PARIA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2019
 En un continente distinto al de su lugar de origen, hace ocho años se conocieron Pablo Fuentes y Ángel López-Silva.  Desde que iniciaron su conversación se dieron cuenta de que tenían varias cosas en común, compartían cumpleaños y habían nacido el mismo día en el mismo hospital, en la misma ciudad y su encuentro se daba justo 22 años después de esa fecha.  Consideraron que el destino los había unido y pensaron que tanta coincidencia era algo significativo, así que decidieron trabajar juntos.
En esos momentos, no sabían que acababan de sembrar la primera semilla de PARIA.   OLTA Teatro es una agrupación dedicada a la creación y producción de contenido innovador y desafiante, de la que Pablo Fuentes es fundador y productor, en tanto que Ángel López-Silva y Federico González Sosa son productores.  OLTA Teatro ha presentado montajes de algunas de sus obras en el Festival de Edimburgo, Escocia (C-Venues, Underbelly) y en teatros en Londres, Inglaterra (Platform Theatre, Theatre 503, Hackney Showroom).
Es loable que los creadores utilicen sus herramientas como trinchera para hablar sobre temáticas sociales y conforme a esto, hace algunos años, Pablo Fuentes decidió escribir el texto de PARIA con la intención de dramatizar algo relativo a hechos violentos.  En lo cotidiano no acostumbramos a utilizar el vocablo PARIA, común en la India para referirse a una persona del más bajo estrato social quien, por su condición, no tiene derechos civiles ni religiosos, sin embargo, desconocemos cuál es el sentido que el autor concede a este término.
El monólogo PARIA fue estrenado en el Festival de Edimburgo, en su edición del año 2013.  Conforme a lo expresado por los productores, la taquilla del teatro donde se presentó el monólogo hizo un boicot y se rehusó a vender boletos por considerar la obra demasiado controversial y transgresora.  El escritor/director y la actriz principal fueron agredidos en la calle por la misma razón.  No obstante lo cual, al presentarla en otros foros escoceses o londinenses, la obra fue aclamada por provocadora. 
Tiempo después, PARIA llegó a nuestro país para cubrir una temporada en el foro alternativo Casa Tomada de la Ciudad de México.  En aquel entonces, la acción sucedía en una recámara.  Ahora, presentan PARIA por segunda ocasión en la Ciudad de México en un foro que a principios de este año abrió sus puertas y el entorno de esta puesta en escena fue diseñado como una prisión de máxima seguridad.   Según el material promocional:  "PARIA es una experiencia teatral inmersiva, perturbadora y provocadora.  La justicia, la locura, el adoctrinamiento social y la idealización del amor en un monólogo lleno de crimen y comedia".
 
En la sinopsis de PARIA, se lee lo siguiente "La anécdota se sitúa en los noventa, cuando Camilo Trujillo asesina a un productor de telenovelas y su esposa, una famosa actriz. El público visitará al personaje en la prisión máxima de seguridad, donde escuchará las razones que lo llevaron a cometer esos actos".
 
Pablo Fuentes, el autor de PARIA cursó estudios en el Drama Centre, Central Saint Martins, de la Universidad de las Artes en Londres, Inglaterra.  Es probable que allá tengan planes de estudios distintos a los mexicanos porque en todos los cursos de dramaturgia que se imparten en nuestro territorio una de las reglas fundamentales es dar estructura a los textos.  El texto de PARIA carece de estructura.  El supuesto tema de la violencia se va diluyendo conforme avanza la función, hasta desaparecer.    Con tanto elemento distractor, es imposible que alguien concentre su atención.  Igual el autor está consciente de esto porque acude a la repetición constante de ciertas frases como por ejemplo "el accidente no es un crimen" o "no hay perdón donde no hay culpa".  Así mismo, priva cierta confusión en cuanto a las fechas a las que se hace referencia, como al decir que los crímenes ocurrieron durante un terremoto, pero la fecha que mencionan es mayo de 1994.  Más que un discurso contra la violencia, parecieran que lo que buscan es la risa fácil o el entretenimiento colectivo, a través de una extravagante y nutrida mezcla de técnicas propias y ajenas al teatro.  Se utiliza el performance, la farsa, efectos de sonido, luces de discoteca, voz en off, imágenes multimedia, música, chistes de carpa, visos de cabaret, luz negra, reality show y mucho más.  En mi opinión personal, en lugar de ser una obra teatral, PARIA es un espectáculo frenético. 
 
Es curioso que el autor elija las telenovelas como fuente de violencia, cuando las películas de suspenso, las policiacas, las gore, las de terror y hasta las del oeste muestran contenidos mucho más violentos, al igual que las series televisivas de reciente emisión.  De hecho, al menos, las telenovelas mexicanas fueron creadas con el propósito de reunir a las familias frente al televisor.  Es probable que con el tiempo hayan evolucionado y llegue a haber algo de violencia, pero no en los años 90.  En aquellos tiempos los temas habituales eran historias blancas, casi como cuentos, la chica pobre que se casa con un hombre adinerado o alguien que se convertía en millonario de la noche a la mañana, una que otra con temas inspiracionales, y también las hubo para niños o las juveniles y con grupos musicales que alcanzaban la fama.  Los villanos solían traicionar, molestar, aprovecharse, hacer trampas, pero no eran violentos.  Cabe señalar que las telenovelas constituyen una de las industrias con mayor éxito en todo el mundo y, por lo tanto, generan considerables ganancias. 
 
En PARIA el acceso al público se va dando en forma paulatina.  Sólo permiten la entrada a cierto número de personas.  Mientras se hace fila, el misterio es contundente y no cabe dude de que estamos ante un proyecto realmente inmersivo.  Abren la puerta y el humo que emana envuelve a los más cercanos.  Una vez adentro, en lugar de comprar los boletos en una taquilla, el espectador está frente a una ventanilla semejante a  las utilizadas en penales para registrar a visitantes.  El equipo del foro hace un gran trabajo, tomándose muy en serio el papel de personificar a guardias rudos que hablan golpeado, incluso con alguna palabra altisonante, dando instrucciones como:  "¡arrímense a la pared!" o  "¡no deben ver directamente al reo a sus ojos!", por cierto, el "boleto" que entregan también contiene instrucciones.  Luego, viene la revisión de pertenencias y el cateo físico.  Desafortunadamente, este procedimiento dura más de 40 minutos y peor aún, tan pronto dan la tercera llamada, la magia de la inmersión se extingue.  El público está frente a un cubo rodeado de láminas de polietileno y dentro está el "siniestro" homicida.
 
En la puesta en escena se prescinde de la cuarta pared.  La trama gira en torno a descubrir los móviles que llevaron a Camilo Héctor Eusebio Trujillo a asesinar a Roberto Callejón y a su bella esposa, afamada actriz de telenovelas.  Camilo hace un recuento detallado desde la época en que vendía aspiradoras de puerta en puerta, hasta que quería convertirse en escritor de telenovelas, pasando por la música que estaba de moda, como el grupo Flans, y también encarna a los demás personajes que intervienen en el relato, para que sean escuchados.
 
La labor de dirección por parte de Pablo Fuentes es consistente con su texto, lo único que persigue con su trazo escénico es que la acción sea vertiginosa.
 
Ángel López-Silva realiza un trabajo excepcional, haciendo gala de su versatilidad al encarnar a un individuo con un notorio padecimiento mental que vive en un mundo irreal creado por sí mismo.  Es sorprendente cómo puede memorizar un texto tan inconexo y coordinar los parlamentos con las acciones, sobre todo, siendo éstas extremadamente diversas.  Mientras narra la historia, el actor se quita prendas, se traviste, se coloca máscaras, se pone peluca, brinca, baila, canta, se contonea, acciona pedales para efectos de sonido, hace malabares con una silla, toma de patiño a algún espectador, interactúa con el público, pone cara de loco, se baña en sangre, sube y baja del escenario.  Es indudable que se entrega en cuerpo y alma al proyecto.
 
Complementan el equipo creativo:  Federico González Sosa en diseño sonoro,  Pablo Fuentes en diseño de producción,  Leslie Montero en iluminación,  Rodrigo Gutiérrez en construcción,  Francisco Ordóñez en gerencia de escena,  Santiago Sentíes en administración,  Enrique Saavedra en medios,  Raquel Bañón en comunicación.
 
PARIA cuenta con el patrocinio de Distrito Global.
 
La producción es de OLTA Teatro.
Si bien los objetivos del autor y el intérprete en cuanto a confrontar al espectador sobre el sentido de la moral y la justicia no llegan a buen puerto en razón al discordante texto y a que el formato del montaje, en lugar de incitar a la reflexión lo que provoca es hilaridad, aún quedan algunas razones para ver PARIA.  Es una propuesta original,  ofrece la posibilidad de experimentar algo inmersivo antes de entrar a la sala,  ver a un actor polifacético y comprometido en constante acción  y,  a la salida, apreciar una instalación bien realizada del archivo personal del rePARIA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2019
 En un continente distinto al de su lugar de origen, hace ocho años se conocieron Pablo Fuentes y Ángel López-Silva.  Desde que iniciaron su conversación se dieron cuenta de que tenían varias cosas en común, compartían cumpleaños y habían nacido el mismo día en el mismo hospital, en la misma ciudad y su encuentro se daba justo 22 años después de esa fecha.  Consideraron que el destino los había unido y pensaron que tanta coincidencia era algo significativo, así que decidieron trabajar juntos.
En esos momentos, no sabían que acababan de sembrar la primera semilla de PARIA.   OLTA Teatro es una agrupación dedicada a la creación y producción de contenido innovador y desafiante, de la que Pablo Fuentes es fundador y productor, en tanto que Ángel López-Silva y Federico González Sosa son productores.  OLTA Teatro ha presentado montajes de algunas de sus obras en el Festival de Edimburgo, Escocia (C-Venues, Underbelly) y en teatros en Londres, Inglaterra (Platform Theatre, Theatre 503, Hackney Showroom).
Es loable que los creadores utilicen sus herramientas como trinchera para hablar sobre temáticas sociales y conforme a esto, hace algunos años, Pablo Fuentes decidió escribir el texto de PARIA con la intención de dramatizar algo relativo a hechos violentos.  En lo cotidiano no acostumbramos a utilizar el vocablo PARIA, común en la India para referirse a una persona del más bajo estrato social quien, por su condición, no tiene derechos civiles ni religiosos, sin embargo, desconocemos cuál es el sentido que el autor concede a este término.
El monólogo PARIA fue estrenado en el Festival de Edimburgo, en su edición del año 2013.  Conforme a lo expresado por los productores, la taquilla del teatro donde se presentó el monólogo hizo un boicot y se rehusó a vender boletos por considerar la obra demasiado controversial y transgresora.  El escritor/director y la actriz principal fueron agredidos en la calle por la misma razón.  No obstante lo cual, al presentarla en otros foros escoceses o londinenses, la obra fue aclamada por provocadora. 
Tiempo después, PARIA llegó a nuestro país para cubrir una temporada en el foro alternativo Casa Tomada de la Ciudad de México.  En aquel entonces, la acción sucedía en una recámara.  Ahora, presentan PARIA por segunda ocasión en la Ciudad de México en un foro que a principios de este año abrió sus puertas y el entorno de esta puesta en escena fue diseñado como una prisión de máxima seguridad.   Según el material promocional:  "PARIA es una experiencia teatral inmersiva, perturbadora y provocadora.  La justicia, la locura, el adoctrinamiento social y la idealización del amor en un monólogo lleno de crimen y comedia".
 
En la sinopsis de PARIA, se lee lo siguiente "La anécdota se sitúa en los noventa, cuando Camilo Trujillo asesina a un productor de telenovelas y su esposa, una famosa actriz. El público visitará al personaje en la prisión máxima de seguridad, donde escuchará las razones que lo llevaron a cometer esos actos".
 
Pablo Fuentes, el autor de PARIA cursó estudios en el Drama Centre, Central Saint Martins, de la Universidad de las Artes en Londres, Inglaterra.  Es probable que allá tengan planes de estudios distintos a los mexicanos porque en todos los cursos de dramaturgia que se imparten en nuestro territorio una de las reglas fundamentales es dar estructura a los textos.  El texto de PARIA carece de estructura.  El supuesto tema de la violencia se va diluyendo conforme avanza la función, hasta desaparecer.    Con tanto elemento distractor, es imposible que alguien concentre su atención.  Igual el autor está consciente de esto porque acude a la repetición constante de ciertas frases como por ejemplo "el accidente no es un crimen" o "no hay perdón donde no hay culpa".  Así mismo, priva cierta confusión en cuanto a las fechas a las que se hace referencia, como al decir que los crímenes ocurrieron durante un terremoto, pero la fecha que mencionan es mayo de 1994.  Más que un discurso contra la violencia, parecieran que lo que buscan es la risa fácil o el entretenimiento colectivo, a través de una extravagante y nutrida mezcla de técnicas propias y ajenas al teatro.  Se utiliza el performance, la farsa, efectos de sonido, luces de discoteca, voz en off, imágenes multimedia, música, chistes de carpa, visos de cabaret, luz negra, reality show y mucho más.  En mi opinión personal, en lugar de ser una obra teatral, PARIA es un espectáculo frenético. 
 
Es curioso que el autor elija las telenovelas como fuente de violencia, cuando las películas de suspenso, las policiacas, las gore, las de terror y hasta las del oeste muestran contenidos mucho más violentos, al igual que las series televisivas de reciente emisión.  De hecho, al menos, las telenovelas mexicanas fueron creadas con el propósito de reunir a las familias frente al televisor.  Es probable que con el tiempo hayan evolucionado y llegue a haber algo de violencia, pero no en los años 90.  En aquellos tiempos los temas habituales eran historias blancas, casi como cuentos, la chica pobre que se casa con un hombre adinerado o alguien que se convertía en millonario de la noche a la mañana, una que otra con temas inspiracionales, y también las hubo para niños o las juveniles y con grupos musicales que alcanzaban la fama.  Los villanos solían traicionar, molestar, aprovecharse, hacer trampas, pero no eran violentos.  Cabe señalar que las telenovelas constituyen una de las industrias con mayor éxito en todo el mundo y, por lo tanto, generan considerables ganancias. 
 
En PARIA el acceso al público se va dando en forma paulatina.  Sólo permiten la entrada a cierto número de personas.  Mientras se hace fila, el misterio es contundente y no cabe dude de que estamos ante un proyecto realmente inmersivo.  Abren la puerta y el humo que emana envuelve a los más cercanos.  Una vez adentro, en lugar de comprar los boletos en una taquilla, el espectador está frente a una ventanilla semejante a  las utilizadas en penales para registrar a visitantes.  El equipo del foro hace un gran trabajo, tomándose muy en serio el papel de personificar a guardias rudos que hablan golpeado, incluso con alguna palabra altisonante, dando instrucciones como:  "¡arrímense a la pared!" o  "¡no deben ver directamente al reo a sus ojos!", por cierto, el "boleto" que entregan también contiene instrucciones.  Luego, viene la revisión de pertenencias y el cateo físico.  Desafortunadamente, este procedimiento dura más de 40 minutos y peor aún, tan pronto dan la tercera llamada, la magia de la inmersión se extingue.  El público está frente a un cubo rodeado de láminas de polietileno y dentro está el "siniestro" homicida.
 
En la puesta en escena se prescinde de la cuarta pared.  La trama gira en torno a descubrir los móviles que llevaron a Camilo Héctor Eusebio Trujillo a asesinar a Roberto Callejón y a su bella esposa, afamada actriz de telenovelas.  Camilo hace un recuento detallado desde la época en que vendía aspiradoras de puerta en puerta, hasta que quería convertirse en escritor de telenovelas, pasando por la música que estaba de moda, como el grupo Flans, y también encarna a los demás personajes que intervienen en el relato, para que sean escuchados.
 
La labor de dirección por parte de Pablo Fuentes es consistente con su texto, lo único que persigue con su trazo escénico es que la acción sea vertiginosa.
 
Ángel López-Silva realiza un trabajo excepcional, haciendo gala de su versatilidad al encarnar a un individuo con un notorio padecimiento mental que vive en un mundo irreal creado por sí mismo.  Es sorprendente cómo puede memorizar un texto tan inconexo y coordinar los parlamentos con las acciones, sobre todo, siendo éstas extremadamente diversas.  Mientras narra la historia, el actor se quita prendas, se traviste, se coloca máscaras, se pone peluca, brinca, baila, canta, se contonea, acciona pedales para efectos de sonido, hace malabares con una silla, toma de patiño a algún espectador, interactúa con el público, pone cara de loco, se baña en sangre, sube y baja del escenario.  Es indudable que se entrega en cuerpo y alma al proyecto.
 
Complementan el equipo creativo:  Federico González Sosa en diseño sonoro,  Pablo Fuentes en diseño de producción,  Leslie Montero en iluminación,  Rodrigo Gutiérrez en construcción,  Francisco Ordóñez en gerencia de escena,  Santiago Sentíes en administración,  Enrique Saavedra en medios,  Raquel Bañón en comunicación.
 
PARIA cuenta con el patrocinio de Distrito Global.
 
La producción es de OLTA Teatro.
Si bien los objetivos del autor y el intérprete en cuanto a confrontar al espectador sobre el sentido de la moral y la justicia no llegan a buen puerto en razón al discordante texto y a que el formato del montaje, en lugar de incitar a la reflexión lo que provoca es hilaridad, aún quedan algunas razones para ver PARIA.  Es una propuesta original,  ofrece la posibilidad de experimentar algo inmersivo antes de entrar a la sala,  ver a un actor polifacético y comprometido en constante acción  y,  a la salida, apreciar una instalación bien realizada del archivo personal d, misma que se encuentra a un lado de la cantina del local  y  conocer un nuevo centro cultural en un inmueble que alguna vez fuera la nave industrial de una imprenta, ahora convertido en foro y cantina.  Así que si quieres saber qué se siente visitar a un reo, ver de frente su locura mientras divaga sobre sus recuerdos, mirar sus pertenencias  y, después de la función, degustar algún bocadillo o bebida, PARIA te espera.

PARIA
se presenta los miércoles a las 20:00 horas  y
los domingos a las 18:30 horas  en el
CENTRO GALERA
Centro Cultural Multidisciplinariola Colonia Doctores

La temporada concluye el miércoles 28 de agosto de 2019o, misma que se encuentra a un lado de la cantina del local  y  conocer un nuevo centro cultural en un inmueble que alguna vez fuera la nave industrial de una imprenta, ahora convertido en foro y cantina.  Así que si quieres saber qué se siente visitar a un reo, ver de frente su locura mientras divaga sobre sus recuerdos, mirar sus pertenencias  y, después de la función, degustar algún bocadillo o bebida, PARIA te espera.

PARIA
se presenta los miércoles a las 20:00 horas  y
los domingos a las 18:30 horas  en el
CENTRO GALERA
Centro Cultural Multidisciplinario
ubicado en la calle Doctor Carmona y Valle número 147
Colonia Doctores
> Cerca de la Estación Jardín Pushkin de la Línea 3 del Metrobús
Ciudad de México

Duración aproximada:  90 minutos
 
Costos de localidades
Preferencial:   $350
General:  $250
Económico:  $150
 
Descuentos para estudiantes  y  vecinos de la Colonia Doctores

La temporada concluye el miércoles 28 de agosto de 2019

 

 

VALENTINO CLEMENS
Y LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019
A fin de impulsar a las nuevas generaciones de dramaturgos, cada año hay diversas convocatorias para aquellos autores que tienen una obra inédita y desean participar.  Entre éstas, una de las más esperadas es la que realiza la Secretaría de Cultura, a través del Centro Cultural Helénico y cuyo objeto es entregar el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo, en virtud de que, además de otorgar una recompensa económica, incluye el montaje, la representación y la publicación de la obra ganadora.  Este premio ha ido evolucionando con el tiempo y el número de autores interesados en participar se incrementa año con año. 
La obra que resultó ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2018 fue VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA de la autoría de Isabel Vázquez Quiroz, quien sólo utiliza su segundo apellido en su faceta de dramaturga.   
En la edición 2018 el jurado estuvo integrado por Verónica Bujeiro, Cutberto López e Itzel Lara.  Al dictaminar que VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA era la obra ganadora, el jurado declaró que la había seleccionado por "retratar el momento histórico y las devastadoras consecuencias que tienen el desencanto y la violencia en la juventud, que reflexiona ante la imposibilidad de futuro y, en contraparte, por encontrar en la figura del perdedor un canto a la vida que sigue abriendo espacio a la esperanza. El texto muestra un desarrollo bien sustentado del personaje y su tránsito dramático hacia una conclusión que es consecuente con el planteamiento del argumento en su conjunto".
Por primera ocasión la Compañía Nacional de Teatro -CNT- se sumó a los esfuerzos de la Secretaría de Cultura y del Centro Cultural Helénico en la promoción del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo.  De hecho, la obra ganadora de la edición 2018 pasará a formar parte del repertorio de la CNT.
Isabel Quiroz es oriunda de la Ciudad de México, pero reside en el Estado de Veracruz.  Obtuvo su licenciatura en teatro en la Universidad Veracruzana.  Se ha desempeñado como actriz, asistente de producción y directora escénica en diversos montajes.  Como dramaturga, VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA es su sexta obra.  Actualmente es beneficiaria del Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA), trabaja en el grupo independiente Periferia Teatro y en Casa 13 Espacio Cultural en Xalapa, Veracruz.  
El texto de VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA está bien estructurado y logra captar la atención de principio a fin.   Según dijo Isabel Quiroz, se inspiró en la vida real y, de hecho, tomó algunas anécdotas de amigos muy cercanos a ella.   Refleja la vida de aquellos jóvenes que por cualquier motivo están solos, sea porque los abandonaron, se perdieron o huyeron.  El caso es que no tienen familia, guía ni amparo.  Se enfrentan a la vida y a sus problemáticas como pueden.  En su búsqueda de identidad, igual se tiñen el cabello con colores estridentes, se hacen cortes atrevidos, se ponen tatuajes o portan prendas que no corresponden a un estilo definido.  En su necesidad de calor humano, si llegan a encontrar a alguien con quien se identifican, establecen fuertes lazos de amistad y, de algún modo, se adoptan unos a otros, formando una "familia" por elección.  Así mismo, en su relato Isabel aborda las problemáticas de nuestros tiempos, donde, lamentablemente, tantos jóvenes desaparecen.  Isabel incorpora la música como un elemento esperanzador o de escape, con lo cual atenúa el impactante realismo que imprime en su obra. 
La trama versa sobre los andares de Valentino Clemens, un joven de 25 años, a quien su madre dejó encargado con la abuelita, a la que con cariño llama Mamá Jenny.  Cuando Mamá Jenny fallece, justo antes de expirar dice a Valentino:  "¡Vive!".  Además de la tristeza, Valentino se siente desamparado, pero tanto para honrar la voluntad de su abuela, como por sí mismo, tendrá que sobreponerse y vivir.  No tiene dinero ni trabajo, así que va en busca de Max, Roxine y Loren, unos jóvenes que recientemente conoció en un bar, con quienes simpatizó y estuvo muy a gusto.  Sabe que viven juntos y comparten gastos.  La verdad es que al principio ellos no lo aceptan, pero él persevera hasta lograrlo.  Por fin, Valentino tiene la "familia" que anhelaba.  Después de todo, "hasta el más recio necesita un abrazo".  Juntos conversan, tocan instrumentos, cantan y bailan.  Para subsistir, hacen presentaciones en bares, ya sea en grupo o individualmente.  Se sienten bien, la vida les sonríe hasta que un día Max desaparece.  Por más intentos que hacen para localizarlo, no vuelven a saber de él.  Esto los deja devastados, pensando "¿cómo se arranca el dolor?".  ¿Qué sucederá ahora? …
Mahalat Sánchez realiza una brillante labor de dirección.  Su trazo escénico es firme y definido.  Capta la esencia del relato y lo traslada a escena. Las coreografías están bien diseñadas y ejecutadas.  Dimensiona las acciones fraccionando el escenario.  Con acierto entreteje lo musical con los parlamentos y la acción.  Aprovecha a fondo el espacio.  El ritmo es preciso.
Como es su costumbre, los integrantes del elenco estable de la CNT ofrecen un excelente desempeño histriónico, corporal y vocal.  En esta ocasión, los intérpretes son:  Ana Paola Loaiza (Loren),  Carlos Oropeza (Valentino Clemens),  Fernando Huerta (Max),  e  Ichi Balmori (Roxine).  La elección del elenco es adecuada, ya que todos son bellos pero distintos, reafirmando con esto que son hermanos elegidos y no consanguíneos.
En cuanto al diseño sonoro, indispensable para crear la ambientación idónea, la música original es de Edwin Tovar y Carlos Matus, músicos residentes del elenco estable de la CNT.
Tanto los actores y actrices, como los músicos participantes son beneficiarios del Programa Compañía Nacional de Teatro del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
El diseño de escenografía e iluminación es de Félix Arroyo, quien realiza una gran labor en sus dos rubros.  La escenografía es sencilla, pero práctica y funcional,  Representa un departamento con muebles modestos y tradicionales, pero la subdivide en espacios diversos básicamente a través de la iluminación.
El diseño de movimiento lo imparte Ichi Balmori en forma variada y coordinada.
La producción de VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA es de la SECRETARÍA DE CULTURA, a través del CENTRO CULTURAL HELÉNICO y la COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO.
Acompaña a Valentino Clemens en sus andares, conocerás sus inquietudes, alegrías y pesares.  VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA es un conmovedor relato de nuestra incierta realidad actual, en la que hay desaparecidos, narrado desde la perspectiva de una joven que lo ha sufrido en carne propia y sabe lo difícil que es lidiar con una desaparición.  Sin embargo, hay que seguir adelante y sanar heridas.  Isabel Quiroz utiliza su dramaturgia para hacerlo.   Un montaje que deja huella, dirección impecable, actuaciones entrañables y melódica música.   

 

VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA
se presenta los  martes  a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  90 minutos
Costo de la localidad:   $200
La temporada concluye el martes 10 de septiembre de 2019

 

MEDEA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019

Las tragedias griegas han trascendido todos los límites de tiempo y espacio.  Es sorprendente cómo habiéndose escrito hace siglos, continúan vigentes en todo el mundo.  Sin lugar a dudas constituyen los cimientos del teatro.  Son también las primeras obras a las que se alude en cualquier clase de teatro.  Es imprescindible que todo aquel que pretenda dedicarse a la creación teatral en cualquier disciplina, sepa quiénes fueron Esquilo, Sófocles y Eurípides    Los textos de estos grandes autores no sólo han sido representados tal y como fueron escritos en incontables ocasiones en los seis continentes, sino que se han convertido en fuente inagotable de inspiración para autores a lo largo de la historia. 

 

Para llegar a ser pilares del arte escénico, los insignes dramaturgos griegos abordaron temáticas fuertes donde había amor, pasión, guerra, asesinatos, adulterio, injusticia y traición.  Sus personajes se enfrentan a conflictos de ética, moral, política e individualidad, suelen defender sus principios como nadie y son capaces de transgredir todo tipo de normas para alcanzar sus propósitos.  Supieron retratar la esencia humana en su amplio abanico de escalas, desde la espiritualidad hasta lo más sórdido.  Finalmente, esa esencia no cambia con los tiempos y esa es probablemente la razón fundamental de su trascendencia. 

 

Creadores de todas las épocas han revisitado la tragedia griega, indagándola y desmenuzándola.  En sus procesos de adaptación o creación de una nueva versión, han explorado a fondo sus hilos conductores para descubrir que pueden deconstruir las historias, desmitificar a los personajes, modificar el lugar o la época en que ocurre y mucho mas.  Desde luego, no todas las nuevas versiones son exitosas, pero las bien logradas pueden resultar extraordinarias. 

 

En fechas recientes se ha presentado en la Ciudad de México la INVASIÓN GRIEGA, una propuesta integrada por tres de las obras más representativas de la tragedia griega, desde la perspectiva de destacados dramaturgos mexicanos:   EDIPO; NADIE ES ATEO, dramaturgia y dirección de David Gaitán, elenco:  Raúl Briones, Carolina Politi, Adrián Ladrón, Diana Sedano, Ramón Morales;  LA ORESTIADA, una trilogía escrita por Esquilo, conformada originalmente por AgamenónLas coéforas Las eumínides, en una adaptación hecha por el dramaturgo inglés Robert Icke, bajo la dirección de Lorena Maza , elenco:  Mauricio Davison, José Carlos Rodríguez, Laura Almela,  Luis Miguel Lombana, Emma Dib, Cristian Magaloni, Inés de Tavira, Abril Pinedo, y Renata Ramos,  y  MEDEA, de la autoría de Antonio Zúñiga, bajo la dirección de Mauricio García Lozano, que es a la que se refiere la presente Nota.  

 

MEDEA es considerada por muchos como la obra cumbre de Eurípides.  Se trata sobre una mujer que al ver su lecho mancillado urde una venganza ejemplar que la lleva a asesinar a sus propios hijos, a fin de que nada se interponga entre ella y su amado Jasón.  Antonio Zúñiga, uno de los más reconocidos dramaturgos mexicanos con una larga trayectoria en su haber nos ofrece su propia versión, enclavando la historia en un burdel en una región de Tlaxcala, donde uno de los negocios más prósperos es la trata de blancas. 

 

En la versión de Antonio Zúñiga MEDEA es una mujer joven hermosa que se enamora perdidamente de Jasón, quien es un popular proxeneta en el poblado de Tlaxcala, donde ambos residen.  Pedro le hace creer a María que la ama, pero, en realidad, encuentra en ella a una aliada ideal que con sus encantos, encantamientos y poder de convencimiento embauca a decenas de jovencitas ingenuas, a fin de engrosar las filas de su "rebaño" para dedicarse al oficio más antiguo.   El negocio familiar les reditúa beneficios económicos y Jasón y Medea tienen tiempo para entregarse a las mieles de la pasión.  Medea regentea el lugar y todo pareciera ir bien, hasta que un día se da cuenta de que Pedro la está traicionando. Medea se pierde en los laberintos de la ira, siente rabia, despecho y dolor sin contención alguna.  Dejan de importarle sus hijos, su hermano, su familia, todo, lo único que desea es recuperar el amor de su marido y se deja llevar por las fuerzas más oscuras.  

 

El texto escrito por Antonio Zúñiga es de buena factura e idónea estructura, capta el interés del espectador desde el primer momento.  Hace más comprensible para el espectador la magnificencia de las tragedias griegas, tocando un tema crucial y doloroso para todos los mexicanos al ver cuán natural es para ciertos pobladores de algunas regiones dedicarse a negocios tan despreciables sin que nadie tome medidas para evitarlo.  Con acierto delinea a sus personajes, dando especial atención a su protagonista.    

 

La labor de dirección por parte de Mauricio García Lozano es formidable.  Enmarca el brillante texto de Zúñiga en un entorno pertinente, trasladándolo a escena con toda su potencia.  Su trazo es pulcro y preciso.  Revisita la tragedia griega al colocar a las jóvenes engatusadas como el clásico coro, que a los griegos les era imprescindible.  Balancea los parlamentos con la acción,  Imprime estética en las entradas y salidas de los personajes.  Diseña con acierto la corporalidad.  Aprovecha a fondo el espacio y lo dimensiona para diversificar tiempos o lugares.  El ritmo es exacto. 

 

El elenco está integrado por:  Ilse Salas (Medea), Raúl Villegas (Jasón), Aída López (Jasón), Mauricio Pimentel (Creonte),  Margarita Lozano (Alma y Rosa), Christian Cortés (hermano de Medea), Gabriela Montiel (Mitzi), Natalia Solián (Lupe),  Samantha Coronel (Meche).  El desempeño histriónico y corporal por parte de todos es estupendo, destacando, desde luego, Ilse Salas que ofrece una de las interpretaciones más intensas de todos los tiempos, realmente impresionante.  

 

Complementan el equipo creativo con pertinentes trabajos:  Dulce Zamarripa en diseño de escenografía,  Ingrid Sac en diseño de iluminación,  Pablo Chemor en música original,  Pablo Chemor y Nicolás García Lieberman en diseño sonoro y musicalización,  Estela Fagoaga en diseño de vestuario,  Vivian Cruz en movimiento escénico y coreografía,  Miguel Santa Rita es el asistente de dirección,  Omar González es el asistente de escenografía,  Eduardo Villalobos en atrezzo y utilería,  Antonio Pérez,  Verónica Salazar,  Juan Carlos Chico,  Sergio Chico,  Ángel Vargas,  Sergio Maya  y  Alexis Martínez en realización de escenografía,  Miriam Quijano Trama & Dram Vestuario y Producción, S.A. de C.V. en coordinación de vestuario,  Carmita Soria y Taller Trama & Drama (Rafael y Arón Correa) en realización de vestuario,  e  Isabel Becerril en texturización de vestuario.

 

Claudio Sodi es el productor general,  Mariana Calderón la coordinadora de producción,  Diego Flores es productor ejecutivo,  María Alemán  y  Alejandro Larracilla son los asistentes de producción,  Omar Romero en producción administrativa,  Marisol Ventura en contabilidad,  iEve González en fotografía y diseño gráfico,  Icunacury Acosta en relaciones Públicas,  y  Alberto Clavijo es el Community Manager. 

