hacen calaveras literarias para seres vivos cuyos objetivos son que rimen y que sean divertidas.  En ellas se aluden características específicas de la persona a quien van dirigidas.  Es famosa la imagen de "La Catrina", originalmente llamada "La Calavera Garbancera" creada por José Guadalupe Posada y bautizada por el muralista Diego Rivera, la cual es un esqueleto caricaturizado que representa a una dama elegantemente ataviada.  La jocosidad de estas costumbres resultan incomprensibles para los extranjeros. 
Lo cierto es que somos muy sentimentales, cuando alguien se va, lo dejamos descansar en paz, pero atesoramos las enseñanzas y los gratos momentos a su lado, en tal forma que su recuerdo permanece vivo en nuestro corazón y, por lo tanto, consideramos que no desaparecen del todo mientras los recordemos. 
Una amplia y colorida gama de memorias, tradiciones, sabores y olores es captada por Vaca 35 Teatro en Grupo en su más reciente producción intitulada CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO - Gastronomía Escénica.  
Vaca 35 Teatro en Grupo, comandada por Damián Cervantes, es una "agrupación teatral independiente, que tiene su creencia en el diálogo directo con el espectador, en base a la creación de espectáculos escénicos, que dialoguen con nuestro entorno, y que propongan una forma de pensamiento, así como de reflexión profunda, en la escena, en el actor y en la vida que puede representar lo teatral".
Comenzaron las presentaciones de Vaca 35 Teatro en Grupo cuando sus integrantes recién habían concluido sus estudios.  Poco a poco se fueron dando a conocer y una vez que realizaron una gira a España sorprendió tanto su trabajo allá que los retuvieron el mayor tiempo posible, razón por la cual han pasado años en la península ibérica.  Con una cadena de éxitos y varios reconocimientos y preseas en su haber están cumpliendo su noveno aniversario. 
Formaron alianza con España para coproducir el proyecto de CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO - Gastronomía Escénica, el cual fue estrenado en Fira Tàrrega, para luego presentarse en diversos escenarios como el Teatro Circo de Murcia,  el Festival Internacional de Cádiz,  el Teatro Villarroel en Barcelona,  el Teatro Español Matadero Madrid,  y  de regreso a México participaron en el FITU Festival Internacional de Teatro Universitario 2015-2016. 
CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO - Gastronomía Escénica es una propuesta escénica excepcional.  El espectador es invitado a una reunión llena de vida, aun cuando se hable de muerte.  Los actores referirán ciertas vivencias y, mientras lo hacen, cocinan platillos que les traen recuerdos entrañables.  Cada uno de ellos describe lo que sintió al saborear por primera vez el platillo que prepara y aluden a la persona de quien recibieron el legado.  En medio de la charla y los atrayentes aromas de la cocción, bailan, ríen, cantan, lloran y ¿por qué no? también discuten, de otro modo, no quedaría bien plasmada la esencia humana.
En cuanto a comida, Irene Caja (de Murcia, España, platica sobre la morcilla -en México llamada moronga o rellena-,  Maite Urrutia (de Santurce, municipio de la provincia de Vizcaya, España) nos cuenta de la porrusalda sopa de puerros -poros- y papas, asegurando que en invierno "el que la toma, se entona".  Mari Carmen Ruiz (su familia salió de España durante la guerra civil para refugiarse en México) nos dará los secretos de preparación de las alubias con chorizo.  Nuestros compatriotas Diana Magallón, José Rafael Flores y Luis Alberti nos comparten cómo se preparan los chiles rellenos, los huauzontles en salsa de jitomate y los plátanos rellenos, así como algunas de sus remembranzas.  Alejandro González (de España) ameniza la reunión con su guitarra.
A través de su charla, rinden homenaje a sus seres queridos, tanto a los que aún los acompañan como a aquellos que han partido.   Demuestran su conciencia social no sólo mencionando aterradoras cifras de atrocidades que están ocurriendo en los dos países, sino también dando voz a indígenas, desaparecidos o asesinados. 
La  producción de este proyecto interdisciplinario es de Vaca 35 Teatro en Grupo, Fira Tàrrega, Nau Ivanow / Iberescena / México en Escena.  El texto es de creación colectiva, ya que está integrado por los parlamentos que derivan de los eventos memorables que cada uno de los participantes ha elegido revelar.  Conforme se van entrelazando las historias, va en aumento el interés del espectador.  El montaje es muy creativo, fusiona recuerdos individuales, música, fiesta, alegorías, eventos importantes, tradiciones  y cultura de dos naciones y por supuesto gastronomía, todo lo cual se enmarca en un inmenso altar de muertos.   La labor de dirección por parte de Damián Cervantes es precisa y acertada.  La coordinación y el ritmo están en sincronía.  Incorpora una visualidad de impresionante estética en los movimientos corporales,  en las coreografías conjuntas y en su interacción con elementos escénicos.
Todos y cada uno de los componentes del concepto integral son eficaces y bien ejecutados.  Damián Cervantes, Diana Magallón, Mari Carmen Ruiz, José Rafael Flores, Luis Alberti, Maite Urrutia, Irene Caja y  Alejandro González realizan una admirable labor de principio a fin, en lo individual y como equipo.
Teatro para todos los sentidos es lo que el espectador encuentra en CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO - Gastronomía Escénica.  La propuesta está llena de sonidos y de interesantes relatos que surgen de la memoria y el corazón de los participantes.  Los aromas que inundan el espacio abren el apetito.  Tiene atractivo visual tanto escénico como personal, ya que todos los chicos son encantadores.  Al final de la función, los platillos cocinados  -verdaderas delicias- son compartidos en una grata convivencia.  Convoca a la reflexión de honrar y agradecer a seres amados que nos han impregnado su esencia y nos deja el consuelo de que quienes se van no desaparecen.  ¡Embárcate en esta aventura teatral y gastronómica!  Es una oportunidad fuera de serie al conjuntar teatro, degustación y convivencia.  Corre a verla porque la temporada es breve.
CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO
Gastronomía Escénica
se presenta los viernes a las 20:00 horas,  los sábados a las 19:00 horas,
y  los domingos a las 18:00 horas  en el
Teatro EL MILAGRO, ubicado en Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 8 de mayo de 2016.
EL CRIMEN PERFECTO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2016
En tanto que muchas personas aseguran que se puede cometer el crimen perfecto, otras tantas rechazan esta idea.  Históricamente en ningún país se tiene registro documentado de que se haya cometido un crimen perfecto.  Lo que definitivamente existe es la impunidad y hay un número considerable de crímenes que ha quedado impune.
Siempre ha sido difícil cometer un crimen perfecto y con los avances de la tecnología cada vez lo es más.  Las dificultades se acrecentaron desde que los criminólogos cuentan con bases de datos donde tienen archivadas millones de huellas dactilares.  Posteriormente, se ha vuelto casi imposible a partir del aislamiento del ADN que facilita la identificación de una persona en específico.
Lo que sí es cierto es que todos pueden fantasear trazando estrategias para lograr un crimen perfecto.   El tema da mucha tela para cortar.  Los niños hacen juegos al respecto, mientras que los adultos conversan sobre ello.  En la literatura y la cinematografía el tema ha sido tratado en múltiples ocasiones.  En la película estadounidense "Presunto Inocente" de 1990, dirigida por Alan J. Pakula y protagonizada por Harrison Ford se presenta un crimen perfecto. Mientras que las autoridades nunca saben quién cometió el asesinato, al final del film la audiencia descubre al culpable.
En cuanto a dramaturgia, el tema sirvió de fuente de inspiración a Juan Carlos Araujo para escribir EL CRIMEN PERFECTO, un texto de buena estructura.  Juan Carlos delinea bien las características de cada protagonista y hasta expone las marcadas diferencias entre hombre y mujer -en caso de fallecimiento, el hombre se muestra despreocupado, mientras que la mujer quiere verse bella-, va entrelazando las situaciones en la trama, pone toques de farsa -tal vez para aminorar el impacto de ver a alguien que quiere cometer un asesinato, mantiene el suspenso, utiliza varias técnicas teatrales, incluyendo cortes brechtianos, donde se hace caso omiso de la cuarta pared y uno o varios personajes hablan directamente con el público. El resultado es que capta el interés del espectador de principio a fin.
Andrés Tena contribuye con una formidable labor de dirección.  Se adentra en el texto de Juan Carlos y lo enmarca en un estupendo montaje.  Acentúa la farsa con colores estridentes -como el de la peluca de una de las protagonistas-.  Aprovecha a fondo el espacio escénico, diseña en forma acertada el desplazamiento actoral y balancea equilibradamente acción y pausas.
Bernardo es un ávido lector de Edgar Allan Poe y considera que puede perpetrar el crimen perfecto, así que decide matar a su mujer.  Lo complicado es elegir el arma.  ¿Qué elegir? un cuchillo afilado, una pistola, veneno ... Ya sobre la práctica, comienza a pensar que igual no es tan fácil como planeaba.  Tras algunos fallidos intentos, llegarán Ricardo y Mariana, un matrimonio joven.  Ricardo es escritor y Mariana es una chica moderna y elegante que ama a su marido y se esmera por darle gusto en todo.
El elenco realiza una atinada labor histriónica y corporal.  Bernardo es interpretado por Miguel Romero, actor de gran trayectoria.  La mujer de Bernardo es Marcela Morett, actriz experimentada poseedora de una vis cómica extraordinaria.  Beto Torres encarna a Ricardo  y  Natalia Sosa, como Mariana, aporta su siempre grata presencia escénica.    Cabe hacer la aclaración que vi una función única, donde Andrés Tena -el director- suplió a Beto Torres.  Andrés sacó la casta y desempeñó su rol a la perfección.
El resto del equipo creativo lo integran:  Salvador Núñez en diseño de escenografía,  Cecilia Márquez en iluminación,  Cecilia García Mesa en vestuario,  Eduardo Flores Contreras en música,  Alberto Peña en combate escénico,  Sandra Garibaldi en diseño de imagen y pelucas,  Santiago Ulloa en diseño gráfico,  y  Memo Pineda y Enrique Saavedra en RP y medios.
A pesar de que ya no quisiéramos saber de homicidios, EL CRIMEN PERFECTO es una bocanada de aire fresco para eludir todas los horrores que escuchamos en los noticieros.  Aprovechen la oportunidad de  disfrutar de una interesante historia, un flamante entorno, graciosos personajes e impecable dirección, donde las carcajadas están garantizadas.  ¡No se la pierdan!
EL CRIMEN PERFECTO
se presenta los lunes a las 20:30 horas
en el foro principal del FORO SHAKESPEARE,
ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa
-cerca de la Estación Chapultepec del Metro-, Ciudad de México.
La temporada concluye el lunes 30 de mayo de 2016.
MICRO TEATRO MÉXICO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2016
Es probable que cuando Alejandra Guevara Castillo y Andrea Novelo se embarcaron en la aventura de ser las pioneras en traer a nuestro país el concepto MICRO TEATRO no alcanzaran a ver la gran envergadura del proyecto.  Lo bueno es que se animaron a hacerlo y gracias a su arduo trabajo, dedicación y compromiso han hecho de MICRO TEATRO MÉXICO un éxito rotundo que se ha hecho popular entre el público capitalino, ha creado nuevas fuentes de trabajo y es el ejemplo que siguen propios y extraños para adoptar el formato básico. 
Además de invertir su tiempo, recursos y esfuerzo, estas dos talentosas mujeres parecen ser infatigables.  Por si fuera poco planear la convocatoria, realizar la selección, organizar la presentación, producción, distribución y muchos más aspectos de trece micro obras en cada temporada, más las micro obras infantiles, ahora incluyen otra selección bajo el rubro de Microdebut.  Las obras correspondientes a Microdebut se presentan en horario vespertino y comparten sala con alguna de las micro obras en cartelera, haciendo algunas adaptaciones, es decir, se reciclan las escenografías para hacerlas útiles y funcionales para dos micro obras.
El concepto de siempre, la representación de Micro Obras, cada una con un máximo de 15 minutos de duración, para sólo 15 espectadores, en un espacio no mayor a 15 metros cuadrados de superficie.  El ciclo actual se intitula POR ELLOS y sus 13 Micro Obras son:  QUIERO TUS GENESEL AMOR NO ES MÁS QUE PORNO CHAFAEL SECRETO DE MI VECINALOS ELEGIDOSDEJA VÚO HACES PAUSA O GRITOON SALEYA ME VOY, NO TE VAYAS,   EL SOLITARIO E INTERMINABLE VUELO DE LOS KOALAS HACIA EL CIELO BERMELLÓN5 DE NOVIEMBREINTENTOS PARA DESHACERSE DEL DOLORCUATRO TETAS Y UN FUNERAL,  y  MÉXICO QUÉ LINDO Y QUÉHERIDITO.  Las 4 Micro Obras de Microdebut son:  MUCHA MIERDAEL ARTISTAPISO 56,  y  UNICORN PORN.
En Micro Teatro Infantil la programación es:   LAURORA PINCEL,  ¿DÓNDE QUEDARON LAS NUECES?,  CORINA Y SU MALETA DE SABORES,  y  PÁJARO DE JAULA.
Sala 3 -- EL SECRETO DE MI VECINA  de la autoría de Diego Paris López, bajo la dirección de José Daniel Figueroa,  y  adaptación de José Daniel Figueroa y Ariana Figueroa.   En las grandes urbes es difícil conocer a los vecinos.  De vez en cuando coincidimos al salir o al entrar a nuestra casa, o bien, cuando caminamos por los alrededores.  Si los vemos más de una vez, comenzamos a intercambiar saludos, pero no sabemos a qué se dedican y menos aún cómo viven.  Todos guardamos secretos, pero algunos son más tenebrosos que otros.  Esta historia trata sobre el encuentro de dos vecinas, una de ellas es joven y bella, mientras que la otra parece ser el prototipo de una ama de casa.  Tania decide invitar a Sandra a su departamento.  Durante la plática saldrán a relucir algunos secretos.  Si quieres enterarte de dónde obtiene sus ingresos Tania, tendrás que escuchar la conversación que sostienen estas mujeres.
Un texto de buena estructura que capta el interés del espectador.  Impecable dirección, convincentes actuaciones por parte de Ariana Figueroa como Tania  y  Pilar Ixquic Mata o Catalina López como Sandra.  La producción es de Ramón Figueroa y Ariana Figueroa,  la asistencia de dirección y producción está a cargo de Jorge Aranda, la fotografía y el poster es de Ingmar Montes,  y el vestuario y diseño de imagen de W.H. Wearhouse.  Divertidísima.  ¡No se la pierdan!
Sala 4 -- LOS ELEGIDOS  escrita y dirigida por  Iván Tula.  Se trata de un relato de ficción donde los hombres ponen enormes huevos de oro macizo.  Sin embargo, es una ácida critica al sistema en general.  Podría ocurrir en cualquier país.  Es la forma en que los gobernantes dominan al pueblo, engañándolos de que trabajan para su bienestar  cuando en realidad sacan provecho tratando de lograr el poder absoluto.  Una buena narrativa enmarcada en un mundo futurista con una producción impresionante donde se ha cuidado hasta el más mínimo detalle -maquillaje, zapatería, manicura, peinados, entorno-.  Una farsa escrita por u autor contemporáneo.  Bastante alarmante sin dejar de ser divertida.
Extraordinaria labor histriónica y corporal del elenco conformado por:  Roberto Vázquez Montoya,  Diego Trapote,  Michael Santino,  Saúl Canales,  Luis Fernando Mayagoitia  y  Kalder Castañares.  El equipo creativo está integrado por:  Rosalinda Sánchez fragoso en producción general,  Gerardo Rivera en producción ejecutiva,  Los Ponedores - Las Paridoras en asistencia de producción,  Leo Bribiesca en escenografía,  Ángel Caballero en diseño de maquillaje.   ¡No dejen de verla!  Sorpréndanse con este gran montaje.
Sala 6 -- O HACES PAUSA O GRITO  de la autoría de Ro Banda y Enrique Saavedra, bajo la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui.  Un texto de muy buena factura que aborda un diálogo en el que un par de hombres se molestan entre sí, en forma elegante.  No se trata de un pleito común, aquí las armas no son las vulgaridades o las malas palabras, sino la agudeza y la intelectualidad.  La discusión que sostienen está plagada de citas de obras o autores de renombre y de referencias culturales.  El desarrollo es muy interesante y los tintes de ironía son los que entretienen.  La labor de dirección es formidable.  Sebastián acompaña el diálogo con una coreografía arriesgada.  Los actores, quienes son los propios autores, aparecen en lo alto de un librero y cambian de posición utilizando diversos entrepaños.  Hay que tomar en cuenta que tienen que vencer el reto de hablar fluidamente y al mismo tiempo moverse con precisión, sobre todo, esquivando los puntos ciegos que producen los reflectores frente a ellos. 
Un entretenido intercambio de ideas, donde no hay vencedor ni perdedor, sino un brillante trabajo de equipo.  Estupendas las actuaciones y la dinámica corporal de Ro Banda y Enrique Saavedra, quienes en forma muy coordinada dicen sus parlamentos, se desplazan y hasta cantan.  Participan también:  Saúl Campos en producción ejecutiva, diseño y comunicación,  Ulises Ávila en fotografía,  e  Isaías Martínez en iluminación.  Además de la dramaturgia y la actuación, Ro Banda y Enrique Saavedra se hacen cargo de la producción.  Altamente recomendable.
Sala 12 -- CUATRO TETAS Y UN FUNERAL  escrita por Borja Texeira  y  dirigida por Aleyda Gallardo.  En la tarjeta promocional, equivalente al programa de mano, se lee:  "El paso del tiempo nos hace cambiar de ideas, de gustos de sentimientos y a veces hasta de sexo ..."  Tal y como lo anuncian, este relato corresponde a una persona que cambia de sexo.  La acción es en un velorio.  Un señor acaba de fallecer y, como es costumbre, la familia y conocidos se reúnen a despedirlo.  El señor tuvo dos hijos, un hombre y una mujer.  Lo extraño es que en su funeral aparecen dos hijas, en virtud de que el hijo alejado de la casa paterna durante algunos años, optó por convertirse en mujer y, por ende, nadie lo identifica como el chico que conocían.  Un texto estructurado e interesante.  Aleyda Gallardo aplica su experiencia y mucha sensibilidad para tratar este delicado tema, logrando una labor impecable, además de que se aventura a alterar el orden habitual, dando una perspectiva distinta al entorno escenográfico. 
El elenco lo integran David Ponce, como el transexual y Marlene Tovar o Ana Kupfer, como la hija del difunto, alternando funciones.  El histrionismo, la inflexión de sus voces y el aspecto corporal son los apropiados.  Complementan el equipo creativo:  Daniel Arteaga y Leonardo Albarrán en producción,  y  Adrián Lezama en diseño gráfico.  Aun cuando todavía no estamos acostumbrados a estos cambios tan drásticos, resulta interesante verlos en teatro.  Muy recomendable.
Si quieres disfrutar de un día pleno de entretenimiento, tu mejor opción es acudir a MICRO TEATRO MÉXICO, un espacio donde encuentras teatro de calidad, excelentes montajes, temáticas para todo gusto, acertadas direcciones escénicas y entrañables actuaciones.  Entre una función y otra, igual te topas de frente con los actores o actrices que sólo has visto en los escenarios o en las pantallas.  Verás tantas micro obras como quieras conforme al presupuesto y al tiempo de que dispongas.  Por si esto fuera poco, la cafetería cuenta con un menú variado de alimentos frescos y saludables.  Ahí puedes degustar una humeante taza de café, aguas frescas, cervezas, refrescos o, ¿por qué no? una copita de mezcal.  Para el antojo, unas palomitas recién hechas, papas fritas con la salsa de tu preferencia, o bien, si estás a dieta, una exquisita ensalada de crujiente lechuga.  En lo personal, les recomiendo las papas cambray ... ¡son una delicia!.  Toma en cuenta que el ciclo POR ELLOS comenzó el 10 de marzo de 2016, así que está por concluir.
Las Micro Obras se presentan en la sede de MICRO TEATRO MÉXICO, ubicada en  Roble número 3 -casi esquina con Insurgentes-, colonia Santa María La Ribera, Ciudad de México.  Los horarios de las Micro Obras son:  jueves y viernes a partir de las 20:00 horas,  sábados a partir de las 19:00 horas,  y  domingos a partir de las 18:00 horas.  Las matinés de Micro Teatro Infantil son los sábados a partir de las 12:00 horas  y  los domingos a partir de las 13:00 horas.  Los costos son:  Una micro obra por $70.00,  Combo de 3 micro obras por $180.00,  y  Abono General a $50.00 por cada obra.  Cada compra incluye una micro bebida de degustación.  
LA PALMERA
CUENTOS Y MENTIRAS PARA TODOS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2016