 

 

 

MEDEA, la obra maestra escrita por Eurípides en el año 431 a.C., es revisitada por un destacado dramaturgo para ofrecer al público un poderoso texto, el cual es llevado a escena por uno de los más reconocidos directores mexicanos.  Desde su comienzo atrapará tu atención.  Teatro de calidad hecho por un equipo talentoso y muy comprometido.  Te aseguro que será de tu agrado y quedarás impactado por la memorable interpretación de Ilse Salas.  Apresúrate porque la temporada actual está en su recta final y quedan unas cuantas funciones.  ¡Imperdible!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

MEDEA
se presenta viernes 26 de julio a las  19:00 horas  y  21:00 horas
sábado 27 de julio a las  17:30 horas  y  19:30 horas  y
domingo 28 de julio a las  18:00 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
 
Duración aproximada:  90 minutos
 
Costo de la localidad:   $400
 
La temporada concluye el domingo 28 de julio de 2019

 

AYUDANDO A JUDITH
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019
Se dice que "mujeres juntas ni difuntas", lo cual dista mucho de la realidad.  Es posible que esto venga de que ponemos atención en los detalles.  Al conocer a alguien tendemos a analizar y si es una mujer, nos fijamos cómo luce, qué prendas usa, su maquillaje, peinado y arreglo, para luego ver su forma de ser y temperamento.  También somos más selectivas que los varones, no acostumbramos hacer amigos de inmediato, pero una vez que se establece el vínculo de amistad, podríamos llegar a ser incondicionales.  
Desde luego, cada quien brinda su amistad y cariño a su propio estilo y el tiempo es otro factor de importancia, acorde a la duración, más apego desarrollamos, pero, en general, las mujeres somos bastante solidarias.  Cuando un ser querido nos pide un favor, hacemos todo lo que está en nuestras manos por hacerlo.  Tú, ¿hasta dónde llegarías para apoyar a una amiga?.
Este tema es el que aborda Javier Malpica en AYUDANDO A JUDITH.  Javier Malpica es un dramaturgo y director mexicano, observador y sensible, preocupado por las problemáticas sociales.  Javier utiliza su pluma como trinchera para alertar o denunciar aquello que debe corregirse.  Es común que en sus obras toque algún punto neurálgico del espectador con respecto al tema que aborda, mismo que puede ser de cualquier índole.  Trabajador incansable, se ha dedicado a escribir textos, algunos en coautoría con su hermano Antonio, varios de los cuales han sido llevados a escena y/o publicados.  A la fecha tiene en su haber un número considerable de premios y reconocimientos.
El texto que nos ofrece Javier Malpica en AYUDANDO A JUDITH es de buena factura y capta la total atención del público desde el principio.  Lo escribió en formato de suspenso, ya que poco a poco va develando detalles respecto de la situación que atraviesan las protagonistas.  Se basa primordialmente en la amistad entre mujeres, pero también alude a diferentes situaciones que las féminas afrontan en su día a día, como irresponsabilidad o infidelidades del marido, golpes, abusos o abandono, entre otras.  Define a cada personaje en forma minuciosa.  A pesar de ser muy distintas entre ellas, cada mujer tiene sus propias características.  Con tino refleja la esencia femenina.  Toda la trama está salpicada de humor blanco y negro.
Judith es una joven muy bonita que deslumbra a quien la ve.  Esto le ha dado suerte en sus estudios y trabajo, pero no en el amor.  Judith siempre cae con el hombre menos indicado.  Su prima Nadia le avisa de que hay una vacante en donde trabaja y Judith acude gustosa.  Fátima y Sara, amigas de Nadia, pronto se hacen amigas de Judith y juntas forman un cuarteto donde hay cariño, confianza y hermandad.   Como Judith es la más joven, todas son protectoras con ella.  En tanto que Nadia asevera: "los amantes son lo mejor, no hay ataduras, no hay compromiso",  Fátima pregona que la verdad va ante todo, de hecho, ella confiesa "yo no sé decir mentiras",  y  Sara es fanática de las películas, así que se la pasa citando escenas que le han impactado.  A pesar de que ellas tienen vidas y pensamientos distintos, aprecian mucho la amistad que las une.
A su manera, son felices.  Forman un gran equipo en la planta en la que laboran, que es lo que coloquialmente denominamos como un rastro.  En tanto que Nadia, Sara y Judith trabajan destazando la carne, distribuyéndola, haciendo cortes y empacando, Fátima está en las oficinas como secretaria.  Una a otra se cubren frente a don Nabor, el Jefe, cuando tienen que faltar, llegar tarde o salir.  Todo va bien hasta que un día Judith conoce a Horacio y se enamora a primera vista.  El romance es tan fuerte que se casan de inmediato.  La boda fue de ensueño.  De eso, han transcurrido seis meses, pero algo sale mal y Judith requiere de la ayuda de sus amigas y les pedirá algo extraño que no cualquiera sería capaz de llevar a cabo, pero para ellas la amistad es tan importante que harán lo que sea preciso para ayudarla.
La labor de dirección por parte de Gabriela Ochoa es estupenda.  Como siempre, Gabriela aplica su conocimiento y experiencia.  En este caso, también aflora su sensibilidad femenina.  Su trazo escénico es impecable.  Traslada fielmente el texto y le añade la acción a manera de subtexto.  Con apoyo en la iluminación marca cambios de espacio y tiempo.  Con acierto imprime balance, ritmo y coordinación. 
El elenco está conformado por tres actrices con trayectoria:  Pilar Cerecedo como Fátima,  Alejandra Chacón como Nadia  y  Romina Coccio como Sara.   Las tres ofrecen un buen desempeño histriónico y corporal, logrando personajes convincentes.  Destaca Alejandra por sus graciosas expresiones.
El responsable del diseño escénico es Tenzing Ortega, a quien sólo le bastan tres maletas, una mochila y pocos elementos escénicos para crear el entorno,
El diseño de vestuario es acertado, con prendas típicas de trabajo y accesorios apropiados.
El diseño sonoro para ambientar las situaciones es de Genaro Ochoa.
Complementan el equipo creativo:  Camila Villegas en producción ejecutiva,  Adriana Hoth en asistencia,  Verónica Bujeiro en diseño gráfico,  Benjamín Becerra en diseño de logotipo,  D de Digital en redes,  y  Denise Anzures en prensa.
Los trabajos son consistentes con los objetivos que persigue TEATRO SIN ARNÉS, una agrupación que "presenta textos inéditos de dramaturgos mexicanos contemporáneos, en puestas en escena que privilegia el evento teatral con el único soporte de la creación del personaje a través de dirección y actuación, despojado de 'su arnés', pues sólo hay guiños de escenografía y vestuario.  Así como el escalador sube a mano limpia, el actor sin arnés cuenta una historia y reta a la imaginación del espectador".
AYUDANDO A JUDITH es una coproducción de  TEATRO SIN ARNÉS  y  LA TEATRERÍA,  con el apoyo del COLECTIVO ESCÉNICO EL ARCE.
Únete a la brigada de ayuda a Judith, lo fundamental es sacarla del problema en que se metió.  Un texto ameno, montaje sencillo, dirección idónea y tres actrices que abrazan cálidamente a sus personajes para agradarte.  Un tema fuerte con mucho humor que resulta tan impactante como divertido.  Toma en cuenta que el foro tiene cupo limitado, así que llega con tiempo para alcanzar boletos y ve lo más pronto posible porque quedan pocas funciones de esta temporada.
 
AYUDANDO A JUDITH
se presenta los  martes  a las  21:00 horas  en
la  SALA B  de
LA TEATRERÍA
ubicada en Tabasco número 152,
Colonia Roma,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  80 minutos
 
Costo de la localidad:  $200
 
La temporada concluye el martes 6 de agosto de 2019
HERENCIA FLAPPER
La distopía de un futuro sin diálogo
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019
El año pasado, con el propósito de conmemorar el quincuagésimo aniversario de los nefastos sucesos ocurridos en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco, donde, como sabemos, muchos jóvenes estudiantes fueron asesinados, David Olguín llevó a cabo el montaje de la obra XICO 68 escrita y dirigida por él, la cual tuvo un éxito rotundo.  Pero esto no fue lo único gratificante que dejó este proyecto, sino que durante los ensayos y la puesta en escena David Olguín se percató de que su elenco conformado por jóvenes talentosos, recién egresados de dos escuelas profesionales de actuación, la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- y el Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM, coincidían en ideas y sentían la necesidad de expresarlas.  Por azares del destino, justo en ese tiempo, se tenía la posibilidad de financiar un proyecto ambicioso, así que se cumplían las condiciones para emprender la aventura de fundar una compañía de jóvenes con un elenco estable, con el propósito de dar voz y foro a las propuestas de los nuevos autores, directores e intérpretes de la escena mexicana.  Fue así como surgió EL MILAGRITO.
Las primeras actividades que se tienen previstas para EL MILAGRITO son:  conservar como parte de su repertorio XICO 68  y presentar dos producciones que tengan incidencia y dialoguen con la actualidad sociopolítica del país, como perfil y horizonte temático.   De las dos producciones mencionadas, la primera es:  HERENCIA FLAPPER.
La distopia de un futuro sin diálogo:  HERENCIA FLAPPER es el resultado de las exploraciones sobre género llevadas a cabo por los integrantes del recién formado EL MILAGRITO, a través de un laboratorio teatral durante el cual intercambiaron ideas sobre el mundo en el que les gustaría vivir.  A la creación colectiva, se sumaron  Laura Baneco  y Elfye Bautista y entre todos emitieron un texto de buena factura y consistente, resumiendo las inquietudes que, en general, agobian a los jóvenes en la actualidad, mismo que capta la atención del púbico de principio a fin.
Los jóvenes de EL MILAGRITO comparten esta sinopsis de HERENCIA FLAPPER:  "En un mundo muy parecido al nuestro, nacieron unos seres caminantes. Curiosos por conocer su sentido y destino, crearon a un ser semejante a ellos, sólo más poderoso. La llegada de esta criatura traerá complicaciones para sus vidas, pues ha establecido un orden de las cosas y ese orden nada tiene que ver con la realidad.  HERENCIA FLAPPEes una obra que cuestiona los roles de género en nuestra sociedad. ¿A quién le conviene que las cosas estén como están?, ¿qué significa pertenecer a un género o a otro?, ¿o no pertenecer a ninguno?".
 
Comencemos por el título.  Al parecer, lo de HERENCIA alude a que traemos la herencia bajo la piel, aún si viviéramos en otro mundo, conservaríamos los mismos prejuicios y arquetipos de conducta que hemos aprendido .  La traducción literal de FLAPPER chico a la moda.  En un afán de identidad, para todos es importante estar a la moda, algunos lo logran, otros no, pero lo cierto es que las tendencias evolucionan tan rápido que estar a la moda resulta difícil.  En un sentido más amplio, este vocablo se utilizó en Estados Unidos en los años 20 para referirse al nuevo estilo de vida de mujeres jóvenes que rompían con normas  tanto en el vestir como en el comportamiento, se maquillaban mucho, portando prendas vanguardistas, como faltas cortas o escotes, salían solas, fumaban, bailaban o bebían licores fuertes, conductas que antes sólo eran propias de los hombres.
 
En La distopia de un futuro sin diálogo:  HERENCIA FLAPPER el público verá un universo nuevo desde su creación, en el cual hay semejanzas con el mundo que nos tocó habitar.  A diferencia del nuestro, en aquel los humanos son quienes crean a su dios, una bella joven, esbelta, de cabello bicolor, autoritaria e implacable, que da órdenes.  A ella sólo le interesa reunir "diezmos, impuestos, tributos", así que para obtener más, les ordena dedicarse a "engendrar".  La gente tendrá que descubrir a qué genero pertenece.  Apuestan por la libertad, pero, al parecer, no pueden desprenderse de ciertos prejuicios y roles establecidos.  Entre ellos priva algo de confusión.  Critican la intolerancia, pero dicen: "Los hombres tenemos necesidades y ustedes deberes que cumplir.  Así lo dicta dios".  En tanto que las mujeres opinan:  "Esa mujer no me representa",  o  "yo no soy una mujer, soy una drag queen".   Están dispuestos a romper esquemas, cada quien será lo que quiera ser.  Alguien dice que "la pansexualidad no existe", pero otros opinan que si hay pansexualidad, debiera también haber "bolillosexualidad o bisquetsexualidad".   En ocasiones, utilizan máscaras, incluso, dobles, para ocultar sus rostros y decir lo que piensan realmente.  Bailan, cantan, se divierten.  Deberán planear cómo hacer que su mundo sea el mejor.  Les preocupa que en los programas de inclusión o equidad, siempre caen en el juego de la intolerancia.  Es posible que la solución sea crear una generación robótica.
 
Elfye Bautista realiza una excelente labor de dirección.  Traslada a escena la esencia del texto.  Su trazo escénico es pulcro.  Da la misma importancia al histrionismo que a la corporalidad y crea dinámicas coreografías muy coordinadas, las cuales son ejecutadas con precisión.  Aprovecha a fondo el espacio y logra un montaje visualmente espectacular.  Impone un buen balance entre acción y narrativa.  Cada detalle está bien cuidado.  El ritmo es minucioso.
 
Participan en el montaje integrantes del Elenco Estable EL MILAGRITO:  Mar Aroko,  Yanizel Crespo,  Manuel Cruz Vivas,  Ramiro Galeana Mellín,  Valeria Navarro Magallón,  Dano Ramírez,  Viridiana Tovar Retana  e  Iván Zambrano Chacón, quienes ofrecen un estupendo trabajo histriónico, corporal y vocal.  Al igual que en el memorial de los sucesos del año 1968, ellos despliegan su compromiso y su amor al teatro.
 
Alita Escobedo aporta la escenografía e iluminación, con un trabajo formidable en sus dos rubros.  El diseño y la combinación de colores del entramado para piso y ciclorama provee el entorno idóneo para el nuevo universo, mientras que su iluminación la administra con sincronía.
 
El video que se proyecta durante la función a través de un dispositivo multimedia fue realizado por Juan Alonso.
 
Laura Martínez realiza una buena labor en el diseño de vestuario, utilizando prendas comunes, pero con algún detalle simbólico para la individualización de cada personaje.
 
Fungen como Asesores del Proyecto:  David Olguín  y  Gabriel Pascal.
 
La producción es de TEATRO EL MILAGRO.
 
Conoce las inquietudes de los jóvenes de hoy en día, sus confusiones, preocupaciones y su indiscutible anhelo  de tener un mundo mejor sin violencia, discriminación, prejuicios ni los arquetipos que nos han regido hasta ahora.  Teatro mexicano realizado por las nuevas generaciones de creadores.  Una invitación a reflexionar sobre los errores cometidos y la esperanza de que algún día mejore nuestro entorno.  Te aseguro que disfrutarás de La distopia de un futuro sin diálogo:  HERENCIA FLAPPER, pero apresúrate porque su temporada está próxima a concluir. 
 

HERENCIA FLAPPER 
La distopia de un futuro sin diálogo
se presenta  miércoles a las 20:30 horas,
jueves a las 18:00 horas  y
viernes a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  80 minutos

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $150

Tarjetahabientes Bancomer:  $150

Vecinos de la colonia Juárez:   $100

Estudiantes de teatro:   $80

Jueves del espectador:   $100

 

Preventa con descuentos
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La temporada concluye el viernes 26 de julio de 2019

 

LA HERIDA Y LA FLECHA:
RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019

El colectivo Teatro de Arena y Martín Acosta se aliaron para la realización de un ambicioso proyecto, cuyo objetivo es abordar la Historia de la Diversidad en la Ciudad de México en el Siglo XX, a través del cual presentarán una serie de reflexiones que propicien el diálogo sobre ciertos paradigmas que se asegura han desaparecido con el paso del Siglo XXI, pero que aparentemente continúan vigentes haciendo sombra.  La forma de presentación de esta propuesta es utilizar el teatro como vehículo para reconstruir la memoria.

En el mes de junio, también denominado el mes del orgullo, salieron a la luz los dos primeros capítulos de la Historia de la Diversidad en la Ciudad de México en el Siglo XX.  Estos capítulos comparten el mismo espacio y el carácter documental pero sus temas y repartos son distintos. 

El primer Capítulo se intitula 41 DETONACIONES CONTRA LA PUERTA DE UN CLÓSET, de la autoría de Sara Pinedo y David Gaitán.  Se trata de un breve recuento documental sobre la historia de la homofobia en México durante el Siglo XX y una fantasía ficcionada acerca del FHAR -Frente Homosexual de Acción Revolucionaria-, desde su aparición a la vida pública en 1976 hasta su disolución en 1981.  La dirección escénica está a cargo de Martín Acosta  y  el elenco está integrado por:  Ramón Hernández Lara,  Joshua Okamoto,  Ricardo Rodríguez  y  Emmanuel Varela. 
 
El segundo Capítulo es LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE, al que se refiere la presente Nota.
 
LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE fue escrita por Marianella Villa  y  Servando Anacarsis Ramos.   Ambos son creadores escénicos que han destacado en las diversas áreas en que se desempeñan, ya sea como intérpretes o como autores.  En lo personal se preocupan por las causas ecológicas y sociales, además de ser implacables defensores de los derechos humanos.
 
Si bien, como lo mencioné, este proyecto es ambicioso, también es complicado embarcarse en la aventura de la coautoría, quienes lo han hecho lo pueden constatar.  Es difícil conciliar ideas y sincronizar los resultados, en virtud de que como se dice coloquialmente "cada cabeza es un mundo". 
 
La propuesta de Marianella Villa y Servando Anacarsis Ramos tiene como base hablar de la mujer y la inteligencia.  Se dieron a la tarea de llevar a cabo una revisión de las intelectuales mexicanas del siglo XX, recopilando toda la información posible en biografías, reportajes, entrevistas, revistas, artículos sensacionalistas, chismes y leyendas.   Sin embargo, consideraron que a pesar de haber investigado a fondo, aún quedaban eslabones perdidos o borrados, así que bajo la premisa de que "al pasado, casi siempre lo inventamos", ellos recurrieron a suposiciones, a fin de mostrar "lo que está al margen de la foto, ese pedacito que no se vio, lo que es invisible los ojos del hombre".  
 
Es así como surge LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE, para la cual eligieron como protagonista a Rita Macedo, una de las grandes divas mexicanas, mujer inteligente, culta, poseedora de una belleza impar, personalidad enigmática, mirada profunda, con un carácter tan firme que determinó la fecha y hora de su muerte.  La reconocida actriz, quien iniciara su carrera desde los 15 años participó en cine, televisión y teatro.  En 1972 le fue otorgado el Ariel como mejor actriz.  En LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE aparece rodeada de otras celebridades de su época, como Rosario Castellanos, Elena Garro, Leonora Carrington, Pita Amor  y  Carlos Fuentes (distinguido escritor que fuera el tercer marido de Rita Macedo y el gran amor de su vida), entre otros, y varios más a quienes sólo se hace alusión.
 
El texto escrito por Marianella Villa y Servando Anacarsis Ramos es fluido, salvo ligeros desfasamientos en cuanto a tiempo escénico y uno que otro parlamento repetitivo .  Capta la atención absoluta del espectador porque es inherente al ser humano querer saber qué hacen los famosos, cómo viven, qué piensan, sin importar si son contemporáneos o del pasado.  Resulta atrayente ver aspectos de sus vivencias.  Para quienes vieron trabajos de Rita Macedo o escucharon de ella, será grato revivir esos pasajes.  Para quienes no la conocieron, verán que es importante saber de conciudadanos admirables.   Y es así como el público se entera de las apoteósicas reuniones que organizaban Fuentes y Rita en su mansión de San Ángel, donde los invitados eran reconocidos en el arte, la literatura, la pintura, la ciencia, la política o el espectáculo.  Lo más loable que en estos tiempos en que se habla tanto de acoso, se revisite la vida de algunas mujeres que supieron amar, darse a respetar y lo suficientemente libres para seguir sus impulsos y tomar las decisiones que consideraron pertinentes.

 

 

 

 

Para los autores no es sencillo definir su obra, pero al inicio de la representación de LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE, Marianella Villa y Servando Anacarsis Ramos la definen con acierto:  "Más que un documental, es una pasarela de alegorías" … "una historia de fantasmas" , para luego aclarar que "los nombres no corresponden a quienes los portaron".  
 
La primera escena es impactante, dado que es cuando Rita se dispone a suicidarse.  Sin orden cronológico, se irán desplegando sucesos importantes en la vida de Rita, como el profundo amor que sintió por Fuentes, uno de sus embarazos, el sueño que tenía de hacer una representación de sí misma, así como algunos sucesos de otras mujeres destacadas que evitaron caer en el típico patriarcado imperante en aquella época.  Algunos cuadros van acompañados de canciones populares en esos tiempos.  Elena Garro clama por su independencia al lado de su hija.  En un momento crucial en la vida de Rita, aparece en un plano alterno Rosario Castellanos escribiendo un poema alusivo a lo que está experimentando Rita.   En otro cuadro, aseguran que "Uno siempre vuelve a los lugares donde amó la vida".  Conmueve el recuento de famosas suicidas.  En fin, diversos eventos, vivencias y sentimientos quedan captados en la escena. 
 
La labor de dirección por parte de Martín Acosta es brillante.  Su trazo escénico es preciso y dinámico.  Logra plasmar el texto aun cuando se trata de una variada compilación de imágenes y personajes.  Incorpora algo de teatro objeto.  Lleva a su elenco a los niveles emotivos requeridos en cada cuadro.  La coreografía está bien diseñada y ejecutada, con visos de originalidad y sonoros taconeos.  Aprovecha el espacio a fondo.  Entrelaza la parte humana con los elementos escénicos y los acontecimientos en forma certera.  El ritmo es balanceado.
 
El elenco está integrado por:  Xóchitl Galindres (Rita Macedo),  Tanya Gómez Andrade (Rosario Castellanos y otros),  Georgina Tábora (Pita Amor, madre de Rita)  y  Nicté Valdés (Leonora Carrington y otras). Cada una de las actrices ofrece un estupendo trabajo histriónico, corporal y vocal.  Destaca Xóchitl Galindres por su excelente interpretación de Rita, a quien dota de una amplia gama de emociones.   Tanya Gómez Andrade imprime fuerza  en sus personajes,  Georgina Tábora está fabulosa como Pita Amor y como Elena Garro,  y  es grato escuchar la melódica voz de Nicté Valdés.
 
Natalia Sedano se luce con su diseño de escenografía, al enmarcar los relatos en un espacio idóneo.  Los trazos sobre los muros denotan arte abstracto, a la vez que simbolizan fantasmas.   La ecología es representada por plantas bonsái,  la mesa es multifuncional, la puerta redimensiona ambientes.  Igualmente acertada en su otro rubro, el diseño de vestuario, con atuendos a la moda en el tiempo en que ocurre la historia, elegantes, sofisticados, prendas de buen corte y confección en variados estilos y colores, al igual que la peluquería y accesorios.
 
La iluminación por parte de Alita Escobedo es administrada en forma apropiada.
 
El diseño sonoro indispensable para ubicar determinados lugares y/o estados de ánimo es un acierto a cargo de Isay Ramírez Guillén.
 
Complementan el equipo creativo:  Michelle Menéndez en producción ejecutiva,  Adriana Martínez Benavides y Nareni Gamboa en asistencia de producción,  Pablo Villegas en asistencia de dirección,  Anabel Altamirano  e  Isaac Nolacea Álvarez en realización de utilería,  Xiomara González en atrezzo,  Servando Anacarsis Ramos,  Martín Acosta  y  Juan Escribano en diseño gráfico,  Fernando Payán en construcción de escenografía,  Elías Carranco Laguna en construcción de mobiliario,  Liliana Irene Hernández González y Teresa Meza  en realización de vestuario.
 
La producción de LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE es de TEATRO DE ARENA.
 
Por lo general, se honra a aquel con quien se tiene una relación, se admira o se ama, pero, en esta ocasión, los autores rinden homenaje a una desconocida, a alguien que a pesar de no ser de su época, es un ser admirable digna de ser homenajeada.  En esta alegoría fantasmal la estrella es Rita Macedo, a la vez que se capta la vida de los años sesenta en nuestro México, cuando los intelectuales de Boom de la literatura latinoamericana se codeaban con artistas y personalidades.  Esta puesta en escena es un réquiem muy merecido para no olvidar a Rita Macedo.  Anímate a recordar o conocer a la gran diva del cine, teatro y televisión, mientras disfrutas del quehacer teatral de dos jóvenes que no se ciñen a normas y que con libertad utilizan su propio lenguaje para dialogar con el espectador.
 
LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE se presenta  los viernes a las 20:30 horas  y
los domingos a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  90 minutos

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80


Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el domingo 21 de julio de 2019

 

MEMORIAS DE ABAJO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019
El arte de Leonora Carrington (1917-2011) ha trascendido tiempo y espacio.  Por ser una de las figuras más representativas del surrealismo, su obra ha influenciado a muchos otros artistas en distintos ámbitos.  Leonora Carrington nació en la ciudad de Lancashire en el Reino Unido, pero cuando apenas tenía tres años de edad, la familia cambió su residencia a Crookhey Hall, un castillo neogótico rodeado de inmensos jardines y bosques que tiempo después Leonora inmortalizaría en su obra llamada "Green Tea" (Te Verde).  Leonora Carrington  Estudió en la Academia Ozenfant de Arte en la ciudad de Londres, Inglaterra.  Luego de graduarse, se desempeñó como pintora, escritora y escenógrafa.
 
Desde niña, fue una lectora voraz y los libros que más le atraían eran aquellos con relatos de gnomos, duendes, gigantes, fantasmas y espíritus.  Es probable que todas estas lecturas hayan alimentado su imaginación, llevándola a crear un universo propio donde las cosas distaban mucho de verse como los demás las veían.  Lo cierto es que el desbordado interés de Leonora Carrington por la alquimia y los cuentos de hadas quedó plasmado en su obra pictórica y escultórica.
 
Apenas tenía 20 años cuando conoció a Max Ernst de quien se enamoraría y que fue el que la introdujo al mundo del surrealismo, al presentarle a varios integrantes de ese gremio.  Posteriormente, ambos decidieron vivir en Francia, pero, al igual que a otros alemanes y austriacos que residían allí, Max Ernst fue considerado como extranjero de país hostil y arrestado.  Su condena fue ser enviado a un internamiento en un campo.  El dolor de Leonora provocó que sufriera un desequilibrio emocional y su padre optó por internarla en un hospital psiquiátrico en Santander.  Leonora logró huir del psiquiátrico y se refugió en la embajada de México en Lisboa, donde conoció al escritor y poeta mexicano Renato Leduc, quien la ayudó a emigrar a nuestro país.  Leonora Carrington y Renato Leduc contrajeron matrimonio, pero fue por breve tiempo.   A pesar de su divorcio, Leonora continuó viviendo en México hasta el fin de sus días.   Entre las diversas huellas que dejó Leonora Carrington en nuestra patria, se encuentra "La barca de las garzas" una escultura monumental ubicada en el patio central del Museo Leonora Carrington en San Luis Potosí, S.L.P.  En el año 2015 el gobierno de México otorgó a Leonora Carrington del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes.
 
Ahora, Caracola Producciones rinde homenaje a Leonora Carrington mediante MEMORIAS DE ABAJO.  Caracola Producciones es una empresa cultural mexicana dedicada a la producción, promoción y difusión de proyectos escénicos y multidisciplinarios, fundada por Gina Botello, Fabiola Núñez y Abigail Espíndola.
 
MEMORIAS DE ABAJO es una adaptación realizada por Christian Courtois para teatro en miniatura de  "El enamorado",  "La dama oval"  y  "La debutante",  relatos escritos por Leonora Carrington, bajo la dirección de Gina Botello de Caracola Producciones.  Para esta adaptación Christian Courtois entrelazó los relatos con fragmentos de entrevistas que dio Leonora Carrington.  De este modo, Christian Courtois transmite lo que Leonora Carrington pensaba sobre temas como la vida, la muerte, la familia, el amor, la libertad, el principio y el fin.  Christian Courtois es escritor de retratos, dramaturgo y director escénico, egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM- en Lengua y Literaturas Hispánicas.  Su texto "Shahrazad" fue uno de los proyectos ganadores de Incubadoras Teatrales UNAM en 2014.
 
Los relatos son trasladados a escena a través de diversos lenguajes del títere y algunas técnicas teatrales como luz negra, teatrino, teatro de sombras, multimedia, disfraces y, desde luego, corporalidad.
 
Caracola Producciones describe su propuesta como "una travesía por la imaginación de Leonora Carrington;  un viaje entre las arterias de la memoria y la infancia;  es, ante todo, un periplo de pequeñas historias que se unen en el rompecabezas de la vida". 
 
Cuatro actrices y un músico en escena llevarán al espectador a través del imaginario de Leonora Carrington.  Los cuadros, a cual más de interesantes, se van sucediendo.  De entrada, el público escuchará la frase guía "Para ver debes cerrar los ojos.  De lo contrario, no verás nada".  De ahí, pasará a conocer a "La dama oval", una mujer muy alta y muy delgada de pie frente a su ventana;  luego verá a una joven persiguiendo a un conejo blanco, evocando el popular cuento "Alicia en el país de las maravillas" de Lewis Carroll.   Después, vienen los relatos.  "El enamorado" que narra el hurto de un peculiar melón en una callejuela,  y  "La debutante" que se trata de la joven Lucrecia, quien para evitar ir a la fiesta organizada por su familia para presentarla en sociedad, acude a algo audaz y pide a una hiena que tome su lugar.  Con respecto a su extraña amiga, la jovencita dice:   "El animal que mejor llegué a conocer era una hiena joven.  Era muy inteligente.  Le enseñé a hablar francés y a cambio ella me enseñó su lenguaje". 
 

MEMORIAS DE ABAJO es la quinta producción de Caracola Producciones, con la cual culminan su ciclo sobre mujeres, en el cual han explorado temas en torno a la reivindicación de lo femenino y al lugar que ocupa la mujer en la sociedad actual.

 


Al igual que en sus demás propuestas, Caracola Producciones ofrece un montaje pleno de belleza estética y colorido, con elementos idóneos creados con talento y de excelente manufactura que se despliegan en formas diversas y sorprendentes, así como un equipo humano muy comprometido con cada proyecto.


La labor de dirección por parte de Gina Botello es formidable.  Su trazo escénico es muy fluido.  El balance entre acción y pausas impecable.  Engarza las distintas historias con acierto.  La coordinación del manejo de tantos elementos es loable.  Utiliza a fondo el espacio y el ritmo es preciso.


El elenco está conformado por:   Rebeca Roa,  Elvira Cervantes,  Karina Miranda y Alex Moreno del Pilar, quienes desempeñan una estupenda labor histriónica, excelente corporalidad y una asombrosa manipulación de títeres y objetos, incluso, crótalos.  Gran sincronía en todo momento.  Dan vida a personajes convincentes, dotándolos de emotividad. 

 

El músico en escena es Bruno García, quien hace gala de su destreza en la ejecución del acordeón.

 

El vestuario juega un papel importante en esta puesta en escena, todas las prendas son de fina confección, elaboradas con telas de buena caída, de colores y diseños variados.  También hay lucidores brocados.  En particular, el disfraz de hiena es genial, incluyendo sus sorpresivas mallas.

 

El diseño de iluminación es de Jesús Giles, quien en esta ocasión no logra un desempeño óptimo.  La mayoría de los segmentos gozan de una excelente impartición de luz, pero hay algunas en que la oscuridad es extrema y el espectador se ve precisado a tratar de adivinar qué es lo que ocurre en escena.

 

Complementan el equipo creativo:  Aurora Gómez Meza en producción general,  Gina Botello en producción ejecutiva,  Leonardo Otero,  Daniela Villaseñor,  Alejandra Flores Alonso  y  María Fernanda Galván en diseño y realización,  Gabriela Gómez Meza en arte y diseño multimedia,  y  Salvador Avelar como técnico de iluminación.

 

MEMORIAS DE ABAJO es una producción de Caracola Producciones, con el apoyo de:  el Programa Jóvenes Creadores 2015, especialidad en Dirección Escénica, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-,   el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales 2017 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-,    y  de la Fundación Leonora Carrington, A.C.  

 

"La puerta de un recuerdo es territorio desconocido" y MEMORIAS DE ABAJO es la puerta que se abre ante ti para que te internes en el fantástico universo surrealista de Leonora Carrington, donde podrás apreciar su característico imaginario y muchos de los simbolismos que lo habitan, como un luminoso conejo blanco, un atípico melón, un llamativo caballo balancín, una preciosa muñeca antigua, singulares aves, una hilarante hiena o encantadoras matrioskas rusas.  Todo esto plasmado maravillosamente en escena por los creativos de Caracola Producciones que imprimen su talento, inventiva y compromiso en cada una de sus propuestas.

 

Caracola Producciones está llevando a cabo un Mini Encuentro titulado EL TÍTERE Y LOS MILLENIALS que se presenta los días MARTES a las 19:00 horas, antes de la función de MEMORIAS DE ABAJO,  Así que si estás interesado en ver doble función, te sugerimos ir en MARTES.

 

El martes 2 de julio de 2019, a las 19:00 horas, TITERELICHES presentan GUANTADAS   y

el martes 10 de julio de 2019, a las 19:00 horas, LA SOCIEDAD DE LAS LIEBRES presenta CUENTOS DE CONEJOS.

 

 

MEMORIAS DE ABAJO
se presenta  martes  y  miércoles  a las 29:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-
Ciudad de México

Duración aproximada:  60 minutos

Costo de la localidad:  $157
50% de descuento a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
y miembros del INAPAM  con credencial vigente
Sujeto a disponibilidad.  Aplican restricciones

La temporada concluye el miércoles 10 de julio de 2019
ROPA SUCIA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
Mientras más años se vive, más se aferra uno a la vida.  Sin embargo, mientras llega esta etapa, el apego no es tan firme.  Cuando los niños, adolescentes o jóvenes atraviesan preocupaciones, temores o desilusiones y creen que no hay forma de resolverlas, pueden llegar a pensar en quitarse la vida.  Desde luego, todo tiene solución, en ocasiones, sólo es cosa del transcurso del tiempo, pero es difícil lograr que los suicidas en potencia comprendan esto.  De hecho, los índices de suicidio han aumentado en todo el planeta. 
En un mundo ideal sería maravilloso que pudiéramos lavar el alma, igual que lavamos nuestra ropa.  De este modo, podríamos desechar tristezas y decepciones cual si fueran manchas. Si bien a cualquiera de nosotros nos molestaría andar por la calle vistiendo algo manchado, más doloroso es traer una pena que oprime nuestro corazón.  No obstante que en la vida real no se pueden "lavar" las penas, salvo a través de largos procesos de terapia, en la ficción todo es posible.
Andrómeda Mejía utiliza la dramaturgia para hablar sobre estas cuestiones en ROPA SUCIA.   Andrómeda Mejía es una creadora escénica, que se ha desempeñado como actriz, directora, dramaturga, bailarina y coreógrafa, obtuvo su Licenciatura en Actuación en la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura -INBAL-.  En 2017 realizó una Residencia Artística de Dirección Escénica en el Programa LABRA en Atlántida, Uruguay;  en 2018 fue directora invitada del Festival Dramafest, en una coproducción de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, en la puesta en escena "La bruma y la grulla" de Adriano Madriles,  y  en 2019 estuvo en una Residencia en Artes Vivas con Emilio García Wehbi.
Para ROPA SUCIA a Andrómeda Mejía le llegó la inspiración a partir de una pieza realizada por Yoko Ono  cuya anécdota era:  “Cuando recibas invitados, saca tu ropa sucia del día y explícales la historia de cada prenda. Cómo y cuándo se ensució y por qué, etcétera”.  Le pareció interesante el dotar a las prendas de vestir algún sentimiento y decidió jugar con este concepto, el cual es atinado, ya que lo cierto es que ciertos atuendos evocan en nuestra memoria emociones, personas, lugares o situaciones.  Después tuvo la idea de que las penas deberían poder ser desechadas igual que las manchas.  Es así como surgió ROPA SUCIA,  un texto bien estructurado, que capta el interés desde su inicio, es entretenido y esperanzador.  Entre las temáticas que aborda se encuentran: la decepción, el suicidio como solución, el amor, la alegría de vivir, la búsqueda de la belleza y la crítica a la burocracia y sus tediosos trámites.   ROPA SUCIA fue designada como la Mejor Obra en la categoría C3 (Montajes de recién egresados) del 25 Festival Internacional de Teatro Universitario de la Universidad Nacional Autónoma de México -FITU-UNAM-.
El protagonista del relato es Fernando Mendoza Pérez, tiene 31 años, 6 meses y 8 días de edad y acaba de sufrir una terrible decepción al descubrir que su novia Mariana lo engañaba con su amigo Donovan.  Ha perdido interés en todo lo que le rodea.  Considera que lo único que puede hacer es suicidarse.  Lo ha intentado en varias ocasiones sin lograrlo.  Ante su frustración, decide recurrir a la eutanasia y acude a tramitarla a una oficina gubernamental, sin saber cuántos requisitos habrá de cubrir para que su solicitud sea aprobada, comenzando por una carta de motivos detallada y tresco avales.  En el proceso de cumplir con tanto requisito, recordará parte de sus vivencias, incluso, enfermedades, trabajos, caprichos, anhelos.  Algunos recuerdos le dan risa y otros lo ponen triste, pero todo esto le representa un gran aprendizaje que lo lleva a dar un enfoque distinto a ciertos hechos de su pasado. 
La labor de dirección por parte de Andrómeda Mejía es impecable.  Su trazo escénico es consistente.  Las acciones son dinámicas y variadas.  Los desplazamientos son coordinados y armoniosos.  Aprovecha a fondo el espacio escénico.  Se apoya en multimedia con dibujos en vivo y acude al teatro objeto, al estilo de García Wehbi.   El ritmo es ágil.
El elenco está conformado por recién egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT-, ellos son:  Edgar Alonso,  Georgina Arriola,  Brisa Seag  y  David del Águila o Martín Becerra, quienes alternan funciones.  Los  jóvenes realizan una excelente labor histriónica y corporal.  Destaca la chica que interpreta a la empleada gubernamental que gestiona la eutanasia, por el despliegue de versatilidad que realiza.
El diseño de la bien impartida iluminación es de Abimael Méndez.
El diseño de escenografía y vestuario es de Isabel Becerril, quien ofrece acertados trabajos en sus dos rubros.  Sobre el escenario sólo utiliza una gran manta en el ciclorama, que también hace las veces de pantalla para las proyecciones.  Con sorprendente ingenio crea los elementos escenográficos.  Los atuendos son enteramente juveniles y las variantes son pertinentes a cada ocasión.  Utiliza el vestuario para dimensionar tiempo y lugar de los sucesos.
El diseño de audio es de César Chagolla.
La producción es del Colectivo Punto de Ebullición.
Confío en que nunca estés tan agobiado como para pedir una eutanasia, lo que sí debes hacer es permitir que Fernando te comparta sus experiencias.  Te aseguro que disfrutarás de un montaje juvenil pleni de color y estética, un texto interesante, una buena dirección y actuaciones convincentes.  Además de divertirte, reflexionarás y es posible que esto te ayude a dar una adecuada dimensión a tus alegrías y pesares.
 
 
ROPA SUCIA
se presenta viernes a las  20:00 horas
sábados a las  19:00 horas  y
domingos a las  18:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-
Ciudad de México

Duración aproximada:  60 minutos

Costo de la localidad:  $157
Descuento del 50% a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente.  Aplican restricciones

La temporada concluye el domingo 30 de junio de 2019

 

 SEPULTURAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
Cada vez que alguien nace, sabemos que algún día morirá. Tal vez esto marca nuestra dualidad desde que llegamos a este mundo.  Estamos entre la vida y la muerte.  Así en todo lo demás.  Siempre quedamos entre dos aguas.  Cuando damos los primeros pasos, quisiéramos correr.  En los momentos de alegría sentimos algo de tristeza y viceversa.  Lo que anhelamos y lo que logramos.  Lo que queremos y lo que debemos hacer.  Esto sólo por citar unos cuantos ejemplos, ya que las posibilidades son numerosas.
Este destino se acentúa mucho más en las personas que deciden vivir en otro país, toda vez que a la dualidad cotidiana de todos, se le añade el residir en un lugar ajeno con diferentes costumbres, normas, formas, comidas, etcétera.  Es como tener la posibilidad de estar en dos universos distintos y todo se complica.   Tal es el caso de los migrantes.  Muchísimos de nuestros conciudadanos tienen lo que coloquialmente llaman "el sueño americano".  Cruzan la frontera esperando encontrar un mejor futuro, más oportunidades, condiciones más satisfactorias.  Lo malo es que son muy pocos los que logran concretar ese sueño.
Aunque el cuerpo falle, la mente sigue funcionando.  No se puede correr, pero sí se puede volar con la imaginación.  Incluso, se sabe que personas que estuvieron en coma, de pronto, tienen recuerdos de lo que pensaban mientras estaban ausentes.  Nadie puede adivinar qué pensará cuando el fin está cercano, pero los escritores tienen la facultad de crear una ficción para expresar lo que ellos suponen que pensaría alguno de sus protagonistas.
Hugo Alfredo Hinojosa aborda estas temáticas en SEPULTURAS.  De entrada, mediante el título indica que se trata de un relato terminal, desesperanzador.  Su texto es de buena estructura y capta el interés.  La narrativa zigzaguea entre el pasado y el presente, en cuadros que van revelando diversos aspectos de la vida de Robert hasta llegar a la situación en que se encuentra, al lado de Alonso y Dolores, de tal forma que el espectador tiene que estar atento para ir juntando las piezas cual si se tratara de un rompecabezas.   SEPULTURAS resultó la ganadora del Premio Nacional de Bellas Artes de Literatura 2012.
El protagonista es Robert Díaz.  Cuando era joven quiso alcanzar el sueño americano.  Cruzó la frontera en forma legal, dispuesto a realizar los trámites necesarios para fincar allá su residencia.  Se enamoró de Elena y ella quedó embarazada, como Robert deseaba brindar estabilidad a su familia, le urgía más adquirir la ciudadanía americana.  Se enteró que ésta era otorgada a quienes se enlistaban en el ejército y corrió a enlistarse.
Fue enviado a Vietnam y tuvo que luchar en una guerra ajena.  Hizo buen trabajo, llegó a ser Capitán Primero del Regimiento de Infantería, pero vivió todos los horrores de la guerra.  Era terrible "mirar pueblos hechos ceniza".   Para su desgracia, no sólo vio cadáveres y devastación, sino que él también sufrió una herida casi mortal que le dejó molestas secuelas.
Ahora, Robert está confinado en un nosocomio.  En lugar de que se le respete como veterano de guerra, Alonso, el médico y Dolores, la enfermera, lo maltratan, lo hacen desatinar.  Al parecer tratan de desquiciarlo para internarlo en un centro psiquiátrico.
Robert se refugia en sus recuerdos, pero no son gratos.  Además de las terribles experiencias en Vietnam, está obsesionado con la posible infidelidad de Elena y, entonces, las remembranzas le resultan dolorosas.  Lo único que lo hace sonreír es la evocación de una cantante de voz fascinante, quien seguramente le atraía mucho. 
Cada vez se siente más perdido, confunde personas y tiempos, no distingue entre lo real y lo irreal.  Físicamente está devastado y mentalmente comienza a estarlo.  La lucha que Robert libra ahora es la interna.  Aquello que quisiera olvidar sale a relucir, en tanto que lo que quisiera recordar le parece borroso. 
El texto de Hugo Alfredo Hinojosa es de buena estructura y resulta muy interesante.  Al mismo tiempo que habla de Robert, habla de las alegrías y pesares del ser humano, de los anhelos, logros y fracasos, carencias y necesidades,  del amor. los celos y la pasión, de la salud y la enfermedad, la lucidez y la locura, la memoria y el olvido.  En general, se trata de confrontar lo pasado con lo presente, al mismo tiempo que estos se reflejan.  Atrapa la atención del público de principio a fin.
La dirección escénica por parte de Emma Dib es estupenda.  Traslada el texto a la escena fluidamente.  Su trazo escénico es pulcro y definido.  Impone desplazamientos poco usuales, pero lucidores, como por ejemplo que los protagonistas conversen uno atrás del otro, o espalda con espalda.  Logra buen balance entre acción y pausas.  Aprovecha todo el espacio disponible, incluso, a un lado de las butacas.   El ritmo es preciso.
El elenco está conformado por Arturo Ríos (Robert),  Rodolfo Arias (Alonso / Charly),  Bárbara Eibenschutz (Dolores / Elena)  y  Muriel Ricard (La Vida / adolescente vietnamita).  Humberto Solórzano alterna funciones con Arturo Ríos.  El trabajo histriónico, corporal, de expresión y vocal es de primera línea.  Sobresalen Arturo Ríos, por su calidad y entrega de siempre, y Rodolfo Arias por su brillante desempeño.  La privilegiada voz de Muriel Ricard grata de escuchar como de costumbre.
El montaje de SEPULTURAS es una propuesta creativa de conjunto en todas sus etapas.  Se trata de un concepto integral en el que todos los participantes aportaron el arte de su especialidad.
La escenografía es creación de Francisco Álvarez y Arelly Blas, quienes en consistencia con el concepto, realizaron un diseño idóneo: parte del fuselaje de un avión.  Por un lado, éste puede simbolizar los viajes de Robert, incluyendo su tránsito hacia el final.  Por otro lado, la aeronave luce tan fragmentada como el ánimo del capitán.
El diseño de iluminación es también de Francisco Álvarez, quien suma otro acierto a su labor, ya que está muy bien impartida.
El diseño de vestuario, de utilería y de arte es de Tolita y María Figueroa, quienes logran buen desempeño en sus tres rubros.  En el vestuario se lucen con el atuendo militar de gala de Robert, a Dolores / Elena le brindan un vestido versátil, a Alonso, un traje ejecutivo con bata médica tradicional, a La Vida, sofisticada y vaporosa túnica o rudimentaria vestimenta oriental, todos confeccionados con telas finas y de buena confección.  La utilería y el arte con elementos pertinentes al concepto integral.
La música original y la musicalización, necesarias para el ambiente adecuado, son de Omar Guzmán.
SEPULTURAS es una coproducción de Calypso Producciones  (Hugo Alfredo Hinojosa,  Graciela Cázares,  Paloma de la Riva  y  Denis R. Elizalde)  y de  Teatro UNAM, con apoyo de EFITEATRO -Estímulo Fiscal del artículo 190 de la LISR  y  del FONCA -Fondo Nacional para la Cultura y las Artes-.
La producción ejecutiva es de Graciela Cázares y Paloma de la Riva,  el productor resiente es Joseph Ramírez.
Complementan el equipo creativo:  Daniela Rodríguez es asistente de dirección,  Bruno Zamudio es asistente de producción,  Zaira Concha es asistente de iluminación,  Caracol Difusión en medios en Prensa y relaciones públicas,  Cactus Design y Virginia de la Luz en campaña digital e imagen,  Carlos Aranda en fotografía,  Edgar Sánchez Herrera en video,  MACE --Montajes Artísticos y Construcciones Escenográficas- Macedonio-- Cervantes-- en realización de escenografía,  Paso de Gato (Jesús Castillo. Suriel Velazco, Carmen Iberri, Allan Robles, Oswaldo Garnica, Francisco Durán, José Manuel Peña) en pintura escénica,  Elsa Ramírez en realización de vestuario,  Anabel Altamirano e Isaac Nolacea en realización de arma,  y  Ascensión Paz en instalación candilejas.
El valiente veterano de guerra Robert Díaz atraviesa una etapa muy difícil, acompáñalo.  A él le pesará menos su soledad, mientras tú disfrutas de un interesante y emotivo texto, a través del cual conocerás detalles de la vida de Robert y tomarás conciencia de la confrontación que rige algunas de sus vivencias.  Quizás esto te lleve a reflexionar sobre tus propios actos.  Un concepto integral realizado por un equipo de creativos talentosos y comprometidos con el teatro contemporáneo.  ¡No te la pierdas!.  Debido al éxito que han tenido, te sugiero compres tus boletos con anticipación.
 

SEPULTURAS
se presenta de miércoles a viernes a las 20:00
sábados a las 19:00 horas  y
domingos a las 18:00 horas  en el
TEATRO SANTA CATARINA
ubicado en Jardín Santa Catarina número 10
Santa Catarina, Coyoacán,  Ciudad de México
 

 

Duración aproximada:  120 minutos
 
Costo de la localidad:  $150
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de estudiantes,
maestros, ex-alumnos y trabajadores de la UNAM,
jubilados del ISSSTE, IMSS  e  INAPAM
Los Jueves de Teatro el costo de la localidad es de  $30
 
La temporada concluye el domingo 29 de junio de 2019
TRANSATLÁNTICO
DAMAS DEL AIRE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
Considerando que en todo el mundo los varones tienen más oportunidades y beneficios que las damas, es grato saber que hay mujeres que luchan a brazo partido y a base de esfuerzos y dedicación logran sobresalir en el área que eligen.   Hoy les comentaremos sobre un montaje de teatro danza realizado por mujeres bellas que a base de talento y trabajo han adquirido habilidades y capacidades dignas de admiración.
Lila Zellet-elías es una artista escénica y visual nacida en la Ciudad de México.  Por sus venas corre sangre libanesa y gitana, lo cual ella ha aprovechado en su campo, al crear coreografías en las que incorpora la raíz arabo-andalusí como parte integral de la identidad mexicana. Desde el año 2003 ha puesto al servicio de la danza su formación multidisciplinaria con el fin de llevar las expresiones consideradas como étnicas hacia nuevos territorios de exploración y desarrollo desde la escena contemporánea.
 

La solidez de su trabajo coreográfico la ha hecho acreedora de premios, galardones y reconocimientos tanto nacionales como extranjeros.  En la actualidad es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte -SNCA- de la Secretaría de Cultura / Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- y también es miembro activo del Conseil International de la Danse -CID- de la División de Danza de la UNESCO.

Además de sus actividades como coreógrafa, bailarina, creador escénica y docente, Lila Zellet-elías fundó en 2008 el Ensamble Al Mosharabia, un grupo mexicano dedicado a la vinculación de las culturas mexicana, árabe y romaní (gitana), así como a la conservación y difusión de las tradiciones de dichas culturas, además de la producción de nuevas expresiones artísticas desde México, y la difusión de la danza morisca, expresión étnica y contemporánea que es el resultado de la investigación coreográfica realizada por Lila Zellet-elías, a través de la cual entrelaza las culturas árabe y española que forman el mestizaje previo al mexicano.  Al Mosharabia cuenta con dos producciones multimedia a nivel profesional:  DAMAS DEL AIRE 2016-1027  y  TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE 2018, proyectos enfocados a reconocer la labor profesional de las mujeres que surcan los aires.  En ambas propuestas se toma la danza étnica como punto de partida a fin de encontrar nuevos lenguajes escénicos para narrar sucesos cotidianos en el mundo contemporáneo.
La intención del Ensamble Al Mosharabia es aterrizar la "necesidad  de emprender acciones en las que el arte sea un medio de sensibilización social capaz de abrir un espacio de convivencia, diálogo, empoderamiento y reflexión en torno a la equidad de género"  y consideran que su innovadora propuesta resulte pertinente para entablar un diálogo escénico con el público.
 
DAMAS DEL AIRE está planteada como trilogía para representar una travesía aérea transcontinental conducida por una tripulación enteramente femenina, en la que la danza es utilizada como medio para sensibilizar y reflexionar en torno al empoderamiento del género.  En la metáfora se rinde honor a las mujeres de distintas culturas y nacionalidades que han logrado abrir brecha en la industria aeronáutica, antaño reservada sólo a hombres.  Gracias al empeño de esas mujeres, se ha marcado un antes y un después, porque hoy en día les es posible conseguir empleo como agentes de tráfico, controladoras aéreas, despachadoras, ingenieros, sobrecargos y pilotos de aviación.  TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE es la segunda emisión de la trilogía.  La tercera aún se encuentra en proceso.
En TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE el público es recibido por hermosas sobrecargos de la aerolínea Emiratos Árabes.  Las distintas etapas de un viaje transcontinental son representadas mediante coreografías y acciones.  Es así como de principio, se proyecta un video en el que se muestran las medidas de seguridad que se requieren como abrocharse los cinturones o utilizar mascarillas si hubiera una descompresión, o desalojar rápidamente en caso de surgir cualquier emergencia.  Después, veremos a las jóvenes llegar puntuales a la sala del aeropuerto portando sus maletas.  En la sala de espera se les ve adormiladas, leyendo revistas, conversando.  Una vez que se documenten, abordarán el avión.  Antes de que entren al avión los pasajeros, ellas se muestran risueñas y juguetonas, se toman la clásica selfie.  Luego del inicio del vuelo, ofrecerán bebidas y bocadillos a los pasajeros.
 
Lila Zellet-elías tiene a su cargo la coreografía y la dirección artística de TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE.  En sus dos rubros su labor formidable.  Imprime originalidad en las coreografías que crea al fusionar diversas técnicas y estilos derivadas de su ardua investigación, logrando una danza mexicana con influencias árabe, gitana / romaní, andaluza, flamenco, hindú y otras.  Hace gala de innovación, al incluir danzas sobre sillas con rueditas giratorias, o danzas parciales de sólo una parte del cuerpo.  En cuanto al montaje, es estético y variado.  Las damas visten atuendos estilizados -los clásicos uniformes son elegantes, de falda corta o larga, de fina confección, con armoniosa combinación de colores-, para luego usar ropa de calle o cocktail.  En particular, atraen miradas los luengos rizos carmesí de Lila y el vaporoso blusón suelto negro con flores bordadas a mano al estilo de los mantones de Manila que porta Marién.  Ellas desfilan cual si fueran en pasarela, o bien, tocan el cajón peruano, dando ritmo a la acción.  Así mismo, en determinado momento emiten un potente discurso mediante el cual las mujeres claman el trato y derechos que merecen.  No coinciden con la escuela de Walt Disney, porque son "princesas que escaparon de sus torres" y están convencidas de que "el ser felices" no siempre existe.  Igual incluyen ciertos referentes a ideas de Sor Juana Inés de la Cruz.   La dirección escénica por parte de Lila Zellet-elías es creativa, los desplazamientos son constantes, las coreografías variantes, sean grupales o individuales, la estética visual es impresionante, el espacio aprovechado a fondo, el ritmo puntual.
 
Como intérpretes participan las integrantes que conforman el cuerpo coreográfico del Ensamble Al Mosharabia:   Angie Marín, Bárbara Mora, Casandra Suárez, Claudia Ramos, Ginette Ríos y Mariana Bortoni, comandadas por Lila Zellet-elías.  La bailarina invitada para esta producción es la talentosa Marién Luévano Russek.
 
En la función a la que asistí, luego de que la bella bailaora mexicana Marién Luévano Russek ejecutara un esplendoroso solo, en el que con pasión desplegó sus capacidades y talento, el público se conmovió tanto que no pudo sino aplaudir con todas sus fuerzas aun cuando estábamos a media representación.  Esto reafirma que cuando algo se hace con el corazón inevitablemente llega directo a los demás corazones.  Es maravilloso presenciar el momento en que el hecho escénico trasciende.   El diálogo que pretende Al Mosharabia con el público se da en forma contundente.
 
La bien administrada iluminación es de Xóchitl González, en tanto que el material multimedia fue realizado por Fermín Martínez.
 
Quedas cordialmente invitado a realizar una travesía aérea transatlántico, llega a puertos desconocidos, descubre nuevos lugares y disfruta al máximo de tu viaje.  Te aseguro que las bellísimas damas del aire harán que tu vuelo sea placentero, además de visual y estético.  Apresúrate porque la temporada actual está por concluir.
 
 
TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE
se presenta a las 20:00 horas
el miércoles  19   y  el  jueves  20 de junio de 2019  en el
TEATRO BENITO JUÁREZ
ubicado en Villalongín número 15, colonia Cuauhtémoc
--cerca de la Estación Reforma del Metrobús--
Ciudad de México
Duración aproximada:  90 minutos
.
Costo de la localidad es de $157.00
50% de descuento a estudiantes, maestros, personas con discapacidad,
trabajadores de gobierno  e  INAPAN  con credencial vigente.  Aplican restricciones
La temporada concluye el jueves 20 de junio de 2019

 

HERMANAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019

 

En esta época en que se podría decir que el futuro ya nos ha alcanzado y que el mundo entero está alarmado por los daños sufridos por el planeta y que el calentamiento global se ha hecho evidente, los ecologistas han hecho advertencias de que si no hacemos algo el mundo está por extinguirse y, en general, todos tratamos de cuidar lo que nos queda.  Entre las incontables medidas que se están implementando para lograr la conservación están repudiar la cacería, tratar mejor a los animales, evitar utilizar productos de plástico, dejar de comprar atomizadores, consumir productos no procesados, volver a lo natural en los alimentos, preferir lo orgánico, hacer ejercicio, plantar árboles y muchas otras cosas.  Todo esto ha derivado en investigaciones para mejorar la calidad de vida en todo sentido.

Se han puesto de moda múltiples dietas, tomar mucha agua y ejercicios de todo tipo. Una de las tendencias es desintoxicar el organismo.  Hoy en día a quienes aún comen carne, se suman los vegetarianos, veganos, ovo-lácteo vegetarianos y otros.  Esto ha beneficiado la belleza corporal y, en general, la gente cuida su cuerpo más de lo que antes se hacía.

Sin embargo, en el afán de cuidar el físico, en ocasiones se descuida la mente, siendo que ambos requiere de igual atención.  Deberían también inventar dietas desintoxicantes de pensamientos negativos.  Un gran número de personas ni siquiera se percata de tener algún problema mental.  Otros tantos se niegan a aceptarlo o se vuelven expertos en ocultarlo, por ejemplo, los sociópatas, cuya principal característica es ser encantadores.  Lo cierto es que todos tenemos contrariedades y sufrimientos.  Si guardamos sentimientos de ira, rencor, odio, miedo o algo similar, estos se van acumulando y con el tiempo crecen, lo cual tarde o temprano será perjudicial

Lo aconsejable es liberar esa clase de sensaciones, para lo cual podemos utilizar la técnica que más nos funcione, como psicoterapia, hablarlo, olvidarlo, curarlo, desahogarse, leer o lo que sea.  No corregirlas es muy perjudicial y tarde o temprano harán explosión.   Esto es lo que sucede a las protagonistas de HERMANAS de la autoría de Pascal Rambert.

Nacido en Niza, Francia, Pascal Rambert se desempeña como escritor, poeta, dramaturgo, director de escena, director teatral y coreógrafo. A los 18 años de edad, fundó su primer grupo de teatro y a los 20 el segundo.  Mientras tanto, estudiaba filosofía y publicaba sus primeros textos en revistas.  Se dio a conocer con un montaje intitulado LEONCE ET LENA de Georg Büchner, el cual fue representado el Teatro de la Bastilla, en París.  Con el paso del tiempo ha obtenido reconocimientos y galardones en sus distintas actividades.  En 2016 la Academia Francesa le otorgó el Premio de Teatro por su brillante trayectoria.  

En México conocemos a Pascal Rambert por su obra CLAUSURA DEL AMOR, misma que llevó a escena Hugo Arrevillaga, interpretada por Arcelia Ramírez y Antón Araiza.  Fue tal el éxito, que a petición del público se vieron precisados a cubrir varias temporadas.  CLAUSURA DEL AMOR versaba sobre una pareja que había decidido separarse y tomar caminos diferentes.  Un último encuentro para aclarar ciertos detalles, donde afloraban por igual el profundo amor que los había unido y las dificultades que los apartaron.  Pascal Rambert es un experto en el uso del lenguaje, cada palabra la aplica en forma precisa y oportuna, además de proveer una particular estructura a lo que narra.   Ahora, es momento de conocer su texto para HERMANAS.   El haber conquistado México, entusiasma a Pascal Rambert, quien acaba de anunciar que el año próximo vendrá a México a dirigir una nueva obra con elenco mexicano.

No sabemos si por indicaciones del autor o por decisión del director, las protagonistas de HERMANAS conservan sus nombres propios en la ficción.   Se trata de dos bellas mujeres, sanas, inteligentes, talentosas que han tenido éxito en su vida profesional.  Una es conferencista, la otra crítica de arte.  Arcelia es la mayor y Fernanda la menor.  Desde pequeñas se sintieron distintas y no fueron apegadas, perdiéndose de ese lazo fraterno tan hermoso que podrían haber disfrutado.  Arcelia era la consentida del padre, mientras que Fernanda de la madre.  Entre todos los hermanos del mundo surgen diferencias, pleitos, celos, envidias, pero estas dos HERMANAS han ido acumulando todo eso en forma de resentimientos que nunca supieron solucionar, así que traen dentro de sí mismas una gigantesca bola de nieve que ha crecido en forma desmedida.  Si bien de niñas vivían juntas en la casa familiar, apenas pudieron en aras de sus respectivos trabajos se independizaron y se alejaron la una de la otra.  Quizás si alguna vez se hubieran sentado a platicar con calma, hubieran solventado algunos de sus rencores, pero, como no lo hicieron, la carga que hoy llevan es insostenible.

En el momento en que Arcelia está por presentar una ponencia sobre derechos humanos, irrumpe Fernanda en el Salón de Conferencias.   Arcelia queda sorprendida y contrariada, no se explica qué hace allí su hermana, pensó que ya no la vería, sobre todo, porque su madre falleció en fechas recientes.  En lugar de darse un abrazo, casi de inmediato, Fernanda comienza con sus reclamos.  Ambas HERMANAS se batirán en duelo a través de palabras, las cuales son tan agudas que hieren cortezas del alma, igual que un bisturí haría incisiones en la piel.  Cada una saca a flote lo que en su memoria guarda en contra de la otra, así como secretos de familia y sufrimientos del pasado. 

La labor de dirección por parte de Hugo Arrevillaga Serrano es extraordinaria.  Su trazo escénico es pulcro, bien definido.  Conduce a sus actrices a desplegar la capacidad histriónica y corporal que tienen para transmitir la compleja carga emotiva que conllevan los recuerdos de toda una vida.  Consigue un buen balance entre acción y pausas.  Aprovecha a fondo el espacio.  El ritmo es puntual. 

Las HERMANAS son encarnadas por Arcelia Ramírez  y  Fernanda Castillo, dos actrices respaldadas por sus respectivas trayectorias y extraordinario desempeño escénico.  Al igual que los personajes a los que dan vida, ellas se baten en un duelo de actuación sobre el escenario.  Hacen gala de sus conocimientos y habilidades para desplegar una amplia gama de emociones, a través de matices en sus acciones, corporalidad y voces.

El productor de HERMANAS es Rubén Lara, experimentado productor que cuenta con la logística idónea y con los contactos requeridos en beneficio de la difusión de la obra.  De hecho, comenzaron la actual temporada en gira por varias ciudades del territorio nacional, antes de su presentación en la Ciudad de México.

Auda Caraza y Atenea Chávez son las responsables del diseño de escenografía.  Les bastan unos cuantos muebles prácticos y funcionales para ambientar una salón ejecutivo.

En el diseño de iluminación, Ángel Ancona realiza un estupendo trabajo dosificándola, a fin de resaltar o atenuar ciertos momentos claves en el discurso escénico.

La asesoría corporal fue impartida por Marlene Coronel.

Hugo Arrevillaga Serrano también se encarga del diseño de vestuario, para lo cual utiliza prendas de calidad, de fina confección y buena caída.  Un atuendo ejecutivo para Arcelia y otro casual para Fernanda, pero ambos en colores similares y con igual combinación, quizás para hacer patente el lazo consanguíneo.

Complementan el equipo creativo:   Hebe Rosell en asesoría vocal,  Gissela Sauñe en diseño gráfico,  Ricardo Estévez en fotografía,  Icunacury Acosta en relaciones públicas,  Verónica Salcedo (Agencia ComunikarT) en redes sociales,  Alfredo Crisanto en oficina administrativa de Rubén Lara,  Jesús Palma y Adrián Hernández en construcción de escenografía,  Joana Núñez en asistencia de producción,  y  Patricia Loranca en asistencia de dirección.

Dos mujeres discutiendo con ferocidad, un texto potente escrito por un destacado dramaturgo francés, un director sensible y creativo, dos actrices de probada trayectoria y reconocida capacidad un equipo comprometido, es lo que encontrarás en HERMANAS.  Teatro de calidad que impacta.  No pierdas la oportunidad de ver este relato que mueve y conmueve, para luego llevarte a reflexionar sobre tus propios sentimientos. 

 

HERMANAS
se presenta los martes a las 20:45 horas en el    
TEATRO MILÁN
ubicado en la calle Lucerna número 64,
colonia Juárez, Ciudad de México
Duración aproximada:  90 minutos
Costo de la localidad:  $500 y  $400
Concluye temporada el martes 9 de julio de 2019
LA BALA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
Tanto en nuestra ciudad como en todo el mundo, día con día la inseguridad aumenta.  Aunque viéramos todos los noticieros no podríamos saber el número exacto de asaltos, ya que sólo reportan un porcentaje de estos.  Lo peor es que nos enteramos de atracos que nos preocupan más por ser a familiares, amistades, conocidos o  a nosotros mismos.  Es un peligro con el que tenemos que convivir. Por más precauciones que se tomen, nadie queda exento.  Los maleantes se las ingenian para mejorar sus técnicas y operan en formas, horarios y lugares distintos.  Los hay que se especializan en robos a casa habitación, en secuestros, a transeúntes, en cajeros o sucursales bancarias, en restaurantes, en carreteras, en lugares públicos o en áreas desoladas y en transportes, por citar sólo algunos.  Además, tienen objetivos concretos, los hay que van tras dinero, joyas, muebles, enseres domésticos, aparatos electrónicos, pertenencias o celulares.
Nosotros estamos solos, pero ellos se organizan en bandas de pocos o muchos sujetos.  Es raro que un ladrón actúe en solitario, por lo general, tienen cuando menos un cómplice.  Los amantes de lo ajeno son una verdadera plaga que se dedica a despojar a ricos o pobres.   Para nuestro infortunio,  los más habituales, quizás por lo fácil que les resultan, son el robo de celulares y los asaltos en transportes públicos.  Dejando de lado el temor que sentimos. no podemos evitar los transportes, pues tenemos la imperiosa necesidad de trasladarnos.  Cada vez que nos subimos al Metro, al Metrobús, a un microbús o a un camión, estamos en riesgo y desconocemos si el viaje será tranquilo o si nos ocurrirá algo malo.  
Este tema tan presente en nuestra cotidianidad es el que aborda Sergio López Vigueras en LA BALA.   Se trata de un texto de buena factura que narra lo que ocurre un día cualquiera durante un asalto a un microbús.  El autor delinea bien a sus personajes u durante el trayecto se van develando detalles de la vida personal de cada uno de ellos.  Los parlamentos se dividen entre lo que los protagonistas expresan verbalmente y lo que piensan.  De este modo, el publico tiene un panorama mucho más completo de la situación.  Capta el interés del espectador de principio a fin.
La narrativa de Sergio López Vigueras es fluida, poética y amena, lo cual le valió para que LA BALA resultara la obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2017.   Los textos que aplican a este premio y que quedan como finalistas son sometidos posteriormente a una revisión dramatúrgica que se lleva cabo mediante un taller presidido por los integrantes del jurado.  Los miembros del Jurado del año 2017 que brindaron asesoría a Sergio López Vigueras para la revisión de LA BALA fueron:  Javier Malpica,  Alejandro Román  y  Bertha Hiriart.
Valeria y Lauro salen de sus respectivas casas a la misma hora, casi de madrugada, para llegar a tiempo a su trabajo.  Cada día se encuentran en la parada del microbús.  Sólo se conocen de vista, nunca se han dirigido la palabra, pero toman el mismo transporte.  Al parecer, Lauro se siente atraído hacia Valeria, pero no se atreve a hablarle, incluso, procura sentarse lejos de ella.  La monotonía se impone, pero hoy hace mucho frío.  Lauro se queja de que la bufanda que se puso, en lugar de brindarle calor, lo asfixia.  Está a disgusto consigo mismo, reflexiona y se dice a sí mismo: "este es el primer día del resto de mi vida".  Igual y se animará a hablar con Valeria.  Casi lo hace, pero, como de costumbre, se va a los asientos de hasta atrás.  Valeria se enfrasca en sus pensamientos, está hastiada de la relación sentimental que mantiene con Oscar, quisiera terminarla, pero teme a la froma en que él reaccione.  De pronto, en una parada, abordan el vehículo El Gordo y Jonathan, dos asaltantes.   Todos los pasajeros se atemorizan. En ese tipo de situaciones, aparte de que perderás los artículos de valor que uses y el dinero que llevas, no se sabe qué pasará.  Si bien los maleantes llevan las de ganar, el terror que provocan en sus víctimas y los nervios que ellos sienten integran una combinación explosiva.  Alguien puede salir lastimado, herido o, en el peor de los casos, muerto.  
La labor de dirección por parte de Sergio López Vigueras es formidable.  Dado que es su texto, lo conoce a fondo, lo sorprendente es que lo traslada a escena de manera impecable.  Su trazo escénico es pulcro y definido.  Asume el riesgo de apartarse de ciertas convenciones, como por ejemplo, imponer una singular disposición de los asientos del transporte.  Aprovecha a fondo el espacio.  La acción es constante, los desplazamientos puntuales.  Los sucesos son narrados en forma tan vívida que la adrenalina que emana de quienes están en el escenario envuelve a todos los espectadores.  El ritmo es preciso.  
El elenco está conformado por:  Gerardo del Razo (Lauro),  Marisol Osegueda (Valeria)  e  Ismael Sangal (Jonathan).  Los tres ofrecen un estupendo desempeño histriónico y corporal.  Dotan a sus personajes de los matices emocionales necesarios para hacerlos más que convincentes.   Así mismo, despliegan su versatilidad al turnarse para interpretar al Gordo
Complementan el equipo creativo:  Mauricio Ascencio y  Sergio López Vigueras en diseño de escenografía,  Mauricio Ascencio en diseño de iluminación  y  vestuario,  Yayo Villegas en diseño sonoro,  Maribel Amezcua en producción ejecutiva,  Jesús Cruz es stage manager,  Víctor Ortíz en fotografía,  y  Bien Chicles en difusión.
La producción es de la Compañía Los Bocanegra.
LA BALA es presentada por presentada por el Gobierno de la Ciudad de México y la Secretaría de Cultura, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.
Esta es una oportunidad que no debes desaprovechar para presenciar lo que ocurre durante un atraco en transporte público sin que corras riesgo alguno.  Una forma entretenida de afrontar lo que lamentablemente ocurre casi todos los días a los habitantes de nuestra ciudad y sus alrededores.  Un texto que captará tu interés, impecable dirección y actuaciones entrañables.   Para verla tienes que apresurarte porque su actual temporada está a punto de concluir.  