El grupo Teatro Entre2 fundado por Arnaud Charpentier, Francia Castañeda y Olivier Dautais se ha dedicado primordialmente al teatro para niños.  Uno de sus montajes más importantes es LA PALMERA, CUENTOS Y MENTIRAS PARA TODOS, el cual surgió a la luz hace aproximadamente cinco años.  Se trata de un espectáculo multidisciplinario cuyo concepto se creó a partir de que un pintor integrante del grupo encontró por casualidad unos proyectores de acetato y comenzó a experimentar con ellos, a fin de lograr la proyección de pintura realizada en vivo.  Esta técnica no sólo se convirtió en la base del montaje sino que les sirvió de inspiración para ir relatando historias que entretuvieran a los pequeños espectadores.

Una vez concretado el proyecto, éste fue llevado a escena y fue tal su éxito que ha participado en festivales nacionales e internacionales durante los últimos años.  Algunos de los lugares donde se ha presentado LA PALMERA, CUENTOS Y MENTIRAS PARA TODOS son Ciudad de México, Quimeras, Metepec, Querétaro, Naucalpan, Tlaxcala y San Luis Potosí, así como en Madrid, Barcelona y otras ciudades de la península ibérica.

En LA PALMERA, CUENTOS Y MENTIRAS PARA TODOS se retoma la tradición siempre grata de narrar cuentos.  La estructura es como la de "La mil y una noches".  Un mercader se sienta a descansar en una pradera y, mientras come unos dátiles, arroja las cáscaras descuidadamente -lo cual, desde luego, no debe hacerse, pues debemos tomar conciencia de no tirar basura.  Lo peor es que con una de esas cáscaras mata accidentalmente al hijo de un enorme demonio, quien clamará venganza.  Dice al mercader que tendrá que matarlo porque no soporta el dolor de haber perdido a su amado hijo.

Tres ancianos tratarán de ayudar al mercader a salvar su vida relatando historias al demonio, quien acepta que si las historias le parecen interesantes, tal vez perdone al mercader.  Es así como toda la audiencia escucha junto con el demonio diversas narrativas que se van sucediendo una a otra.  Conoceremos a la cabrita del señor Seguín que quiere vivir en las montañas,  al señor Lisú que tiene muchísimo dinero, pero anhela ser pobre,  a una caguama macho -tortuga gigante- que participa en una creación muy importante  y la de unos elotes que desaparecen ... ¿será que se los roban?  ... es extraño porque en los alrededores sólo hay peces y todos sabemos que los peces no comen elotes.

Un espectáculo bien diseñado que conjunta música, pintura, cuentos y personajes peculiares capta y mantiene la atención de niños y adultos.  A través de pinceladas trazadas en vivo se proyectan dibujos sencillos en una gran pantalla para ilustrar los relatos.  Los chiquitines quedan sorprendidos mientras las figuras aparecen o desaparecen. 

Los integrantes del grupo Teatro Entre2 participan activamente, tocando instrumentos muy diversos, narrando relatos dando inflexiones variadas a su voz, o bien, interactuando, ya sea con el público o frente a las imágenes.   La particularidad de la temporada actual es que LA PALMERA, CUENTOS Y MENTIRAS PARA TODOS se representa en un cine, así que, aparte de la diversión, se pueden consumir palomitas o golosinas durante la función.

El elenco está conformado por: Oliver Dautais, quien es el creador del diseño de imágenes y quien hace las pinturas en vivo-; Axel Tamayo, como compositor y director musical  (alternando con Omar Medina), Arnaud Charpentier, además de su función como director escénico,  y Francia Castañeda (alternando con José Ponce).  La dramaturgia es de Oliver Dautais y Arnaud Charpentier, en tanto que la dirección es de Arnaud Charpentier.  Un excelente equipo bien coordinado y comprometido.

Si quieres pasar un domingo diferente, pleno de entretenimiento, ver los ojos sorprendidos y escuchar las carcajadas de los pequeños espectadores, no pierdas la oportunidad de embarcarte en esta aventura donde además de lo que se ve y escucha, se activa la imaginación.  LA PALMERA, CUENTOS Y MENTIRAS PARA TODOS es teatro que se disfruta.

 

LA PALMERA, CUENTOS Y MENTIRAS PARA TODOS
se presenta los domingos a las 12:30 horas en el CINE TONALÁ,
ubicado en Tonalá número 261, colonia Roma, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 24 de abril de 2016,
sin embargo, el Día del Niño, habrá una función especial el sábado 30 de abril de 2016, también a las 12:30 horas.