 

LA BALA
se presenta a las 20:30 horas  el martes 11 de junio  y
el miércoles 12 de junio de 2019  en el
FORO A POCO NO
ubicado en República de Cuba número 49, Centro Histórico,  Ciudad de México
Duración aproximada:  60 minutos
El costo de la localidad es de $165.00
Descuento del 50% a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad,
trabajadores de gobierno y miembros del INAPAM con credencial vigente
La temporada concluye el miércoles 12 de junio de 2019

 

THERE´S NO HOME LIKE PLACE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
El ser humano nace completamente desnudo, es decir, no trae nada consigo.  A partir del momento mismo del nacimiento se le cobija con prendas y con amor.  Conforme pasa el tiempo, va acumulando cosas.  Al principio, los padres lo reciben con prendas de vestir, una cuna e implementos básicos para su alimentación y limpieza.  Luego vendrán los útiles de la escuela, los regalos, los juguetes, etcétera.  Desde que comienzas a tener ingresos, puedes comprar no sólo lo que requieras sino aquello que te guste.  La diferencia es que hay personas que suelen acumular todo, en tanto que otras tienen la facultad de ir liberando el pasado.  Quienes gustan de guardar todo tipo de cosas, no escuchan los consejos como "renovarse o morir", "tirar lo viejo para dar espacio a lo nuevo", ni los similares.  El problema es que se aferran a los objetos que les traen cualquier tipo de recuerdo y llega el día en que la acumulación los asfixia.
La más reciente producción de Antonio Cerezo es sobre este tema.  Antonio intituló la obra THERE'S NO HOME LIKE PLACE.  De entrada, para el titulo Antonio hace un juego de palabras.  El dicho popular en idioma inglés es:  "There's no place like home" ("No existe lugar como el hogar") y él invierte las palabras para de algún modo decir "No existe hogar como el lugar", tal vez para acentuar lo que él quiere implicar de que el hogar es donde es el lugar donde tú te sitúes y no necesariamente tiene que ser una casa.  Antonio Cerezo es egresado del Colegio de Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.   Desde el año de 1992 inició su trabajo profesional como actor en la Ciudad de México, Estados Unidos y Europa.  En la actualidad reside en Berlín, Alemania, donde se ha desempeñado como actor, autor, director, titiritero y coreógrafo, lo cual le hizo acreedor a obtener una beca del Programa Creadores Escénicos con Trayectoria 2018-2020 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
Aun cuando todos tenemos la necesidad física y emocional de tener un techo que nos resguarde, un lugar donde habitar, en ocasiones se nos presenta la oportunidad o la obligación de mudarnos y debemos  hacerlo con gusto, asumiéndolo como una nueva experiencia o una aventura sin que nos cause ansiedad o sufrimiento dejar atrás un lugar determinado.  En forma lúdica esto se hace entender a través de la puesta en escena.
La propuesta escénica de Antonio es a modo de unipersonal en formato de teatro de papel.  Además de abordar el simple hecho de una mudanza de casa, también se aplica a la migración, porque a veces también hay que cambiar de ciudad o de país, lo cual deriva en vivir bajo otro contexto sociopolítico o cultural.  Así mismo, se toca el tema de la identidad personal construida sobre la base de memorias y recuerdos de todo lo vivido.  El relato capta el interés del público de principio a fin. 
THERE'S NO HOME LIKE PLACE de Antonio Cerezo recibió la beca Interkulturelle Projekte 2016 (Proyecto Intercultural 2016) para su producción.  Dicha beca es otorgada por el Senado de Berlín, con el fin de promover la realización de proyectos artísticos nacionales e internacionales que propicien el diálogo entre culturas y procesos migratorios.
La escenografía es un teatrino o caja negra donde se muestra todo en miniatura con figuras de cartón o papel.  Mientras el protagonista comparte su propia historia, los escenarios pequeños van cambiando para que el espectador pueda visualizar imágenes de lo que ocurre.  Es así como el público escucha el relato de Matías, quien le cuenta de frente cada etapa que va atravesando, a partir de que se cuestiona "¿mi hogar es un lugar?". 
Matías vive solo, sus padres fallecieron hace tiempo, pero él continúa conservando los objetos que a ellos pertenecían sin decidirse a desecharlos, a pesar de no ocuparlos.  En algún momento toma conciencia de que necesita espacio y acude a terapia.  El terapeuta le aconseja que vaya desechando objetos en forma paulatina.  Le sugiere que comience por periódicos o revistas cuya fecha sea de una semana o más y que ya haya leído.  Al seguir el consejo, Matías se da cuenta de que guarda periódicos o revistas de los años 90 y, desde luego, los echa a la basura.  Sin embargo, lo peor está por venir.  El propietario del departamento que renta Matías, le avisa que tiene que desalojarlo porque lo pondrá en venta.  Así que Matías se ve precisado a darse prisa en deshacerse de todo, puesto que es ya el único inquilino que no se ha mudado.  Lo que más le dolerá es despegarse de su piano que lo ha acompañado por casi dos décadas.  Aparte de desocupar el inmueble, Matías tiene que darse tiempo para buscar otro lugar donde vivir.  
Aunque la propuesta de THERE'S NO HOME LIKE PLACE es de apariencia muy sencilla, conlleva un cúmulo de trabajo para su realización, comenzando por la creatividad de Antonio Cerezo para concebirla, el suaje que se requiere para reunir numerosas piezas de cartón debidamente suajado a ser embonadas en su lugar, el aspecto arquitectónico para la construcción de maquetas que representen ciudades, edificios, casas, habitaciones, muebles o medios de transporte, y, finalmente, la memoria privilegiada del actor para colocar cada pequeña pieza en el sitio y tiempo exactos.
Antonio Cerezo asume tres facetas distintas en este proyecto  la autoría, la dirección y la actuación.  En los tres roles su labor es impecable.  En la autoría concibe un texto pleno de interés y sensibilidad que expone emociones muy arraigadas en el ser humano.  Como director hace que el relato sea ameno y divertido, además de imprimir un tiempo preciso.  Como actor ofrece un excelente trabajo histriónico, corporal y vocal, ganándose la confianza del público mediante sus interacciones.
Complementan el equipo creativo:  Vanessa Farfán en diseño de escenografía y construcción, con un diseño novedoso y estético,  Rodrigo Castillo Filomarino en música original para proveer el entorno perfecto,  José Zychlinski en diseño de iluminación,  y  Larissa Polaco en producción.
THERE'S NO HOME LIKE PLACE es producida por la beca del Senado de Berlín Proyectos Interculturales 2016 y presentada por la Universidad Autónoma Metropolitana -UAM-, Coordinación General de Difusión,  Dirección de Artes Visuales y Escénicas.
La sensación que produce este ingenioso proyecto es la misma de cuando eras niño y te sumergías totalmente en tus cuentos favoritos.  No pierdas la oportunidad de ver la conmovedora historia de Matías y sus vicisitudes luchando contra el apego para poder deshacerse de su pasado y sus recuerdos, a fin de reconstruirse en otro espacio donde una nueva vida le espera.  Es enternecedor ver al actor con el mismo atuendo que el muñequito de papel que lo representa.  Un relato que captará tu atención e involucrará tu sentir.  Toma en cuenta que sólo serán cuatro funciones.
THERE'S NO HOME LIKE PLACE
se presenta a las 20:00 horas
los días  martes 4,  miércoles 5,  jueves 6  y  viernes 7
de junio de 2019 en el
FORO CASA DE LA PAZ
ubicado en Cozumel número 35, Colonia Roma Norte,  Ciudad de México
>cerca de la Estación Sevilla del Metro
Duración aproximada:  60 minutos
ENTRADA LIBRE
En virtud de que el cupo es limitado, se tiene
que hacer reservación previa
Vía email:   reservateatrouam@gmail.com
Vía telefónica:   52865315 / 0403
EL PERRO DEL HORTELANO
Texto y fotos: Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
En muchas ocasiones hemos escuchado "es como el perro del hortelano".  Esta frase proviene del dicho popular "ser como el perro del hortelano, que ni come ni deja comer" y suele aplicarse a todo aquel que no hace algo, pero que tampoco deja que alguien lo haga.   No alcanzamos a darnos cuenta de la medida en que se propagan los dichos hasta que sucede algo que nos llame la atención, por ejemplo, que un insigne autor utilice una frase de estos para intitular una de sus obras más representativas.  Tal es el caso del insigne autor Lope de Vega, quien escribió EL PERRO DEL HORTELANO.
Lope de Vega Carpio (1562-1635) originario de Madrid, España, es considerado uno de los poetas y dramaturgos más importantes del Siglo de Oro español, además es uno de los autores más prolíficos de la literatura universal.  Tanto sus libros como sus dramaturgias son referentes de la gran calidad de su escritura y hasta la fecha sus libros continúan siendo leídos y sus obras llevadas a escena en todo el planeta, convirtiéndolo en uno de los autores que ha logrado trascender tiempo y espacio.  Se sabe que Lope de Vega reformó el teatro, de algún modo, lo reinventó y esta fue la base de su rotundo éxito como dramaturgo.
La Compañía Nacional de Teatro, comandada por Enrique Singer tiene entre sus propósitos para el año en curso, realizar montajes en los que se revisiten a los grandes clásicos que han marcado los orígenes teatrales.  En los años subsiguientes igual tratarán de revisitar por lo menos algún clásico. 
El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro se celebra cada año en la ciudad manchega de Almagro, en España.  Este festival es considerado como un acontecimiento cultural y una plataforma para los mejores montajes de teatro clásico en todo el mundo.   En su edición de 2019 el invitado de honor al Festival Internacional de Almagro es México.  Entre las obras mexicanas que serán representadas está  EL PERRO DEL HORTELANO.
Lope de Vega escribió EL PERRO DEL HORTELANO como comedia.  La historia gira en torno a Diana, condesa de Belflor, una mujer que tiene absolutamente todo, orgullosa de su noble estirpe, está muy consciente de las clases sociales.  Vive tranquila en su propio palacio, hasta que un día se da cuenta de que le atrae Teodoro, su Secretario.  Sin embargo, ella jamás revelará esto porque él no corresponde a su clase.  Con su secreto muy oculto, hace lo que puede para que Teodoro no corteje a Marcela, pues a pesar de que ella no se permite amarlo, tampoco quiere que alguien más lo ame.  Como suele suceder, una mentira lleva a otra y todo se va enredando.
Angélica Rogel realizó la adaptación a partir de considerar que las obras de teatro clásico del Siglo de Oro español de algún modo influenciaron las películas de la llamada época de oro del cine mexicano, así que decidió enmarcar el texto de Lope de Vega al estilo de las películas de los años 50 para llevarlo a escena.  Esta decisión fue acertada, en virtud de que logró hacer que el relato fuera no sólo divertido sino dinámico.  Otro de sus aciertos fue utilizar música de boleros que acompañaba a aquellos filmes, a fin de proveer la ambientación del clásico.  
La labor de dirección por parte de Angélica Rogel es estupenda.  Su trazo escénico es firme y definido conforme a su idea de cinta de los años 50.  Respetó el poético texto de Lope de Vega al pie de la letra, pero añadió subtextos mediante acciones alternas, tanto en expresiones como en corporalidad.  Incorpora al músico en determinadas escenas, donde interactúa con los integrantes del elenco.  Los desplazamientos están bien diseñados y son variados.  Aprovecha a fondo el espacio y construye ambientes distintos.  El ritmo es preciso. 
Como de costumbre, los integrantes del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro ofrecen un excelente desempeño en histrionismo, corporalidad y en lo vocal.  Participan en EL PERRO DEL HORTELANO:  Rodrigo Alonso (Teodoro),  Victoria Benet (Dorotea / Celia),  Fernando Bueno (Tristán),  Karla Camarillo (Marcela),  Diana Fidelia (Anarda / Leónido / Furio),  Jorge León (Fabio / Federico / Carrillo),  Astrid Romo (Diana),  y  Andrés Weiss (Ricardo / Otavio / Ludovico).   Interactúa en algunas escenas el músico Carlos Matus.  Los actores y actrices, así como el músico mencionados son beneficiarios del Programa Compañía Nacional de Teatro del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
El músico que ejecuta el piano es Carlos Matus, quien también es el responsable de la música original y los arreglos musicales.  Las melodías que se escuchan son:  Palabras calladas de Juan Bruno Tarraza,  Señora tentación de Agustín Lara,  ¡Oh! Quién pudiera de Carlos Matus,  Quizás, quizás, quizás de Osvaldo Farrés,  Te odio y te quiero de Reinaldo Yiso, música de Enrique Alessio,  Amor y odio de Felipe Valdés Leal,  y  Tuya más que tuya de Bienvenido Fabián.
Los diseños de escenografía e iluminación son de Patricia Gutiérrez, quien creó un entorno majestuoso a dos niveles con mobiliario elegante y unos biombos multifuncionales y prácticos, adorna con letreros luminosos que dicen "Belflor", ideales para añadir un toque festivo.
El diseño de vestuario es de Estela Fagoaga, quien sigue la línea de lo que se usaba en los años 50 y crea vestimentas de fina confección, con telas de buena caída y mucha variedad en estilos y colores que van de lo casual a lo elegante, pasando por ropa estilizada para deportes o prendas caribeñas.  En particular, se luce con el atuendo de la protagonista, ya que tiene como base una llamativa falda de corte asimétrico, la cual transforma mediante accesorios, aditamentos y apliques, desplegando una versatilidad impresionante.
Complementan el equipo creativo de EL PERRO DEL HORTELANO:  Maricela Estrada en maquillaje y peluquería,  Jorge León en movimiento escénico de la escena final,  Fernando Santiago Santiago es el productor residente,  Trama & Drama Vestuario y Producción, S.A. de C.V. / Estela Fagoaga en producción ejecutiva,  Daniel Sosa es asistente de dirección,  Miriam Quijano para Trama & Danza Vestuario y Producción, S.A. de C.V. en asistente de vestuario,   Taller de Escenografía y Tramoya de la CNT en realización de escenografía,  Antonio Pérez en mecanismos escenográficos,  Elba Camacho en fundas escenográficas,  Taller de utilería, pintura y atrezzo y Taller de iluminación en letreros luminosos,  RafaeEr para T&D, Israel Ayala, Enrique Jiménez y Martha Calderón en realización de vestuario,  y  Francisco Piña en realización de zapatería.
EL PERRO DEL HORTELANO es presentada por la Secretaría de Cultura,  el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura y el Centro Nacional de las Artes.
Un clásico del Siglo de Oro español visto desde una mirada jovial y presentado al público al estilo de películas mexicanas que gustaron tanto al público que aún en nuestros días se siguen transmitiendo en televisión.  Acude a ver EL PERRO DEL HORTELANO, te aseguro que lo disfrutarás, por ser un montaje dinámico,  con dirección precisa y buenas actuaciones.   Sin lugar a dudas México estará muy bien representado en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en España.

 

EL PERRO DEL HORTELANO
se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas,
sábado a las 19:00 horas,  y   domingo a las 18:00 horas en el
TEATRO DE LAS ARTES
dentro del  Centro Nacional de las Artes -CENART-
Avenida Río Churubusco - equina con Calzada de Tlalpan
Colonia Country Club,  Churubusco, Ciudad de México
 
Duración aproximada:  110 minutos
 
El costo de la localidad es de $100
Descuentos acostumbrados a estudiantes, maestros e INAPAM
para personas con credencial vigente
 
Los jueves el costo es de $30 
 
La temporada concluye el domingo 9 de junio de 2019

 

VIENA 19: LA SANGRE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
Cuando se comete un delito, los criminalistas inician su investigación realizando una reconstrucción de los hechos, a fin de analizar el lugar donde se llevó a cabo, buscar pistas y hacer pruebas para esclarecer lo sucedido.  Por el contrario, en dramaturgia, si se pretende narrar sucesos históricos, el punto de partida es llevar a cabo una exhaustiva investigación mediante la documentación disponible, para luego recurrir a la construcción de un imaginario que refleje lo dilucidado y con esto crean un relato donde se entremezclan la realidad y la ficción.
Queda al absoluto criterio del dramaturgo el modo de su narrativa.  Hay algunos que eligen relatar los sucesos lo más fielmente posible, cual si realizaran una biografía, en tanto otros acuden a su imaginación, tomando como punto de partida los hechos, pero permitiéndose licencias en la creación de personajes, circunstancias y ubicación, con lo cual claramente dan más relevancia a la ficción.  Esto sólo por citar los dos ejemplos más extremos, en virtud de que las posibilidades son múltiples.
Una vez que el texto está concluido, igual queda a criterio del director, la forma de enmarcar la historia.
En el caso de VIENA 19:  LA SANGRE, el tema central gira en torno a la última etapa en la vida de Lev Davidovich Bronstein (Лев Давидович Троцкийos), conocido mundialmente como Lyev Trótskiv y, en nuestro idioma, como  León Trotsky, nacido en Rusia en noviembre de 1879.  León Trotsky fue un ruso que practicaba la religión judía y cuya pasión era la política.  Llegó a ser uno de los revolucionarios con mayor poder en Rusia.  Inicialmente, era simpatizante de los mencheviques, por lo cual tuvo disputas ideológicas con el líder bolchevique Vladimir Stalin, pero, más adelante, fue uno de los principales organizadores de la Revolución de Octubre que permitió que los bolcheviques asumieran el poder en noviembre de 1917 en Rusia.  En la guerra civil desempeñó el cargo de Comisario de Asuntos Militares.
Durante la Primera Guerra Mundial fue León Trotsky quien negociara la retirada de Rusia mediante la Paz de Brest-Litovsk.  Así mismo, fue Trotsky el encargado de crear el Ejército Rojo que fue clave para la consolidación  de los logros revolucionarios al vencer a 14 ejércitos extranjeros y a los ejércitos blancos durante la guerra civil rusa.  Esto hizo que Trotsky fuera condecorado con la Orden de la Bandera Roja.
Tiempo después, Trotsky fue el líder de la oposición de izquierda, con lo cual confrontó la política y la ideología de Iósif Stalif, quien terminó exiliándolo de la Unión Soviética.  Tras esto, Trotsky creo un movimiento internacional de izquierda revolucionaria identificado bajo el nombre de Trotskismo, cuyo propósito era lograr una revolución permanente.  En 1938 fundó, además, la Cuarta Internacional.
Los dramaturgos Emmanuel Martin y Fernando Martínez Cortés consideraron que valdría la pena recordar a León Trotsky, el gran ideólogo de la Revolución Bolchevique, ahora que existen tantas corrientes ideológicas en el mundo, mismas que podrían ser desenmascaradas frente a la ideología tan estructurada que predicaba Trotsky.  Así fue como comenzaron a escribir VIENA 19:  LA SANGRE, a través de la cual hacen un recuento de lo que vivió León Trotsky durante los años del 1937 al 1940 en el número 19 de la calle de Viena, en Coyoacán, Ciudad de México.   Captaron a un Trotsky en el exilio, abatido de haberse tenido que alejar de su patria y de la gloria de ser uno de los hombres más poderosos en Rusia.  A pesar de que su vida era disipada y disfrutaba de un prohibido romance con Frida Kahlo, Trotsky no se conformó con ser un ciudadano común y continuó luchando por sus ideales a distancia, lo cual molestó a sus adversarios, quienes fraguaban su desaparición absoluta.  Hugo Hinojosa brindó asesoría en dramaturgia a los autores.
Si bien, una de las palabras en el título anticipa que la historia culminará en el asesinato de Trotsky, el espectador queda atrapado por el texto de VIENA 19:  LA SANGRE, de principio a fin, a causa de la estructura que dan los autores al desarrollo de los hechos y la presencia de los personajes que constituyen el entorno de León Trotsky.
La dirección escénica fue encomendada a  Víctor Weinstock, quien cuenta con una amplia trayectoria como actor, director, escritor, productor y creador multidisciplinario en teatro, cine, televisión y artes híbridas como la instalación multimedia interactiva. 
Para el montaje Víctor Weinstock acude a la instalación interdisciplinaria que es una de sus especialidades.  Al parecer, en honor a León Trotsky, Weinstock quiso que la puesta en escena estuviera impregnada de la esencia de su amada Rusia.  Como base de su trazo escénico acude al constructivismo, movimiento artístico de vanguardia originado en Rusia a principios del siglo XX, mediante el cual se incorporan los conceptos de espacio y tiempo a la obra artística.  Así mismo, toma como inspiración la obra de la afamada pintora rusa Liubov Popova (1889-1924).  El resultado final es un montaje espectacular consistente en una danza macabra, en la que los involucrados son representados por espectros.  La narrativa fluye en fragmentos que carecen de orden cronológico, donde la ficción y la realidad se funden. En la representación cohabitan una fuerte carga erótica, algo de los populares cómics, toques fársicos y complejas coreografías, que dan paso a diversos temas, como soberbia, celos, traición, decepción, tristeza, placeres y otros, a través de lo cual se deconstruye el mito de León Trotsky para mostrarlo humano, con su enervada pasión por la política y su íntimo sentir.
La labor de dirección por parte de Víctor Weinstock es estupenda, logra plasmar su concepción en escena.  El balance entre la acción y las pausas es coordinado.  Impone ciertas escenas donde se despliega un frenesí sexual un tanto acrobático quizás algo excesivas, pero ciertamente muy teatrales.  Aprovecha a fondo el espacio.  El ritmo es preciso. 
Además de los autores y el director, todos los elementos del equipo creativo ofrecen trabajos de alta calidad en beneficio de VIENA 19:  LA SANGRE.
El elenco está conformado por Úrsula Pruneda (Caridad, madre de Jacques Monard),  Jorge Ávalos (Trotsky),  Antón Araiza (Jacques Monard),  Gastón Yanes (Kotov),  Isabel Bazán (Frida / Silvia),  Margarita Wynne (Natalia, esposa de Trotsky),  Emmanuel Martin (Sheldon).  Todos ellos ofrecen al público una labor histriónica extraordinaria y una corporalidad sorprendente.
El diseño de escenografía es de Atenea Chávez y Auda Caraza, quienes con acierto enmarcan el montaje en armazones metálicos que se ven etéreos y a la vez permiten multiplicar los espacios.
El espectacular diseño de iluminación es de Jesús Giles quien logra artísticos efectos con base en halos de luz perpendiculares que extienden y redimensionan los armazones metálicos en un estilo estético y abstracto. 
El diseño de vestuario y maquillaje están a cargo de Brisa Alonso, una muy destacada diseñadora mexicana que es de las pocas que no sólo se dedica al diseño, sino que posee un taller propio y entrega el producto terminado.  Una vez que Brisa Alonso realiza los trazos, está al pendiente de cada paso de su proceso, desde la elección de telas, las texturas, los colores, los moldes, los bordados, la confección, las pruebas y todo lo inherente.  Así mismo, provee zapatos y accesorios.  Para ello cuenta con un comprometido e invaluable equipo de artesanos calificados.  Luis Gerardo Alonso, Emigdio Fernández, Lourdes Valdez, Concepción Rafael, Martha Jiménez, Jane López y Francisco Piña son los responsables de la realización de vestuario y zapatería.
En el caso particular de VIENA 19:  LA SANGRE, Brisa Alonso realiza un espléndido trabajo en sus dos rubros.  Tanto en el vestuario como en el maquillaje su diseño fue a partir de las pinturas de Liubov Popovak con lo cual logró imprimir una imagen distintiva al concepto.  Las prendas son de fina confección con telas de buena caída con franjas y vivos acordes al arte abstracto, colores contrastantes, cuidando que el diseño refleje algo del carácter de cada uno de los personajes y es así como brinda el toque militar a Trotsky, la elegancia a Mornard, la genial indumentaria capitalista a Sheldon, la sensualidad a Frida, la sobriedad a Natalia, el desenfreno a Caridad y la simulación a Kotov.  En cuanto al maquillaje es sencillamente impresionante en rostro y bodypainting.  Brenda Castro colaboró con Brisa Alonso en capacitación de maquillaje.
Complementan el equipo creativo:  Ruby Tagle en movimiento escénico,  Edher Corte en música original,  Edher Corte  y  Adriana Larrañaga en diseño sonoro,  Alejandra Marín en asesoría vocal,  Elena Flores es la stage manager,  Hildebrando López Sánchez en asistencia de producción,  Daniela Díaz en asistencia de escenografía,  Bryan Guerrero en asistencia de iluminación,  Felipe Lara en realización de utilería,  Euroamérica Publicidad y Relaciones Públicas, S.A. de C.V. en relaciones públicas y community manager,  Mariana Castro [Contramarea Editorial] en diseño gráfico,  Carlos Dávila en asesoría financiera de Efiartes,  Eduardo Sandoval en contabilidad,  Paloma Robles en asistencia de dirección y coordinación de producción,  Fernando Martínez Cortés en coproducción,  y  Gisela Sandoval en producción general.
VIENA 19:  LA SANGRE es una producción nacional teatral realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (Efiartes) y es presentada por EFIARTES,  ASUR -Aeropuertos del Sureste-,  Colegio de Productores de Teatro,  Cinefilias -Fomento de la Cultura Cinematográfica,  y  Teatro El Milagro.  Es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes - FONCA-.
Lema de VIENA 19:  LA SANGRE:  "Se dice que el arte no es un espejo, sino un martillo:  no refleja, da forma" - León Trotsky, Literatura y revolución, 1924.
Existe la creencia de que algunas personas en el momento de la transición entre vida y muerte les llega una serie de recuerdos fragmentados y desordenados de aquello que marcó su memoria.  La danza espectral de  VIENA 19:  LA SANGRE pudiera ser la cinta que pasó ante los ojos de León Trotsky justo antes de morir.  Su asesinato fue perpetrado el 21 de agosto de 1879 en su residencia de Coyoacán.  Se determinó que el asesino fue Jacques Mornard y luego se supo que en realidad era Ramón Mercader del Río, un sicario, ya que él acostumbraba usar alias para infiltrarse al entorno de sus víctimas.  No dejes de ver  VIENA 19:  LA SANGRE se trata de una extraordinaria producción realizada por un talentoso equipo, donde todos y cada uno son especialistas en la labor que realizan.  Te aseguro que la disfrutarás.
 
 
VIENA 19:  LA SANGRE
se presenta  miércoles,  jueves  y  viernes a las 20:30 horas
sábado a las 19:00 horas  y
domingo a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  110 minutos
 
Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el domingo 9 de junio de 2019
TESTOSTERONA
Por: Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
Se dice que en la guerra y en el amor, todo se vale, pero, al parecer, si lo que está en juego es el poder esto es todavía más aplicable.  Hay personas cuyo objetivo es obtener poder a toda costa.  No les importa lo que tengan que hacer ni sobre quien tengan que pasar.  La lucha por el poder es el tema central de TESTOSTERONA, de la autoría de Sabina Berman.
Sabina Berman Goldberg se ha desempeñado como escritora, periodista y guionista.  Muchos la consideran la dramaturga contemporánea mexicana con más éxitos a nivel crítico y comercial.  Varias de sus obras han sido representadas en Canadá, Estados Unidos de América, América Latina y Europa.  A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos premios, galardones y reconocimientos, tanto en teatro como en la industria cinematográfica.
Según el diccionario, la definición de testosterona es:  "Hormona sexual masculina segregada especialmente en el testículo, pero también, y en menor cantidad, en el ovario y en la corteza suprarrenal, que tiene efectos morfológicos, metabólicos y psíquicos".  En términos coloquiales se le alude como que es lo que marca la diferencia entre el sexo fuerte y el sexo débil.   Sabina Berman toma esto en consideración y en TESTOSTERONA la define como la fuente de poder, sea masculino o femenino.
La trama versa sobre quién será el sucesor del director de un periódico de extensa circulación.  Antonio, el director, lleva muchos años al frente del periódico, comenzó desde abajo, trabajó incansablemente y gracias a su talento y sagacidad logró colocar al periódico entre los más leídos.  Es autoritario, implacable y algo machista.  Comenzó a pensar en el retiro, pensando que era hora de gozar de la vida, viajar, departir con la familia, gozar de tiempo libre, pero una enfermedad le ha hecho acelerar sus planes.  Está ante la disyuntiva de decidir a quién dejará en su cargo.  De entre su personal, considera a dos de sus Subdirectores como los más calificados. 
Uno de ellos es Beteta, Subdirector de Información, a quien conoce desde la década de los 70 cuando ambos participaron juntos en las guerras de Asia.   La otra es Alex, Subdirectora de Contenidos, quien fuera su alumna más ejemplar en los años 90 y a la que él invitó a trabajar en el periódico.  De algún modo él siente que ha moldeado a Alex a su imagen y semejanza.  Los conoce bien y sabe que ambos cuentan con la capacidad suficiente.  Lo único que podría restarle puntos a Alex sería que se casara o, peor aún, se embarazara y no pudiera dedicarse de lleno al trabajo.  Decide que les encomendará que hagan un plan de desarrollo y lo tomará como examen final, a fin de ver por cuál se decide.   
Habló con Beteta sobre el asunto y tiene que planteárselo a Alex.  Se aproxima la Navidad.  Pidió a Alex que le ayudara con los regalos para su familia.  Cuando Alex llegue a entregárselos, aprovechará para sostener una plática con ella y tratará de indagar sobre su situación personal.  La espera en su oficina situada en el último piso de un lujoso rascacielos, afuera hace frío y comienza a nevar.  Es justo aquí donde empieza la acción.
El texto de Sabina Berman es de excelente factura.  Desde el principio capta la atención y mantiene el suspenso a lo largo de toda la representación.  Tanto los personajes como la psicología de estos están perfectamente delineados.  Si bien en escena aparecen sólo dos, el ausente juega un rol importante en toda la trama.   Los tres son seres inteligentes, con talento y habilidades.  Dos de ellos se enfrascarán en una de las luchas más encarnizadas por conseguir un puesto de trabajo y si sirve a su propósito, utilizarán cualquier arma a su alcance, dejando de lado la ética profesional, las buenas costumbres y hasta la moral.  Mientras tanto, Antonio los observará y evaluará hasta tomar su decisión final.  Los sucesos son tan vívidos, reales y actuales que el público mismo tomará partido en ocasiones por Alex y en otras por Beteta, conforme avanza la trama. 
La labor de dirección por parte de Ana Francis Mor es formidable.  Comprende a fondo el texto de Sabina Berman y lo traslada a escena en forma impecable.  Su trazo escénico es pulcro.  Las coreografías son apropiadas, los desplazamientos idóneos.  Buen aprovechamiento del espacio.  El ritmo preciso.
El elenco lo integran:  Álvaro Guerrero como Antonio, el poderoso Director  y  la bella Gabriela de la Garza como Alex, la inteligente, sofisticada y seductora Subdirectora.  La labor de ambos es extraordinaria.   Es una delicia ver la forma tan acertada en que construyeron a sus personajes. 
Los diseños de escenografía e iluminación son de Philippe Amand, quien, como acostumbre, entrega trabajos de calidad.  La escenografía es idónea para representar la oficina del alto ejecutivo, amplia, sofisticada, con un vistoso ventanal, mobiliario fino.  La iluminación bien administrada en todo momento.
 El resto del equipo creativo está conformado por:  Isabelle Tardan en producción,  Philippe Amand y Pablo Corkidi en diseño de video,  Raquel Orozco en vestuario,  Irakere Lima es asistente de dirección,  Gustavo López Jiménez y Carlos Verduzco en video,  Brenda Castro Rodea en maquillaje,  María José Alós en fotografía,  Suculenta Sociedad en diseño gráfico,  Bien Chicles en redes sociales,  Ramsés López / Pinpoint Comunicación en difusión,  Anabel Caballero en apoyo a la producción,  Iván y Macedonio Cervantes en realización de escenografía,  y  Eugenia Cervera y Ricardo Vilchis en son asistentes de producción.
TESTOSTERONA es presentada por la Secretaría de Cultura y el Centro Cultural Helénico.
Lo masculino y lo femenino en una confrontación laboral.  Un hombre y una mujer altamente calificados y comprometidos se enfrentan para ocupar un puesto … ¿quién ganará?  Sólo puedes saberlo si vas a ver TESTOSTERONA, una producción teatral de calidad que disfrutarás plenamente.  Interesante texto, estupenda dirección, formidables actuaciones.  La temporada está por terminar, así que apúrate a comprar tus boletos.
No es de extrañar que TESTOSTERONA se haya convertido en la flamante ganadora del Premio a Mejor Obra en la cuarta edición de los Premios del Público Cartelera 2019. .
TESTOSTERONA
se presenta viernes a las 20:30 horas
sábados a las 18:00 y 20:30 horas  y
domingos a las 18:00 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  110 minutos
Costo de la localidad:   $350
La temporada concluye el domingo 26 de mayo de 2019

 

MUJER NO REEDUCABLE
Memorándum teatral
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
En el pasado, las noticias sólo se daban a conocer en periódicos.  Luego surgieron la radio y la televisión.  En la actualidad la información se difunde a través de diversos medios y gracias a los avances tecnológicos, las redes sociales las emiten en forma casi instantánea o, incluso, mediante transmisiones en vivo.  En consecuencia, la labor periodística exige de mayores retos y responsabilidades.  Existen periodistas que en busca de información asumen todo tipo de riesgos, como aquellos que investigan a fondo y llegan a los orígenes de alguna problemática.  Entre estos, se encuentran los que van hasta el lugar de los hechos, viajan a zonas de guerra, se adentran en disturbios, reportan sobre desastres naturales o informan con veracidad acerca de quiénes están cometiendo algún delito o son causantes de cualquier mal. 
Los periodistas están supuestos a informar, no a ser noticia, pero a últimas fechas también lo han sido porque ha habido muchos asesinados.  El año pasado Christophe Deloire, secretario general de la organización internacional Reporteros Sin Fronteras -RSF- dijo en uno de sus discursos públicos:  "La violencia contra periodistas alcanza un nivel inédito este año.  Todos los registros son alarmantes". Lo peor es que en ese mismo discurso, informó las estadísticas de los países con mayor número de asesinatos de periodistas y, tristemente, México ocupa el tercer lugar. 
Por supuesto, todo aquel que no desea que algo oculto salga a la luz, está en contra de la libertad de expresión y en algunos casos llegan hasta el asesinato con tal de acallar a alguien.  La periodista Anna Stepánovna Politkóvskaya (Анна Степановна Политковская) (1958-2006) nacida en Estados Unidos, con ascendencia ucraniana, fue una mujer muy comprometida con el periodismo y luego que por su labor presenciara numerosas injusticias se convirtió en activista defensora de los derechos humanos.
A Anna Politkóvskaya le tocó ser testigo presencial de las atrocidades que se cometían en el conflicto checheno, donde se causaban terribles daños a la población tanto por parte de los militares del gobierno del presidente ruso Vladimir Putin, como por parte de los guerrilleros.  Los artículos que escribió retratando fiel y honestamente lo que ocurría en Chechenia le hicieron ganar mucha popularidad y distinciones, como por ejemplo el Premio Olof Palme y el Premio Hermanos Scholl. 
El caso de Anna Politkóvskaya despertó el interés del destacado dramaturgo italiano Stefano Massini y decidió escribir el memorándum teatral MUJER NO REEDUCABLE (Donna non rieducabile), con el propósito de dar voz a la periodista para narrar sus experiencias en Chechenia, desde donde emitía su información.  Stefano Massini nació en Florencia en 1975, obtuvo su licenciatura en Literatura Antigua en la Universidad de Florencia y comenzó su trayectoria en teatro a partir del año 2000.
MUJER NO REEDUCABLE de Stefano Massini es la obra que eligió la primera actriz Teresa Selma para conmemorar su trayectoria artística de 70 años.

Teresa Selma nació en Venezuela.  Desde muy pequeña sintió vocación por las artes escénicas, pero lo primero que estudió fue psiquiatría, la cual ejerció durante un lapso de 5 años en su tierra natal, alternando su tiempo con algunas intervenciones artísticas.   Durante el gobierno de Marcos Pérez Jiménez, migró a México, donde estudió teatro con el maestro Seki Sano,  y en la Escuela Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes. Su debut como actriz fue en la obra “Amor” en el año 1957. 

En la década de los 60 y 70, Teresa realizó diversos doblajes para la hoy desaparecida empresa CINSA.  Participó en varias telenovelas tanto en México como en Venezuela, entre las cuales destaca su interpretación de Céfora en "Por estas calles".

En 1998 le fue concedido el Premio Águila de San Martín, en la categoría de Mejor Actriz por su participación en la obra "La loca de Bouchot", monólogo inspirado en la novela "Noticias del Imperio" de Alfonso Paso, complementado con un corrido del propio autor, y el poema prehispánico "Elegía" del rey Axayácatl, y en el que Teresa Selma da vida a la Emperatriz Carlota.  Así mismo, en 2006 se hizo acreedora al Premio a Mejor Actriz por parte de la Agrupación de Periodistas Teatrales de México.

Además de por "La Loca de Bouchot", en nuestro país se conoce a Teresa Selma por su participación en las obras "El último verano de Sarah Bernhardt" de John Murrel,  "Arráncame la vida" de Elio Palencia,   "Yo soy Carlos Marx" de Glennys Pérez,  y la divertida "Viejas Picardías" de Mario Ficachi.

Ahora es momento de vera a Teresa Selma encarnando a Anna Politkóvskaya en MUJER NO REEDUCABLE, la intrépida periodista que se enorgullecía de reportar los sucesos de que era testigo, sin hacer juicios ni críticas, a fin de que la gente se enterara de los hechos con toda veracidad.   A pesar de recibir constantes amenazas e incluso sufrir varios atentados, ella no permitió ser reeducada y en forma intrépida continuó realizando su labor y narrando las escenas más terroríficas que veía en una tierra de nadie sembrada de minas.  Quedó convencida de que la raza chechena es la más mentirosa por naturaleza, se horrorizó al ver apuestas en las que el ganador era quien más mujeres hubiera violado,  charcos de sangre sobre la blanca nieve,  rehenes,  ajusticiamientos, por todos lados fuego con llamas altísimas,  cementerios con fosas cuádruples,  planillas imposibles de llenar  y mucho más.

El texto de Stefano Massini es muy interesante.  Para honrar a Anna Politkóvskaya compiló varios de sus artículos, a fin de transmitir lo que ella narraba.  Le dio estructura, lo dividió en capítulos y es así como el público se va enterando poco a poco de las vivencias de Anna.  Es una obra en contra de la bestialidad y la censura, un grito en favor de la libertad de prensa y la libre expresión.
 
Teresa Selma se transforma en Anna Politkóvskaya, dotándola de múltiples matices. permitiendo al espectador conocer a fondo la forma de pensar de la periodista que decidió anteponer su labor a su seguridad personal.  Formidable trabajo histriónico y corporal.
 
La voz en off es la de Wilfrido Momox.
 
La labor de dirección por parte de la primera actriz Teresa Selma es impecable. Su trazo escénico es fino, aprovecha bien el espacio escénico y lo redimensiona para crear diversas atmósferas, los desplazamientos están balanceados y la ambientación es adecuada.
 
Complementan el equipo creativo:  José de la Parra en música original,  Miguel Acebes Tosti en traducción,  Marco Pacheco en iluminación y espacio,  Karla Alejandra Hernández en diseño gráfico,  y  Agencia Lado A / Alicia Garzón en relaciones públicas y difusión.  Agradecimiento a: Carlos Sarmiento.
 