LA BELLEZA
Por:   Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2016
La pregunta ¿en qué consiste la belleza? jamás ha podido responderse.  Lo que a alguien le parece bello a otro le puede parecer feo.  Si se trata de arte, cualquier pintura o escultura que se tome como ejemplo no es del gusto de todos. Habrá quienes digan que es lo máximo cuando otros dirán que no les agrada.  En la vida pasa igual.  Cada persona tiene sus preferencias.  No se puede hablar de una belleza universal. 
Algunos ven la belleza en el arte, otros en la naturaleza.  En cuanto a los individuos, por lo general, las mujeres valoran más los atributos que el físico de sus pretendientes, en tanto que los hombres tienen gustos diversos, igual las prefieren rubias o morenas, esbeltas o regordetas, de luenga caballera o de cabello corto, de tez blanca u oscura,  femeninas o masculinas, elegantes o casuales.  En fin, para todo hay gustos.  Incluso, hay algunos que se apasionan por personas distintas al resto del mundo, aquellas que tienen ciertas características particulares.  Tal es el caso del personaje creado por David Olguín para su más reciente puesta en escena LA BELLEZA.
Casualmente llegó a manos de David Olguín un artículo sobre Julia Pastrana (1834-1860), una mujer sinaloense que padecía del síndrome de hipertricosis lanuginosa, que consiste en el nacimiento de vello en cuerpo y rostro.  Al leerlo, quedó tan impactado que procedió a investigar lo referente a Julia y aspectos del padecimiento.  Tras su exhaustiva investigación, David escribe una narrativa donde entremezcla los hechos reales con ficción y, para el montaje, crea un concepto integral enmarcado en la cosmovisión teatral.
Por su parte, Gabriel Pascal comprende perfectamente el concepto de David Olguín y crea una escenografía que permite al espectador ver lo que pasa entretelones, situarse en el escenario, descubrir algunos secretos teatrales.  Así mismo, su diseño de iluminación es formidable.
El texto de LA BELLEZA atrapa al espectador de principio a fin.  Además de ser una historia fascinante, los parlamentos con tintes poéticos son fluidos y precisos, englobando un amor profundo y sincero.
El empresario Theodore W. Lent queda prendado de Julia Pastrana desde el momento en que la conoce.  Lo paradójico es que, mientras que públicamente anuncia su espectáculo en forma que pudiera ser ofensiva para Julia, como "Welcome (Bienvenidos), horrorícense ante la indescriptible, La mujer simio, La más fea del mundo", en la intimidad siente un amor tan intenso que podría considerarse locura.  Si se refiere a Julia, dice: "es única, singular, especial ... y la quiero como es".  Dado que Julia lucía como primate, Charles Darwin se entrevistó con ella para examinarla y, conforme a su teoría, determinar si ella era el eslabón perdido.   De cualquier forma, Julia experimenta la felicidad.  Su fama va en ascenso, se siente segura en el escenario y tiene el amor de Theodore.  A una condesa alemana que era una de sus mejores amigas y confidente, Julia le dijo que Lent era el único hombre que la había amado por lo que era.
La labor de dirección por parte de David Olguín es extraordinaria, fluidez de movimiento, acción y pausas acertadamente alternadas, utilización precisa del espacio escénico.  Formidable su idea de intercambiar géneros -los protagonistas masculino y femenino son interpretados por una actriz y un actor, respectivamente-.
El elenco ofrece una sorprendente calidad histriónica en todo momento.  Laura Almela se transforma en Theodore Lent y está verdaderamente sublime en los monólogos donde expresa en todo su esplendor el entrañable amor que profesa a Julia, mientras que Mauricio Pimentel encarna a Julia Pastrana y a Marie Bartel, desplegando toda una gama de emociones e inculcándoles una gracia femenina que muchas mujeres quisieran tener.  Rodrigo Espinosa da muestra clara de su versatilidad dando vida a diversos personajes. 
El resto del equipo creativo lo conforman:  Rodrigo Muñoz en diseño de vestuario,  Rodrigo Espinosa en diseño sonoro,  Rafael Rosales en coreografía,  Emmanuel Varela en asistencia de dirección,  Alita Escobedo y Brenda Vaca en asistencia de escenografía e iluminación,  y  Celso Martínez Flores en la atención de diversos aspectos técnicos.  
El espectador encuentra en LA BELLEZA un montaje excepcional, una historia de amor inolvidable, donde queda claro que no importa el físico sino la atracción que una persona ejerce sobre otra.  Un texto cautivante de excelente factura concebido por uno de los más distinguidos creadores teatrales de nuestro país, en su plena madurez creativa.  Interpretaciones comprometidas, convincentes e inolvidables.  Un equipo de creativos muy integrado en beneficio del proyecto.  Quedan muy pocas oportunidades para ver LA BELLEZA, ya que su temporada está por concluir en esta semana, así que ¡corra a verla!
LA BELLEZA se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas,
sábado a las 19:00 horas,  y  domingo a las 18:00 horas, en el
TEATRO EL MILAGRO,
ubicado en Milán número  24, colonia Juárez, Ciudad de México. 
La temporada concluye el 10 de abril de 2016.
SMARTPHONES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2016
En los últimos dos siglos es indudable que lo que más ha avanzado es la tecnología.  El progreso ha sido tan acelerado que ha derivado en cambios muy notables en la vida cotidiana.  En el campo de la computación, el primer ordenador fue inventado en el año 1936.  Al principio, no se le prestó mucha atención y no fue sino hasta que aparecieron los transistores que el invento cobró importancia y comenzó su desarrollo.  La computadora personal ya adaptada para usos prácticos en oficinas y hogares salió al mercado en 1969.  A partir de entonces comenzó el desarrollo de la informática y las aplicaciones que podían utilizarse en las computadoras para aumentar su eficacia y funcionalidad.
Los chicos de las nuevas generaciones no podrían siquiera imaginar cómo era teclear en una máquina de escribir o acudir a una biblioteca y leer decenas de libros para obtener algo de información para una tarea. Una vez que las computadoras se convirtieron en un elemento indispensable para trabajar, surgieron las redes sociales, como Facebook, Twitter o Instagram, cuya popularidad ha ido en constante ascenso.
En el área de la telefonía, los avances también han sido desmesurados.   ¿Quién diría que antaño se marcaba el teléfono girando un disco?   Los cambios no sólo fueron en la estructura del aparato telefónico, sino en todos los elementos informáticos que lo complementan.  El teléfono inalámbrico sorprendió a muchos, ya podías desplazarte al hablar, en vez de quedarte en un lugar fijo para llamar o responder. 
El teléfono celular se inventó en los años 70, pero su comercialización tuvo que esperar una década porque antes había que construir torres de telefonía celular que permitieran su uso.  El poder comunicarte con alguien desde cualquier lugar, a toda hora, hizo que casi toda la gente quisiera tener un celular.  Ante el éxito de ventas, los productores sacan modelos más y mas avanzadas, para que la gente que desea estar actualizada continúe comprándolos. 
La llegada del Smartphone (teléfono inteligente) en los años 90 causó sensación en todo el mundo, pues se trata de un teléfono móvil que sirve para más que comunicarse, conjunta las características de un teléfono y las de un ordenador, incluyendo acceso a internet, servicios de correo electrónico, navegador web, cámara fotográfica, video-llamadas, juegos electrónicos, y las múltiples aplicaciones que se le pueden añadir, como banca móvil, servicios de taxi, mapas, ubicación, en fin, sus posibilidades han llegado a ser infinitas.  Independientemente de todas sus funciones, el aspecto del Smartphone también sirve para definir el estatus económico de quien lo porta, toda vez que los hay desde sencillos hasta lujosos, incluso recubiertos con diamantes, mismos que tienen un costo estratosférico.
Al igual que todo, estos aparatos tan útiles tienen sus pros y sus contras.  Desde el punto de vista tecnológico, la creación de estos aparatos es absolutamente positiva, pero el uso indiscriminado de estos llega a ser insoportable.  Hay personas que los utilizan como una extensión de su propio ser en todo momento y bajo cualquier circunstancia.  El solo hecho de pensar que se les agote la batería, sufra una descompostura o se les extravíe les provoca una angustia indescriptible y caen en la nomofobia que significa fobia a no tener su teléfono móvil a la mano.
Emilio Williams originario de Madrid, España, donde vivió hasta el año de 2001, para luego trasladarse a Chicago -ciudad natal de su padre-, donde actualmente funge como director artístico de la compañía The Chicago Theater Sweatshop.  Emilio ha cursado estudios de teatro, dramaturgia, cine, video y periodismo.  En su faceta de dramaturgo, su obra es diversa, ha escrito comedias, teatro alternativo, de denuncia social y documental.  A través de sus textos, Emilio retrata problemáticas contemporáneas. 
Emilio Williams escribió SMARTPHONES en 2010.  En el programa de mano el autor comenta:  "Quise escribir una obra que fuera a un tiempo una parodia y un homenaje al teatro del absurdo, y las obras surrealistas".  Con el tiempo, Emilio se dio cuenta de que las cosas que en dicha obra escribió "como una exageración se han convertido ahora en hiperrealistas".
Federico invita a cuatro amigos a su casa de campo.  Primero llega Amelia (Tato Alexander) y poco después, su esposo, Bernabé (Pablo Perroni).  Luego llega otra pareja Chantal (Gloria Aura) y Dagoberto (Andrés de León).  Todos portan sus respectivos SMARTPHONES.  Más que conversar entre ellos, están pendientes de las notificaciones que reciben en sus aparatos móviles y de tomarse selfies para subirlas a las redes sociales.   Como una reminiscencia de "Esperando a Godot", los jóvenes esperarán a que llegue Fede, quien les llama por teléfono, pero no aparece. 
En esta singular reunión sin anfitriones -las mucamas Lydia y María sólo tienen a su cargo la limpieza--, los invitados se ven precisados a atenderse a sí mismos.  No encuentran botanas, comida ni licor en la casa.  Habrá que salir a comprar algo para pasar el rato.  En sus pláticas entrecortadas por los sonidos de sus SMARTPHONES y sus apartes para checar su mail, aprobar, criticar o burlarse de los posts de sus conocidos, algunos secretos saldrán a la luz ... en algún momento se sabrá que donde están es el "nidito de amor" de alguien.  Para colmo, ninguno de ellos lleva cargador y la batería está por agotarse.  Esto es terrible porque sin sus celulares saben que se sentirán perdidos y podrían enloquecer.
La traducción ya adaptación del texto de SMARTPHONES fue llevada a cabo por Zoilo Carrillo (director) y Emilio Williams (autor).  La labor de dirección por parte de Zoilo Carrillo es impecable, constante desplazamiento actoral, buen aprovechamiento del espacio escénico y balanceado ritmo.  Da un toque especial al hacer que sus actores emitan los sonidos de los aparatos telefónicos.
El montaje es bastante acertado.  La escenografía de Paula Sabina refleja la impoluta casa de diseño modernista.  Bien administrada la iluminación a cargo de Pepe Valdés -diseño y operación-. Apropiado vestuario por parte de Gustavo Matta.
El elenco conformado por Pablo Perroni como Bernabé,  Tato Alexander como Amelia,  Gloria Aura como Chantal  y  Andrés de León como Dagoberto, ofrece un excelente trabajo actoral y corporal.  Cada uno de ellos asume el personaje que le corresponde y lo logra en forma convincente.  Atinadas las breves intervenciones por parte de Erick Araiza como Lydia o María.
La producción es de Andrés Naime, quien recientemente se ha anotado varios éxitos.  La producción ejecutiva la brindan Arturo Saldívar y Brenda Báez.  Como asistentes de producción fungen Mariana Gómez,  Carla Sánchez  y  Alejandro Pacheco.
Colaboran en el proyecto:  Germán López Valdez en diseño gráfico,  Elena Mendoza como community manager,  Memo Pineda en prensa,  Oscar Ponce en fotografía,  y  Ashley Aguirre en maquillaje y peinado.
En SMARTPHONES el espectador verá teatro a partir de la visión de jóvenes preocupados por las problemáticas cotidianas,  se pasará un muy buen rato divirtiéndose con este grupo de amigos y su compulsión por utilizar y checar sus aparatos móviles,  y  también podrá reflexionar sobre si tiene más sentido vivir la vida a través del celular o vivirla y sentirla en forma directa.  Si quieres reír a carcajadas, tienes que verla.
SMARTPHONES
se presenta los lunes a las 20:45 horas en el
FORO LUCERNA del Teatro Milán,
ubicado en Lucerna número 64, colonia Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. 
La temporada concluye el lunes 25 de abril de 2016.

LAS PENAS SABEN NADAR


Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2016
A primera vista, pudiera parecer extraño el título de LAS PENAS SABEN NADAR, pero si se lee en el programa de mano la frase que la antecede:  "El alcohol no ahoga las penas ...", queda claro que beber de más para tratar de evadir los pesares es inútil.   Abelardo Estorino (1925-2013), uno de los más reconocidos dramaturgos cubanos, ganador de dos de los Premios Nacionales más importantes en Cuba -el de Literatura en 1992  y  el de Teatro en 2002, se inspiró en la actriz Adria Santana, a quien consideraba su musa, para escribir LAS PENAS SABEN NADAR.
Milleth del Carmen Gómez Sánchez --Milleth Gómez-- es una joven actriz originaria de Morelia, Michoacán, con amplia trayectoria.  Se graduó como Licenciada en Actuación en La Casa del Teatro.  Ha participado en numerosos montajes, bajo la dirección de algunos de los más prestigiados directores de nuestro país.  Gracias a su talento, ha sido becaria del FONCA en el área de Creadores Escénicos en dos ocasiones, estuvo becada por la Universidad de Córdova España, en el Programa Intercampus América Latina- España, y también fue becaria del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Querétaro dentro del Programa de Estímulos para el Desarrollo Artístico Individual de Ejecutantes.
Así mismo, ha ejercido la docencia en La Casa del Teatro y en el Centro de Educación Artística de Televisa.  En su faceta de actriz siempre se ha mostrado muy profesional al crear acertadamente sus personajes y ha dejado constancia de su versatilidad al asumir cualquier caracterización y lograrla en forma convincente.
Tras leer el texto de LAS PENAS SABEN NADAR, Milleth se entusiasmó tanto que determinó llevarlo a escena, imponiéndose un gran reto personal que gracias a su esfuerzo y dedicación logró superar.  El camino no fue fácil.  Como todos sabemos, hacer teatro implica sortear una serie de dificultades.  Se requiere armar el proyecto, convocar a un equipo de creadores para la atención de cada una de las áreas correspondientes, conseguir recursos económicos para producción, costos del teatro, publicidad, difusión, promoción y nómina. 
Para la dirección escénica, Milleth convocó a Óscar Rojas, egresado de la carrera de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM, quien se has desempeñado como actor, director y docente.  El resto del equipo creativo está conformado por:  Erick Moreno en música original,  Evelyn Cortés en diseño gráfico y de imagen,  Daniel Hernández en diseño de Iluminación y video,  y  Francisco D. Ramírez en asistencia de dirección.  En cuanto a la producción, la propia Milleth incursiona como productora de LAS PENAS SABEN NADAR.
La obra fue estrenada en el Centro Cultural de las Artes Escénicas María Rojo en octubre de 2015.  Ante la buena acogida por parte del público que tuvo oportunidad de verla, Milleth y su equipo se sintieron listos para una temporada formal, así que recurrieron a solicitar el apoyo de FONDEADORA, donde el proyecto resultó exitoso, gracias a la gente que creyó en éste y puso su confianza en Milleth realizando alguna aportación a fin de que se alcanzara la meta fijada.
 