No es tan común que alguien celebre 70 años de trayectoria artística, así que acompaña a Teresa Selma en la conmemoración y podrás ver a Anna Politkóvskaya frente a ti, compartiéndote los horrores de guerra que presenció en tierras chechenas.  Te sorprenderá la lucidez mental, privilegiada memoria y experimentado histrionismo de Teresa Selma, quien ama tanto su trabajo que en ocasiones participa en dos o tres obras al mismo tiempo. Apresúrate a verla porque su temporada es breve.
 
En la función de estreno, el destacado actor Alberto Estrella fungió como padrino.  Al final de la representación, los asistentes tuvieron oportunidad de saludar personalmente a Teresa Selma y de compartir experiencia en un agradable convivio durante el cocktail que tuvo a bien ofrecer El Círculo Teatral.  

MUJER NO REEDUCABLE
Memorándum Teatral
se presenta los jueves a las 20:30 horas en el
CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO
ubicado en Gabriel Mancera número 1539
> cerca de la Avenida Félix Cuevas
Colonia Del Valle Sur
Ciudad de México

Duración aproximada: 90 minutos

Las localidades tienen un costo de:  $200

La temporada concluye el jueves 23 de mayo de 2019

 

NO TODAS VIVEN EN SALEM
Teatro de brujas para conjurar objetos
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
 
México es un país con múltiples tradiciones, vemos a la muerte como una transición y pensamos que nuestros allegados fallecidos nos visitan en el Día de Muertos, colocamos altares con flores, velas, fotografías y todo aquello que les gustaba comer o beber, para que su visita sea grata.  De algún modo, también tomamos a la muerte en broma comiendo calaveritas de azúcar y pan de muerto.  Creemos en el más allá, en leyendas, fantasmas, poseídos, tesoros escondidos, maldiciones.   En ciertas fechas se queman judas, las piñatas representan los pecados capitales, nos encantan los alebrijes.  A mucha gente le complace que le lean las cartas, llevar un amuleto consigo, someterse a limpias o ser curados por brujos, incluso, viajan a Catemaco en busca de estos.  Desde pequeños, en los relatos fantásticos nos llamaban la atención los príncipes y princesas tanto como las brujas.  Además, en determinado momento todos hemos caído bajo el embrujo del amor. 
 
El misterio y el poder de las brujas ejercen una gran atracción sobre nosotros. Tal vez nos hemos disfrazado de bruja o deseado hacerlo.  En cuentos, caricaturas, novelas o películas las representan volando por los aires en escobas y con sombreros puntiagudos, pero también las hay hermosas.  Sus poderes son ilimitados y los activan mediante pócimas preparadas en el típico caldero, rituales, talismanes, palabras cabalísticas o conjuros.  Se dice que todas las mujeres tenemos algo de brujas, lo cierto es que la mayoría conocemos cuando menos un hechizo. 
 
A  lo largo de la historia en todo el mundo han existido brujas reales o mujeres poderosas que han sido señalado como tales.  En ciertos lugares era costumbre hacer cacerías de brujas.  El extremismo religioso las condenaba a morir quemadas en una hoguera con leña verde.  Muchas fueron sometidas a juicios por demanda popular, por la inquisición, por leyes o prejuicios.   En particular, una aldea se hizo famosa por los sonados juicios contra delitos de brujería que llevó a cabo el tribunal Over and Terminer (Concluyente y Condenatorio) en el año 1692.  Se trata de Salem, una población ubicada en el condado de Essex, en Massachusetts, Estados Unidos de América.
 
Desde entonces, Salem, también conocida como La ciudad de las Brujas, se convirtió en un sitio que la gente desea visitar.  Los gobernantes y los pobladores supieron capitalizar la fama del lugar y realizaron construcciones o hicieron adaptaciones para rendir culto a las brujas.  En todo el orbe, Salem es la ciudad con más sitios de interés relacionados con la brujería.  Allí se encuentran el mayor Museo de Brujas, la Casa de los Siete Tejados y muchos otros atractivos turísticos.  Según las estadísticas, Salem recibe anualmente más de un millón de visitantes provenientes de todas las latitudes.
 
Ahora, es momento de enterarnos de que NO TODAS VIVEN EN SALEM.   Jimena Eme Vázquez escribió el texto de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, con el propósito de "trazar un panorama general del fenómeno sociológico de la caza de brujas, así como de la construcción y eventual revaloración del arquetipo de la bruja como símbolo de diversos movimientos feministas (W.I.T.C.H- Nueva York, 1968-1970)".
 
La dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez es egresada de la carrera de Literatura Dramática y Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  Hace 4 años ganó el Primer Premio de Dramaturgia Joven Vicente Leñero con su obra "Antes".  Luego ha escrito:  "No queda más remedio que explotar",  "Piel de mariposa",  "Me sale bien estar triste",  "Aquello que parecemos #LaTragediaDelOso" y "Hambre", entre otras.  Jimena Eme Vázquez es una de las dramaturgas más destacadas de las nuevas generaciones.  Sus textos son brillantes, estructurados e interesantes.  Jimena tiene la virtud de imprimir con acierto planteamiento, desarrollo y conclusión en sus relatos.
 
NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, fue creada con el apoyo del programa de Co-producción y Residencia Artística 2018 del Teatro La Capilla.  Es la sexta creación de la compañía Caracola Producciones y con la cual culminan el ciclo "Perspectiva de género y el teatro de imagen".
 
Caracola Producciones es una empresa cultural dedicada a la producción, promoción y difusión de proyectos escénicos y multidisciplinarios, fundada por Gina Botello, Fabiola Núñez y Abigail Espíndola.
 
El montaje de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, por parte de Caracola Producciones, es creativo, estético e inmejorable para albergar el texto tan radiante de Jimena Eme Vázquez.   Gina Botello recurrió a distintas técnicas, como teatro objeto, títeres y animación multimedia para la puesta en escena.  Las participantes se inspiraron en documentos históricos y teoría de género para plasmar la cacería de brujas, que, para el grupo son los primeros feminicidios documentados históricamente.  Se construyeron las historias de tres mujeres provenientes de diferentes épocas, que vivieron en lugares distintos, pero que están hermanadas en esencia y prácticas.
 
"Tres veces maulló el gato, tres ..." y el espectador tiene ante sí un collage escénico conformado por relatos de las tres protagonistas:  Alice, una bruja niña ligada al fuego y que extraña a Charlotte, corresponde a los procesos de finales del siglo XV en Europa,  Tituba, bruja-esclava que se deja guiar por su corazón y quien fuera la primera acusada en los Juicios de Salem de 1692,  y  Katherine, bruja-escritora muy talentosa que divide su tiempo entre la escritura y el cuidado de su pequeña hija, y quien formara parte del gran movimiento feminista de 1968.  Las tres brujas cohabitan un universo mágico, atravesando tiempo y espacio para dar a conocer lo que vivieron y sintieron, así como su íntimo pensar.  Brujas que dicen:  "traemos la luna en la mirada" y que son  "siempre hermanas, siempre brujas".
 
En la representación el público igual verá un artístico vitral de los instalados en iglesias que una cara de cartón fragmentada, un vestidito que representa a una niña, un televisor antiguo. velas, fuego, una enorme luna, jeroglíficos, cadenas, baúles, subsuelos, conjuros, máscaras y muchas sorpresas más.
 
La labor de dirección por parte de Gina Botello es maravillosa.  Su trazo escénico es pulcro y fluido.  Coordina y sincroniza numerosos componentes con tal precisión que logra un concepto integral extraordinario. La manera en que se suceden y entrelazan las historias es formidable.  Hasta el más mínimo detalle está cuidado.  Las coreografías son originales, la corporalidad es ingeniosa.   El ritmo exacto.
 
En el elenco participan las actrices titiriteras  Rebe Roa,  Elvira Cervantes,  Karina Miranda  y  Daniela Rodríguez, quienes ofrecen un espléndido desempeño histriónico, corporal, vocal, de expresión y de manipulación de objetos.
 
La producción está a cargo de Aurora Gómez Meza.
 
El equipo creativo de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos que logra la escenografía idónea y los entornos adecuados para cada una de las protagonistas, incorporando las imágenes multimedia y la iluminación precisa para destacar determinados momentos está integrado por:  Leonardo Otero, Daniela Villaseñor y Alejandra Flores Alonso en diseño y realización,  Gabriela Gómez Meza en diseño de multimedia y diseño de imagen,  Sebastián Solórzano en diseño de iluminación,  Luis Ángel Pimienta en edición sonora,  e  Iliana Carolina López en realización de vestuario.
 
NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, es una coproducción de Caracola Producciones  y  Teatro La Capilla, con la colaboración de Down The Rabbit Hole - cafetería y crepería.
 
Sumérgete en la brujería, acompañando a tres bellas brujas en un montaje lúdico, estético, ingenioso y sorprendente, donde cada objeto está bien diseñado, materializado y colocado en el lugar y momento oportunos, sin dejar de lado el elemento humano que realiza un trabajo impresionante.  Sin lugar a dudas, en esta propuesta el teatro objeto alcanza su máxima expresión.  Un proyecto de alta calidad concebido por mujeres creativas, talentosas y comprometidas.  No pierdas la oportunidad de ver NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, te aseguro que la disfrutarás y quedarás hechizado, pero apresúrate porque su temporada está por concluir.  Así mismo, llega temprano porque la recomendación se ha corrido de boca en boca y las localidades se agotan.
 

NO TODAS VIVEN EN SALEM
Teatro de brujas para conjurar objetos
se presenta los domingos a las 18:00 horas en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México 

Duración aproximada:  60 minutos
 
El costo de la localidad es de $200
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,
así como para vecinos de  Coyoacán,  Iztapalapa  y  Benito Juárez
 
La temporada concluye el domingo 12 de mayo de 2019
 
EL CANTAR DE ROLANDO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo  2019
En las últimas décadas el mundo ha sufrido muchos cambios, algunos positivos, otros negativos.  La ciencia y la tecnología han avanzado a grandes pasos.  En varios sentidos se nos ha facilitado la vida, pero no podemos olvidar que también ha habido devastación.  La deforestación, los experimentos nucleares, los plásticos y otras tantas cosas han derivado en el calentamiento global y en la extinción de algunas especies. 
En particular, todos disfrutamos de la comunicación instantánea.  Es sorprendente cómo podemos comunicarnos con alguien al instante aunque esté a  kilómetros de distancia.  Lo malo es que hay quienes se enajenan en el vasto entorno de las redes sociales.  En lugar de visitar a alguien o ir a tomar un café con un amigo, sus conversaciones han quedado restringidas a las aplicaciones y sólo lo hacen a través de éstas, perdiéndose del calor humano que implica estar frente a frente.
Así mismo, los niños han cambiado sus hábitos en forma drástica.  Antes se les leían cuentos para dormir, hoy prefieren ver programas de televisión.  En lugar de ir al parque, a los columpios o salir a pasear con la familia, prefieren los videojuegos y el internet.  Se han perdido los juegos rudimentarios, como las canicas, el trompo, la rayuela y mucho más, así como distracciones importantes que eran alimento para el alma.  Por ejemplo, los circos que poco a poco han ido desapareciendo y cada vez son menos.  Recuerdo que cuando era niña ir al circo era todo un acontecimiento familiar.  No era algo que pudiéramos hacer en cualquier momento, porque teníamos que esperar a que llegaran en ciertas temporadas.  Entrar a un circo era como sentirse en otra dimensión.  Bajo una enorme carpa, nos llamaban la atención los aromas, las texturas, los colores, las golosinas y las tremendas destrezas de sorprendentes artistas que dedicaban horas y horas a lograr sus objetivos.  Desde luego, la mayor atracción eran los animales, mientras que en el zoológico los veíamos en jaulas y de lejos, en el circo los teníamos cerca y gozábamos con todas sus gracias y peripecias.
Si quieren volver a sentir la sensación de entrar a un circo, en estos días se está presentando EL CANTAR DE ROLANDO de la autoría de Isaac Pérez Calzada, una obra que recrea muchas de las particularidades circenses. 
La acción comienza cuando un hombre está en busca de una gasolinera o un taller para que revisen su auto que se le ha detenido en plena carretera.  Luego de caminar encuentra un circo en medio del desierto.  Tiene la esperanza de que alguien de allí le ayude con su problema.  La verdad es que él no sabe nada de autos.  Se dedica a la contabilidad, desde pequeño supo que esa era su vocación porque le encantaba contar todo lo que veía -los atardeceres, las manchas de los perros, las pecas en las manos de su abuelita-.  Lo peor es que tiene mucha prisa, ha perdido tiempo tratando de que le arreglen su auto, tiene una cita muy importante con el señor Rabindranath, un hombre tan exigente que habría que cuadrarse ante él, y la fecha límite de su declaración de impuestos está por vencerse. 
En el circo lo recibe Rolando, quien se presenta como el dueño de la CARPA ROLANDI.  Tanto el contador como Rolando tienen sus propias preocupaciones.  La comunicación es difícil, pues cada quien sólo piensa en lo suyo.  Al final, Rolando acepta ayudar al contador, pero con una condición:  tendrá que ver el espectáculo que está por comenzar y ayudarle si fuera necesario.  Es así como el contador se convierte en espectador y tiene que participar en todos los actos circenses, que, por cierto, son muy variados:  Hay magia, malabares, el hombre bala, un payaso, un ilusionista, una contorsionista, un oso amaestrado, un piano que no es piano, pero suena como tal, sombreros traviesos y hasta aros con fuego. 
El texto creado por Isaac Pérez Calzada capta el interés de principio a fin, es muy divertido, todos los personajes están bien delineados y la acción es infinita.  La mayoría de los actos circenses no salen como se espera, pero el mensaje es que lo importante es esforzarse e intentar, aun cuando no siempre se alcance la meta.  Interesante la confrontación de dos seres tan distintos un cirquero y un hombre que pasa horas frente a un escritorio -uno de mente libre, otro que sólo piensa en números-.  Los dos protagonistas se complementan el uno al otro y no sólo comparten diversión sino que aprenden mucho.
Paola Izquierdo realiza una labor de dirección extraordinaria, su trazo escénico es muy fluido.  El montaje está pleno de dinamismo y comicidad.  Los actos circenses los va hilvanando en tal forma que la acción es constante.  Aprovecha a fondo el espacio.  El desplazamiento de los intérpretes es variado.  El ritmo preciso.
El elenco está conformado por Juan Acosta y por el propio autor, Isaac Pérez Calzada.   Juan Acosta despliega gran versatilidad al interpretar a todos los que trabajan en el circo, puesto que no sólo da vida a Rolando, dueño, administrador y maestro de ceremonias del circo, sino a la taquillera y a todos los artistas que participan en el espectáculo.  Isaac Pérez Calzada es el Contador, personaje que está en medio de la responsabilidad de llegar a tiempo a su compromiso de trabajo y el despertar de sus sueños y recuperar todo aquello que ha perdido.  Ambos ofrecen una estupenda labor histriónica y corporal.
El concepto visual, la producción general y la ejecutiva, también están a cargo de Paola Izquierdo, quien invade el escenario con diversos elementos imprescindibles en un circo, bancas de madera, carpas, focos, escaleras, cajas, cubetas, pelotas, etcétera, logrando que el espectador se sienta realmente ante a un circo.  La producción de escenografía es del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-.
El diseño sonoro está bien armado y es idóneo para dar a EL CANTAR DE ROLANDO la atmósfera de un circo foráneo.  La música incluye aquella que se acostumbra en películas para niños o en caricaturas y temas tan populares como los de Los Beatles, sin dejar de lado los típicos redobles que se escuchan en el circo para proveer de cierto suspenso a los actos que requieren de valor.  El audio es de Gear Show.
Complementan el equipo creativo:  Regina Morales Ramos en diseño de iluminación,  Talía Loaria en coreografía,  Javier Rendón Tovar (Mago Javy Poker)  y  Edrian Ilusionista en asesoría en magia,  Ranni Garcés,  Alberto Cerz  y  Jennifer Zamora Mápula en asistencia de producción,  Sergio Carazo Cardona en atrezzo,  asistencia de dirección  y  producción,  y  Pamela Rendón Echeverría en difusión y relaciones públicas.
Los productores asociados de  EL CANTAR DE ROLANDO son:  Arte Nuevo de México,  Emireth Rivera  y  Género Menor.
Es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
Despéjate de tus problemas cotidianos, abre bien tus ojos y tu imaginación y acude a EL CANTAR DE ROLANDO, donde encontrarás un mundo de ilusión.  Te aseguro que disfrutarás todos y cada uno de los actos circenses y te encantarán sus personajes.  Igual y aprendes algo de magia o de prestidigitación.  Un fabuloso montaje pleno de dinamismo y colorido diseñado para que chicos y grandes se diviertan.
EL CANTAR DE ROLANDO
se presenta  sábados  y  domingos a las 13:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-
Ciudad de México

Duración aproximada:  70 minutos

Costo de la localidad:  $149
Descuentos acostumbradas a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 12 de mayo de 2019

 

 

SOMBRAS EN EL PARAÍSO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Se dice que uno es el arquitecto de su propio destino.  Esto aplica sólo en cierta medida.  Pocos son los que logran labrar su destino tal y como lo soñaron.  Unos cuantos no saben definir exactamente lo que desean.  La gran mayoría no puede alcanzar sus objetivos, sea por falta de recursos económicos, por no poner el suficiente empeño o por falta de oportunidades.  Algunos toman responsabilidades antes de tiempo como casarse muy jóvenes o tener hijos y esto altera sus prioridades, siendo la primera solventar los gastos de la familia.  A otros la vida les hace una mala jugada y los coloca ante obstáculos insalvables a causa de enfermedades, accidentes, desastres naturales, o bien, porque les cae una responsabilidad imprevisible como tener que hacerse cargo de alguien.  Alma, de quien hoy les comentaré, se encuentra en este caso. 
Alberto Estrella es uno de los actores más reconocidos, cuenta con una amplia trayectoria en cine, teatro y televisión.  En forma paralela, ha ejercido la docencia y es formador de actores.  Además, también se le conoce por haber colocado a EL CÍRCULO TEATRAL entre los foros más visitados de la Ciudad de México.  Fue hace 15 años cuando Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro recibieron EL CÍRCULO TEATRAL en muy mal estado y a base de dedicación, esfuerzo, trabajo e inversiones fue que lograron transformarlo integralmente.  Como sabemos, el sismo ocurrido en 2016 dejó inhabilitado el inmueble, pero Alberto y Víctor no han dejado de luchar por restaurarlo.  Su trabajo no se detuvo, han presentado obras en otros foros y plazas de la República Mexicana, incluso, en casas.  Gracias a su loable e intensa labor, falta poco tiempo para la reapertura de este foro tan significativo para todos los citadinos.
Alberto Estrella incursionó en la dramaturgia escribiendo para sus alumnos.  Luego ha escrito algunas obras en el poco tiempo que le queda disponible.  Una de las primeras es SOMBRAS EN EL PARAÍSO, la cual precisamente surgió en una de las clases que impartía.  Como parte de los ejercicios cotidianos, Alberto solía pedir a sus alumnos que llevaran algún objeto, a fin de "escuchar" sus vibraciones.  Un día, una de sus alumnas llevó una cofia y justo al verla a Alberto le surgió la inspiración de desarrollar un relato al respecto.  Fue así como decidió escribir SOMBRAS EN EL PARAÍSO, un monólogo de excelente factura que llega al corazón.
Las personas que tienen el privilegio de que sus padres lleguen a la ancianidad, saben que en algún momento ellos requerirán de cuidados especiales, pues la edad va mermando las habilidades del ser humano.  Más desafortunado es que padezcan alguna enfermedad discapacitante, pues, en este caso, la edad no tiene nada que ver y los cuidados son imperativos.   Sólo quienes han cuidado a enfermos o ancianos saben cuán pesado es.  Sin importar él amor que les profese, el cuidador se desgasta física, emocional y psicológicamente.  Esto es lo que ocurre a Alma, la protagonista de SOMBRAS EN EL PARAÍSO
Alma es una mujer de corazón noble y bondadosa.  El destino se ha ensañado con ella y su vida es bastante difícil.  Su economía es deplorable, tiene un sueldo bajo aun cuando trabaja incansablemente como enfermera en un hospital.  Llega rendida a casa, pero, en lugar de descansar, tiene que atender a doña Jose, una mujer que le abrió las puertas de su casa y le brindó cariño.  La quiere y le está muy agradecida, de hecho, la llama mamá.  El mundo de ambas se derrumbó cuando doña Jose quedó cuadripléjica.  Alma pidió ayuda a los hijos de doña Jose, pero ellos se desentendieron, continuaron con sus vidas y la dejaron con toda la responsabilidad a cuestas.
Desde entonces, sin queja alguna, Alma se ha esforzado por brindar a doña Jose una vida lo más digna posible.  La alimenta, la asea, le da terapia, le platica, para luego limpiar la casa y encargarse de los periquitos Pancho, Perla y Pedro y su jaula.  De pronto, Alma se da cuenta que el tiempo se le ha ido entre las manos.  El espejo ya no le devuelve la imagen de la jovencita bella y agraciada que era.  Recuerda todos los anhelos que no ha podido concretar. Se siente triste, desesperada.  Está en un punto crucial.  Piensa "tengo derecho a vivir, a tener la ilusión de saber que el mañana será diferente al hoy".  Quisiera poder caminar por una "vereda tropical", enamorarse, que alguien "le llenara la boca y las entrañas".   La fatiga y el hartazgo han hecho mella en la mente de Alma cuando ella sólo ansía libertad.
El texto escrito por Alberto Estrella capta el interés de principio a fin.  La psicología de la protagonista está bien delineada y Alberto la lleva a un largo recorrido por muchas de las emociones que invaden al ser humano en un relato profundamente conmovedor. 
Víctor Carpinteiro realiza un trabajo de dirección impecable.  Comprende a fondo el texto de su amigo y colaborador Alberto Estrella y lo traslada al lenguaje teatral con fluidez.  Su trazo escénico es pulcro y bien diseñado.  Aprovecha a fondo el escenario.  El ritmo es muy preciso.
Ángeles Marín se transforma en Alma, dando vida a esta atribulada mujer y dotándola de una vasta gama de matices.  Es sorprendente la forma en que Ángeles pasa de un estado anímico a otro.  La bella y experimentada primera actriz ofrece un trabajo fuera de serie en cuanto a histrionismo, corporalidad, manejo de voz y expresión.   
La escenografía e iluminación son diseños de Mónica Kubli.  Mónica optó por la sobriedad para ambientar el departamento de Alma.  Preside el espacio casi vacío una silla, donde pasa sus días doña Jose.  En la iluminación apuesta por la penumbra para reflejar lo sombrío, para lo cual le bastan unas cuantas lámparas led en color rojo.
El vestuario es de Alonso Quijano, quien apuesta por lo realista, uniforme de enfermera, un sweater modesto y lencería sencilla pero elegante, todo de fina confección y telas de buena caída.  La realización del vestuario es de Leticia Meleza.
El diseño sonoro es idóneo para la narrativa.
La fotografía es de Leticia Olvera. 
RP & Difusión están a cargo de Alicia Garzón / Lado A.
Jazmín Maceda es asistente de producción.
Alma necesita desahogar sus penas, si vas a visitarla te platicará lo que la agobia y compartirá contigo sus más íntimos anhelos.   Si pensáramos en el teatro como un templo de arte, SOMBRAS EN EL PARAÍSO está oficiada por tres ministros.  Tres seres sensibles, con talento y creatividad que ofrecen un trabajo excepcional en sus respectivas áreas -dramaturgia, dirección y actuación-, con el apoyo de un comprometido equipo de colaboradores.  No dudes en ir a escuchar un relato inquietante que te conmoverá y te hará reflexionar. 
SOMBRAS EN EL PARAÍSO
se presenta  domingos  a las  19:00 horas  en
LA TEATRERÍA
ubicada en Tabasco número 152,
Colonia Roma,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  75 minutos
 
Costo de la localidad:  $300
 
La temporada concluye el domingo 26 de mayo de 2019
¡PULSO!
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019

Está por concluir la primera residencia de MONOSABIO en el TEATRO EL MILAGRO.  Abrieron su residencia con la obra TENGO MIERDA EN LA CABEZA, de Bárbara Perrín Rivemar, bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas, luego presentaron SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA de la autoría y bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas  y  ahora toca el turno a ¡PULSO! de Manuel Cruz Vivas, bajo la dirección de Alejandra Escobedo.

En la sinopsis los jóvenes de MONOSABIO indican:  "¡PULSO! es un proyecto orientado hacia el teatro físico que tiene como punto de partida la exposición corporal de la información sensorial almacenada en el cuerpo a partir de ciertas conclusiones sobre las relaciones humanas. El proyecto busca la relación de los cuerpos, el espacio, la música, la iluminación y cómo estos elementos componen y afectan en su totalidad al ser humano".

La tercera propuesta de MONOSABIO es la más ligera, el breve texto escrito por Manuel Cruz Vivas está conformado por pequeños cuadros aislados que hablan sobre sensaciones en la relación de pareja, dejando de lado el género, la intensidad del amor o el compromiso entre ellos.  Entre otras, incluye las siguientes situaciones:  una novia determinada a llevar al novio al altar,  el que se siente artista y cree que recita como nadie,  quienes a base de alabanzas manipulan,  un joven algo hipocondriaco que lo único que busca es consentimiento,  los que gozan hasta de los quehaceres hogareños,  aquellos que van a algún lugar sin ganas y, por supuesto, no lo disfrutan,  los que se mueven, bailan, corren,  la que sueña a alguien en el cuerpo de otro.   ¡PULSO! se refiere a todo aquello que nos vibra o nos pulsa, sin importar si es algo sencillo o relevante, como bañarse, salir a comprar esquites, amar, besar, abrazar, aceptarse, llorar, reír, salir a correr, ir al mercado, ejercitarse, poner mayonesa y jamón sobre el pan, oler un jabón, en fin, cualquier cosa.

Alejandra Escobedo realiza una formidable labor de dirección en su ópera prima.  Adorna las situaciones con distintas coreografías, ya sea grupales o individuales, con lo cual hace lucir el montaje y le imprime un sello dinámico.  Articula bien los segmentos, dando continuidad a la acción, a pesar de que cada cuadro es independiente y no se interrelaciona con los demás.   Incorpora música y se apoya en la iluminación también diseñada por ella, para dar mayor realce a la escenificación.  Dimensiona el espacio doblando la acción en algunos cuadros, por ejemplo, otra pareja situada fuera del foco escénico está presente al mismo tiempo que se desarrolla la acción principal, a manera de reflejo.  El ritmo es preciso.

Al igual que en las anteriores propuestas de MONOSABIO, el montaje es sencillo.  Para ¡PULSO! los elementos escenográficos están colocados al fondo del escenario, cual si fuera una pequeña habitación con una silla, muchos cuadros en la pared y un gran reloj digital.  Esto deja mayor espacio libre tanto para las coreografías como para el desplazamiento de los intérpretes.  El diseño escenográfico es del propio autor, Manuel Cruz Vivas.

Curiosamente, en la residencia de MONOSABIO, la obra de menor duración es la de mayor elenco.  Participan en ¡PULSO!  Mauricio Rico,  Ana Vértiz,  Belén Mercado  y  Edgar Landa,  quienes ofrecen un acertado trabajo histriónico y corporal.

El lucidor vestuario fue diseñado por Alejandra Escobedo, quien eligió uniformar al elenco.  Para ellas un llamativo vestido rojo, de tirantes, confeccionado en tela vaporosa, en tanto que ellos van con camisa y pantalón en color negro, logrando un fuerte contraste con el rojo.  La realización del vestido de novia y ajustes al vestuario estuvieron a cargo de Melisa Olivares.

La asesoría corporal fue impartida por Edgar Landa.   El diseño gráfico es de Daniel Loyola.

 

TEATRO EL MILAGRO -- Coordinación técnica:  Aída Escobar.  Planta técnica:  Celso Martínez Flores  y  Rodolfo Mora González.

 

La producción es de MONOSABIO.

 

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

El grupo teatral MONOSABIO ha tenido una buena recepción a lo largo de su residencia en el TEATRO EL MILAGRO, presentando al público una variada selección de sus obras.  Son jóvenes comprometidos con su labor y con el teatro que se intercambian roles en su búsqueda de aprendizaje.  Sus propuestas son producto de investigación, creatividad y labor en equipo.   Acude a ver ¡PULSO!, te encontrarás con la fresca mirada de los jóvenes de hoy en día, disfrutarás de su dinamismo, sus ideas, sus bailables y quizás te sorprenda que casi todo lo que les vibra a ellos, es lo mismo que te vibra a ti.

 

 

 

¡PULSO!
se presenta  miércoles,  jueves  y  viernes a las 18:00 horas en el
TEATRO EL MILAGRO
Nuevo Espacio Escénico

ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  55 minutos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el viernes 3 de mayo de 2019

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

VILLA DOLOROSA
Tres cumpleaños frustrados
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Pocos son los seres privilegiados que se sienten satisfechos de lo que son, de su vida, de su físico, de lo que han hecho y logrado.  En general, las personas padecen frustraciones, se arrepienten de algo, o bien, anhelan o requieren de un cambio.  Este tipo de necesidades del ser humano es una fuente inagotable para la creación de personajes atribulados por parte de autores de todas las épocas.  Por ejemplo, uno de los escritores más relevantes en la historia de la literatura, Antón Chéjov (1869.1904), originario de Rusia, se distinguía no sólo por su gran escritura y el talento con el que retrató la vida en la Rusia de su época, sino también por su impresionante habilidad para delinear la psicología de sus personajes y para dejar ver su forma de pensar, angustias, ilusiones y esperanzas.  Varias de sus obras, como "La Gaviota", "El Jardín de los Cerezos", "Las Tres Hermanas", son consideradas joyas de la literatura universal.  Además de que las obras de Chéjov están entre las más representadas en todo el mundo, también han servido de inspiración para que otros autores creen sus propias versiones.
En México se han presentado incontables montajes de "Las Tres Hermanas", tanto de la versión escrita por Chéjov como de adaptaciones.  Ahora toca el turno a VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados de la autoría de Rebekka Kricheldorf, joven alemana egresada de la carrera de Filología Románica en la Universidad Humboldt de Berlín, así como de Redacción Escénica en Escuela Superior de Bellas Artes en Berlín, cuyas obras la han llevado a ocupar un destacado lugar entre los dramaturgos alemanes contemporáneos.
Rebekka Kricheldorf se inspira en "Las Tres Hermanas" de Chéjov para escribir VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados.  Se trata de una versión libre. Tanto en el texto original como en el nuevo, los personajes se encuentran en decadencia física, económica y emocional.  Todos ellos están inconformes con sus vidas, el hastío de la cotidianeidad los domina, quisieran estar en otro lugar, tener otras actividades, quizás hasta ser otros.  Lo incongruente es que ninguno se esfuerza por lograr algo distinto, cual si no tuvieran voluntad y sólo se dejaran llevar.   La obra de Chéjov está ubicada en una provincia de la Rusia de finales del siglo XIX y el anhelo más preciado de las hermanas Prozorov es volver a Moscú, como si con esto todos sus problemas se solucionarían.  En cambio, la obra de Kricheldorf sucede en los años 80, no se indica donde reside la familia, así que podría ser en cualquier lugar del mundo.  A pesar de sus frustraciones, ninguno de ellos tiene una aspiración concreta.   Existen ciertas similitudes entre las dos visiones, los nombres de los protagonistas se conservan, si bien aclaran que el padre de las jóvenes eligió llamarlas así porque era amante de la lectura y admirador de Chéjov.  El número de hijos es el mismo -tres hermanas y un hermano- y también son parecidos algunos aspectos de la forma en que viven y las circunstancias.
El texto de Rebekka Kricheldorf es de buena factura, capta el interés de principio a fin.  Es un drama salpicado de comedia, con algo de ironía y farsa
Es así como en VILLA DOLOROSA, el público tiene oportunidad de conocer a Olga, Masha e Irina en su vida cotidiana, dentro de la pequeña villa que habitan.  La casa es muy sencilla, pero tiene un bello jardín que ellas ven desde su ventana.  Olga es la única que tiene un trabajo fijo, del cual reniega todo el tiempo.  Masha está casada con un hombre al que no ama.  Irina, la menor, aún tiene algunas ilusiones.  Por lo pronto, quiere que su festejo de cumpleaños sea grandioso.  Está dispuesta a sacar del desván el viejo tocadiscos para que haya música.   Andréi, el hermano se la pasa planeando qué hará, pero en realidad no hace nada.  Está por conocer a Janine, una joven a la que embarazará.  Georg, amigo de Andréi gusta ir a visitarlos, es un hombre pusilánime al que domina su esposa, pero no se le ve intención alguna de dejarla.  Con tantas visitas, surge un amor platónico entre Georg y Masha.  En el transcurso de la función, saldrán a la luz los conflictos individuales de cada uno, así como las dificultades para interrelacionarse entre ellos y los problemas económicos que afrontan.
Silvia Ortega Vettoretti es una directora escénica que siempre ofrece trabajos escrupulosos, pero en esta ocasión su labor es verdaderamente brillante.  Su trazo escénico es preciso.  Se guía por el teatro naturalista, mediante el cual lo primordial es mostrar la naturaleza humana.  Comprende a fondo el texto y su traducción a lenguaje teatral es estupenda.  Realizó una muy atinada selección de elenco con actores de trayectoria y probadas capacidades histriónicas.  A través de ellos, Silvia Ortega Vettoretti plasma en escena la esencia de cada uno de los personajes y logra que la complejidad de la mente de estos se vea totalmente natural.
No es de extrañar que por su trabajo en VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados Silvia Ortega Vettoretti ya haya recibido dos premios a mejor dirección escénica del 2018, uno por parte del Pez de Oro  y  otro por parte de la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro -ACPT-.
De hecho, VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados fue nominada en varias categorías tanto del Pez de Oro como de la ACPT, resultando absoluta ganadora del Pez de Oro como mejor obra del 2018  y también fue galardonada en los Jimenitos Aguords.
El elenco está conformado por:  Renata Wimer (Irina),  Daniela Zavala / Paula Watson (Olga),  Mahalat Sánchez (Masha),  José Carriedo (Andréi),  Sheila Flores (Janine)  y  Salvador Hurtado (Georg).  Cada uno de ellos ofrece un admirable desempeño histriónico, corporal, vocal y expresivo, denotando un arduo trabajo de creación de personaje.
La escenografía, iluminación y vestuario son diseño de Carolina Jiménez, quien hace un excelente trabajo en los tres rubros a su cargo.  El espacio escénico crea el entorno ideal, modesto y reducido, la iluminación está bien administrada y el vestuario es idóneo para cada personaje.
Pablo Mondragón coadyuva en la ambientación mediante su diseño sonoro.
Desconozco quien hizo la traducción, pero realizó una gran labor para que pudiéramos comprender el complejo texto con todos los vericuetos mentales de lo protagonistas.
Sheila Flores tiene a su cargo el diseño de producción y la producción ejecutiva.
La producción de VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados se es de:  Perra Justa, Caja Negra, Alquimia Arte y Cultura y Teatro del Mundo.
Sin lugar a dudas VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados es un montaje digno de verse.  Se revisita un clásico de la literatura universal, bajo la mirada de una sobresaliente dramaturga alemana contemporánea, llevado a escena por Silvia Ortega Vettoretti, quien realiza un trabajo bordado en filigrana, al lado de un gran equipo de actores que construyen y encarnan a personajes entrañables.  Disfrutarás de cada uno de los tres actos, en tanto que estás invitado a tres festejos cumpleañeros.  ¡No te la pierdas! 