LAS PENAS SABEN NADAR versa sobre el relato de una actriz que se presenta en un festival de monólogos, en el que curiosamente ni siquiera se había inscrito.  De cualquier modo, a ella lo que le interesa es impresionar al público con "La Voz Humana" de Jean Cocteau.  Para darse valor, toma unos tragos de alcohol, pero esto es sólo el comienzo, ya que conforme avanza su soñada representación se va embriagando y, por momentos, olvida su objetivo.  Termina por abrir su corazón en el escenario, revelando que acaba de terminar con su novio, lo cual la entristece y decepciona.  Entrada en confidencias, pasa a compartir otros de sus desasosiegos, como lo difícil que le ha sido abrirse camino en la actuación, lo estresante que resultan las audiciones, lo tedioso que es esperar una llamada que nunca llega, las dificultades económicas que enfrenta cuando no consigue trabajo, lo inexplicable que le parece no ser aún la protagonista de alguna obra, a pesar de todo lo que tuvo que estudiar y lo mucho que se ha esmerado.  Se siente víctima de las circunstancias y le teme a la soledad.
El montaje es sencillo y su base es la buena estructura del texto y la capacidad histriónica de Milleth Gómez.  La escenografía es sustituida por ciertos elementos que estratégicamente apoyan la narrativa.  La labor de dirección por parte de Óscar Rojas es impecable.  Impone un fluido desplazamiento a su actriz y mantiene un ritmo bien equilibrado.
Como de costumbre, Milleth ofrece un trabajo actoral pleno de emotividad, acudiendo a sus expresiones, modulaciones de voz y una gran corporalidad, para representar fielmente los contrastantes sentimientos de esta frustrada mujer coincidente con Milleth en cuanto a la vocación, pero opuesta en idiosincrasia. 
En LAS PENAS SABEN NADAR el espectador conocerá los sentimientos más íntimos y los avatares  de una mujer que ansía llegar al estrellato, a través de un texto tan interesante como divertido.  También verá un proyecto creado por Milleth Gómez, mismo que gracias al empeño y talento de ella y de su comprometido equipo de creativos logró ser llevado a escena.  El buen teatro siempre es apreciado.  Altamente recomendable.
LAS PENAS SABEN NADAR
se presenta los sábados a las 19:00 horas y los domingos a las 18:00 horas
en el Foro del CENTRO CULTURAL CARRETERA 45 TEATRO,
ubicado en  Juan Lucas de Lassaga número 122 -cerca de la Estación San Antonio Abad del Metro-,
colonia Obrera, Ciudad de México. 
La temporada concluye el domingo 10 de abril de 2016.
EL DIFUNTO SEÑOR HENRY MOSS
Por.  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2016
El ser humano goza de libre albedrío y puede labrar su destino.  Por supuesto, dentro de cierto marco.  Depende de si nacemos con recursos o sin ellos, de la forma en que nos traten nuestros padres, de la educación y principios que nos inculquen, de la escuela en donde cursemos estudios, de las amistades, de nuestro entorno, de las oportunidades.  En fin, de muchas cosas, pero siempre es posible avanzar y mejorar si realmente se tienen ganas y se pone mucho esfuerzo.  En cambio, frente a la muerte, es bien poco lo que se puede hacer. 
Dicen que lo único que se puede asegurar a la gente cuando nace es que morirá.  Lo que no se sabe es cuándo llegará la muerte.  Si morimos en un accidente, un atentado o de un infarto, ni siquiera nos daremos cuenta.  Si alguien nos amenaza de muerte, no se piensa, prevalece el pánico y surge el instinto de supervivencia.   Mientras más años se viven, es lógico pensar que uno se va acercando a la muerte.  Si a alguien se le diagnostica una enfermedad terminal o la mala condición de algún órgano, el fin es inminente y es entonces cuando algunos seres humanos tienen la oportunidad de planear qué es lo que desean hacer en sus últimos días de vida.
A raíz de ciertas desavenencias y pleitos con sus dos hijos, el señor Henry Moss decide mudarse lo más lejos posible y ahora vive en una pequeña cabaña en el pueblo de Bernalillo, Nuevo México, E.U.A.  Henry está consciente de que sus días están contados.  El licor ingerido a lo largo de su vida le ha dañado el hígado.  Su corazón está algo frágil.   Se siente decepcionado de la vida y, aun cuando no lo acepta, extraña a sus hijos.  Se arma de valor y decide sacarle jugo a sus últimos días.  Hará todo lo que esté a su alcance para disfrutar al máximo lo que le resta de vida.  Se relaciona con una mujer mucho más joven que él y sigue bebiendo grandes cantidades de alcohol. 
Esta es la trama de la obra escrita por Sam Shepard, uno de los dramaturgos de mayor renombre en los Estados Unidos.  En su faceta de actor ha participado en más de 40 películas.  Como autor, ha escrito muchas obras, por las cuales tiene en su haber numerosos reconocimientos, como un Premio Pulitzer, dos Premios Tony y once Premios Obie -presea que se otorga a las obras más exitosas en off-Broadway, Nueva York, Nueva York, E.U.A., además de estar incluido en el Salón de la Fama del Teatro y ser miembro de la Academia Americana de Artes y Letras.  Una de las características en la dramaturgia de Sam Shepard es la forma tan precisa en que define la psicología de todos y cada uno de sus personajes.  En su obra lo que piensan y lo que sienten los protagonistas va saliendo a flote. 
En EL DIFUNTO SEÑOR HENRY MOSS la acción comienza cuando el señor Moss acaba de fallecer.  Margarito, hombre humilde, vive en un remolque junto a la cabaña de Henry.  Este vecino siempre estaba al pendiente de él.  Solía prepararle un buen menudo para la resaca, o bien, le compartía parte de lo que cocinaba, tratando de que se alimentara bien.  Se preocupa cuando deja de ver a Henry y opta por llamar a uno de los hijos para alertarlo.  Primero llega Eliot -el hijo mayor- y, más tarde, Ray -el menor-.  Ambos recorren un largo camino, no sólo por carretera, sino a través del bagaje de recuerdos que traen a cuestas, donde conviven añoranzas, resentimientos, ira, impotencia, auto reproches, etcétera.  Al llegar a casa del padre, reviven eventos del pasado, como las golpizas que Henry propinaba a su madre cuando alcoholizado enloquecía, la ternura y cuidados que ella les brindaba, los pleitos entre ellos, a la vez que hojean los álbumes y ven las fotografías donde la familia disfuncional parecía feliz.
Se enteran de que poco antes de su muerte, Henry contrató a un taxista y salió por varios días.  Acuerdan localizar al conductor del taxi para investigar a dónde fue su padre.  El taxista les dirá que Henry fue a los muelles, donde solicitó un permiso para pescar. Así mismo, les dirá que no iba solo, sino con Conchita.
Otto Minera, quien siempre ha estado ligado al teatro, llevó a cabo la traducción del texto original de Sam Shepard y  realiza uno de sus mejores trabajos de dirección escénica.  Resuelve la presentación de cuadros alternándolos o intercalándolos acertadamente, toda vez que la obra no es cronológica, ya que va y viene en el tiempo.  Impone un fluido desplazamiento de su elenco y el ritmo es preciso.
El elenco está conformado por Arturo Ríos (Henry Moss),  Ernesto Godoy (Eliot Moss),  Sebastián Moncayo (Ray Moss), Gabriela Zamora (Conchita),  Jorge Zárate (Taxi),  Alejandro Corzo (Margarito),  Tamizami Ayala y Mario Moreno (empleados de la Funeraria).  Todos ellos realizan una labor extraordinaria.  Los hijos recorren una amplia gama de emociones,  Conchita luce su sensualidad,  Margarito su personalidad acomedida y los empleados de la Funeraria el poco cuidado que tienen con los restos humanos.  Destacan, desde luego, Arturo Ríos de probada capacidad histriónica, quien siempre logra interpretaciones sorprendentes, un actor que verdaderamente se convierte en su personaje,  y  Jorge Zárate, otro gran actor que ilumina sus caracterizaciones con la vis cómica tan natural y espontánea que posee.
Complementan el equipo creativo:  Tere Uribe en diseño de iluminación y escenografía,  Alejandra Dorantes en diseño de vestuario,   Gilary Negrete y Aketzali Reséndiz en asistencia de dirección,  Otto Minera y Jacobo Lieberman en musicalización,  Jazzael Aché-Sáenz en diseño multimedia y videoarte,  y  Patricia Trujillo en diseño gráfico y publicidad.
La fotografía es de Pablo Cruz y el diseño de arte de Daniel Petris.  Se encargan de  prensa, Carlos Martínez / Prensa Danna,  y de redes sociales, Jimena Gómez Alarcón.
Es una coproducción de En Llamas Producciones,  La Rama de Teatro,  Funxxión  y  BH5 Group.  Los productores son:   Arturo Barba,  Otto Minera,  Rodrigo Trujillo,  Jacobo Nazar  y  José Luis Salas.
Un texto de excelente factura que capta el interés del espectador a partir del primer momento.  Una travesía por el sentir humano.  Un relato donde no se juzga.  Queda claro que cada individuo tiene particulares motivos y razones para ser como es.  Estupenda dirección, formidable montaje y entrañables actuaciones.  Quedan pocas oportunidades para ver EL DIFUNTO SEÑOR HENRY MOSS, toda vez que su temporada está por concluir.  ¡No te la pierdas!
EL DIFUNTO SEÑOR HENRY MOSS
se presenta el viernes a las 19:00 y 21:15 horas,
el sábado a las 18:00 y a las 20:15 horas,  y
el domingo a las 17:00 y 19:15 horas en el
TEATRO MILÁN,
ubicado en Lucerna número 64, esquina con Milán, colonia Juárez, Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 27 de marzo de 2016.
LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO
Homenaje Escénico a Andrei Tarkovsky

Por: Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2016

 

La Compañía de Teatro El Ghetto, cuyo objetivo es ofrecer propuestas escénicas de calidad artística, cuenta con una trayectoria de más de dos décadas, durante las cuales ha participado exitosamente en numerosos festivales nacionales e internacionales. Su fundador y director es Agustín Meza. Desde hace varios años la sede de El Ghetto es la ciudad de Querétaro en el Estado de Querétaro, México

Cada creador tiene su visión particular sobre la forma de hacer teatro y, en base a ésta se definen las características del grupo que comanda. El Ghetto se ha distinguido por la versatilidad de sus producciones. Entre los montajes con los que El Ghetto ha obtenido mayor reconocimiento se encuentran: El Pasatiempo de los Derrotados ... Cartas de un Idiota de Agustín Meza, Fe de Erratas de Agustín Meza, Esperando a Godot de Samuel Beckett, Woyzeck de Georg Büchner, El abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas, Anatomía de la Gastritis de Itzel Lara, Gritos y Susurros de Ingmar Bergman, y La habitación y el tiempo de Botho Strauss.

Agustín Meza es un hombre de gran talento y mucha sensibilidad, en cuyas venas corre el teatro. La inspiración la tiene a flor de piel. Es un creativo que no se ciñe a cánones establecidos ni cae en lugares comunes. Es un apasionado de los retos y tiene la convicción de que el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada. Prueba de esto es el trazo escénico diseñado para Anatomía de la Gastritis, mismo que cambió diametralmente entre sus presentaciones en la ciudad de Querétaro y la Ciudad de México. Otro ejemplo es La habitación y el tiempo donde, además del dispositivo multimedia colocado en el ciclorama, utilizó papel periódico en lugar de escenografía.

No considera indispensable conformar un elenco con actores o actrices, por lo que cualquier persona ligada al arte puede ser su intérprete. Cree firmemente en la expresión artística y en la creación colectiva. Incentiva a los participantes a formular propuestas y si éstas funcionan en beneficio del proyecto, quedarán integradas.

Su más reciente creación es LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO / Homenaje escénico a Andrei Tarkovsky, la cual, fue estrenada en el Festival de teatro para el fin del mundo a finales del 2015 en la ciudad de Tampico, Estado de Tamaulipas, México, para luego viajar a Uruguay y Argentina, donde El Ghetto se vio precisado a dar el triple de las funciones que tenía programadas, por la efusividad con la que el público recibió la obra y la demanda que surgió.

El proyecto está inspirado en las imágenes de las películas de Andrei Tarkovsky, a quien se considera el más emblemático cineasta ruso. Los cimientos de LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO definitivamente van de la mano con algunas de las premisas que Tarkovsky menciona en su libro Esculpir el tiempo: El arte, anhelo por el ideal, tiempo impreso, predestinación y destino, la imagen cinematográfica, el tiempo, ritmo y edición, la realización plástica, la música y el sonido ambiental, el autor en busca de su público, la responsabilidad del artista, poemas ...

Agustín Meza, como admirador de Tarkovsky, le rinde homenaje traduciendo todo esto al lenguaje teatral y concibe un montaje innovador de creación colectiva. El concepto integral es de su autoría y ciertas acciones y algunos parlamentos son propuestas de los ejecutantes. Por la intimidad que se requiere, LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO no se presenta en foros sino en espacios poco convencionales que son intervenidos. Se trata de una propuesta escénica contemporánea, radical y liminal, en la que se explora el silencio.

Al rendir este merecido tributo al reconocido Tarkovsky, Agustín Meza, al intitular su obra como LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO también homenajea, quizá inadvertidamente, al insigne arquitecto mexicano Luis Barragán, gran ser humano, quien fuera el primero que integró la naturaleza a su arquitectura. Comenzó urbanizando el Pedregal de San Ángel, donde creó bellísimos jardines respetando la roca volcánica que había en ellos, para más tarde, basar su arquitectura en juegos de luz, construyendo columnas o muros con determinadas ranuras, a fin de permitir que los efectos de luz y sombra en habitaciones o espacios vayan cambiando conforme avanza el sol a lo largo del día. A semejanza de Tarkovsky, Agustín aspira al ideal y esculpe el tiempo para el viaje del espectador y, al igual que Barragán, integra el espacio a su propuesta teatral y sabe cómo filtrar ésta al corazón del público para generar sensaciones.

El elenco de LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO es de cinco integrantes y sólo puede albergar a cinco espectadores. Lo primero que se observa es una llama encendida. El fuego sensibiliza y brinda paz. Es el propio Agustín Meza quien da la bienvenida y entrega el "boleto" de entrada. Dado que no hay telón, antes de dar tercera llamada, el público tiene la oportunidad de ver las indicaciones que da el director a los participantes para la función en turno, misma que será única e irrepetible. Una vez que se acuerda la consigna, Agustín se retira y uno a uno los ejecutantes irán eligiendo a la persona de quien serán anfitriones. Él o ella los conducirán al interior y en una atmósfera muy íntima con aroma a incienso y copal, al calor de velas, frente a un altar repleto de objetos simbólicos, procederán a un ritual para que el espectador se adentre en el silencio.

Justo ahí comienza un viaje de breve duración en tiempo, pero ilimitado en espacio. Se escuchan fragmentos de historias que provienen de lo vivencial o lo escrito, tan entrañables, que activan la imaginación de los asistentes. En un momento dado, también se oye algo de música emanada de instrumentos variados, contemporáneos o antiguos, de origen diverso, incluso de medio oriente o prehispánico. Cada espectador podrá viajar adonde la palabra, el sonido o el silencio lo lleven. Las opciones son múltiples, tal vez rememore un pasaje de su vida, recuerde a alguien que se ha cruzado en su camino, reconozca un paisaje olvidado, identifique una situación como propia o de algún conocido, explore nuevos horizontes, o bien, haga una introspección profunda y descubra facetas ignoradas de su personalidad o vislumbre motivos hasta entonces incomprendidos. La interacción del espectador queda a su albedrío. Puede hablar o callar, reír o llorar, liberarse de alguna culpa, compartir un secreto ... Es más, hasta podrá pedir un deseo. El silencio que aquí se invoca hará que lo invisible se vuelva visible.

La dirección escénica por parte de Agustín Meza es impecable. La forma en que interviene el espacio escénico y lo hace parte integral de su concepto es asombrosa y el ritmo que imprime es preciso. De nuevo supera el reto que se impuso y logra concretar su poética haciendo que la gente entre en una zona donde arte y espiritualidad convergen.

Los copartícipes de Agustín Meza en esta sorprendente aventura, Genny Galeano, Alejandro Obregón, Diana Lara Santoyo / Beatriz Juan Gil, Roberto Sayavedra e Irma Malena Monterrubio, son los chamanes del teatro que guían a su aliado individual, brindándole su protección y confianza mediante la palabra, el silencio y la cercanía. Excelente trabajo que da cuenta clara de la manera en que este grupo de jóvenes artistas se ha comprometido con el proyecto.

La producción es de la Compañía de Teatro El Ghetto. LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO es presentada gracias al Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Querétaro PECDA 2015, a la Beca Bancomer de Apoyo a las Artes de la Fundación BBVA Bancomer 2015, y el apoyo de FONDEADORA como proyecto exitoso (2015).

Una puesta en escena que rompe con arquetipos. LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO mueve y conmueve, una experiencia distinta e inolvidable. No es sólo teatro personalizado sino como recibir una transfusión energética insuperable. Un viaje místico que nadie debe perderse. Magia teatral en todo su esplendor. En nuestros días el silencio es un diamante precioso por el nivel de contaminación sonora que padecemos, sobre todo, en las grandes ciudades. Un refugio para motivar la reflexión. Sumérjanse de lleno en el silencio y tengan por seguro que esto les abrirá nuevas ventanas al universo. Se presenta en la ciudad de Querétaro, pero consideren que no es tan distante de la Ciudad de México. Cualquier esfuerzo que hagan por verla, habrá valido la pena.  Pueden ir y volver el mismo día, o bien, pernoctar y aprovechar para dar un paseo de fin de semana.

Las funciones de
LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO
son a las 20:00 horas de miércoles a domingo en
LA FORJA del MUSEO DE LA CIUDAD de QUERÉTARO,
ubicado en Guerrero número 27 Norte, Centro Histórico, Ciudad de Querétaro, Estado de Querétaro, México.
 El costo del boleto es de $250.00
 La segunda temporada concluye el domingo 1° de mayo de 2016
Para adquirir y reservar boletos, visita el sitio:
http://arquitecturadelsilencio.blogspot.mx/
POR LOS SUEÑOS
MICRO TEATRO MÉXICO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2016
Día con día MICRO TEATRO MÉXICO va en ascenso.  Cuenta ya con un número considerable de adeptos.  En sus Convocatorias reciben cada vez más textos, con lo cual la selección de las Micro Obras que se representaran se hace vuelve más difícil.  
Sin embargo, a Alejandra Guevara Castillo, Andrea Novelo y Juan Pablo Rivas no les arredran las dificultades y dedican todo su tiempo, esfuerzo y dedicación al crecimiento de MICRO TEATRO MÉXICO.
El concepto de Micro Teatro es lo único que continúa igual desde su fundación.  La representación de 13 Micro Obras, cada una con un máximo de 15 minutos de duración, para sólo 15 espectadores, en un espacio no mayor a 15 metros cuadrados de superficie.   
El actual ciclo se intitula POR LOS SUEÑOS y las obras seleccionadas son:  CAMINO A CASA,  HOMBRE QUE SUEÑA CON UN NIÑO Y UNAS BENGALAS,  SE BUSCA MUSA,  TRES, TREINTA Y TRES (3:33),  INSOMNIO,  PAQUETE APAREZCAS,  A DREAM INTO A DREAM,  RESIDUOS TÓXICOS,  HAY UN SEÑOR SENTADO EN LA SALA,  ZONA DE AVISTAMIENTO,  LLUEVEN DIAMANTES EN JÚPITER & SATURNO,   MOTEL MALA PATA TODO POR MARILYN.

En Micro Teatro Infantil amplían consistentemente su programación y en este Ciclo hay mucho donde elegir:   EL CASTILLO EN EL AIRE de Carlos Coss,  SUEÑOS COMPARTIDOS de Raúl Andrade,  LUCES DE COLORES de Eduardo Viladés,  DESDE LO IMPOSIBLE de Luis Osorio,  EL SUEÑO EL ÚLTIMO SUEÑO DE MARÍA de Roberto Darío Castro.

CAMINO A CASA, escrita y dirigida por Jorge Kárloz.   Cada día estamos expuestos a riesgos.  Al salir de casa, estos se multiplican.  Puede ocurrirnos un accidente o un incidente.  En nuestra gran ciudad el tránsito es intenso, así que si queremos llegar más pronto, la mejor opción es el Metro.  Por lo general, está repleto y, además de la incomodidad que esto nos provoca, desconocemos a la gente que nos rodea.  No sabemos si a nuestro lado van seres normales, delincuentes o abusadores.  CAMINO A CASA transcurre en un vagón del Metro.  Una chica es molestada por un hombre.  Sin embargo, toda historia tiene dos lados y aquí el espectador tiene la oportunidad de presenciar ambas versiones.  Tanto la joven como el supuesto abusador hablarán sobre los hechos.  Ella dice que él le faltó al respeto, mientras que él dice que es ella la que se insinuó y que lo inculpa injustamente.  También se ve la actitud del policía encargado del caso. ¿Cuál de los dos dice la verdad?.
 
Un texto estructurado e interesante sobre algo que pudiera ocurrir a cualquiera.  Buenas actuaciones por parte del elenco, conformado por:  Said Castro,  Ana Banderas,  Raúl  Cohen,  María Fernanda Ramírez Díaz,  Karen Condés,  Francisco Granados,  Julio Grijalva  y  Gerardo Ochoa, quienes alternan funciones.  Bien administrado el desplazamiento actoral y el ritmo escénico por parte del director y autor Jorge Kárloz.  Adecuado entorno del vagón mediante el trabajo escenográfico.  Jesús Miyar es el asistente de dirección  y  Héctor Sánchez Granada el productor.
Recomendable.
CAMINO A CASA se presenta en la Sala 1
HORARIOS:  Jueves y Viernes – 21:00/21:30/22:00/22:30/23:00/23:30
Sábado – 20:00/20:30/21:00/21:30/22:00/22:30
Domingo – 19:00/19:30/20:00/20:30/21:00/21:30

PAQUETE APAREZCAS de la autoría de Elizabetha Gómez, bajo la dirección de Gabriel García.  Aun cuando la historia está basada en un hecho real, se aborda con mucho humor.  Un pobre hombre es atropellado.  Queda tirado sobre el pavimento y lo que más desea es que alguien lo auxilie.  Está muy lastimado y adolorido.  Lo mejor sería llamar a una ambulancia para su traslado a un hospital.  ¿Habrá visto alguien el momento del accidente?  ¿Se castigará al conductor del automóvil que lo embistió o ...quedará impune?

Un buen texto que versa sobre una lamentable situación.  Estupenda labor por parte del director, intercalando fragmentos donde el atropellado habla directamente al público.  Formidables actuaciones.  Eduardo Limón da vida al atropellado, mientras que la hermosa Patricia Rozitchner y Gerardo Cabal se muestran polifacéticos al interpretar a diversos personajes.  Ya hacía falta ver en vivo y en directo a Patricia Rozitchner, quien por su labor en producción y sus apariciones en televisión y cine, se encontraba alejada de la escena.  Muy apropiada la escenografía al retratar una esquina de la gran urbe, diseñada por Daniela Caloca.  El versátil vestuario fue diseñado por Beatriz Machado.  A Mauricio Sotomayor le fue encomendada la asistencia de dirección,  a Arturo Urquiza el diseño y a Juan Galicia la construcción

¡No se la pierdan!

PAQUETE APAREZCAS se presenta en la Sala 6

HORARIOS:  Jueves y Viernes – 20:00/20:30/21:00/21:30/22:00/22:30
Sábado – 19:00/18:30/20:00/20:30/21:00/21:30
Domingo – 18:00/18:30/19:00/19:30/20:00/20:30
A DREAM INTO A DREAM --UN SUEÑO DENTRO DE UN SUEÑO--, de la autoría de Fernando Zárate, bajo la dirección de Eduardo Castañeda.  La vida nocturna ofrece muchas opciones de diversión, sobre todo, para los caballeros.  Ellos pueden elegir entre ir a un bar o centro de espectáculos.  En algunos hay chicas con atuendos provocativos, en otros se despojan de la ropa por completo.  También existen aquellos en que las jóvenes pueden bailar para ellos en forma individual.  Todo depende de las preferencias del cliente.  Por lo general, los hombres sólo ven a estas mujeres como objetos, incluso, hasta con cierto desprecio.  La acción de A DREAM INTO A DREAM transcurre en un sitio privado.  Una bella jovencita bailará para un hombre.  Los espectadores se situarán dentro de este oscuro cuarto y podrán ver lo que ellos quieran.  El hombre se sienta frente a la joven para disfrutar de su baile;  sin embargo, la sorprenderá al hacerle una petición extraña, distinta de las propuestas que ella está acostumbrada a recibir.  La mujer queda impactada y no sabe si acceder o no a lo que él pide.  ¿Cuál es la propuesta de este caballero?  Si deseas saberlo, tendrás que ir a la Sala 9 de Micro Teatro México.
Un texto de buena estructura que causa asombro.  Bien administrada la dirección por parte de Eduardo Castañeda.  Excelente labor histriónica por parte de Luis Fernando Zárate y Pauline Tareo, quien también desempeña una acertada corporalidad.
El resto del equipo creativo está integrado por:  Tania Niebla en producción ejecutiva y asistencia de dirección,  Vania Sisaí RodSan en diseño de vestuario,  Edgar Uscanga y Vania Sisaí RodSan en difusión y prensa,  Rolando Álvarez y Miguel Luna en video y multimedia,  Thalía Valtierra en coreografía,   Eduardo Castañeda y Vania Sisaí RodSan en diseño de escenografía,  José Luis Peña en diseño gráfico.  La canción fue compuesta por Rafael Mendoza  y la fotografía es de Carlos Castañeda.
¡No se la pierdan!
A DREAM INTO A DREAM se presenta en la Sala 7
HORARIOS: 
Jueves y Viernes – 21:05/21:35/22:05/22:35/23:05/23:35
Sábado – 20:05/20:35/21:05/21:35/22:05/22:35
Domingo – 19:05/19:35/20:05/20:35/21:05/21:35
HAY UN SEÑOR SENTADO EN LA SALA, escrita y dirigida por Alejandra Ballina.  Una divertida anécdota familiar inspiró a Alejandra Ballina para concebir esta Micro Obra.  El texto es de excelente factura y mantiene el interés de principio a fin.  Una joven pareja se dispone a dormir.  Tuvieron una fiesta infantil y su pequeño bebé se tardó en conciliar el sueño.  La verdad, ambos están fatigados y deseosos de tener un descanso muy merecido.  Al día siguiente él tiene un proyecto importante que atender en el trabajo y, para ella, como madre primeriza, el cuidado del bebé resulta agobiante.  Conversan un poco, se coquetean.  En un momento dado, él va al baño y al salir de la habitación descubre que HAY UN SEÑOR SENTADO EN LA SALA.  ¿Quién es el intruso? ¿Cómo deben proceder?  Tendrán que determinar si enfrentarlo en forma directa o llamar a la policía.  El otro problema es que el chiquitín puede despertar y no hay que olvidar cuán difícil fue que se durmiera.
Definitivamente, Alejandra Ballina trae el talento en las venas.  Recientemente nos sorprendió por la forma en que resolvió el reto de dirigir escénicamente un proyecto de formato innovador y de gran envergadura, como lo es "La Dalia Negra", ahora como autora y directora brinda al público un trabajo espléndido.  Las actuaciones por parte de Llever Aiza y Adriana Ríos son entrañables.  Ambos representan en forma muy convincente a este matrimonio que tiene que resolver el problema de encontrarse a un hombre dentro de su hogar.   Una situación familiar que es trasladada a escena dentro de un marco de realismo como una comedia mucho muy divertida.  La escenografía acorde a este marco es la habitación de la joven pareja y su bebé.
Altamente recomendable. Diversión garantizada.
HAY UN SEÑOR SENTADO EN LA SALA se presenta en la Sala 9
HORARIOS: 
Jueves y Viernes – 20:05/20:35/21:05/21:35/22:05/22:35
Sábado – 19:05/18:35/20:05/20:35/21:05/21:35
Domingo – 18:05/18:35/19:05/19:35/20:05/20:35
LLUEVEN DIAMANTES EN JÚPITER & SATURNO es un proyecto que desarrollaron conjuntamente de Karla Bourde y Daniel M. Cervantes, bajo la dirección de Jonathan Persan.  Aun cuando el texto pareciera ser una metáfora, lo cierto es que de vez en cuando la realidad supera a la ficción.  Hace poco más de dos años fue creado el mayor láser del mundo y, gracias a éste, los investigadores de un importante laboratorio de California lograron determinar el comportamiento del carbono cuando es sometido a presiones tan gigantescas como las que existen en las profundidades de los planetas de mayor dimensión.  Esto los llevó a descubrir que en condiciones de atmósferas densas como aquellas que prevalecen en Júpiter y Saturno, por el alto contenido de carbono que tienen estos planetas, se producen verdaderas lluvias de diamantes.  Así que este descubrimiento científico es el que inspiró a los autores para dar título a LLUEVEN DIAMANTES EN JUPITER & SATURNO.   
Al ubicar la historia en planetas tan alejados del nuestro, concibieron a unos personajes con diferentes características.  Un hombre y una mujer son objeto de estudio, para lo cual los tienen en un ambiente estéril.  El espectador podrá verlos a través de un cristal.  Aparentemente se sienten atraídos.  Tal vez pudieran enamorarse profundamente, pero antes de culminar la relación se apartarán.  Esto se debe a que no tienen memoria, sin embargo tienen sentimientos.  Esto los lleva a permanecer atados dentro de un amor cíclico que se repetirá una y otra vez.  La inusual perspectiva de amor inter-espacial es narrada mediante parlamentos consistentes. 
Convincentes interpretaciones por parte de los propios autores, Karla Bourde --Europa--  y  Daniel M. Cervantes --Pollux--, quienes dan vida a los jóvenes enamorados, así como de la anfitriona y narradora Florencia Guel --Era--.  Jonathan Persan realiza una impecable labor de dirección, además de encargarse del diseño gráfico.  Brinda su asistencia y diseña el vestuario Héctor Berzunza.  Bien logrado el entorno espacial, diseñado por Alberto Ramírez Leaño.   La producción es de Roberto Saint Martin.  
Aventúrense a viajar a la estratósfera y conozca una forma distinta de amor.
LLUEVEN DIAMANTES EN JÚPITER & SATURNO se presenta en la Sala 11
HORARIOS: 
Jueves y Viernes – 20:00/20:30/21:00/21:30/22:00/22:30
Sábado – 19:00/18:30/20:00/20:30/21:00/21:30
Domingo – 18:00/18:30/19:00/19:30/20:00/20:30
MOTEL MALA PATA, de la autoría y bajo la dirección de Mario Alberto Monroy.  Agustín está en un momento crucial de su vida.  Siente que tiene que encontrar la felicidad.  Todo le sale mal, su padre lo desconoce,  su madre pareciera odiarlo,  Rosita rechaza su amor, a pesar de su insistencia,  y  su gato suele rasguñarlo.  Decide alejarse de todo y llega al Motel Mala Pata, donde se siente muy a gusto y encuentra nuevas formas de expresión.  ¿Te animarías a acompañar a Agustín a este Motel?
Al contrario de la consabida frase "cualquier similitud es mera coincidencia", MOTEL MALA PATA es una parodia de "Hotel Good Luck" de Alejandro Ricaño, narrada con singular humor.  El estructurado texto es engalanado por la vis cómica, el desempeño actoral y la corporalidad de Memo Villegas y Nohemí Espinosa, quienes representan a sus personajes en forma extraordinaria.   Excelente labor de dirección por parte del autor Mario Alberto Monroy.
El resto del equipo creativo lo conforman:  Juan Carlos Araujo y Ricardo Castillo en producción,  Mari Carmen Álvarez en producción ejecutiva,  Mauricio Ascencio en escenografía, vestuario e iluminación,  Assira Abbate en asistencia de dirección y producción,  y  Arturo Ambriz en diseño gráfica.
Si quieres olvidarte del mundo y reír a carcajadas durante 15 minutos, tienes que verla.
MOTEL MALA PATA se presenta en la Sala 12
HORARIOS:
Jueves y Viernes – 20:00/20:30/21:00/21:30/22:00/22:30
Sábado – 19:00/18:30/20:00/20:30/21:00/21:30
Domingo – 18:00/18:30/19:00/19:30/20:00/20:30
Las Micro Obras se presentan en la sede de MICRO TEATRO MÉXICO, ubicada en  Roble número 3 -casi esquina con Insurgentes-, colonia Santa María La Ribera, Ciudad de México.  Las matinés de Micro Teatro Infantil son los sábados a partir de las 12:00 horas  y  los domingos a partir de las 13:00 horas.  Los costos son:  Una micro obra por $70.00,  Combo de 3 micro obras por $180.00,  y  Abono General a $50.00 por cada obra.  Cada compra incluye una micro bebida de degustación.   La temporada de POR LOS SUEÑOS concluye el domingo 28 de febrero de 2016,
BLACKOUT
Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2016