 

VILLA DOLOROSA
Tres cumpleaños frustrados
se presenta jueves a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  120 minutos
Costo de la localidad:   $250
Los boletos se adquieren en taquilla o
en la página de internet www.helenico.gob.mx
La temporada concluye el jueves 9 de mayo de 2019
CASI NORMALES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
¿Te consideras completamente normal?  En mi opinión. cada vez nos alejamos más de la normalidad.  La inseguridad, la violencia y la impunidad nos provocan miedo.  Los caos viales, los problemas de transporte, las marchas y manifestaciones hacen que no lleguemos a tiempo a nuestro destino y vivimos en tensión constante.  Las dificultades personales y las económicas derivan en estrés. La combinación de lo mencionado deriva en estrés constante y esto desquicia a cualquiera.  Las desgracias más serias como desastres naturales, pérdidas importantes, duelos o tragedias pueden generar desequilibrios más severos.  Hoy en día los psicoterapeutas tienen mucho más pacientes que antes.  Nadie está exento a padecer una enfermedad mental.
Brian Yorkey es dramaturgo y letrista, nacido en Omaha, Nebraska, E.U.A. y Tom Kitt es músico, compositor, director y orquestador y músico  Brian Yorkey y Tom Kitt se conocieron mientras estudiaban en la Universidad de Columbia, luego, a finales de los años 90, los recién graduados participaron en el Taller de Teatro Musical BMI Lehman Engel y, para su trabajo final en este taller, se aliaron para crear juntos su trabajo final.  Mientras planeaban qué tema abordarían, Brian Yorkey propuso que se inspiraran en un segmento que vio de la Serie Fecha Límite (Dateline) de la NBC -National Broadcasting Company- sobre terapia electroconvulsiva que le había parecido muy interesante.  Fue así como surgió la mini-obra "Sintiéndote Eléctrico" (Feeling Electric), cuya duración era de 10 minutos.   Desde luego, tuvo una excelente acogida.  Lo que ni Yorkey ni Kitt sabían en ese momento es que era la semilla de una de sus obras más relevantes.
En su vida profesional Brian Yorkey y Tom Kitt trabajaron tanto individual como conjuntamente, lograron varios éxitos, así como nominaciones y premios importantes.  En 2008 retomaron aquel trabajo que habían presentado en el Taller de Teatro Musical y lo desarrollaron.  El resultado fue CASI NORMALES (NEXT TO NORMAL), en la que como lo hicieran en su proyecto original Brian Yorkey escribió el texto y las letras de las canciones y Tom Kitt creó la música. 
La columna vertebral de CASI NORMALES es la enfermedad mental, pero se abordan varias temáticas como la unión familiar, el amor, el suicidio, el entorno, la prescripción indiscriminada de medicamentos, la ética en la psiquiatría contemporánea y sus consecuencias, entre otras.  Todo esto está contenido en el estructurado texto de Brian Yorkey que capta la atención de principio a fin.  Retrata a la perfección el drama íntimo de una familia. Los personajes están bien delineados y la psicología de cada uno queda plasmada.  A manera de rompecabezas se ofrecen al espectador segmentos para ser colocados en el lugar preciso.   Encierra una fuerte crítica hacia aquellos psicoterapeutas que ejercen su profesión a su leal saber y entender, pero que no siempre piensan en sus pacientes como personas.
En cuanto a la parte musical, el género es rock y tanto las melodías como los acordes escritos por Tom Kitt como parte integral de la obra crean el entorno ideal, dan realce a la acción y sensibilizan al público. 
 
CASI NORMALES fue estrenada en el Second Stage Theatre en la zona conocida como Off-Broadway, pero al año siguiente fue exhibida en el Booth Theatre en pleno Broadway, donde asombró teniendo localidades agotadas por todo el tiempo de sus representaciones.  El éxito fue tan rotundo que comenzaron las nominaciones, premios, reconocimientos y galardones.   El Círculo de Críticos Externos otorgó a Tom Kitt el Premio de Mejor Música Original.   Diversas nominaciones tanto por Libreto como por Música.  En cuanto a los Premios Tony, CASI NORMALES ha sido nominada en once ocasiones en varias categorías como:  Mejor Música Original compuesta para Teatro,  Mejor Libreto de un Musical  y  Mejor Orquestación en un Espectáculo, llevándose  varios premios.  En el año 2009 Tom Kitt recibió el Premio Tony por Mejor Música Original.  En 2010 Brian Yorkey y Tom Kitt compartieron uno de los galardones más importantes y codiciados, cuando el Premio Pulitzer al Mejor Drama fue otorgado a CASI NORMALES.  Los integrantes del Consejo de los Premios Pulitzer definieron a CASI NORMALES como "un poderoso musical de rock que confronta una enfermedad mental en una familia suburbana y va mucho más allá de lo que usualmente abordan los musicales".
 
El multi-premiado musical de Broadway CASI NORMALES ha sido traído a México por TOCA Teatro, productora que comandan Alberto Alva y Sergio Mingramm.  Para la dirección escénica se designó al prestigiado director Diego del Río.
 
En CASI NORMALES el público tiene la oportunidad de observar la vida en casa de la familia Bueno desde el interior de su hogar.  El amor está presente.  Diana y Daniel se casaron muy enamorados y continúan amándose, incluso, mantienen viva la llama de la pasión.  Procrearon dos hijos:  Gabriel y Natalia.  Desde que nació Gabriel, Diana se sintió particularmente apegada a él y ese vínculo nada lo podrá romper.  Tanto así que Natalia se siente un poquito "relegada" de vez en cuando y a fin de hacerse más notoria se esfuerza en sus estudios y su  comportamiento.  Si aparentemente todo está bien, ¿por qué es que se consideran CASI NORMALES?  El problema es que a raíz de una tragedia, Diana ha sido diagnosticada como bipolar y depresión con tendencias suicidas.  Diana hace todo lo posible por combatir sus padecimientos, si un médico no le funciona, acude a ver a otro, pero la verdad, no alcanza a ver mejoría y cada vez se le hace más difícil tomar las dosis prescritas de tantas cápsulas que ella distingue por colores.  Así mismo, los efectos en la familia son devastadores.  Les es imposible predecir las reacciones de Diana y viven desconcertados.  A lo lejos brilla la luz de la esperanza y todos confían en que Diana habrá de recuperar su salud mental algún día.
 
Al igual que en trabajos anteriores, Diego del Río aporta un excelente trabajo en dirección escénica.  Su trazo escénico es firme y fluido, con toda sensibilidad traslada a escena la conmovedora historia, permite el lucimiento de cada personaje, balancea acción y pausa, cuida todos los detalles, aprovecha bien el espacio,  y  el ritmo es preciso. 
 
El montaje está bien logrado, espectacular, pulcro y estético.  Pocos elementos escénicos con apoyo en imágenes multimedia que proyectan la multiplicidad de los estados de ánimo de los protagonistas.
 
El elenco fue seleccionado en forma acertada.  Resplandece en escena una de las artistas más completas que tenemos en México.  Nos referimos a Susana Zabaleta, quien conjunta belleza, conocimientos y experiencia, una mujer sensual, de figura agraciada, presencia escénica, experiencia, habilidades histriónicas y vocales impresionantes, dado que puede cantar desde temas populares hasta bel canto y también es conductora.  Susana interpreta a Diana, dotándole de una amplia gama de emociones.  Federico di Lorenzo, experto en musicales, da vida a Daniel Bueno, el marido incondicional.  Mariano Palacios con pericia interpreta a Gabriel, -el hijo que todos sueñan-.  María Penella es Natalie Bueno, -la hija en busca de la perfección -A pesar de su juventud, María cuenta con una amplia trayectoria en musicales.  Héctor Berzunza tiene a su cargo a los dos médicos que tratan a Diana -el rockstar de la salud mental-,  y  Rodolfo Zarco es Henry, el novio de Natalie.  Todos ellos ofrecen al público un formidable desempeño histriónico, vocal, de expresión y corporal.  Alternan funciones:  Jerry Velázquez, María Chacón  y  Samantha Salgado. 

El diseño de escenografía idónea, elegante, funcional fue creado por Jorge Ballina.
 
La iluminación es producto de la mente creativa de Víctor Zapatero, quien como de costumbre, entrega un trabajo pleno de arte.
 
El resto del equipo creativo está conformado por:  Iker Madrid y Diego del Río en la traducción,  Emmanuel Vieyra en dirección musical y vocal,  Iker Madrid en dirección vocal adjunta,  Josefina Echeverría en diseño de vestuario,  Alejandro García en diseño de sonido y SFX,  Luis Carlos Villarreal en coreografía,  Jazzel Ache-Sáenz en contenido, mapping y programación de video,  Alethia Figueroa, Leonardo González, Cristina Cabrera, Adrián Molina, Luis Paz, David Cruz y José Vélez en animación y grabación,  Fabiola Villalpando es asistente de dirección y de dirección residente,  Alejandra Ballina en dirección residente,  Max D'Luna es stage manager,  Alex Gasca es ingeniero mezclador de audio,  Lorena Cruz es técnico de audio,  Elizabeth Urbina es técnico de vestuario,  Alberto Rosales, Baruch Palacios, Camilo Blancarte, Daniela Valenzuela, José Alisedo, Laura Reyes, Norberto Reyes y Yari Burgos son asistentes de producción de piso,  VIOGG en prensa y medios,  Rossy Pérez es representante de Susana Zabaleta,  Bernardo Vázquez en maquillaje y peinado de Susana Zabaleta,  JCT Producciones en maquillaje y peinado,  Gilda Villarreal, Odette Villarreal y Sandra Kai en fotografía de producción y campaña,  TOCA Diseño en diseño gráfico y marketing,  Verónika Vega en campaña de medios,  TOCA Digital en social media,  Mariajosé De la Mora, Pamela Maldonado, Laura Díaz , Carlos Riquelme y Emilio Pichardo en TOCA,  elFormato en contenido videográfico,  Pablo G. Rodríguez, Isabel Becerril y José de Rozenweig son asistentes de escenografía,  Adriana Lara en utilería especial,  Alberto Orozco, Arturo García, Ángel Mondragón, Ángel Tapia, Darío Vargas, Gustavo Hernández, Gerardo Cruz y Rodolfo Hernández en realización de escenografía,  y  Alfonso Luna, Javier Rico, Omar Ortega, Eduardo Villa  y  Dulce Zamarripa en apoyo técnico en montaje.
 
Las melodías que integran el montaje son treinta y nueve.  Tras Luz como preludio, podrás escuchar:  Otro día más, Todo lo malo, ¿Es loco? - Mi psicofrarmacólogo y yo,  Lo mejor para ti,  En las montañas,  Va a estar todo bien,  Él no está,  ¿Sabes bien?,  Yo soy,  Superboy es el héroe inmortal,  Soy real,  Lleva tu mente / Siento que caigo,  Bailábamos,  Mírame,  Siempre aquí,  siento que vi esta historia,  Luz en la oscuridad,  Y yo no estoy,  La canción del olvido,  Hey # 1,  Segundos y años,  Mejor que tiempo atrás,  Después de los electroshocks,  Hey # 2,  ¿Qué sabrás? - (Reprise),  ¿Cómo me voy a olvidar?,  Va a estar todo bien - (Reprise),  ¿Por qué? / Promesas,  Soy real - (Reprise),  Mi mal,  Debes tomar una decisión / Caigo al vacío,  Creo (casi normal),  Hey # 3,  Así que pues …,  Yo soy aquel - (Reprise),  y  Luz.
La gran diferencia entre CASI NORMALES y cualquier otro musical que hayas visto es la carga emotiva que conlleva la trama.  De uno o de otro modo a todos nos llega al corazón.  Se trata de la historia de una familia como hay muchas.  Se pueden palpar sus sentimientos ante los problemas que atraviesan y la lucha personal que libra cada uno de los integrantes por seguir adelante.  Un relato apabullante que nos lleva a la reflexión y que nos muestra que nunca hay que perder la esperanza y que, finalmente, no es tan malo ser CASI NORMALES ya que no existe ser humano perfecto.  Este musical es imperdible.  Disfrutarás del montaje, las actuaciones, las melodías, las bellas voces y también te conmoverás.  Admiración para todo el equipo que participa en esta estupenda producción.  Apresúrate, su temporada está por concluir y quedan unas cuantas funciones.

CASI NORMALES 
se presenta  viernes a las 20:30 horas,
sábado a las 17:30 horas  y  20:30 horas
domingo a las 16:00 horas   y  19:00 horas  en el
TEATRO ALDAMA
ubicado en la calle Rosas Moreno número 71
colonia San Rafael
-cerca de la Estación San Cosme del Metro
Ciudad de México

Duración aproximada:  140 minutos

Costos de las localidades:  $990,  $850,  $700,  $550  y  $400
Descuentos acostumbradas a personas con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 21 de abril de 2019

 

 

HAMBRE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Se dice que el perro es el animal más fiel y todos aquellos que han abierto las puertas de su hogar y de su corazón a un perro, saben el amor inconmensurable que éste les profesa.  Entre el humano y el can se crea un vínculo indisoluble.  No importa que no hablen el mismo idioma, ellos se entienden con solo una mirada.  Cada día aprenden a conocerse mejor el uno al otro y su relación se va fortaleciendo. 
Tener un perro es casi como tener un hijo.  No se trata de un juguete sino de un ser vivo, el dueño tiene que estar consciente de que hacerse responsable del animalito y tiene que cuidarlo, alimentarlo, atenderlo, darle tiempo y cariño, así como llevarlo al veterinario para vacunas, chequeos periódicos y, en caso de enfermedad, lesiones o accidentes, le proporcionen medicamentos o tratamientos necesarios. 
Si un dueño no brinda los cuidados adecuados, el perrito podría deprimirse, sufrir o, incluso, estar en peligro.  De por sí, ellos resienten cada separación del dueño, aún las indispensables, como cuando se va al trabajo o sale de casa.  El sufrimiento de un animal que es abandonado o maltratado es igual o peor al que sienten los seres humanos, debido a que para ellos el dueño es a quien más aman en este mundo y el apego es inmenso.   Las campañas de "adopta, no compres" han surgido con el propósito de concientizar a la gente de que realmente es una adopción, es decir, un compromiso para toda la vida.  No hay que tomarlo a la ligera ni verlo como algo temporal. 

Desde luego, nadie está exento de situaciones inesperadas en las que no podría dar la atención debida a las mascotas.  Sería bueno que los dueños tomen en consideración estos imprevistos y pidan a alguien que esté al pendiente.  ¿Qué sucedería si un dueño muere de pronto?  A la actriz Alejandra Reyes le surgió esta duda y pidió a la dramaturga que escribiera algo sobre esta temática.  Fue así como nació HAMBRE de la autoría de Jimena Eme Vázquez. 

El texto de Jimena Eme Vázquez tiene estructura y capta la atención de principio a fin.  A pesar de abordar una tragedia y presentarla con crudeza, los parlamentos conllevan amor incondicional, sentimientos encontrados, camaradería, estrategias para afrontar la situación y esperanza.  Un relato estrujante, pero que lleva a la reflexión de acatar cabalmente las responsabilidades adquiridas. 

HAMBRE es una producción de SOBREDOSIS, un colectivo teatral fundado en 2011 que inició actividades con un cortometraje y que a la fecha ha producido alrededor de ocho montajes.

Fernando Reyes comprende a fondo el texto de Jimena Eme Vázquez y lo traduce fluidamente a lenguaje teatral.  Su labor en la dirección escénica es impecable.  Opta por depositar toda su confianza en las habilidades histriónicas de su elenco y prescindir de disfraces o caracterizaciones para hacerlos lucir perrunos.  La corporalidad y los desplazamientos están bien diseñados.  Aprovecha el espacio escénico y el ritmo es preciso.

La historia comienza cuando a la Nena -una bella Cocker Spaniel, algo reservada-, le urge salir a hacer sus necesidades, pero no ha logrado despertar a Hannah, ya rascó la puerta de su recámara, hizo ruidos y ladró.  Entonces, pide ayuda a Border -una graciosa cachorra Border Collie, juguetona y aventurera-.  Sabe que Border es tan activa que para ella no hay imposibles.  Mientras tanto, Bull -un viejo Bulldog- duerme plácidamente.  Llaman a Bull para que colabore con ellas.  Border de inmediato se pone en acción y se las ingenia para abrir la puerta.  Irrumpen en la recámara.  Sin embargo, por más esfuerzos que hacen, Hannah no despierta.  Entre los tres continúan los esfuerzos.  Lamentablemente, Hannah no despertará … está muerta.  Inspeccionan el lugar y encuentran varios frascos de pastillas vacíos, lo que los hace suponer que Hannah se suicidó.  La urgencia inicial de la Nena pasa a segundo término, están aterrados y no saben qué hacer.  El sufrimiento se hace presente, los más agobiados son Bull y Border.  El primero lleva muchos años al lado de Hannah, mientras que Border es la más apegada.  Por su parte, la Nena quiere y agradece a Hannah haberla albergado, pero su amor pertenece a Mica, la mejor amiga de Hannah que tiempo atrás murió en un accidente.  Después de la impresión, surge el HAMBRE y sabemos que "el hambre siempre saca lo peor de nosotros".  Es fin de semana y tendrán que esperar demasiadas horas hasta que llegue Patricio, su paseador.  ¿Qué sucederá?  Si quieres saberlo, tienes una cita en el teatro.
El elenco está conformado por:  Alejandra Reyes (Border),  Fernanda Aragón (La Nena)  y  Dimas González (Bull), quienes ofrecen un estupendo trabajo histriónico, corporal, vocal y de expresión.  Destaca Alejandra Reyes por su fuerte presencia escénica y su gracia natural.
Integran al resto del equipo creativo:  Pedro Pazarán T. en diseño de escenografía e iluminación,  Xico Reyes en diseño Sonoro,  Allan Aullet es asistente de dirección,  y  Rialcastillo Social Media Management en redes sociales.
Sin lugar a dudas, es un relato impactante que llega al corazón de todos, sobre todo, al de aquellos que aman a sus mascotas.  Cada quien es libre de tomar las decisiones que desee, pero es muy importante no dejar de lado las responsabilidades.  En lo último que pensó Hannah fue en sus mascotas y eso no está bien, debería haber tomado ciertas precauciones.  De hecho, todos deberíamos tomar medidas para no dejar a nadie al garete en caso de emergencia.  Una historia original, un montaje bien logrado, actuaciones convincentes.  ¡No te la pierdas!  Apresúrate, sólo queda este fin de semana en su temporada.
HAMBRE
se presenta  viernes a las 20:00 horas,
sábado a las 19:00 horas  y
domingo a las 18:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro
Ciudad de México

Duración aproximada:  80 minutos

Costo de la localidad:  $149
Descuentos acostumbradas a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 14 de abril de 2019

 

MINOTAURO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Sin lugar a dudas la libertad es uno de los bienes más preciados que tenemos.  Desafortunadamente, hay varias formas de perder la libertad.  Un accidente o una enfermedad neurológica pueden coartar la libertad de movimiento de alguien.  Aquellos que se relacionan con seres dominantes en gran medida pierden el derecho a ejercer su libertad.  Los que sufren un secuestro son privados de su libertad.  Quienes deciden consagrarse a la fe y vivir en conventos o monasterios, saben que su libertad quedará reducida.  En la mayoría de los casos, las personas que cometen un delito son condenados a vivir en prisión. 
Vivir en encierro es terrible, imaginen lo que es no poder salir, convivir con la familia, visitar a amigos, viajar, ver el mar, sentir la arena, disfrutar de una puesta de sol, conocer otros lugares, ir de compras, al cine, al teatro o donde a uno se le antoje.  Lo que nadie puede apresar es la mente.  De esto trata MINOTAURO, obra que escribió Patricia Yáñez, a raíz de una exhaustiva investigación que realizó acerca de personas confinadas, luego de lo cual visitó distintos reclusorios en el interior de la República y en la Ciudad de México para entrevistar a internos, tanto adultos como menores, cuyos testimonios recopiló como base de su dramaturgia, a fin de compartir con el público todas esas voces.  Este interesante estudio da cuenta de que quien están confinados se aferran a sus pensamientos para aliviar la tensión del encierro, echan a volar su imaginación, analizan sus recuerdos, inventan juegos mentales y bailan para distraerse. 
El texto escrito por Patricia Yáñez capta el interés absoluto del espectador.  Crea un paralelismo entre el ser humano y un mito griego con una simbología particular.  Desentraña los sentimientos más ocultos de las personas que han sido privadas de su libertad.
En la sinopsis que aparece en el programa de mano de MINOTAURO, se lee:  "La obra es un monólogo desde distintas voces penitenciarias, de ahí surge Tori, mitad toro y mitad mujer, que nos invita a entrar a su laberinto hecho de recuerdos, sueños y cuestionamientos acerca del olvido, la espera, el amor, la muerte y la soledad.  Sin embargo, a pesar de su condición de encierro, buscará la manera de apropiarse de su tiempo, a través del juego, la danza y la evocación de sus seres queridos, que la conducen a otros laberintos que son la metáfora de su propio ser". 
En la tercera llamada aparece una joven con una elaborada máscara de hierro sobre la cara.  Poco después, se quita la máscara y habla para sí misma en voz alta.  Dice ser Tori, mitad toro, mitad mujer igual que el MINOTAURO.  Hace un recuento de diversas formas de evadirse del encierro.  La soledad es mala consejera, así que en ocasiones ella se figura ser otra persona y hasta se visita a sí misma.  Lo triste es que su propia imagen va quedando en el olvido porque donde está no usan espejos.  Así mismo, se impone retos, imagina que vive en un laberinto y tiene que encontrar una salida.  Por momentos, la realidad se hace presente y al tratar de recordar la voz o el rostro de algún ser querido, se percata de que sus recuerdos se han ido desvaneciendo y ya no son nítidos.  Hace ejercicios para recordar, pero luego tiene que hacer una selección porque hay "recuerdos que dañan, que no le sirven".  Se hace a la idea de que su "celda/laberinto es del tamaño del mundo".   Lo que más extraña "es el mar y abrazar a su mamá".  Tiene miedo de morir "sin saber lo que es el amor".  Se ejercita o baila para estar en movimiento aún en reclusión, tal vez para sentir que está en otro lugar.
La labor de dirección por parte de Octavio Michel es brillante.  Su trazo escénico es impecable.  Hace que el público comparta el encierro con Toti.  La acción es constante.  Las pausas están bien administradas.  El espacio se aprovecha al máximo.  El ritmo  es preciso.
Tanto el diseño de escenografía como el de iluminación por parte de Erika Gómez hacen que el montaje luzca esplendoroso.  En un espacio muy reducido crea el entorno ideal, las luces y las sombras juegan un papel importante para redimensionar la figura de la actriz, haciéndola ver fuerte o etérea.  En sus dos rubros Erika despliega su creatividad.
La actriz Patricia Yáñez ofrece un trabajo entrañable en lo histriónico, corporal, vocal y de expresión, dotando al personaje de una amplia gama de emociones.
El resto del equipo creativo está conformado por:  Patricia Yáñez en producción ejecutiva,  Gina Méndez en  gestión y difusión,  Jess González en asistencia de gestión y difusión,  Pili Pala en fotografía,  Carlos Castroso en diseño de imagen gráfica,  Ixchel Flores Machorro es asistente de dirección y producción,  María Adriana Lara en realización de máscara,  Juan Pablo Aguayo en traspunte y coordinación técnica,  Ginés Cruz  y  Hasam Díaz en asesoría en dramaturgia,  Francisco "Tom" González en realización de escenografía,  Miriam Quijano en realización de vestuario,  Erika Gómez  y  Francisco Bahena en atrezzo de escenografía.
MINOTAURO es una coproducción de El Coro de los Otros, la Coordinación Nacional de Teatro, el Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA- y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
Acompaña a Tori en su reclusión, ella compartirá contigo todas las maneras en que trata de sustraerse al encierro.  Te aseguro que te entretendrás.  Esta original propuesta surgida de una ardua investigación, estudios profundos y sentimientos, te conmoverá y te hará reflexionar para que valores lo mucho que significa gozar de libertad.  Un trabajo muy bien logrado por un equipo de seres comprometidos con su labor y con el con el teatro.  Apresúrate, su temporada está por concluir.
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MINOTAURO
se presenta los jueves a las 20:30 horas en el
FORO BELLESCENE
ubicado en la calle Zempoala número 90
Colonia Narvarte Oriente, Ciudad de México.
Duración aproximada:  60 minutos
Entrada general $120
Descuento del 30% a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente,
así como a vecinos de la colonia Narvarte
La temporada concluye el jueves 11 de abril de 2019
SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019

Continúa la primera residencia de MONOSABIO en el TEATRO EL MILAGRO.  La obra con la que iniciaron esta residencia es TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA, de la cual reportamos en fechas recientes.  Ahora presentan SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA de la autoría y bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas.

En la sinopsis los jóvenes de MONOSABIO indican:  "SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA surge de la necesidad de hablar del sinsentido, el vacío, la necesidad y el profundo dolor que genera la pérdida de un igual, una amiga, un conocido, una madre, un hermano, un ser amado, la identidad".

A partir del nacimiento de todo ser humano comienza a forjarse su personalidad.  Cada uno de los factores que le rodean tiene que ver con su desarrollo emocional.   Lo básico es la forma en que se le recibe, el amor, cuidados, alimentación y educación que le brindan sus padres.  Luego son la escuela, los estudios, el aprendizaje, el carácter individual.  Intervienen en determinada medida familiares, compañeros, amistades, conocidos y hasta algunos desconocidos.  Así mismo, hay que sortear adversidades como enfermedades, accidentes, peleas, acosos, la pérdida de un ser querido, rupturas amorosas, desengaños, miedos, decepciones, frustraciones.  Tanto lo bueno como lo malo va conformando nuestra identidad.  En ocasiones nos sentimos felices, realizados, en tanto que en otras, algo nos agobia o deprime, ya sea por lo que está ocurriendo o por experiencias del pasado.  Siempre hay que encontrar el balance y seguir adelante.

SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA trata de esto.  Se refiere a la identidad de cada persona, a su forma de pensar y al momento que atraviesan en sus vidas.  En un restaurante habrán de encontrarse un hombre y una mujer.  Él es retraído, solitario, le gusta más observar la vida que vivirla.  Se ha hecho a la idea de que viendo a la gente y su comportamiento, puede adivinar lo que sea, como su nombre propio, su signo zodiacal, su profesión y hasta los problemas que enfrenta.  Su imaginación no conoce límites, pero nunca sabrá si sus suposiciones son atinadas, porque no acostumbra hablar con nadie.  Definitivamente es reservado y ensimismado.  En cambio, ella es sociable, reconoce como sus mejores épocas la secundaria y la preparatoria y sonríe al recordar aquellos juegos en los que participaba.  Lo malo es que ahora se siente "hueca, incompleta, rota, vacía", algo ocurrió y le ha dolido tanto que no ha podido superarlo.  Cada uno de ellos está en su propio mundo, sólo atento a sus pensamientos.  Aunque él está consciente de su carácter y mentalmente se dice: No estoy acostumbrado a ver a los ojos. Creo que es una condición con la que no nací. O me la quitaron, no sé…, en determinado momento las miradas de ambos se cruzarán y comienzan a platicar. 

Al igual que en la propuesta anterior de MONOSABIO, el montaje es sencillo, pero suficiente para lograr el entorno adecuado.  En tanto que el proyecto anterior era básicamente vivencial, en el actual introducen realismo -la comida que les sirven es real y ellos comen en escena-, las coreografías representan mayores retos, como que ambos se suban a la mesa y esquiven la vajilla de servicio o que se carguen el uno al otro en determinado momento, para lo cual se requiere de bastante práctica y precisión.  El crédito del diseño de movimiento corresponde a Belén Mercado.

El texto concebido por Manuel Cruz Vivas es estructurado y capta el interés absoluto del espectador.  A través de los parlamentos se dan a conocer los sentimientos más íntimos de los protagonistas.

La labor de dirección por parte de Manuel Cruz Vivas, el propio autor, es impecable.  Su trazo escénico es variado y de buen diseño, combina acertadamente parlamentos, estática y coreografías.  La acción y las pausas están balanceadas.  El espacio está bien aprovechado.  Con ingenio va rotando los lugares que ocupan los actores para dimensionar el tiempo.  El ritmo es atinado.

El elenco está conformado por Ingrid Cebada y Edgar Landa, quienes ofrecen un estupendo trabajo histriónico, corporal, vocal y expresivo.   Oportunas también las breves interacciones de una joven de la producción como mesera del restaurante.

 

El diseño escenográfico, la iluminación y el vestuario son creación de Alejandra Escobedo, quien logra una estupenda labor en los tres rubros a su cargo.  El diseño gráfico es de Daniel Loyola.

 

TEATRO EL MILAGRO -- Coordinación técnica:  Aída Escobar.  Planta técnica:  Celso Martínez Flores  y  Rodolfo Mora González.

 

La producción es de MONOSABIO.

 

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

 

 

Todos hemos experimentado algún vacío existencial o un dolor tan intenso que no nos permite respirar.  En tales casos, lo aconsejable es SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA, para encontrar una mano que estrechar o un hombro donde llorar.  Lo fundamental es entender que todo se puede superar con el tiempo y que nunca debemos dejarnos caer.  El grupo teatral MONOSABIO capta la esencia de esta problemática y la traslada al teatro desde su perspectiva juvenil con entusiasmo y compromiso a la labor que realizan.  ¡No te la pierdas!

 

 

Después de SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA,  MONOSABIO presentará ¡PULSO!, del 17 de abril al 3 de mayo de 2019, también de la autoría de Manuel Cruz Vivas, bajo la dirección de Alejandra Escobedo. 

 

 

 

 

 

SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA 
se presenta miércoles,  jueves  y  viernes a las 18:00 horas en el
TEATRO EL MILAGRO
Nuevo Espacio Escénico

ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  80 minutos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el jueves 11 de abril de 2019

 

DEVELACIÓN PLACA CONMEMORATIVA
LOS MANSOS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2019
La COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO es un colectivo cuyo objetivo es crear, producir y fomentar propuestas de intención artística y estética.  A la fecha tiene una trayectoria de 24 años ininterrumpidos, la cual ha participado exitosamente en numerosos festivales nacionales e internacionales.  Agustín Meza es quien la fundó y la dirige. 
Agustín Meza es talentoso, sensible y creativo.  Está abierto a todo tipo de posibilidades, no le gusta ajustarse a normas ni criterios, le encantan los retos y la intervención de espacios.  Para él, el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada.  Aun cuando cada vez que inicia un proyecto, tiene una idea bastante clara de cómo plasmarlo en escena, acostumbra trabajar en colaboración con su equipo, a fin de que en lugar de ser participantes sean parte integral.   Otro de los elementos fundamentales del teatro que realiza Agustín Meza es el espectador, no sólo le dedica cada una de sus propuestas a éste, sino que el anhelo es tocar sus sentidos.  A este respecto, hace pocos años Agustín Meza creó el teatro de la tersura, un nuevo concepto, a través del cual ha logrado conmover a cuantos han presenciado sus más recientes montajes.  
La COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO fue fundada en la Ciudad de México, donde se le recuerda por obras como:  EL PASATIEMPO DE LOS DERROTADOS … CARTAS DE UN IDIOTA de Agustín Meza,  FE DE ERRATAS de Agustín Meza,  ESPERANDO A GODOT  de Samuel Beckett,  WOYZECK de Georg Büchner,  EL ABUELO DICE QUE EL TIEMPO ES UN NIÑO QUE JUEGA A LAS CANICAS de Agustín Meza.  Posteriormente cambió su residencia a la ciudad de Querétaro, donde produjo:  ANATOMÍA DE LA GASTRITIS de Itzel Lara,  GRITOS Y SUSURROS de Ingmar Bergman,  LA HABITACIÓN Y EL TIEMPO de Botho Strauss,  LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO de Agustín Meza, la cual es un homenaje escénico a Andrei Tarkovsky -por cierto, esta obra ganó el Premio Villanueva en La Habana, Cuba como uno de las mejores obras presentadas en EL 2017-.  Durante una estancia en la ciudad de Oaxaca, se realizó el montaje de APROXIMACIÓN AL INTERIOR DE UNA BALLENA  de Ángel Hernández, para luego crear en la Ciudad de México  NOCTURNO. HOMENAJE ESCÉNICO A OCTAVIO PAZ  de Agustín Meza.
Ahora, la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO está de regreso en la Ciudad de México y al parecer ha llegado con nuevos bríos, pues no ha dejado de trabajar un solo momento y en los pocos meses que lleva aquí ha hecho bastante.  Llevó a cabo la puesta en escena LOS MANSOS de la autoría de Alejandro Tantanian, bajo la dirección de Agustín Meza.  Alejandro Tantanian es en la actualidad uno de los autores más destacados en el ámbito teatral argentino.  Nacido en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, a la temprana edad de 13 años comenzó sus estudios de actuación.  Luego de titularse en la Universidad Popular de Belgrano, continuó su perfeccionamiento en actuación y además estudió canto, dirección y dramaturgia con destacados maestros.  Forma parte del colectivo de autores Caraja-jí y del grupo El Periférico de Objetos, la cual es una agrupación paradigmática del teatro experimental e independiente argentino.  En su trayectoria se ha desempeñado como actor, autor, director, régisseur, cantante, docente, traductor y gestor cultural.  Su trabajo le ha valido importantes premios nacionales e internacionales.  Sus obras han sido traducidas a diversos idiomas y  representadas en Argentina, Brasil, Uruguay, Francia, España, Italia, Bélgica, Austria, Alemania y, ahora, en México, toda vez que LOS MANSOS es el primer montaje que se hace en nuestro país de dicho autor.
Con respecto a LOS MANSOS, esta fue la opinión de Galeria Teatral:  "Rusia, Argentina y México se hermanan en esta puesta en escena.  La joya literaria escrita por Dostoyevski en la versión de Alejandro Tantanian y el montaje de Agustín Meza hacen de LOS MANSOS una verdadera obra de arte plena de magia y teatralidad.   El relato es poético y potente, la dirección inmejorable, los personajes entrañables, la música espléndida y la estética visual esplendorosa.  No pierdas la oportunidad de acudir a verla, descubrirás nuevas perspectivas para ver el teatro y la vida misma".

LOS MANSOS ha cubierto tres temporadas.   La primera fue a finales del año pasado en el sótano del TEATRO ISABELA CORONA, donde fue estrenada.  La segunda, durante la residencia artística de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO en el CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO y la tercera en el Salón de Escenografía del CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE.
Así mismo, la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO ha organizado varios talleres y laboratorios:
Un TALLER DE ACTUACIÓN impartido por Genny Galeano, José Luis Villalobos y Xavier Lara Mora, quienes integran el elenco de LOS MANSOS, en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque.
El laboratorio intitulado ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO impartido a cargo de Agustín Meza, al cual acudieron once colectivos.  Con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- y, a través de la COMPAÑÍA DEL TEATRO EL GHETTO, al colectivo ganador se le entregó  un apoyo económico para que su montaje sea llevado a escena.  Resultó ganador el colectivo EL MIRADOR con FLORES NEGRAS DEL DESTINO NOS APARTAN.
Un taller de CREACIÓN MUSICAL PARA LA ESCENA impartido por Steven Brown, destacado músico, líder de la banda avant garde Tuxedomoon en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque.
 
Una MASTER CLASS DE DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN ESCÉNICA  impartida por Alejandro Tantanian, el prestigiado autor de LOS MANSOS, quien viajó a nuestro país especialmente para la Master Class, ver la puesta en escena de Agustín Meza  y  develar la placa.
 
Para la  DEVELACIÓN de la PLACA CONMEMORATIVA de LOS MANSOS, la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO reunió a una constelación de ilustres creadores, quienes acudieron a ver la puesta en escena.  Además de los creadores, pudimos ver a viarias personalidades ligadas con el arte entre el público, como por ejemplo:  el escritor y dramaturgo Vicente Quirarte, el doctor en letras y crítico teatral Bruce Swansey, el actor y docente Llever Aiza, la actriz Guillermina Campuzano, el artista plástico Sergio Mérida, la bailarina y coreógrafa Isabel Romero, Maricarmen y Alfredo Muñoz, hermanos del actor Gustavo Muñoz, entre otros.
 