 

Los montajes se realizan desde la perspectiva de cada quien. Igual vemos una puesta en escena de alguien y luego vemos la de otra persona. Tal vez nos guste más una que otra, pero no se trata de comparar. Como espectador debemos apreciar esas perspectivas. Todos tenemos derecho a expresar lo que nos mueve y conmueve de una obra. No se trata de comparar, sino de que nos sea grato vivir en este tiempo en que la diversidad prevalece.
Anteriormente, nadie podría pensar en ver dos versiones, por ejemplo, de "Nosotros los pobres", joya cinematográfica que continúa viéndose en la televisión. Aun cuando no vivimos en aquella época de oro de la cinematografía mexicana, conocemos una sola versión.  Hoy en día se vale ver distintas versiones.
En la Ciudad de México tuvimos la oportunidad de ver ANAMNESIS de la autoría de Jaime Chabaud, bajo la dirección de Richard Viqueira  y todos la calificamos como extraordinaria. Un excelente montaje de la obra en base a la extrema corporalidad que se representaba en escena.
Hoy tenemos oportunidad de ver BLACKOUT  que es la misma obra -ANAMNESIS- desde la visión de El Rinoceronte Enamorado, una compañía teatral mexicana fundada en 1994 en San Luis Potosí, que está celebrando su vigésimo aniversario, habiendo realizado treinta y cinco montajes, la mayoría de los cuales han sido dirigidos por Jesús Coronado, director artístico y general de la compañía, quien pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte. 
A diferencia del montaje anterior basado en la corporalidad, la del Rinoceronte Enamorado tiene como prioridad el texto del Jaime Chabaud y lo hace lucir en todo su esplendor.  A través de la forma pausada en que transcurre la escenificación, apoyada en la musicalización y teniendo como prioridad el desempeño actoral, esta puesta en escena es formidable.
BLACKOUT, una obra inspirada en el Rey Lear de Shakespeare nos presenta a un hombre disminuido a causa de la edad y la enfermedad que padece de blackouts -desmayos, pérdida de memoria, apagones-. Tal vez una especie de Alzheimer.  Recuerda más el pasado que el presente.  Le cuesta trabajo reconocer a quienes lo rodean, pero tiene clara memoria de eventos de su vida pasada.  Se encuentra muy enfermo, probablemente está viviendo sus últimos días.
Está fuertemente ligado al Rey Lear y, de hecho, así lo llama su fiel enfermero. Está muy enfermo, se podría decir, al final de su vida.  Siente la impotencia de estar prostrado en una cama, quisiera brincar, correr, tan solo caminar, pero le es imposible. Se da cuenta de su padecimiento, pero, a la vez, trata de sobreponerse y reflexiona "no me imagino no recordar el nombre de las cosas".  Sus trillizas llevan los mismos nombres que las del rey Lear.   Anhela ver a sus hijas, quisiera contar con cariño y apoyo, sobre todo, el de Cordelia -de sus hijas, la más amada.  Lamentablemente, ellas no quieren saber nada de su padre y sólo las mueve el interés económico.  Darían todo por encontrar el cuadernillo donde su padre anotaba todo: números, cumpleaños, contraseñas.  Necesitan abrir la  caja fuerte.  El dinero es lo que las mueve.
El enfermero se dedica a atender al paciente y a narrar a los espectadores lo que sucede.  Comparte con el espectador detalles del estado anímico y de salud de Lear, así como las características que distinguen a cada una de sus tres hijas.  Fiel a su oficio, trata de desempeñar su labor lo mejor que puede.  Está consciente de que en las herederas de Lear suele provocar ... la invisibilidad.  Acepta que, para ellas, él no existe.
Goneril, la mayor, es la primera que visita a su padre.  En un momento dado, Lear exclamará "eres mi retrato, qué horrible padre he sido".  La segunda visitante es Regan, la hija de en medio.  Mujer viuda que se dedica a verse bien.  Ella es muy fitness, gusta de practicar deportes y ¿por qué no? hacerse una que otra cirugía de vez en cuando.  Además, muy moderna y abierta a todo lo que se le ofrezca.  Es capaz de sonrojar al enfermero. 
Lear las recibe, soportándolas, en espera de que llegue su consentida, Cordelia, quien lo visita de última.  Hace 15 años que se alejó de la casa paterna.  Es una chica dulce que al ver a su padre dice para sí:  "Heme aquí en un torbellino de recuerdos ... en un ejercicio de anamnesis ..."  Tiene sus propios problemas, a veces, se le confunden los personajes.  Se acuesta al lado de su padre, como lo hacía de niña y sueña que él la sueña cabalgando sobre sus rodillas".  Cómo quisiera que su padre conociera a sus hijos, sabe que se sentiría orgulloso de ser abuelo de dos varones.
BLACKOUT -ANMNESIS, título original- es un texto de excelente factura, donde Jaime Chabaud escudriña la condición humana y los lazos fraternales entre padre e hijas cuando hay intereses de por medio.  Interesante de principio a fin.  Una obra inspirada en el Rey Lear de Shakespeare, trasladada al mundo contemporáneo, con celulares y tecnología actual.  Personajes bien delineados, historia atemporal.  Frases tan contundentes como "México es un país que nadie entiende y que Shakespeare ya escribió", o bien "un castillo tan inmenso para tan disminuido padre".
La labor de dirección por parte de Jesús Coronado es impecable.  Toma el reto de representar una obra que ha sido un éxito y lo hace desde su propia visión, logrando un formidable resultado.  Apuesta por el desempeño actoral y se apoya en un entorno musical, que va de música estridente a dulce -entre tambores, viento y campanas-.
Eduardo López Martínez (Lear) y Alfonso Alba (enfermero) ofrecen una labor histriónica de calidad.  Por su parte, Gabriela Betancourt hace gala de su versatilidad al encarnar a Goneril, Regan y Cordelia, dotando de matices distintos a cada una de ellas. 
La escenografía, aparentemente sencilla -un sillón, una silla, una cama y un pequeño mueble- se dimensiona con una ventana/espejo en la parte posterior que irradia luz y sombra, es creación de Angustias Lucio, al igual que el apropiado vestuario.  La iluminación y la producción ejecutiva recae en Caín Coronado.  La música original -que va de lo estridente a lo armonioso, pasando por lo clásico- es producto de Armando Corado.
Complementan el equipo:  Víctor Cuéllar en asistencia de producción,  la Familia Pardo en construcción de escenografía, Blanca Almaguer en confección de vestuario,  Elvia Hernández y Sagrario Orta en drapería  y  Óscar Ramírez en fotografía.
Una historia interesante de un autor clásico -Shakespeare-, en la cual se inspira uno de los más brillantes dramaturgos mexicanos -Jaime Chabaud-, para hacerla atemporal y ubicarla en nuestro entorno, una dirección bien administrada, actuaciones consistentes, de gran compromiso en creación de personajes y en el lucimiento del proyecto, con un estupendo equipo, brindand teatro de calidad al espectador.  ¡No se la pierda!  Sólo le quedan dos funciones este domingo.
BLACKOUT
se presenta dentro del marco del Sexto Ciclo TEATRO DE LOS ESTADOS,
a las 13:00 y a las 18:00 horas del domingo 7 de febrero de 2016
en el Teatro EL MILAGRO, ubicado en la calle Milán número 24 --entre Lucerna y General Prim--,
colonia Juárez, Ciudad de México.
PROYECTO LEÑERO, SACRIFICIO
Primera parte de la aventura teatral de Vicente Leñero
Por:   Eugenia Galeano Inclán
Enero 2016
Honor a quien honor merece.  Se dice fácil, pero no lo es, sobre todo, si se trata de rendir tributo a un ser tan querido y admirado, como lo es Vicente Leñero.   El insigne autor y cronista nació en Guadalajara, Jalisco. Antes de descubrir su pasión por las letras, se graduó de ingeniero civil, para luego estudiar periodismo.  Una vez que escribió su primera novela "La Polvareda", se dio cuenta de que jamás se apartaría de la escritura.
Abarcó todos los géneros, escribiendo novelas, crónicas, obras de teatro y guiones cinematográficos.  También se dedicó a la docencia.  Su obra es monumental y a lo largo de su trayectoria recibió numerosos galardones y reconocimientos, algunos tan importantes como ser nombrado miembro de número de la Academia Mexicana de la Lengua y condecorado con la Medalla de Bellas Artes que otorga el Instituto Nacional de Bellas Artes. 
En su vida privada fue intachable y muy apegado a su familia.  Nadie como él ha podido retratar el sentir del mexicano en forma tan precisa.  Varias de sus obras están basadas en hechos reales, historias que él documentó y dramatizó, dando paso a denuncias sociales, brindando voz a quienes no pudieron o no se atrevieron a protestar.
La Compañía Nacional de Teatro (CNT) encabezada por Luis de Tavira rinde homenaje al ilustre autor en cuanto a su labor dramatúrgica, a través de la representación de su obra.  Este homenaje intitulado Proyecto Leñero constará de tres fases, siendo la primera la denominada PROYECTO LEÑERO, SACRIFICIO.  Además de homenajear al emblemático dramaturgo, la intención es que las nuevas generaciones conozcan su obra y se interesen no sólo por verla sino por leerla.
Luis de Tavira tomó a su cargo personalmente este magno proyecto.  Tras analizar la vasta obra de Vicente Leñero, creó el concepto teatral que se utilizaría.  Luego, convocó a la conocida dramaturga Estela Leñero, hija del homenajeado, para colaborar en el proyecto.  Definieron que comenzarían por obras documentales y al encontrar ciertas constantes que se convertirían en el hilo conductor de esta primera parte de la aventura teatral, eligieron tres de las obras más representativas del teatro documental de Vicente Leñero:  Los albañilesPueblo rechazado y El juicio.
En Los albañiles sucede algo que podría pasar en cualquier construcción.  Alguien encuentra muerto a don Jesús.  Hay quienes hablan bien de don Jesús, pero también quienes hablan mal.  Lo cierto es que surge la sospecha y desconfían los unos de los otros.  La pregunta es ¿quién habrá sido capaz de asesinarlo?.  La policía llega para indagar y los interrogatorios quedarán expuestos en escena con toda crudeza.
Pueblo rechazado está basado en un hecho de la vida real.  En los años sesenta, el sacerdote Gregorio Lemercier, fundador y prior conventual de Santa María de la Resurrección decidió implantar el psicoanálisis en su congregación, a lo cual las altas autoridades del Vaticano expresaron su franca oposición.  Todo esto derivó en un grave conflicto.  No obstante el cual, Lemercier, de ideas fijas y mucha altivez se se negó a acatar las ordenanzas de sus superiores.  El siguiente paso es un juicio inquisitorio.  Por su alta investidura, se pensaría que su fe es inquebrantable, sin embargo, la controversia es tan fuerte que todo podría tambalear.
El juicio versa sobre el proceso judicial que se siguió para determinar las causas que llevaron a León Toral (José de León Toral) a asesinar al general Álvaro Obregón a sangre fría a la vista de todos los comensales en el restaurante La Bombilla, ubicado en San Ángel, al sur de la Ciudad de México en 1928, a punto de que Obregón iniciara su segundo mandato como Presidente.  Lo más sorprendente fue cuando en un momento dado del juicio León Toral confesó que Dios era su único cómplice.

La dramaturgia de PROYECTO LEÑERO, SACRIFICIO es de Luis de Tavira y Estela Leñero, con la colaboración de José Ramón Enríquez y Naolli Eguiarte.

La labor de dirección por parte de Luis de Tavira es extraordinaria, como es su costumbre.  Su poética tiene como fundamento lograr una maquinaria teatral perfecta, donde todos y cada uno de los engranajes funcione en forma eficaz y precisa.  Se permite el lujo de brindarnos algo impensable, por ejemplo, ver a la primera actriz Rosenda Monteros interpretando a un hombre barbado.  Octavio Michel brinda su asistencia en dirección .

Philippe Amand es quien diseña la escenografía e iluminación que enmarcan impecablemente a las tres obras.  El variado e incomparable vestuario fue diseñado por Carlo Demichelis.  Amanda Schmelz se encarga de maquillaje y peinados.  La relevante coordinación coreográfica es impartida por Antonio Salinas.  El diseño sonoro para dar el entorno adecuado y la dirección coral son creación de Alberto Rosas.

El elenco está conformado por cincuenta actores, algo pocas veces visto en teatro.  En su mayoría son integrantes del elenco estable de la CNT.  En ciertos cuadros llegan a reunirse casi una cuarentena de histriones.  Participan en PROYECTO LEÑERO, SACRIFICIO:  Farnesio de Bernal, Rosenda Monteros, Marta Aura, Arturo Beristain, Marco Antonio García, Luisa Huertas, Diego Jáuregui, Óscar Narváez, Laura Padilla, Teresa Rábago, Enrique Arreola, Emma Dib, Érika de la Llave, Pilar Padilla, Renata Ramos, Esteban Soberanes, Roberto Soto, Rodrigo Vázquez, Everardo Arzate, Eduardo Candás, Mariana Gajá, Ana Ligia García, Israel Islas, Gabriela Núñez, Carlos Orozco, Antonio Rojas, Andrés Weiss, Adrián Aguirre, Misha Arias de la Cantolla, Ana Isabel Esqueira, Patricia Madrid, Astrid Romo, Paulina Treviño y Violeta Sarmiento --del elenco estable de la CNT--, así como los actores y actrices invitados:  Isabel Asiain, Nareni Gamboa, Lizzeth García, Edgar Landa, Paola Loaiza, Adalberto Márquez, Luis Miguel Moreno, Gilberto Barraza, Hugo Rodríguez, Alejandro Romero y Giuseppe Verástegui.  Gran labor histriónica, corporal y de expresión por parte de todos ellos.

El público pudiera pensar que es complejo ver tres obras al mismo tiempo, pero mediante el entorno escenográfico, el vestuario y la iluminación cada historia está apropiadamente demarcada y no ha lugar a confusión alguna.  Una formidable labor que permite al espectador disfrutar de todo el concepto, pagando un solo boleto.  Obras que documentan parte de nuestra historia, textos consistentes que mantienen el interés en todo momento, personajes con identidad propia, montaje monumental, espectacular escenografía, actuaciones entrañables, vistoso vestuario.  Majestuoso homenaje a un hombre que dignificó a nuestro país a través de sus letras.  Doquiera que esté Vicente Leñero ha de sentirse orgulloso.  Altamente recomendable.  ¡No se la pierdan!

PROYECTO LEÑERO, SACRIFICIO
se presenta jueves, viernes y sábados a las 19:00 horas,  y  domingos a los 18:00 horas en el
TEATRO JULIO CASTILLO
del CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE,
ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte --atrás del Auditorio Nacional--,
delegación Miguel Hidalgo, Ciudad de México.
Su duración es de aproximadamente tres horas.
La temporada concluye el domingo 28 de febrero de 2016.

EFIGIES


Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2016

El Teatro El Milagro es una asociación cultural independiente, fundada en 1991, que se dedica a promover la creación escénica, la producción editorial y la reflexión artística.  Desde su fundación, las producciones que han presentado han sido de indiscutible calidad.  Se han preocupado por abrir sus puertas a propuestas de creativos independientes sin importar si son conocidos o no.  Han incorporado diversas actividades que no suelen verse en otros teatros, por ejemplo, teatro en voz del autor, a fin de dar a conocer obras recién escritas, mucho antes de que se proyecte un montaje de las mismas.

Así mismo, han tenido diversos ciclos, como Teatro Emergente o Teatro de los Estados, donde los creativos de otras partes de la República Mexicana pueden traer sus obras para que sean vistas por el público de la Ciudad de México.  Tanto su Consejo Directivo y Artístico conformado por  Daniel Giménez Cacho,  Pablo Moya Rossi,  David Olguín  y  Gabriel Pascal, como su Administración, a cargo de Eduardo Pascal, apoyan e incentivan a jóvenes estudiantes de teatro o recién egresados de carreras relacionadas con el quehacer teatral, para colaborar con ellos.

Uno de esos jóvenes es Ramiro Galeana Mellín, quien se ocupa de la Atención al Público en El Milagro.  Según una premisa de psicología, la primera impresión que uno guardará en la memoria es el rostro que se ve al llegar a un lugar.  Si esto es cierto, podemos asegurar que El Milagro deja una grata sensación, toda vez que quien recibe a los espectadores es Ramiro, siempre de buen humor y brindando trato amable a todos. Da información precisa sobre la obra, el costo de los boletos, los descuentos aplicables y la distribución de las butacas.  Aún en caso de que el cupo se hubiera cubierto y no queden boletos disponibles, Ramiro les ofrece opciones para ver la función otro día.

Ahora, Ramiro Galeana Mellín presenta una obra de su autoría en El Milagro.  Se trata de EFIGIES, que él describe como una "paráfrasis colectiva a Robert Thomas".

Robert Thomas fue un escritor francés, actor y director de cine.  Lo más distintivo de él es que sus obras son comedias de suspenso, lo que en cinematografía se denomina como thriller.  Uno de sus mayores éxitos fue Piège pour un homme seul --Trampa para un hombre solo--, de la cual Alfred Hitchcock compró los derechos para hacer una película,  y la historia que lo hizo mundialmente famoso fue  Huit femmes --Ocho Mujeres--, misma que fue llevada a la pantalla por François Ozon y luego al teatro en múltiples montajes.  En México fue intitulada como La Ronda de las Arpías.

Ramiro concibió EFIGIES con base en la trama de Ocho Mujeres. A través del título deja ver que las cuatro protagonistas se han erigido una imagen para no dejar ver cómo son realmente. En su dramaturgia, reduce el número a la mitad.  Ramiro aborda su historia como una ligera comedia de enredos y la narra en tono fársico, sin dejar de dar relevancia al suspenso inherente a la trama. en tono fársico.  Su texto de excelente factura.  Apuesta por lo actoral más que por los implementos escenográficos.

La función da inicio con un prólogo en el que cada personaje resume sus características principales.  En una residencia apartada de a ciudad la señora de la casa se dirige a la habitación de su marido.  Louise, su empleada doméstica, la detiene y le dice que cerró con llave la habitación porque que descubrió que el señor Orlando está muerto.  La señora trata de abrir, pero le es imposible.  La llave se ha extraviado.  Se le ve contrariada.  Hace tiempo que ella y su esposo duermen en habitaciones separadas y, de hecho, planeaba abandonarlo precisamente ese día.  Quería verlo para despedirse. 

Aún no salen de la sorpresa cuando llegan Patricia --hermana del difunto--  y  Sue --su hija--.  ¿De qué habrá muerto el señor Orlando'  ¿acaso se trata de un asesinato?  Poco a poco se van develando secretos e intimidades.  Lo cierto es que cada una de las cuatro mujeres tiene un motivo válido para querer que Orlando muriera. Otro sospechoso pudiera ser Leo del Olmo, amigo cercano de Orlando y quien, al parecer, era cercano a algunas de las damas en cuestión.

La labor de dirección por parte de Ramiro Galeana Mellín es impecable.  Mantiene buen ritmo, el desplazamiento de sus actrices es preciso y constante.  Combina acertadamente la expresión y la corporalidad y explora técnicas diversas como quiebres Brechtianos, apartes --para que los personajes digan lo que piensan--, y teatro de sombras.

El elenco de EFIGIES está conformado por María Isabel Benet (esposa de Orlando), Amaranta Getino (Sue, la hija), Paloma Mireles (Louise, empleada doméstica) y Erika Pérez.(Patricia, hermana de Orlando).  Todas ellas encarnan bien a sus personajes.  Su labor corporal e histriónica es formidable.  Destacan María Isabel Benet, por su larga trayectoria, su dominio del escenario y la facilidad con la que transita entre actitudes trágicas y divertidas,  y  Erika Pérez, por su presencia escénica, su grácil figura y las sorprendentes inflexiones de su voz.

El resto del equipo creativo está integrado por: Mahatma Ordaz e Isaac Barrios en diseño de iluminación,  Issac Barrios en diseño y realización de pintura escénica,   Rafael García Vera en diseño sonoro,  Virginia Molina en asistencia general,  Escena Doble en producción ejecutiva,  Janette Martínez en asistencia de producción,  Edson López Ledesma en diseño gráfico.

El Milagro y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del programa México en Escena del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes presentan EFIGIES.

No pierdas la oportunidad de ver una historia muy interesante, con buena dirección y excelentes actuaciones.  Además de entretenimiento, reímos a carcajadas y ¿por qué no? también tratamos de descifrar quién podrá ser la asesina ... o el asesino.  Es refrescante ver un montaje tan bien logrado por un joven apasionado del quehacer teatral que no pretende sorprender por su vanguardismo. 

EFIGIES
se presenta los lunes a las 20;30 horas en el
Teatro EL MILAGRO,
ubicado en Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México.
La temporada concluye el lunes 29 de febrero de 2016.
LOS NÁUFRAGOS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2016
David Psalmon nacido en París y residente en México desde el 2000 es conocido como fundador de la compañía TeatroSinParedes y por su labor como director teatral.  Además de sus logros al dirigir distintas obras, sobre todo, de Bertolt Brecht, tuvo uno de sus mayores aciertos al presentar Utopya, una creación escénica conformada por 25 cuadros que incluían un preámbulo y cuatro partes principales, que eran:  De la distopía a la utopía, La Tierra, Rumbo a la Utopía, Utopya y La fiesta, donde los espectadores deambulaban libremente eligiendo qué segmento ver y en qué orden.
Uno de los cuadros de Utopya versaba sobre personas con alguna deficiencia mental y en cierta forma estaba inspirado en "La nave de los locos".  Tanto Guillermo León -quien colaboró con David en Utopya-, como Psalmon se quedaron con la inquietud de explorar más a fondo este segmento y desarrollarlo más ampliamente.  Es así como surge el montaje denominado LOS NÁUFRAGOS, con dramaturgia de Guillermo León, bajo la dirección de David Psalmon.
Guillermo León describe LOS NAUFRAGOS como un "oratorio escénico sobre la locura inspirado en Michel Foucault, Gilles Deleuze, Felix Guatarri, Patrick Declerck y el doctor Sébastien Lange".
La acción se desarrolla en la división de psiquiatría del Sanatorio del Lago, aparentemente apartado del mundanal caos.  Un lugar donde internan a aquellos que han sido diagnosticados como locos.  El doctor Zsasz los dirige en una terapia grupal.  Durante la sesión, cada uno va develando poco a poco su personalidad.   Conforme a su experiencia y conocimientos, el doctor Zsasz les aplica tratamientos diversos.
Sus pacientes tienen momentos de lucidez sorprendente.  La locura no tiene nada que ver con la inteligencia y es común que algunos locos sean inteligentes.  En un momento dado, se sabrá que los locos están a punto de construir una nave para embarcarse hacia la utopía.  Buscarán un lugar donde puedan ser felices.  Están cansados de que, por considerarlos locos, la gente se aleje de ellos como antes se apartaban de los leprosos.  Al contrario de otros, ellos no se borran ni se ausentan.  Tampoco tienen la obsesión contemporánea de mantenerse sanos escudriñando los alimentos para saber si les serán dañinos o no.  Planearán bien su viaje y zarparán.  Con suerte, alcanzarán a ver a las ballenas en el fondo del mar.
El texto de Guillermo León es muy estructurado, denota su cultura y su buen manejo del lenguaje.  Incluye juegos de palabras --no es lo mismo estar alineados que alineados--. Dentro de su fluida narrativa, convoca a la reflexión.  El montaje por parte de David Psalmon es muy pertinente para enmarcar la historia.  La utilización del multimedia y la incorporación del diseño sonoro privilegian la puesta en escena. Su labor de dirección es formidable, mantiene un ritmo preciso.  El desplazamiento escénico que impone ofrece diversidad y contribuye al realce de los parlamentos. 
Un gran elenco brinda el soporte necesario al montaje con interpretaciones muy brillantes.  Sergio Ramos, como el doctor Zsasz, no sólo impone el orden sino que brinda afabilidad a quienes dependen de él.  Beatriz Luna contribuye con su sensual presencia escénica y hace gala de su capacidad histriónica al hacer un recorrido por diversas emociones.  Regina Flores Ribot, primera actriz de la escena mexicana, siempre acertada y polifacética, en esta ocasión da vida a una dulce señora que se la pasa tejiendo.  Indira Pensado es una joven que no rebela todo lo que piensa.  Josué Cabrera es Rulo, un fortachón que no quiere que los demás detecten sus debilidades.  Karim Torres es un chico medio travieso pero muy activo. 
El resto del equipo creativo está integrado por Adriana Olivera en diseño de vestuario,  Ana Patricia Yáñez  en diseño de escenografía,  Daniel Primo en videoarte y dispositivo multimedia,  Daniel Primo y David Psalmon en diseño de Iluminación,  Daniel Hidalgo y Gerardo Islas Bulnes en diseño sonoro,  Planet Audio en la producción sonora, Karla Sánchez y Jorge Maldonado en asistencia de dirección,  Mariana Morado en asistencia de producción,  Joana Núñez en asistencia de videoarte,  José Luna en asistencia de escenografía,  Karla Sánchez en producción ejecutiva,  y  Edmundo Luján en difusión y relaciones públicas.
La voz en off es la de Muriel Ricard.  Participan como músicos: Nabani Aguilar -primer violín-,  Juan Sosa -violín-,  Mauricio Alvarado -viola-, y Rodolfo Jiménez -cello-.  Los arreglos son producto de Nabani Aguilar. Se incluyen actuaciones especiales de Sébastien Lange,  Guillermo León  y  David Psalmon.