Previo a la función de LOS MANSOSEL MIRADOR, ganador del laboratorio de ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO  presentó FLORES NEGRAS DEL DESTINO NOS APARTAN.
 
Luego de la representación de LOS MANSOSse procedió a la develación de Placa.   A continuación un breve resumen de las palabras que emitieron los develadores.
 
CLAUDIO VALDÉS KURI comentó que a Alejandro Tantanian lo consideraba un poeta y a Agustín Meza un perseguidor de la poética, así que estaban destinados a encontrarse el uno al otro.
 
ALEJANDRO TANTANIAN dijo estar muy complacido con el montaje y que le sorprendió mucho que alguien la hubiera montado, ya que se trata de un obra muy personal que hizo para dejar huella de su experiencia.  Elogió a Agustín Meza y a los integrantes del elenco por la pasión y el espíritu que empeñaron en la puesta en escena.
 
DAVID OLGUÍN expresó que para él era un verdadero gusto tener a Alejandro Tantanian en México y felicitó calurosamente a Agustín Meza y a todo s equipo.
 
LUZ EMILIA AGUILAR ZÍNSER dijo haber conocido a Agustín Meza desde FE DE ERRATAS en el año 1999 y que desde entonces ha seguido la trayectoria de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO y ha visto su compromiso y empeño.  Mostró su molestia ante la incertidumbre que han derivado de comentarios en torno a nuevos lineamientos del FONCA, toda vez que considera que sin apoyos se dificultaría el trabajo de aquellos creadores que amplían la geografía cotidiana que existe en nosotros.
 
DAVID GAITÁN agradeció la invitación por parte de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO y comentó que desde que estudiaba muchos consideraban a Agustín Meza un director de culto y que él en lo personal ha admirado desde siempre su trabajo y el de los equipos que convoca.
 
ÁNGEL HERNÁNDEZ dio su voto solidario a la resistencia y a las artes estratégicas que vengan a impulsar el trabajo. Dijo que son de una generación que no ha sido mansa, sino que tienen un mando de autonomía.   Compartió haber sido testigo de las condiciones en que trabajó Agustín Meza junto con su equipo para intervenir espacios abandonados y totalmente en ruinas durante varias emisiones del Festival de Teatro para el Fin del Mundo.  Dijo sentir la necesidad de identificar la poética muy clara de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO y los felicitó también por el diseño de los encuentros que organizaron
 
Sin lugar a dudas, la develación de placa de LOS MANSOS en el Salón de Escenografía del CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE constituyó un gran evento teatral para culminar su tercera temporada.  Pocas veces se tiene la oportunidad de ver a tantas personalidades reunidas en un mismo lugar.  Felicitamos cordialmente a la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO, a Agustín Meza, a cada uno de los integrantes de su comprometido equipo de trabajo y quedamos al pendiente de la cuarta temporada de LOS MANSOS.

 

 

SOLDADERA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2019

Miguel Sabido se ha desempeñado como dramaturgo, guionista, poeta, director de teatro, teórico de la comunicación, creador de entretenimiento educativo en telenovelas y docente.  En su extensa trayectoria se ha hecho acreedor a numerosos premios, distinciones y reconocimientos.  No obstante tener tantas ocupaciones, lo que más apasiona a Miguel Sabido es la historia de México y la ha investigado a profundidad.  Esto quedó claro desde la tesis que presentó para su titulación bajo el nombre de "Tres mil años de representaciones sagradas".  

Es el dramaturgo que más pastorelas tiene en su haber.  Es un gran conocedor de los rituales, ceremonias y tradiciones mexicanas y ha dejado huella de esto en su literatura y dramaturgia.   Para televisión, escribió las telenovelas históricas "La tormenta", "Los Caudillos", "La Constitución",  "Senda de gloria"  y  "Los Insurgentes".  Para teatro, creó toda una saga que constituye un Mural Teatral sobre la Historia de México, mismo que compila las obras:  "Falsa crónica de Juana la Loca",  "Conquista",  "Guadalupe y Juan Diego",  "El juicio de Hidalgo",  "Juárez frente al cadáver de Maximiliano", "Carlota Emperatriz",  y  SOLDADERA.  El texto con el que culminó esta saga, la escribió específicamente para la actriz Martha Zavaleta hace aproximadamente 8 años.  SOLDADERA se estrenó en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz en el 2011 y luego en forma esporádica se realizaron algunas representaciones en circuitos universitarios y en determinados foros.

Martha Zavaleta es una actriz muy reconocida que también se ha dedicado a la producción.  Tiene una amplia trayectoria en teatro, cine, televisión y música.  Fue colaboradora de Ernesto Alonso y Miguel Sabido en más de 50 telenovelas.  Fundó los centros de capacitación de Televisa, donde impartía clases y formaba actores.  Hasta la fecha sigue trabajando en formación y orientación actoral y vocal.  Participó activamente en la preparación de jóvenes como Thalía, los grupos Timbiriche, Fresas con Crema y Flans, así como de los integrantes del popular programa televisivo ¡¡Cachún, Cachún, Ra, Ra!!, del cual ella fue la directora y donde también interpretó al personaje de la Maestra Canuta durante alrededor de 8 años.

SOLDADERA es un monólogo, mediante el cual Miguel Sabido honra a las mujeres, digamos, "olvidadas" que participaron en la Revolución Mexicana, dando voz a una en particular y a varias que fue conociendo en su camino.  En plena Revolución, en los tiempos del General Francisco Villa, había una tremenda opresión hacia las mujeres, toda vez que se les consideraba el sexo débil, no podían siquiera votar y sus derechos estaban muy limitados.  Las damas de sociedad sólo estaban supuestas a estar en el hogar y a asistir a ciertas reuniones.  En cuanto a las de cuna humilde, eran reclutadas como ayuda doméstica y su labor era hacer todo lo que les pidieran.  Si las empleaban en una hacienda, su deber incluía satisfacer a los patrones.  La historia de SOLDADERA se basa en una de estas jovencitas que es abusada por el patrón.  Un día se da cuenta de que no tiene ni un momento de descanso, cae rendida en la cama y está harta de trabajar tan duro, tiene miedo del patrón y además envidia todos los lujos de la señora.  Sabe que ella nunca podrá usar prendas tan delicadas, ni sombreros tan vistosos.  Para colmo, tiene miedo del patrón, así que decide huir.  Corre por el camino y se sube a un ferrocarril con un gran letrero que dice "Leyes de Indias".  Se siente libre, está feliz, pero pronto descubrirá que su destino no será nada fácil.  Estar hacinada en un vagón es bastante molesto y peor si tienes que pasar por todas las atrocidades y salvajismos de la revolución.  Su trayecto en el tren abarca tres décadas, así que tiene mucho que contar y comparte con el público anécdotas de su vida personal y de aquellas mujeres que ha conocido, tanto de las de la hacienda como de las que la acompañan en su viaje.  También explica las distintas categorías de soldaderas que van a la guerra por acompañar a sus hombres o, como ella, por huir del maltrato.

El texto de Miguel Sabido es de buena estructura, ilustra sobre la forma en que se vivió aquella época, incluyendo algunos pasajes históricos y su protagonista relata sus vivencias con emotividad y pasión.  Sin duda, muy interesante.

La labor de dirección por parte del propio Miguel Sabido es impecable.  No obstante tratarse de un monólogo, permite el lucimiento de su actriz haciendo otras voces de mujeres que son representadas por mamparas con imágenes y ciertos adornos.  La acción es constante.  Las mamparas son manipuladas por tres bailarines que en ocasiones interactúan brevemente con el personaje principal.  El ritmo es ágil.

Martha Zavaleta despliega toda su experiencia actoral para encarnar a la SOLDADERA, dotándola de diversos matices.

Los bailarines que acompañan a Martha Zavaleta son:  Gabriel David Hernández Medina,  Jorge Alcaraz Pineda  y  Alberto Morales Rodríguez.

Integran el equipo creativo:   Irene Sabido en producción ejecutiva,  Ignacio Torre en entorno musical,  Víctor Gochez en escenografía,  Carmen Ceja en luces,  Rafael Esquivel es asistente de producción,  Sergio Alarcón en apuntador,  y  Luly Garza en coordinación general.

La producción es de MINDSTREAM PRODUCCIONES.

Entérate de muchos detalles de lo sucedido durante el Revolución mexicana, acompañando a SOLDADERA en el vagón del tren donde viaja, ella compartirá contigo su sentir, lo que ha vivido y hasta algunos de sus amores.  En la función de estreno Miguel Sabido dijo sentirse muy emocionado por volver al lugar donde inició su trayectoria, en virtud de que fue precisamente en este escenario donde inició su faceta de dramaturgo ante la presencia de Salvador Novo, su maestro, con la representación de su primera obra teatral y que, además, en dicha obra actuó la actriz Martha Zavaleta, lo cual ocurrió hace 60 años, así que para Miguel Sabido SOLDADERA es motivo de celebración y conmemoración.

 
 
SOLDADERA
se presenta  a las 20:00 horas los jueves  21  y  28 de marzo de 2019  en el

 

TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  80 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,
así como para vecinos de  Coyoacán,  Iztapalapa  y  Benito Juárez
 
TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2019

Cada momento que vivimos se convierte en una experiencia y queda en la mente.  Si se trata de algo grato, trataremos de no olvidarlo y lo atesoramos en un lugar especial.  Por lo contrario, si se trata de algo desagradable que nos produjo tristeza, furia, decepción o dolor, quisiéramos eliminarlo, pero no es fácil porque igual se almacena.  Mientras más jóvenes somos, más fresca es nuestra memoria y la sensibilidad está a flor de piel, así que tanto lo alegre como lo triste nos afecta en mayor medida. 

 

Los malos recuerdos son como desechos que nos estorban y su almacenamiento nos hace sentir mal, de algún modo es porquería que se va acumulando.  Es un poco deprimente saber que podemos asearnos, limpiar nuestra casa, organizar los armarios, pero no podemos depurar nuestra mente.  Hay quienes acuden a psicoterapia, a meditaciones o a otros remedios, pero limpiar la memoria es un largo proceso.  Algo debemos hacer porque es molesto confesar TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA.   

 

Tal es el título de uno de los más recientes textos de la joven dramaturga Bárbara Perrín Rivemar, oriunda de Tijuana, Baja California.  Bárbara, quien se desempeñaba como actriz, incursionó en la dramaturgia antes de cumplir los 20 años  El prestigiado creador teatral Hugo Arrevillaga fue quien dio a conocer el trabajo de Bárbara Perrín Rivemar en la Ciudad de México al elegir la obra "AmorAmor" para el examen final de los alumnos de Casa del Teatro de la generación 2011-2016, un texto de compleja estructura, donde se abordaban múltiples tipos de amor, sin orden cronológico, así que el tiempo iba y venía en forma abrupta.  A la fecha, Bárbara Perrín Rivemar se ha hecho acreedora a reconocimientos y distinciones con varias de sus obras.  A través de TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA Bárbara relata vivencias de Janis y de algunos de sus amigos durante un lapso de aproximadamente seis años.  Está ubicada en nuestros tiempos y capta la esencia de los jóvenes de hoy en día, sus amores, diversiones, excesos y reflexiones.  Capta el interés del espectador.

Actualmente MONOSABIO está cubriendo su primera residencia artística en el TEATRO EL MILAGRO.  MONOSABIO es un grupo teatral integrado por Alejandra Escobedo, Belén Mercado Edgar Landa y Manuel Cruz Vivas, quienes con respecto a esta residencia, dicen:  "nos aventuramos a explorar diversas formas de abordar la escena teniendo como punto de partida el contenido emocional de nuestras obras y una apuesta estética que tiene que ver con nuestra forma de mirar el mundo;  el camino es encontrar nuestra poética o nuestras poéticas;  el objetivo es llegar a tus sentidos".  

 

Durante su residencia, MONOSABIO presentará tres obras, siendo la primera TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA de Bárbara Perrín Rivemar, bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas.

 

Aun cuando el montaje de TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA es sencillo, no deja de ser lucidor, puesto que denota, en primer lugar, el compromiso de los integrantes de MONOSABIO, quienes entregan cuerpo y alma al proyecto y, en segundo lugar, la forma en que acuden a su ingenio para lograr que un espacio reducido contenga todo lo necesario con pocos recursos económicos, como por ejemplo:  un sillón pequeño propio de niños o crear una mesa con dos cajas de legumbres y un tablón, dos escaleras de mano para sostener un teclado, sin faltar una lámpara de lava que sirve de adorno y amuleto.

 

La sinopsis de TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA es:  "Janis recuerda su primer amor, la ternura y la lástima, lo que era antes y lo que es ahora.  Janis tiene mierda en la cabeza y la quiere sacar de ahí.  Ella tiene una teoría:  una persona solo puede almacenar cierta cantidad de mierda en la cabeza.  Pero una persona puede almacenar más que sólo eso.  Se trata de encontrar esas cosas, para que la mierda se vaya, hasta desaparecer." 

 

En una puesta en escena muy dinámica y llena de energía juvenil, Janis hace un recuento de lo que ha vivido y lo comparte con el público.  Habla de todo sin tapujos, incluso, con una que otra palabra altisonante de las que suelen utilizar los jovencitos.  Platicará de cuando perdió su virginidad, cuantos novios ha tenido y hasta del anhelo de su mamá de ser escritora.  Uno de sus momentos inolvidables es el día en que conoció a Alberto, justo cando entraban a la prepa.  Le encantó la chamarra que llevaba y se lo vio parecido a David Bowie.  La verdad es que Alberto fue su primer amor.  Él también se enamoró profundamente de Janis, según él, porque olía a vainilla y a sexo.  Juntos viven un ardiente romance y en su afán de explorar cosas nuevas hasta llegan a probar algo de drogas en una muy prolongada fiesta, pero esta es una de las razones por las que Janis asegura: TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA

 

La labor de dirección por parte de Manuel Cruz Vivas es muy atinada.  Su trazo escénico es pulcro.  La acción es constante, permite el lucimiento de su cuadro actoral, tanto en lo histriónico como en coreografías, canto y música.  Aprovecha bien el espacio.  El ritmo es preciso.

 

En el elenco participan:  Belén Mercado,  Edgar Landa  y  Luis Arturo Rodríguez.   Los tres ofrecen un formidable trabajo histriónico, corporal, vocal y expresivo.  Destaca Belén, por ser la que mayor participación tiene en la obra.

 

El diseño escenográfico y la iluminación son creación de Alejandra Escobedo, quien logra una estupenda labor en ambos rubros.  El vestuario está a cargo de Mauricio Arizona, utilizando prendas casuales con algo de versatilidad.  El diseño gráfico es de Zezé F. Ramos.

 

TEATRO EL MILAGRO -- Coordinación técnica:  Aída Escobar.  Planta técnica:  Celso Martínez Flores  y  Rodolfo Mora González.

 

La producción es de MONOSABIO.

 

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

 

Siempre resulta interesante ver teatro hecho desde una perspectiva juvenil, sobre todo, cuando lo hace un equipo muy integrado con un alto sentido de compromiso y amor por su labor.  Es sorprendente la forma en que el elenco participa en todo, ellos actúan, cantan, tocan instrumentos y hasta accionan las luces de piso.  En TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA el entretenimiento está asegurado.  Si eres joven, disfrutarás a fondo el relato y los personajes y si eres mayor, además, comprenderás mejor la forma de pensar de tus hijos o sobrinos.  Son jovencitos dispuestos a comerse el mundo y a aventurarse, pero también saben cuándo rencauzar su camino o pedir perdón a su madre.

 

Después de TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA,  MONOSABIO presentará SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA, del 27 de marzo al 11 de abril de 2019  y  ¡PULSO!, del 17 de abril al 3 de mayo de 2019, ambas de la autoría de Manuel Cruz Vivas. 

 

TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA
se presenta miércoles,  jueves  y  viernes a las 18:00 horas en el
TEATRO EL MILAGRO
Nuevo Espacio Escénico

ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  60 minutos
Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el viernes 21 de marzo de 2019
FUIMOS HÉROES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2019
Según un dicho popular, el hombre debe ser "feo. fuerte y formal".  En primer lugar, no todos son feos, los hay guapísimos y más ahora que acuden al gimnasio y ya no es mal visto que cuiden su físico con productos antes reservados para mujeres; en cuanto a fuertes, eso proviene de que se divide a los dos sexos en fuerte y débil y por lo que respecta a formales, es la referencia a que antiguamente se suponía que eran la parte responsable del hogar, a quienes les tocaba toda la carga económica en aquellos tiempos en que la mujer sólo se dedicaba al hogar.  Con el tiempo, ciertos paradigmas han ido quedando obsoletos.  En la realidad, los hombres, más que fuertes y formales, se sienten héroes, lo son cuando logran un objetivo, cuando conquistan a una bella mujer, cuando meten un gol, cuando el equipo de su preferencia gana un partido. 
A pesar de que continúan vigentes algunos arquetipos de discriminación hacia la mujer, hay un día en que ella se convierte en la reina absoluta:  el día de su boda.  La novia es la estrella de la fiesta.  Además de todos los arreglos pertinentes al evento, como la lista de invitados, dónde se llevará a cabo, qué alimentos, bocadillos y bebidas se servirán, los arreglos florales, la música, etcétera, la novia tiene que elegir el vestido, decidir el peinado, maquillaje, accesorios, someterse a tratamientos de belleza, ya que sabe que todas las miradas se centrarán en ella y, por supuesto, quiere mostrar la mejor versión de sí misma en ese fecha tan importante. 
Hasta ahora, dado que la novia se llevaba todos los comentarios, no nos habíamos detenido a pensar qué siente el novio en el día de la boda.  El actor, escritor y director Alfonso Cárcamo utiliza su dramaturgia para revelar a través de FUIMOS HÉROES el sentir íntimo del novio a pocas horas de la boda, junto con todas sus incertidumbres y preocupaciones.  
Alfonso Cárcamo es egresado de la carrera de actuación del Centro Universitario de Teatro de la UNAM.  Varias de sus obras han sido presentadas en importantes festivales tanto en México como en el extranjero.  También tiene una amplia trayectoria desarrollando series para diversas cadenas de televisión. 
En la sinopsis de FUIMOS HÉROES, se lee:  "Faltan cuatro horas para que Emilio se case, pero no está seguro de querer hacerlo. Pedro y Vicente, sus mejores amigos y quienes creen que Emilio es el hombre más hombre del mundo, hacen lo que pueden para convencerlo. Juntos revisan su historia de amistad, desnudan las razones que tuvieron en aquellos momentos en que tomaron la decisión más importante de su vida. Entonces descubren que ya no está en sus manos elegir. Que ellas, todas las mujeres, aprovechando que los hombres se durmieron en sus laureles, dominan el mundo y poco o nada queda de aquellos héroes inconmovibles que hicieron la historia".
El texto escrito por Alfonso Cárcamo es de buena estructura y capta el interés de principio a fin.  Delinea con precisión la forma de ser de sus tres protagonistas, diferentes entre sí, pero como han sido amigos por muchos años, se conocen a fondo, se quieren y se comprenden.  Comparten la pasión por el futbol.  No siempre están de acuerdo y en ocasiones casi se van a los golpes por defender sus ideas, pero se detienen ante la amistad que los une.  Para la narrativa utiliza lenguaje propio de los hombres, con algunas palabras altisonantes, lo que hace que el público sienta que está presenciando escenas de la vida real.   Entre los temas que se abordan están amor, atracción, fidelidad, matrimonio, paternidad, logros, frustraciones, temores, compromiso, hijos, etcétera.
La acción comienza cuando Emilio se está vistiendo para su boda, tiene dificultades en hacer el lazo de su corbata, pero lo más preocupante es que no está tan seguro del paso que va a dar.  Pareciera que está por arrepentirse.  Pedro y Vicente tratan de convencerlo de no dejar plantada a Patricia, aun cuando saben que Emilio siempre ha proclamado que sería un eterno soltero.  Pedro alude a la felicidad que ha alcanzado con Inés, su esposa, mientras Emilio recuerda momentos vividos con Susana, una mujer que siempre le ha atraído.  En tanto que Vicente dice que al menos él no tendrá esas confusiones, dado que es homosexual y sus historias de amor son diferentes. 
La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable.  Antonio Castro hace gala de su amplia experiencia al crear un trazo escénico de precisión.  Saca a flote lo mejor de la calidad histriónica de su extraordinario elenco.  Balancea pausas y acción.  Aprovecha a fondo el espacio.  El ritmo es acertado.
La labor histriónica, corporal, vocal y expresiva de los tres protagonistas es estupenda.  Ellos son:  Leonardo Ortizgris (Emilio),  Tizoc Arroyo (Vicente)  y  Mauricio Isaac (Pedro).
Ingrid SAC es la encargada del diseño de escenografía, iluminación y vestuario.  Realiza un trabajo formidable en sus tres rubros.  El dispositivo escénico creado por Ingrid SAC no sólo es bello, lucidor y práctico sino tan funcional que son los protagonistas quienes producen los cambios, mismos que son diversos, con lo cual también queda evidenciada la versatilidad escenográfica.   La iluminación está perfectamente administrada,  y  el vestuario es idóneo, hace que los personajes se vean muy elegantes en sus atuendos de boda y, en contraste, que luzcan casuales en ropa informal, sin olvidar los logos de sus equipos favoritos.
Miguel Hernández coadyuva con su diseño sonoro a marcar las transiciones de tiempo que hay en el relato. 
El resto del equipo creativo está conformado por:  Sheila Flores en diseño de producción y producción ejecutiva;  Miguel Alejandro León es asistente de dirección;  Lauro Longoria es asistente de producción ejecutiva;  Mirna Peña en diseño de imagen;  Corina Rojas - Pop Comunicación en difusión y promoción;  iQ Acosta & Co. en relaciones públicas;  Isa Ramos - Strave Digital Marketing en redes sociales;  David Flores Rubio en fotografía;   Juan Carlos contreras - Aicon Media en videoproyecciones;  Carlos Dávila es asesor financiero;  Cacumen Teatro en producción general;  Pierre Tatarka en realización y dirección de video promocional;  SERO Construcciones en realización de escenografía,  y  Pedro Martínez García en realización de vestuario.
FUIMOS HÉROES es presentada por la Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico y por Cacumen Teatro, productora que fue fundada y es dirigida por Tizoc Arroyo.
Esta es una gran oportunidad para presenciar una plática entre amigos y conocer los pensamientos más íntimos de los hombres, todo aquello que les preocupa, lo difícil que es llevar a cuestas los estereotipos de masculinidad, sus temores a dar el paso definitivo al compromiso y dejar de ser héroes.  Te divertirás y comprenderás mejor el punto de vista masculino.  Seas hombre o mujer, pasarás un rato muy entretenido con una historia interesante, un fabuloso montaje y actuaciones plenas de veracidad.  ¡No te la pierdas!
FUIMOS HÉROES
se presenta viernes a las 20:30 horas
sábados a las 18:00 y 20:00 horas  y
domingos a las 17:00 y 19:00 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  75 minutos
Costo de la localidad:   $300
La temporada concluye el domingo 24 de marzo de 2019

 

CÁLLATE Y REMA
Instrucciones para morir
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Cuando se inventó el plástico, pensaron que era una maravilla, su uso se diversificó en tal forma que no existe un solo hogar donde no haya algún artículo plástico.  Transcurrió mucho tiempo para que se percataran de que su degradación es demasiado lenta, por lo cual, no puede desecharse y de lo nocivo que ha sido para la ecología.  Esto aunado a los experimentos nucleares, al uso de atomizadores, la tala desmedida de los bosques, lla contaminación, acumulación de basura  y otros problemas similares han  ocasionado que nuestro planeta enfrente severos riesgos y esté en grave peligro.  Los efectos ya son notorios, el calentamiento global hace estragos con cambios climáticos que no sucedían antes, en diversos lugares hay escasez de agua, muchas especies en peligro de extinción, la fauna marina está muy afectada.  Hoy en día estamos conscientes de que el mundo no es eterno y se han implantado campañas para su conservación del mundo.  Algunos sólo compran productos ecológicos, otros optan por cambiar su tipo de alimentación, varios pretenden rescatar animales, hay quienes siembran árboles, en fin, cada quien trata de ayudar en algo, pero lamentablemente el daño ya está hecho y no pueden ser revertidos. 
Dejó de ser un tema de ciencia ficción para convertirse en una realidad.  Es algo tan preocupante que no podemos dejar de pensar en ello.  El dramaturgo Julián Robles utiliza la dramaturgia como vehículo para trasladar al espectador a un mundo distinto a través de CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir, ubicando el relato después de ocurrida la extinción.  En el universo concebido por Julián Robles, quedan unos cuantos sobrevivientes y todo luce muy diferente.    Por ejemplo, en lugar de acudir a un hospital, la gente va a los cementerios a buscar "refacciones" para sí mismos, o bien, para hacer que sus antepasado vuelvan a la vida, ellos se sienten "en los albores de su inmortalidad", saben que "desde la extinción, nadie ha vuelto a oler a un muerto fresco", podría ser que el cielo esté abajo y el infierno arriba y lo único que les queda claro es que "¡Morirse cansa!".
Los personajes de CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir son "un poeta musulmán, homosexual y suicida; una mujer hebrea enloquecida por su salud: y una madre pía, castrante y olvidadiza".  En la sinopsis de la obra se lee:   "Dos seres aterrados con la idea de la extinción buscan en las ruinas de lo que alguna vez fue un cementerio aquello que les permita continuar siendo inmortales. Ninguno de los dos conoce la muerte, pero le temen igual que los antepasados que están a punto de devolver a la vida. … Sin embargo, la esencia que rescatan del pasado no les sana el miedo a morir. Perdidos en un océano que parece no tener fin, están condenados a descubrir, como todos, la absurda inutilidad de su propia existencia".
El texto de Julián Robles atrapa el interés de principio a fin, es de buena estructura.  Algunos parlamentos son repetitivos, pero pudiera ser que esto es para remarcar lo cíclico de la vida.  La temática es variada:  el miedo a morir, la anhelada inmortalidad, las distintas creencias sin importar la religión que se practique, ya que alude a la fe en general, al catolicismo y al judaísmo, al igual que a rituales, cartomancia o hechicería. También habla de relación filial, amor, compañerismo.  Del subtexto podría entenderse que cada quien vive la vida a su manera, en tanto que todos tenemos dudas, temores, anhelos.
El montaje de CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir por parte del maestro Ricardo Ramírez Carnero privilegia el texto de Julián Robles, lo redimensiona y lo hace mucho más interesante.  Aun cuando los personajes son varios, estos son interpretados por una actriz y un actor, es decir, dos protagonistas, pero atinadamente, Ramírez Carnero integra a un tercer protagonista con un músico en escena, quien acompaña el montaje en todo momento con un sintetizador, uno que otro instrumento rústico, y su voz para emitir cantos o sonidos en forma muy pertinente y oportuna.
La labor de dirección por parte de Ricardo Ramírez Carnero es extraordinaria, su trazo escénico es creativo, entrelaza los relatos en forma idónea, confía en la capacidad histriónica de su elenco para transmutarse en los varios personajes en forma instantánea, aprovecha el espacio a lo largo y a lo alto.  Igual los integrantes del elenco suben, bajan o se adentran en fosas o cuevas subterráneas con cubiertas triangulares, para luego reaparecer, con lo cual infunde una dinámica muy peculiar.  El ritmo es preciso.
Ángeles Marín y Ricardo Cárdenas White ofrecen al público una formidable labor histriónica, corporal, vocal y expresiva.   Para esta interpretación Ángeles deja del lado el glamour, mas no su destreza y sensibilidad para dar vida a los personajes y dotarlos de una amplia gama de emociones.  Luis también encarna a sus personajes de manera muy convincente. 
La composición musical y la ejecución en vivo por parte de Juan Pablo Villa contribuye a la creación del entorno idóneo.
Arturo Nava es quien diseña la escenografía y la iluminación.  En ambos rubros su labor es estupenda.  La escenografía es espectacular, un armazón metálico de tamaño monumental con escaleras y distintos niveles y varias fosas en el piso que aluden a la simbología triangular que une al cielo con la tierra.  La iluminación bien distribuida y acorde al momento que transcurre.
Teresa Alvarado se luce con el diseño de vestuario, utilizando prendas atemporales que uniforman a los tres protagonistas, para lo cual utiliza fina confección, colores neutros, telas gruesas y ligeras de buena caída, cortes asimétricos, flecos insospechados, cuerdas y amarres.
El resto del equipo creativo está integrado por:   Héctor Ortega en diseño de cartel y gráficos, así como en fotografía general;  Fernando Reyes Reyes es asistente de dirección;  Ramsés López y Arturo Piedras (Pinpoint) en difusión y prensa;  Adria Castro en redes sociales;   Coizta Grecko en realización de spot y video;  Perla Tinoco y Marcela Bretón son asistentes de producción;  Sonia Flores Morales es asistente de escenografía e iluminación;  Joana Núñez es asistente de vestuario;  Ixchel Sosa, Karla Gutiérrez y Ángel Estrada en texturización de vestuario;  Alberto Gz. en texturización de utilería;  Juan M. Vargas, Fernando Vargas, Víctor Vargas,  Jesús González, Jesús Argenis, Alejandro Cancino, Valentín Flores, Diego Rodríguez en realización de Escenografía;  Yesenia Olvera en realización de vestuario;  Perla Tinoco, Marcela Bretón y David Castillo en utilería.
EEK Producciones son productores asociados;   Alberto Robinson y Marco Guevara son gerentes de producción;  David Castillo es el productor y coordinador general.
CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir es una producción teatral nacional realizada con el estímulo fiscal del Artículo 190 de la LISR ( EFIARTES – EFITEATRO).
Para Ricardo Ramírez Carnero, Luis Cárdenas White y Ángeles Marín trabajar en esta obra representa un regreso al lugar de sus inicios, toda vez que los tres son egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral de Bellas Artes -ENAT- del Centro Nacional de las Artes -CENART-.  El universo concebido por Julián Robles para CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir, donde todo parece estar al revés, te lleva a reflexionar sobre la posibilidad de que el mundo termine y lo mejor es callarse, es decir, no distraerse con nimiedades, resentimientos ni temores y siempre remar hacia horizontes nuevos.  En lugar de ser instrucciones para morir, lo son para vivir, pues debemos disfrutar al máximo cada minuto de vida.  Un texto interesante, un montaje espectacular, actuaciones entrañables, música propicia.  Aventúrate a acompañar a estos seres que han sobrevivido a la extinción y aprovecha que el precio es accesible. 
CÁLLATE Y REMA
Instrucciones para morir
se presenta de miércoles a viernes a las 20:00 horas,
sábado a las 19:00 horas  y  domingo a las 18:00 horas en el
TEATRO SALVADOR NOVO
dentro del
CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES
ubicado en Avenida Río Churubusco número 79
-esquina con Calzada de Tlalpan-
Colonia Country Club Churubusco
Ciudad de México

Clasificación: A partir de 15 años
.
Costo de las localidades
Miércoles y viernes $45
Jueves $30
Sábados y domingos $100.
Su temporada finaliza el domingo 10 de marzo de 2019

 

ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO
Plays
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Agustín Meza es el fundador de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTOcuyo objetivo es crear, producir y fomentar propuestas de intención artística y estética.  EL GHETTO cuenta con una trayectoria de  es de 24 años ininterrumpidos.  Agustín Meza es talentoso, sensible y creativo.  Tiene la mente abierta a todo tipo de posibilidades, no gusta de ajustarse a normas ni criterios, le encantan los retos y la intervención de espacios.  Para él, el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada.  Aun cuando cada vez que inicia un proyecto, tiene una idea bastante clara de cómo plasmarlo en escena, acostumbra trabajar en colaboración con su equipo, a fin de que en lugar de ser participantes sean parte integral.   
En cada una de sus propuestas lo que más complace a Agustín Meza es tocar el corazón del espectador el espectador.  Hace pocos años creó el teatro de la tersura, un nuevo concepto, a través del cual ha logrado conmover a cuantos han presenciado sus más recientes montajes.  
Entre las obras más exitosas de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO se encuentran:  "El Pasatiempo de los Derrotados ... Cartas de un Idiota" de Agustín Meza,  "Fe de Erratas" de Agustín Meza,  "Esperando a Godot"" de Samuel Beckett,  "Woyzeck" de Georg Büchner,  "El abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas" de Agustín Meza,  "Anatomía de la Gastritis" de Itzel Lara,  "Gritos y Susurros" de Ingmar Bergman, "La habitación y el tiempo" de Botho Strauss,  "La Arquitectura del Silencio", "Aproximación al interior de una ballena" de Ángel Hernández, "NOCTURNO. Homenaje escénico a Octavio Paz"  y  "Los Mansos" de Alejandro Tantanian.
 
En fechas recientes tuvieron una residencia artística en el Centro Cultural El Hormiguero, donde presentaron "Los Mansos" y "La Arquitectura del Silencio" y, asimismo, impartieron un taller y el laboratorio intitulado ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO a cargo de Agustín Meza.  Acudieron once colectivos a inscribirse en este laboratorio.  El proyecto cuenta con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- y, a través de la COMPAÑÍA DEL TEATRO EL GHETTO, al colectivo que resulte ganador se le entregará un apoyo económico para que su montaje sea llevado a escena.  El sábado 23 de febrero se llevó a cabo una presentación de las propuestas de los once colectivos, donde al finalizar el evento el público podía votar por su preferido.  La votación del público pronto se dará a conocer, pero sólo es parte del incentivo que recibirán los colectivos, ya que el ganador absoluto será el colectivo que dictamine la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO.
 
Cada colectivo armó su proyecto a partir de sus experiencias personales dentro del laboratorio ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO.  Para tal propósito, ellos eligieron el tema, su forma de expresión (relato, corporalidad, danza, música, imágenes), determinaron su vestuario, cómo presentarlo, diseñaron el espacio, quiénes participarían, quién o quiénes dirigirían, etcétera, con sus propios medios y aprovechando las herramientas disponibles.  A continuación un resumen del evento.
LOS AUSENTES
 
El colectivo HABITANTES DE LA PERIFERIA presentó LOS AUSENTES, bajó la dirección de Holil Heredia.  Esta propuesta se basó en el dolor de quienes tienen allegados desaparecidos, plasmaron dolor, sangre, los peligros latentes en nuestra Ciudad de México, pero también hablaron de amor y de que cada lunes representa una oportunidad para reiniciar.  Combinaron técnicas coreográficas, corporalidad y actuación para expresarse.
EL ESTADO ALTERNO
 
La COMPAÑÍA ALGARABÍA ESCÉNICA presentó EL ESTADO ALTERNO, bajo la dirección de Ray Nolasco.  Los jóvenes aludieron a los desaparecidos, a la supresión de personas y a la capacidad de tener que  lidiar en un estado alterno.  Para su expresión, utilizaron luz roja, cuerpos ensangrentados, corporalidad y actuación.
EL HOMBRE PEZ
 
El colectivo SEDESIERTO TEATRO presentó EL HOMBRE PEZ, bajo la dirección de Jeovanni Sánchez Castillo.  Varios jóvenes reunidos alrededor de una botella que giraban.  Hacia quien apuntara tenía que decir algo que los demás desconocieran, un secreto que hubieran guardado para sí mismos.   Cada quien comentaba algo que resultaba sorpresivo para los demás, desde una hija con padres alcohólicos, hasta lo que diría un suicida.   Esta propuesta básicamente fue de actuación.
HOMO CONSUMENS. EXORCISMO DEL SISTEMA
 
TEATRO BRUJO presentó HOMO CONSUMENS. EXORCISMO DEL SISTEMA, bajo la dirección de Bruno Castillo y Mabel Petroff.  Una parodia sobre el consumismo, con ideas de cómo exorcizar al sistema, a fin de no caer en los  excesos del consumismo.  Una forma graciosa de ironizar las compras compulsivas y los mensajes subliminales publicitarios.  Esta fue una de las propuestas con mayor teatralidad en la que se utilizaron diversas técnicas de actuación, máscara, tintes de clown, corporalidad, iluminación y gran manejo del espacio, integrando un closet y las puertas disponibles para enmarcar el montaje.
RAÍCES DEL RÍO
 
RAÍCES presentó RAÍCES DEL RÍO, dirección en colectivo.  Como suele suceder, con los trabajos en colectivo, en esta propuesta se difuminó la intención.  Hablan sobre la abuela, los recuerdos que tienen de ella, el grato sabor del mezcal, pero no se concreta algo definido.  El epitafio de la abuela podría haber sido más conmovedor.   Las bellas jóvenes se lucieron con sus atuendos oaxaqueños y su risa alegró a los presentes. 
 