Es una producción de Colectivo TeatroSinParedes.
Una interesante historia que nos hace ver desde otra perspectiva a quienes llamamos locos y que nos lleva a la reflexión:  Si los locos buscan la utopía, ¿por qué nosotros no lo hacemos?, ¿por qué no tratamos de, al menos, mejorar nuestro entorno?  Un texto analítico que abre ventanas a la esperanza.  Un montaje muy bien logrado.  Actuaciones entrañables.  ¿Qué más puede pedir un espectador?.  Acompañemos a LOS NÁUFRAGOS y zarpemos con ellos. El proceso nos garantiza entretenimiento, algunas sorpresas y no pocas risas.  Sólo que hay que apurarse debido a que se trata de una corta temporada.
LOS NÁUFRAGOS
se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas,  y  sábados y domingos a las 18:00 horas,
en la SALA 2 ROSARIO CASTELLANOS de la CASA DEL LAGO JUAN JOSÉ ARREOLA --UNAM--,
ubicada en la Primera Sección del Bosque de Chapultepec, 
Colonia San Miguel Chapultepec,  Ciudad de México.
La temporada concluye el domingo 7 de febrero de 2016.
SODOMA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2016
Acaba de iniciar el Sexto Ciclo de TEATRO DE LOS ESTADOS en el Teatro EL MILAGRO.  Dentro de este marco serán presentados tres montajes:  SODOMA,  BLACKOUT  y CATÁLOGO DE LO INCIERTO.  Este ciclo tiene como propósito refrendar dos necesidades: "abrir ventanas al mejor teatro que se hace en el país con el ideario de construir una nación teatral y refrendar la vocación de Teatro El Milagro como un espacio abierto para los proyectos que aspiran a la autogestión y la independencia artística" --programa de mano--.
Desde San Luis Potosí llega SODOMA.  Podría pensarse que la puesta en escena versa sobre el relato bíblico de las ciudades de Sodoma y Gomorra, donde privaba el libertinaje y se cometían atrocidades.  Al detectar esto, Dios se presentó ante Abraham y le comunicó que destruiría ambas ciudades.  Abraham imploró compasión, asegurándole que, cuando menos, habría cincuenta personas buenas.  Lo cierto es que en lugar de referirse a ese pasaje, el montaje está basado en la obra "Las 120 jornadas de Sodoma" de Donatien Alphonse François de Sade, mejor conocido como el marqués de Sade --por su título nobiliario--. 
La principal característica del marqués de Sade fue su negación a toda creencia o principio moral, religioso, político o social. Expresaba su libertad  viviendo disipadamente, con una sexualidad ilimitada y le apasionaban las orgías y la exploración de todo tipo de placeres.  Su obra no es sino el reflejo de su propia filosofía de vida.
Partiendo de esa filosofía, Fernando Carher concibió su dramaturgia de SODOMA, asumiendo también la dirección de la misma.  Según se lee en el texto promocional, se trata de un "Proceso de investigación escénico basado en el relato bíblico del génesis 19 «La corrupción de Sodoma» y el texto del Marqués de Sade «120 días de Sodoma». Bajo el estudio de materiales comestibles y el uso de nuevas tecnologías. Cuatro intérpretes cómplices de la retribución en el vicio y en los excesos, serán marcados por la indiferencia, la desensibilización a la violencia y por el abismo del conformismo social".
Es probable que Fernando Carher haya pretendido hacer una obra plena de audacia para despertar la curiosidad del público.  Sin embargo, cae en excesos.  Es teatro meramente físico, carente de texto, salvo unas cuantas frases que se escuchan en algunos momentos.  De entrada, se habla de las dos necesidades primarias de los seres vivos "comer y defecar".  A lo largo del montaje va zigzagueando entre escenas de cierta plasticidad coreográfica y cuadros que resultan aberrantes, llegando a utilizar bacinillas cuyo viscoso contenido es embarrado en la piel de los integrantes de su elenco.
Además de los excesos, Carher incurre en falta de respeto hacia el espacio que los alberga --ensuciándolo a más no poder--, hacia sus histriones --sometiéndolos a dejar de lado su pudor y su integridad personal, mediante autoflagelaciones, acidez en los ojos, resbalones y caídas-- y hacia los espectadores, sobre todo, de quienes ocupan la primera fila participando como comensales --al resultar salpicados--.  Sus aciertos estriban en el fluido movimiento escénico y en las bien planeadas coreografías.
Por el compromiso que muestran hacia su trabajo y el sometimiento total a las órdenes del director,  las actrices Mariana Alcalá y Mary Hernández, y los actores Patricio Cortés y Joe Dazzi son dignos de toda loa y merecen un aplauso enorme.  Joe Dazzi funge también como asesor de dirección.

El diseño sonoro es de Julio del Toro,  la iluminación de Yzza González,  artista digital y videoarte es Fabry Paéz,  el diseño gráfico es de Gabriela Merchán, Mayela Rodríguez y Erika Loyola,  el diseño de escenografía de Luis Daniel Yañez,  y  la fotografía de Sofía Córdova y Héctor Bakero.

La producción es de la compañía Los Desterrados Hijos de Eva.  La presentación corre a cargo de Teatro El Milagro y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del programa México en Escena del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Si tienes amplio criterio y quieres ver un montaje que tratando de reflejar la depravación alcanza lo escatológico, o bien, si te apasionan los desnudos y no tienes inconveniente en ver el sufrimiento en vivo de cuatro jóvenes, tienes que ver SODOMA.  De cualquier forma, siempre es bueno experimentar nuevas sensaciones y conocer las nuevas tendencias del teatro mexicano.  Cada uno de los montajes presentados dentro del marco del ciclo TEATRO DE LOS ESTADOS únicamente son presentados en cuatro funciones --de jueves a domingo--.  A SODOMA sólo le resta una.
SODOMA
se presenta a las 18:00 horas del domingo 24 de enero de 2016 en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en la calle Milán número 24 --entre Lucerna y General Prim--,
colonia Juárez, Ciudad de México.
NEGRA ANTINAVIDAD
CUENTOS ANTINAVIDEÑOS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2016
Los Cuentos Antinavideños que la Compañía Los Endebles A.C. y el Teatro La Capilla llevan a escena en diciembre se han convertido en una tradición para las familias mexicanas.  Fueron presentados por primera vez en el año 2003 cuando a Boris Schoemann se le ocurrió traer a nuestro país la propuesta creada por el dramaturgo quebequense Yvan Bienvenue, emitiendo una convocatoria dirigida a escritores para concebir cuentos de humor negro que contrasten con las festividades navideñas.  Desde aquel entonces fueron bien aceptados por el público nacional al encontrar una nueva opción para divertirse sin tener que conformarse con las monótonas pastorelas, cuyo final es siempre el triunfo del bien sobre el mal.
El ciclo para el 2015 fue intitulado NEGRA ANTINAVIDAD y consta de cuatro cuentos sombríos contados con sarcasmo y humor ácido que llevan al espectador a un divertimento garantizado.  La dirección corre a cargo de dos talentosos Angélica Rogel y Boris Schoemann, quienes ofrecen una labor estupenda.
PLAN PROYECTO DE REGENERACIÓN ESPIRITUAL NAVIDEÑA DICKENS se trata sobre un joven que pretende ser amante de la naturaleza y de los animales.  De esos que proclaman que uno debe hacerse vegetariano, con lo cual se es más saludable y, sobre todo, no se hace daño a los animales.  Sufre la época navideña porque todos preparan pavo. ¡Qué horror!  Él únicamente degustará romeritos.  Su mayor disfrute es comer nutela, sea untado en pan o solo.  Su mayor ilusión convertirse en empresario.  Ama tanto a los cuadrúpedos que gusta de ir al bosque para platicar con los animalitos que encuentre en su camino.  Se considera un ser de bien, pero no se ha dado cuenta de que es bastante impulsivo.   ¿Qué ocurrirá a este buen hombre?
El autor es Mario Alberto Monroy.  El estructurado texto es sorpresivo, el espectador no sabe hacia dónde va.  Juan Carlos Medellín, actor polifacético, aporta un abanico de emociones para encarnar a este joven ecológico y logra una formidable labor histriónica.
TEJOCOTES DE MIERDA es la historia de Renata, una chica muy atractiva e independiente que vive la vida a su manera, rompiendo barreras, sin que nada la detenga.  Con tal de disfrutar de la vida, llegaría incluso a cortar los lazos familiares.  Además odia los tejocotes y le es muy difícil subsistir la Navidad, en virtud de que en esa época se les utiliza para preparar platillos o postres.  No se diga el ponche que es a base de esos frutos y las piñatas.  Habla tan mal de los tejocotes que el espectador corre el riesgo de llegar a detestarlos. 
La autora es Jimena Eme Vázquez.  El texto es estructurado y mantiene el interés.  Yuriria del Valle regresa a México para dar vida al personaje y lo hace en forma excelente, dándole los matices necesarios y, desde luego, luciendo su belleza natural para dar credibilidad a la chica desparpajada y sexy.

CUESTIÓN DE PRINCIPIOS versa sobre un personaje que se siente como pez fuera del agua.  Alguien hizo un conjuro y lo convirtió en hombre, pero en realidad es un bacalao.  Hará todo lo que esté a su alcance para deshacer el conjuro.  Para colmo, es época navideña y al ir al mercado se encuentra con muchos cadáveres de sus semejantes.  ¿Logrará su objetivo?

El autor es Santiago Ruíz de Velasco.  El divertido texto basado en la ficción invita a la reflexión al retratar lo que sienten los seres que por cualquier motivo son diferentes de los demás.  Guillermo Villegas, uno de los mejores actores jóvenes hace una verdadera creación de su personaje.  Su interpretación y corporalidad son inmejorables.
LA ÚLTIMA NAVIDAD DE BARBIE es una narrativa imaginaria sobre la forma en que se despediría la muñeca más icónica de todas las épocas.  Cambia la imagen de Santa Claus como un viejito dulce que sólo se ocupa de fabricar y llevar juguetes a los niños por la de un hombre de vida disipada que sostiene una relación particular con Barbie.  Por otra parte, Barbie comparte con sus seguidores sus sentimientos más íntimos. Sería una lástima que desapareciera Barbie, pero puede suceder porque la tecnología se impone irremediablemente.
La autora es Patricia Cepeda.  El texto de buena estructura presenta una perspectiva alterna sobre Barbie y Santa Claus.  Barbie, muñeca creada para simbolizar a una mujer de medidas perfectas, es interpretada por Naomy Romo en forma extraordinaria y brinda al público una corporalidad magistral. 
Sin quitar mérito a los autores, cuyos textos son interesantes y divertidos, en esta ocasión, tanto la dirección como la actuación los superan.  La labor de dirección está bien planeada y lograda y los actores y actrices aportan sus capacidades y experiencia al bordar a sus personajes, tornándolos en inolvidables. 
Gracias al éxito obtenido en diciembre la temporada de los Cuentos Antinavideños se prolongó un poco más y está por terminar.   Así que si salieron de vacaciones o anduvieron enfiestados y se perdieron de verlos en diciembre, queda una nueva oportunidad de reír a carcajadas y pasar un buen rato, pero tendrán que apurarse porque sólo restan dos funciones de NEGRA ANTINAVIDAD
NEGRA ANTINAVIDAD
se presenta los viernes a las 20:30 horas en el
TEATRO LA CAPILLA,
ubicado en Madrid 13 --casi esquina con Centenario--, Colonia del Carmen, Coyoacán, Ciudad de México.
La temporada concluye el viernes 21 de enero de 2016
AMOR A MUERTE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2016
Para el teatro, al igual que para todas las empresas, cada día son más las dificultades que se tienen que enfrentar para un nuevo proyecto.  En estos tiempos las probabilidades de obtener un financiamiento han disminuido consistentemente.  Sólo las grandes productoras son las que cuentan con recursos suficientes para decidir qué montaje harán, qué elenco elegirán y a qué creativos convocarán.  Ante esta falta de viabilidad, los jóvenes entusiastas y comprometidos han ideado nuevas formas de conseguir el dinero necesario para poder llevar a escena lo que ellos anhelan.
Una de las nuevas opciones para contar con recursos es a través de una fondeadora.  Se trata de una institución seria que ofrece servicios para captar aportaciones de gente que quiera participar.  Con esto, los creativos no tienen que distraerse con la contabilidad ni enfrentar la desconfianza de los potenciales patrocinadores, pero sí tienen que promover su proyecto y contactar a todos sus conocidos, a fin de obtener los fondos.  Esto requiere de mucho trabajo y esfuerzo.  Primero hay que revisar directorios, luego comunicarse y mantener contacto continuo con aquellos que se crea estarán dispuestos a fondear.  Por último, prepararse para dar más detalles a quienes lo soliciten, así como estar reiterando la petición una y otra vez hasta lograr convencer a la gente de que haga una aportación.
Si el proyecto no logra alcanzar la suma predeterminada en la fecha límite es desechado.  Por el contrario, si todo sale bien, el proyecto es calificado como exitoso.  En otras palabras, el tener un proyecto exitoso en una fondeadora representa en sí un triunfo.  Sin embargo, es sólo el inicio para concretarlo.
Los talentosos jóvenes Axel Sánchez y Francesca Guillén acudieron a una fondeadora para llevar a escena AMOR A MUERTE de su autoría, misma que actualmente se presenta en Teatro en Corto.  Ellos describen su obra como "Ciencia ficción épica, atemporal, arquetípica y simbólica. Un espacio casi vacío semejante a un limbo, con trazos de luz y color que van revelando sus tránsitos por el Árbol de la Vida".
AMOR A MUERTE es una historia de amor sin límites, concebida básicamente como teatro físico.  Probablemente inspirados en las tragedias griegas y en las deidades todopoderosas y eternas, Axel y Francesca crean a sus dos protagonistas Vampiro y Súcubo, seres hermosos, sensuales y destructivos por naturaleza.  Sienten una atracción irresistible el uno hacia el otro.  Representan a Eros y Tanatos o al amor y la muerte.  Cada vez que se encuentran se agreden verbalmente, dicen odiarse, pero el magnetismo imperioso de sus cuerpos los ata en tal forma que no pueden sino amarse intensa y apasionadamente hasta la muerte.  Están atrapados en una existencia cíclica.  Mueren para luego renacer y volver a amar y extinguirse.
Lo curioso es que a pesar de que estos seres parecieran estar tan alejados de nuestra realidad, bien podrían equipararse a algunas personas que tienden a destruir a quienes los aman. 
Los creadores son quienes personifican a Vampiro y Súcubo.  Axel Sánchez cuenta con experiencia tanto en teatro como en televisión.  Francesca Guillén es conocida por su talento y por ser polifacética, lo mismo interpreta a una dulce niña que a una vampiresa.  La labor histriónica de ambos es formidable y su corporalidad es verdaderamente impresionante.  La coreografía teatral está bien planeada y es perfectamente ejecutada.  Alternan funciones con Nico Galán y Adriana Larrañaga.
Francesca Guillén, además de autora y actriz, participa como directora en un afán de diversificar su trabajo y extender su aprendizaje a otras áreas.  Su labor de dirección es impecable.
Teatro en Corto se rige por el mismo concepto de MicroTeatro México, es decir, obras cortas de 15 minutos, en espacios no mayores a 15 metros cuadrados, para no más de 15 espectadores.  AMOR A MUERTE forma parte de la cartelera de la décimo segunda temporada de Teatro en Corto.
La dirección de arte, que incluye el diseño visual del montaje, el concepto y la realización del vestuario, los maquillajes, la escenografía y el diseño del cartel corre a cargo de Priscilla Pomeroy, quien fue muy creativa para dar el entorno del mundo extraño donde habitan los amantes asesinos, así como sus acertados atuendos acordes a su irrealidad y erotismo.  La video-proyección (mapping) de la puesta en escena es producto del talento de Daniel Ayub.  La música original fue creada por Edher Corte.  El asistente de producción es Agustín Wolfie.
Un texto estructurado que mantiene el interés y capta toda la atención del público.  De hecho, el erótico enfrentamiento de dos seres tan extraños deja sin aliento al espectador.  Una gran oportunidad para admirar la impactante belleza de Francesca y su siempre grata presencia escénica.  Es loable el trabajo y la dedicación que empeñaron Axel y Francesca para llevar a escena AMOR A MUERTE.   ¡No se la pierdan!.
AMOR A MUERTE
se presenta de jueves a sábado, cada media hora, de las 20:00 horas a las 22:30 horas,
así como los domingos de las 18:00 horas a las 20:30 horas,
en el FORO 8 de TEATRO EN CORTO,
ubicado en Yosemite número 40, colonia Nápoles, Ciudad de México.
La temporada concluye el 24 de enero de 2016.
Foto: Eugenia Galeano Inclán