REBELIÓN
 
El colectivo MUTANTE presentó REBELIÓN, bajo la dirección de Eréndira Gómez y Gustavo Schaar.  Los directores con cascos con linterna reciben al público y lo conducen a la sala donde será la representación.  Del techo pende un gran manifiesto que habla de problemas que enfrentamos en forma cotidiana, pero no todos alcanzamos a leerlo completo a causa de la iluminación.  Luego, aparece un actor que trasluce su agobio y  a entender que lo único que queda es la rebelión.  Excelente trabajo histriónico y corporal por parte del actor.
 
VARIACIONES SOBRE UNA COREOPOÉTICA (LILS)
 
PHYSIS DANZA Y ARTES ESCÉNICA presentó VARIACIONES SOBRE UNA COREOPOÉTICA (LILS), bajo la dirección de Omar Francisco Armella.  Con la hermosa melodía "Los sonidos del silencio" de fondo, los integrantes de este colectivo realizaron ejercicios coreográficos, para luego interactuar con el público, eligiendo espectadores al azar y mirándolos directamente a los ojos, lo cual resulta impactante.
 
COMPASÍÓN
 
El colectivo LAS SOCIAS SUCIAS presentaron COMPASIÓN, bajo la dirección de Iliana Muñoz.  La base de esta propuesta fue visual y sensorial.  El público suponía que estaba por entrar a una función de teatro, pero en lugar de eso debía quitarse los zapatos, para luego pararse sobre espejos, una experiencia que jamás habían sentido.  Los espejos estaban rodeados de pequeños focos, lo demás era oscuridad, salvo una especie de cabina a mitad de la sala, donde un hombre comentaba que tenía que lograr un ejercicio consistente en colocar un blanquillo en forma vertical sin que se caiga.  El sonido de fondo era de cuencos de cristal.   Al final, se daba la tercera llamada.   Original y divertido.
FLORES NEGRAS DEL DESTINO NOS APARTAN
 
EL MIRADOR presentó FLORES NEGRAS DEL DESTINO NOS APARTAN, bajo la dirección de Belén Aguilar.  En una pantalla se proyecta la imagen de una mujer, en tanto que un joven habla de ella y comenta que es su madre.  Como lo indica el título, están apartados.  Según él la ama, pero al mismo tiempo la critica.  Muchas cosas de su madre no le parecen, denota tener resentimientos guardados que intenta resolver ahora que ella es mayor y padece una enfermedad terminal.   Bellas imágenes en video y buena labor histriónica y corporal del joven.
PROYECTO VERONESE
LA CORTE DE LOS MILAGROS presentó PROYECTO VERONESE, bajo la dirección de Colectivo Interdisciplinario.  Una propuesta muy interesante y bien lograda de danza teatro, para la cual ocuparon tres espacios.  En un pasillo frente a la escalera, el público veía imágenes proyectadas en la pared de dos hermosas mujeres, después había que elegir entre dos salas, de tal forma que unos vieron una parte y los otros la restante.   En una de las salas una de las intérpretes aparecía detrás de un fino telón de acrílico, haciendo juegos con manzanas.  Lo que yo vi en la otra sala fue a la destacada coreógrafa y bailarina Gabriela Rosero en una poderosa coreografía que requería de fuerza y precisión.  Me pareció impresionante.  
LAS 3 PIELES (versión corta)
Tocó a MOVING HOUSE cerrar el evento, presentando LAS 3 PIELES (versión corta), bajo la dirección de Flor Bucio.  Esta propuesta es interesante, pero no partió de surgió del laboratorio, como las demás, dado que actualmente tienen ese montaje en cartelera.  Se trata de los procesos de embarazo y parto vistos desde una perspectiva coreográfica.  En esta su versión corta incluyeron una escena que no está en el montaje original, a fin de representar el parto, para lo cual eligieron un cuarto de baño.  La cercanía con el público variaba la energía que se siente en una sala de teatro convencional.    
Nos parece muy loable que un creador teatral comparta sus conocimientos a través de laboratorios como ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO.  Debería haber más eventos como este.  Para los asistentes resultó más que interesante ver tan variadas propuestas en un mismo lugar, una tras otra.  Desde luego, hubo de todo, unas más creativas que otras, algunas denotaron más horas de ensayo, las hubo colectivas, de dos o tres integrantes y un unipersonal.   En general, todos se esforzaron por expresar sus ideas y plasmarlas en escena. 
Agradecemos la hospitalidad del CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO y la grata cordialidad de Marco y Mishell de Escena México Contemporánea -EMC-.
 
Por los comentarios expresados por los integrantes de los diversos colectivos nos enteramos de que estaban muy complacidos de haber tomado el laboratorio ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO, dijeron que aprendieron mucho sobre prácticas escénicas y prácticas creativas, que fue un taller que les proporcionó herramientas para expresarse, un espacio que los llevó a cuestionamientos, que les permitió reflexionar, conocer más a fondo los procesos creativos y que abrió sus expectativas. 
La COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO tendrá una residencia artística en el CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE, donde ofrecerá una nueva temporada de LOS MANSOS de Alejandro Tantanian, bajo la dirección de Agustín Meza en la Sala de Escenografía de dicho Centro y también habrá dos talleres impartidos por el equipo creativo de LOS MANSOS y una Master Class a cargo del autor de LOS MANSOS.
LOS MANSOS
se presentará jueves y viernes a las 20:00 horas
y sábados a las 19:00 horas en la
SALA DE ESCENOGRAFÍA del
CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE
Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N
-atrás del Auditorio Nacional
Ciudad de México
Temporada del 28 de febrero al 9 de marzo de 2019
LOS TALLERES son en la
SALA  C C B   del
CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE
Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N
-atrás del Auditorio Nacional
Ciudad de México:
ACTUACIÓN
Imparten:  Genny Galeano, José Luis Villalobos y Xavier Lara Mora
1° de marzo de 2019 - de 10 a 14:00 horas
CREACIÓN MUSICAL PARA LA ESCENA
Imparte:  Steven Brown
7 de marzo de 2019 - de 10 a 14:00 horas
MASTER CLASS DE DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN ESCÉNICA
Imparte:  Alejandro Tantanian
8 de marzo de 2019 - de 10 a 14:00 horas
LAS 3 PIELES
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
 
El ser humano está en constante evolución.   A partir del nacimiento, enfrenta toda clase de cambios, comenzando por los naturales, como el crecimiento y el aprendizaje.  Después, vendrán todo tipo de cambios.  Los habrá voluntarios, circunstanciales o fuera de nuestro control y podrán ser gratos, dolorosos, desafortunados o insoportables.  De cualquier forma, tenemos capacidad para adaptarnos y seguir avanzando.  Cada cambio marca nuestro destino en menor o mayor grado.
 
Algunos son permanentes, en tanto que otros temporales.  Así mismo, entre los más aventurados están el cambiarnos de ciudad y dejar atrás nuestras raíces, o bien, hacernos un tatuaje con lo cual nuestra piel ya nunca será igual a aquella con la que llegamos al mundo, pero, en definitiva, el más radical es tener un hijo.  La vida de los padres cambia sensiblemente al igual que sus responsabilidades.  Cabe decir que, sin lugar a dudas, para la mujer las variaciones son mucho más drásticas porque ella empeña todo su físico albergando al bebé en su interior durante el embarazo y luego viene la lactancia y cuidados del recién llegado hasta que sea independiente, así que los cambios son internos, externos y psicológicos.  Las perspectivas que antes se tenían se modifican.   El balance hormonal se pierde y estos desequilibrios derivan en bruscos cambios de humor y lo que llaman depresión post-parto.
 
La bailarina, coreógrafa y docente mexicana Flor Garfias Bucio atravesó el proceso del parto como cualquier mujer que se convierte en madre, pero tomó conciencia de todas y cada uno de las transformaciones biológicas que experimentaba y decidió crear una coreografía que plasmara su sentir en escena, fue así como concibió la idea de LAS 3 PIELES.   Flor Garfias Bucio es egresada de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-.  Durante 6 años (2008-2014) fue intérprete de la compañía Camerino 4.   En forma paralela, en 2008 fundó el grupo Moving House, el cual le ha permitido crear sus propios proyectos y convertirse en directora y coreógrafa independiente.  A lo largo de su trayectoria ha adquirido amplia experiencia en movimiento y composición coreográfica.  En dos ocasiones (2009 y 2013) se ha hecho acreedora a la beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
 
Lo primero que hizo Flor para concretar LAS 3 PIELES fue convocar a aspirantes a fin de conformar el elenco.  Los requisitos eran que tuvieran experiencia en danza y que tuvieran algún tatuaje, ya que, como parte de su proyecto planeaba que se realizara un tatuaje en vivo sobre el escenario, por ser  "un símbolo que representa el dolor indubitable del parto y la huella que deja en el cuerpo y en la vida de la mujer ...".  Aun cuando la protagonista es sólo una, Flor Garfias Bucio  integró en su cuadro actoral-dancístico a cinco integrantes -cuatro mujeres y un hombre-, pero todos son la misma persona.  Las chicas hacen las veces de alter ego de la protagonista y el chico la energía masculina que hay en ella.  El baile para LAS 3 PIELES no es lineal, se trata de coreografías variadas individuales, de pareja o grupales y van intercalándose con las acciones que muestran diversos momentos de la vida cotidiana, como estar en casa, peinarse, maquillarse, tomar una copa de vino, o bien, deambular por la calle, sortear el tránsito citadino, enamorarse, tener un bebé, tatuarse, devorar una sandía.   Los movimientos son cadenciosos, sensuales y artísticos.  Cada parte del cuerpo queda involucrada en el baile, incluso, sus cabelleras.  El vestuario también es cambiante, va desde lencería hasta atuendos elegantes.   Es teatro danza, ya que, además de la ejecución de danza contemporánea, los intérpretes transmiten sentimientos y actitudes a través de corporalidad y expresiones.

Flor Garfias Bucio ofrece al público una interesante y vistosa coreografía.  Su labor de dirección es impecable.  Los movimientos son ejecutados con pulcritud y estética.  El ritmo es preciso. 

El elenco está integrado por:  Yon Espinosa "Yoyo",  Lola Barajas,  Abril Villareal,  Elisa Romero Romero  o  Vianney Rodríguez,   y  Michelle Temoltzin.  Todos ellos se muestran comprometidos con el proyecto, ejecutan bien sus coreografías  y  sus actitudes son convincentes.   En particular, Lola Barajas, además de en baile, se luce con la ejecución en vivo del theremin y el ukelele, instrumentos que domina, con cuyas notas musicales coadyuva al entorno idóneo del montaje.

El resto del equipo creativo lo conforman:  Mauricio Arizona en diseño de iluminación,  Bernardo Cáceres en edición de audio,  Vianney Rodríguez en diseño de publicidad,  y  Alejandro Strauss en fotografía y registro.
La producción es de KMZ Producciones  y  "La Compañía"   /  Compañía  Moving House.

Dar vida es el máximo milagro que conocemos y en LAS 3 PIELES se pueden ver los procesos de embarazo y parto desde una perspectiva coreográfica con imágenes.  No dudes en ir a ver esta propuesta juvenil de teatro danza, interesante y sorprendente, visualmente estética, con toques de comedia y algo que tal vez no imaginaste presenciar:  un tatuaje realizado en vivo frente a tus ojos. 

La persona que se tatúa en cada función es seleccionada a través de redes sociales, así que si quisieras participar, utiliza esas vías para contactar a Flor Garfias Bucio, a su compañía Moving House, o a los intérpretes.

 

LAS 3 PIELES
se presenta  martes a las 20:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro
Ciudad de México

Duración aproximada:  80 minutos

Costo de la localidad:  $149
Descuentos acostumbradas a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente

La temporada concluye el martes 12 de marzo de 2019
UN ACTO DE COMUNIÓN
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Uno de los anhelos más preciados de algunos jovencitos es independizarse.  Para cumplir su objetivo se esmeran en sus estudios y tan pronto se gradúan buscan un trabajo bien remunerado.  Quienes llegan a lograr ser independientes se muestran satisfechos y felices.  Piensan en todo lo bueno que implica el cambio: ya no requieren de permisos ni concesiones y ejercerán su libre albedrío.  Sin embargo, no tomaron en cuenta lo que perderían y es común que tan solo unos días después comiencen a extrañar a su familia, comodidades y todo lo que compartían.  Nadie les prepara su platillo favorito, no hay consentimientos, caricias, consejos, juegos compartidos ni con quien platicar.  Asumir todas las responsabilidades es una carga pesada, hay que administrar la vida, los recursos y los gastos.  Habrá que estar pendientes de todos los recibos por renta y servicios, comprar alimentos e insumos suficientes, así como efectuar los pagos en forma oportuna.  Por si fuera poco, la soledad no es fácil de sobrellevar. 
Son unas cuantas personas las que disfrutan de estar solos, otros logran acostumbrarse, pero a la gran mayoría les es desagradable y puede desencadenar temores, tristeza, ansiedad, furia y hasta desequilibrios.  El silencio por las noches facilita que fluyan las voces internas y esto puede detonar que aparezcan fantasmas del pasado, recuerdos olvidados, frustraciones y, peor aún, eventos traumáticos que se han enfrentado.  Todo esto hace que la realidad se desvanezca y las fantasías se incrementen.   Tal es el caso de Franky, el protagonista de UN ACTO DE COMUNIÓN de la autoría de Lautaro Vilo.   
El dramaturgo, director de teatro, actor, guionista, traductor y docente Lautaro Vilo, originario de Buenos Aires, Argentina, ha escrito alrededor de quince obras, mismas que han sido representadas exitosamente tanto en su país de origen como en otros y también han sido publicadas.  Por su trabajo, Lautaro Vilo se ha hecho acreedor a múltiples nominaciones, galardones, reconocimientos y premios. 
La inspiración para concebir UN ACTO DE COMUNIÓN le llegó a Lautaro Vilo de un caso de la vida real, una noticia que impactó al mundo.  A principios del año 2001 un joven fue acusado de cometer un crimen en la ciudad de Rotemburgo, Baviera, Alemania.  Los espeluznantes detalles del crimen hicieron que el jurado contratara a un equipo especial de psicólogos y psiquiatras, a fin de que determinaran el estado mental del acusado.  El dictamen final de los especialistas fue que no encontraron señal alguna de demencia.  Al igual que los médicos, Lautaro Vilo decidió escudriñar la mente de este hombre a partir de su dramaturgia.
El texto de UN ACTO DE COMUNIÓN capta la atención del público de principio a fin.  El perfil psicológico del protagonista está perfectamente delineado.  De frente al público hará un recuento de los recuerdo de su vida desde su infancia hasta un poco después de los hechos que hicieron se le acusara.
Al entrar a la sala de teatro lo único que ve el espectador es una silla sobre el escenario vacío.  En la tercera llamada, Franky entra, da unos pasos y se sienta.  Es un hombre joven, alto, de buena presencia, vestido pulcramente, no podría pasar desapercibido.  Tiene la certeza de estar psíquicamente sano y quiere ejercer su derecho de réplica, así que está dispuesto a compartir sus más íntimos pensamientos y su sentir.  Compartirá su propia perspectiva sobre lo ocurrido.  Su plática deja translucir que su nivel de inteligencia es superior al promedio, es culto, educado, ordenado y bastante metódico.  Se remonta a su niñez, nació de un matrimonio bien avenido, tenía varios hermanos.  A todos los amaban y consentían, los cumpleaños eran festejos divertidos, pastel especial, regalos, sorpresas.  De pronto, un día todo cambia, el padre abandona a la madre y se lleva a los hijos, excepto a Franky.  Comienza la desventura.  La madre se desploma y Franky vive con ella, lidiando con el dolor de ambos.   Luego que fallece su mamá, Franky vive solo, tiene un trabajo estable y disfruta de entablar relaciones mediante internet.  Su mayor ilusión es llegar a UN ACTO DE COMUNIÓN con alguien.  ¿Qué es lo que Franky entiende por esto?  Él mismo será quien se los explique cuando vayan a visitarlo.
La labor de dirección por parte de Julio César Luna es impecable.  Su trazo escénico está infundido por la sobriedad.  En lugar de desplazamientos, opta por lo estático, su actor está sentado, se pone de pie en contadas ocasiones, con lo cual todas y cada una de las palabras del texto cobran mayor peso.  En esta obra la acción y las pausas se definen mediante la oralidad.  El ritmo es preciso.  
El desempeño histriónico, vocal y expresivo de Antón Araiza denota el resultado de un exhaustivo trabajo en la creación de su personaje.  A lo largo de su trayectoria, el destacado actor ha demostrado que tiene el talento y la capacidad de transformarse en cualquier personaje y el que interpreta en esta ocasión es verdaderamente impresionante.  Sabemos que el monólogo es la prueba de fuego para cualquier actor y en esta obra lo es más, ya que la única herramienta son las palabras.   Antón enfoca su labor en cómo decirlas, resuelve el alto grado de dificultad utilizando un peculiar fraseo, cual si degustara cada sílaba, habla con elocuencia, su mirada denota absoluta sinceridad y mueve sus manos en cierto modo para remarcar uno que otro parlamento, sin necesidad de alardes ni excesos, la emotividad está presente en todo momento.
El resto del equipo creativo está integrado por:  a.a en producción ejecutiva,  Marilú Garcialuna en asistencia de dirección,  Javier Pérez Maya en fotografía, video y diseño gráfico,  Víctor Audiffred y Sara Cortijo en audiovisuales para redes sociales.
Una historia que conmocionó al mundo es llevada a escena y Lautaro Vilo decide que la narre de viva voz el autor de los hechos, en forma tal, que el espectador conozca las circunstancias y motivaciones que lo llevaron a hacer algo inimaginable.  No pierdas la oportunidad de ver este montaje cargado de sentimientos, reflexiones y deseos incontrolables.  Texto interesante, atinada dirección e interpretación memorable.  Corre a verla.  Su temporada está por finalizar.
 
UN ACTO DE COMUNIÓN
se presenta  a las 20:00 horas los miércoles  20  y  27 de febrero de 2019  en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  60 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,
así como para vecinos de  Coyoacán,  Iztapalapa  y  Benito Juárez
.
SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019

Se dice que los hombres son de Marte y las mujeres de Venus, lo cierto es que hombres y mujeres parecieran hablar un idioma distinto.  Es tan difícil que un hombre comprenda a una mujer como viceversa.  Hay decenas de dichos populares para describir esta situación.  No existe literatura, tratados, cursos, enseñanzas ni consejos que nos faciliten el camino para comprender al sexo opuesto.  Pero, no importa, porque el amor supera este tipo de incomprensiones y las parejas que se aman siguen uniendo sus vidas aun cuando no se comprendan del todo.
Si un hombre y una mujer se atraen y congenian, iniciarán una relación y si ésta avanza, es muy probable que decidan vivir juntos.  Para ello, no es indispensable comprender todo lo que piensa el otro, en virtud de que la mente masculina y la femenina funcionan en forma distinta y es imposible que el pensamiento de ambos sea en el mismo sentido.   Lo mejor es hacer todo lo posible para mantener una buena convivencia, amar, respetar y consentir a la pareja, tratando de que sea feliz y esté a gusto.  
No se requiere de comprensión cuando prevalecen el amor y la afinidad.  En toda relación lo ideal es que los dos persigan el bienestar común.  Se pueden ir salvando esos pequeños baches e incomprensión y, en caso de duda, siempre es posible aplicar la frase  SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS.   Así es como intitula su obra el dramaturgo mexicano Víctor Salinas, quien se ha especializado en explorar las relaciones de pareja.  Con "AMORatados" de su autoría tuvo mucho éxito y permaneció en cartelera durante un largo período.
 SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS es una comedia ligera en la que se representan diversos momentos de incomprensión en la pareja.  Los protagonistas son Claudia y Miguel, dos jóvenes a quienes se verá en diferentes épocas de su relación, como por ejemplo:  su primer encuentro íntimo,  la alimentación que eligen,  un regalo de talla equivocada,  el apego a las madres …. y a la forma en que éstas preparan sus especialidades culinarias,  la elección de un restaurante,  las amistades,  los programas de televisión,  la música,  la anhelada entrega del anillo,  las dietas,  la posibilidad de un embarazo,  y mucho más. 
En forma atinada, el autor no aborda el tema que más molestias causa en una pareja y que es la economía. 
Lo más curioso es que los protagonistas son interpretados por tres parejas distintas, lo cual da una mejor idea de que en todas las parejas pueden acontecer los mismos sucesos.  El relato no es narrado en forma cronológica sino que acciones del pasado y del presente se van intercalando.
Al dar la tercera llamada, el cuerpo actoral se olvida de la cuarta pared, habla directamente al público y pide a los espectadores que sean ellos quienes elijan qué pareja será la número 1, la 2 y la 3.  Es probable que esta sea una innovación introducida por el director, pero resulta un juego divertido que hace que la audiencia se involucre más.
La labor de dirección por parte de Sebastián Sánchez Amunátegui, director chileno radicado en México, es admirable.  Su trazo escénico es pulcro, infunde una dinámica sorprendente y su manera de entrelazar las situaciones de tres parejas distintas que son una misma es impecable.   La acción es constante y el espacio aprovechado a fondo.  El ritmo es muy preciso.
Dado que todos los integrantes del elenco tienen compromisos laborales, en escena aparecen tres parejas, pero en realidad son cinco de base y más se suman al proyecto en caso necesario.  El elenco base está conformado por:  Adriana Llabrés,  Carla Medina,  María José Magán,  Mariannela Cataño  y  Zoraida Gómez para encarnar a Claudia.  Aarón Balderi, Alejandro Sandí,  Chris Pascal,  Juan Martín Jáuregui  y  Luis Carlos Muñoz para interpretar a Miguel.  En la función a la que asistí, actuaron:  Mariannela Cataño,  Verónica Bravo  y  Zoraida Gómez,  como Claudia,  y  Aarón Balderi,  Alejandro Sandí  y  Juan Martín Jáuregui, como Miguel.  Todos ofrecieron un buen trabajo histriónico y corporal, además de su grata presencia escénica.
La escenografía es bellísima, representa el departamento que todos quisieran tener, espectacular vista por la ventana, fino mobiliario, desniveles, amplitud, buena decoración.  El diseño fue creado por Oscar Acosta.
La iluminación diseñada por Isaías Martínez está bien impartida.
La música original para proveer el entorno adecuado es de Tareke Ortiz.  La canción "Los Amantes" es de Pambo.
El diseño de vestuario y styling lo aporta Macarena Martínez Verti, con finas prendas de buena confección, excelente caída y colorido variado.
Los productores son:  Omar Ahed en producción general,  y  Daniel a Madrid en producción ejecutiva.
SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS es presentada por OAK LIVE!
Quedas cordialmente invitado a conocer a Claudia y a Miguel, quienes te recibirán gustosos en su departamento y compartirán contigo recuerdos de su vida privada.  Te divertirás de principio a fin e identificarás algunas de las situaciones en tus experiencias personales.  Una comedia romántica que te permitirá distraerte de preocupaciones cotidianas y de lo que escuchas en noticieros.  Te sugiero ir a verla pronto porque su temporada está próxima a finalizar.
SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS
se presenta
viernes a las 20:30 horas,
sábado a las 19:00  y  20:45 horas,  y
domingo a las 18:00  y  19:30 horas  en el
TEATRO RAFAEL SOLANA
> dentro del Centro Cultural Veracruzano
ubicado en la Avenida Miguel Ángel de Quevedo número  687
Colonia San Francisco, Ciudad de México.
Duración aproximada:  70 minutos
Costo de las localidades:   $600,  $500  y  $400
Descuentos acostumbrados a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente
La temporada concluye el domingo 24 de febrero de 2019 

 

LOS CAMINANTES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Durante mi niñez no pensaba que el mundo pudiera acabarse, la literatura o las películas de ciencia ficción que aludían a esto, me parecían mera fantasía.  Fue a partir de 1985 que comencé a preocuparme al saber que en el Polo Sur habían descubierto un agujero muy grande en la capa de ozono y que esto representaba un serio peligro.  Mayor fue mi preocupación cuando se publicó sobre el calentamiento global.  Según los científicos, el fenómeno surgió hace alrededor de 180 años, pero no lo dieron a conocer, sino hasta que se hizo evidente.  Hoy en día somos testigos de los catastróficos daños que ha sufrido el planeta.  No sólo por el agujero en la capa de ozono y el calentamiento global, sino también por la desmedida tala de árboles, la contaminación, la caza indiscriminada, los desechos industriales y muchos otros problemas.  Estamos conscientes de que si no se toman medidas pertinentes y eficaces, el fin del mundo podría no estar lejano.  Los estragos al ecosistema no pueden revertirse, cada vez hay más especies en extinción, se han desecado ríos y lagos, en muchos lugares el clima es extremoso y los desastres naturales se han intensificado y son más frecuentes.  Se trata de una alarma mundial.  Entre las medidas que ya se han tomado está la de orientar a los niños para que aprendan a brindar mayor cuidado a la naturaleza y, sobre todo, a no causar más daños.   
Preocupada ante la situación, durante la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte en el año de 2014 Verónica Musalem escribió LOS CAMINANTES, una obra futurista que aborda el fin del mundo.  Como sabemos, Verónica Musalem es una mujer inteligente, observadora, sensitiva y amante de la naturaleza.  Orgullosa de sus raíces, suele utilizar su fina pluma para trazar con amplitud de colores la cultura, la cartografía, la vegetación, la artesanía, las tradiciones, las creencias, los sabores, los aromas, las leyendas y, sobre todo, el sentir del pueblo de su amada Oaxaca.  Está cumpliendo 26 años de trayectoria ininterrumpida en su labor dramatúrgica.  Aun cuando Verónica no acostumbra dedicarse a la dirección escénica, desde que escribió la citada obra, se propuso que ella la dirigiría.  
En el momento en que eligió intitularla LOS CAMINANTES, desconocía que esto sería profético, ya que para llevarla a escena, tanto ella como los integrantes de su elenco y colaboradores han recorrido un largo y sinuoso camino.
En abril de 2018, Verónica Musalem ofreció un avance a su público presentando LOS CAMINANTES como trabajo en proceso en el Foro Casa de la Paz.  A pesar de que hacía tiempo que ella tenía el texto completo, sólo presentó una parte del mismo.  Del elenco que presentó aquel trabajo, sólo continúan tres de los actores y la corporalidad aún estaba en ciernes, era mucho más estática que ahora.  Debido a compromisos laborales y viajes previamente concertados, Verónica dejó un poco en suspenso el montaje, retomando el proyecto seis meses después, con miras a estrenar a fines del año pasado, lo cual no pudo concretarse por causas ajenas a su voluntad.  En diciembre de 2018 LOS CAMINANTES participó en el encuentro Urgen Musas como lectura dramatizada, ya con el elenco definitivo. 
Desde el pasado mes de octubre Verónica se ha dedicado de lleno al montaje de LOS CAMINANTES.  Con este propósito, creó una especie de laboratorio de dirección, para lo cual depositó su confianza en el cuadro actoral y en el asistente de dirección y asesor corporal, a fin de que ellos propusieran acciones que dieran fuerza a los parlamentos.  Fue así como bajo la estricta supervisión de Verónica en forma paulatina fueron armándose las coreografías para LOS CAMINANTES, luego de arduo trabajo y largas horas de ensayos, hasta encontrar los movimientos idóneos que habrían de formar parte de la puesta en escena.  Lo cierto es que el resultado de este laboratorio sorprenderá al público.  Me permito darles unos adelantos:  La escena en que la tarántula tiende sus redes a los cuatro actores está llena de simbolismo y refleja la coordinación y precisión del trabajo en equipo.   La corporalidad que despliega la actriz en su interpretación de la tarántula es impresionante.
El texto de Verónica Musalem es de buena factura y capta el interés de principio a fin.  La acción se ubica en "lugares del Sur, más allá del Sur" en el corazón de la sierra oaxaqueña.  El tiempo no se define, pero es el futuro, el fin del mundo se aproxima.  Los personajes son:  un hombre que vive de la caza y que no es afortunado en el amor,  otro que vive del campo, bueno, sencillo, amante de los animales,  una mujer que bailaba en un bar, luego de trabajar en un circo cuando era niña, quien a raíz de sufrimientos y vicisitudes se ha empoderado,  y  dos sicarios -uno al que le encanta matar y presume de mujeriego, el otro algo tímido, de buen corazón, que se dedica a asesinar porque es lo único que le deja dinero.  En cierta forma, todos ellos, por diversas razones, han llegado a sus límites individuales.  Los cinco se encuentran mientras recorren "caminos donde hay nada, hay nadie".  Según nos dice Verónica, la naturaleza es un personaje más  "que enloquece y cuestiona todas las creencias de los protagonistas", así que ella aprovecha para describir la perdida belleza de la vegetación, su frondosidad y sus vivos colores. Los temas que toca el texto son muy diversos, entre estos, el amor, la soledad, el aislamiento, el "machismo", la seducción, la fe y la migración.  Algunos de los temas cobran particular importancia en nuestros días, nos duelen, sabemos de compatriotas que han sido desplazados de sus lugares de origen a causa de la violencia  y  hemos visto cuántos migrantes llegan a nuestro país.   
La acción comienza cuando Román y Ernesto deambulan por parajes desolados, comentan estar hambrientos y deciden cazar algo para poder comer.  Frente a ellos pasa un venado.  Ernesto le pide a Román que le dispare, pero la majestuosa belleza del ejemplar le impide matarlo.  El venado escapa a gran velocidad.  Ernesto se enoja con Román.  Sin darse cuenta, Román es picado por un alacrán y los efectos del veneno lo sumen en un delirio.  Divaga, dice que es tiempo de una "nueva conquista" y que tienen que hacerse de armas para combatir al enemigo.  Ernesto se limita a seguirle el juego, ante la imposibilidad de trasladarlo a un hospital o brindarle cualquier tipo de ayuda.   Poco después, llega Anabela, hermosa, sensual y enigmática.  Mujer que ha aprendido a defenderse, es aguerrida, nada le causa temor y no se deja de nadie.  Está acostumbrada a hechizar a los hombres, lo que no sabe es que Mauricio y Julián, dos matones a sueldo andan buscándola.
La labor histriónica, corporal y de expresión de todos los integrantes del elenco es estupenda.  Genny Galeano es Anabela, "La Tarántula",   Luis Ernesto Verdín es Román, el joven sensible.   Luis Villalobos es Mauricio, matón a sueldo,  Javier Sánchez es Ernesto,  David Sicars es Julián.   Destaca Genny Galeano por su magnífica interpretación de un personaje tan complejo como intenso.
Parte fundamental para el relato es el diseño sonoro.  Alejandro Andonaegui crea la composición y ejecuta la música en vivo en su teclado.  Alejandro está en el proyecto desde su inicio improvisando la música en forma consistente a la acción de cada momento.
Lydia Margules aporta un buen trabajo con su diseño de iluminación, proveyendo el sombrío entorno en el que habitan los personajes.
Cabe aclarar que, desde mi punto de vista, el foro en donde se presentan no les es propicio.  Es una sala hecha para teatro de cámara.  El tamaño del escenario es pequeño y, por ende, en algunas escenas parece insuficiente para albergar a cinco actores, en demérito de la isóptica.  El equipo lumínico no permitió a Lydia Margules la realización de un trabajo óptimo como los que le hemos visto anteriormente.  Las rosetas de led de colores distraen la mirada del espectador y en ocasiones hasta molestan.  Por último, se carece de buena acústica, lo cual también desluce el extraordinario trabajo de Alejandro Andonaegui. 
El resto del equipo creativo está conformado por:  Marco Vargas en intervención escénica,  Alejandro Rivera Delgado es el productor asociado,  Erika Medina y Erick Saúl E. en producción ejecutiva,  David Cano Sánchez en diseño de maquillaje,  Luis Ángel Torres en diseño gráfico,  y  Sandra Narváez en difusión y prensa.
La producción es de:  Musa-Colibrí-Producción  y  Producción Escénica S.E.
El montaje de LOS CAMINANTES está dedicado a Gerardo Musalem Moreno.
El potente texto concebido por Verónica Musalem, las interpretaciones y la asombrosa corporalidad de los integrantes del elenco hacen que valga la pena aventurarse a imaginar qué sucederá en el fin del mundo.  La devastación y la esperanza van de la mano con los personajes en la poética de LOS CAMINANTES, en virtud de que el instinto de supervivencia es uno de los más fuertes que tenemos.  La sensibilidad con la que se aborda un tema tan temido como preocupante, nos insta a valorar mejor lo que aún tenemos.  Seamos más conscientes de los daños causados, mientras cuidamos, disfrutamos y admiramos el esplendor de la naturaleza.  No dudes en ir a ver un trabajo bien logrado en un montaje estético y lleno de energía.  Tomen en cuenta que la temporada es breve.
LOS CAMINANTES
se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas en el
FORO BELLESCENE
ubicado en la calle Zempoala número 90
Colonia Narvarte Oriente, Ciudad de México.
Duración aproximada:  105 minutos
Entrada general $200
Descuento del 30% a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente,
así como a vecinos de la colonia Narvarte
La temporada concluye el viernes 22 de febrero de 2019

 

ATRACCIÓN FATAL

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019


El amor es algo maravilloso, desafortunadamente, en pocas ocasiones surge en forma correspondida.  Se dice que siempre hay uno que ama más que el otro.  Cuando dos personas se encuentran, si se caen bien o se gustan, lo primero que surge es la empatía y, después, la atracción, pero ninguno de los dos puede saber qué es lo que el otro piensa.  Si se siguen viendo y continúan relacionándose es posible que florezca el amor.  Sin embargo, al igual que cada cabeza es un mundo, cada quien tiene sus propias ideas sobre el amor.  Las opciones son múltiples.  Hay quienes sólo se enamoran sin pensarlo, otros buscan algo y si esto es algo bueno o malo depende de lo individual.  Algunos pudieran buscar alejarse de la soledad, estabilidad o formar una familia, en tanto que otros podrían tener intereses ocultos, como aprovecharse de alguien, sea física, económica o emocionalmente, o bien, sin desearlo, se les puede convertir en una obsesión, lo cual implica peligrosos riesgos tanto para esa persona  como para el otro y los allegados de ambos. 
El tema de la obsesión es el que aborda el guionista y director cinematográfico inglés James Dearden en ATRACCIÓN FATAL.   James Dearden es un destacado cineasta que ha recibido importantes galardones y reconocimientos a lo largo de su trayectoria.  De toda su obra, la única película que ha sido llevada a escena es ATRACCIÓN FATAL, lo cual ocurrió varios años después de que la cinta protagonizada por Glenn Close y Michael Douglas, tuviera tanto éxito en todo el mundo.  En tanto que el film data de 1987, la adaptación para teatro fue realizada hasta 2014 por el laureado director teatral Sir Trevor Robert Nunn.  La obra se estrenó en el Theatre Royal Haymarket ubicado en la parte Este de la Ciudad de Westminster, Londres, Inglaterra.
Los productores mexicanos Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo obtuvieron la licencia de Paramount Pictures para presentar ATRACCIÓN FATAL por primera vez en nuestro país, bajo la dirección de Antonio Castro.
El libreto escrito por James Dearden es de buena factura y capta el interés de principio a fin.  Se trata de una obra de suspenso en la que cada acción va cobrando fuerza propia hasta integrar el cuadro completo. 
La trama versa sobre un hombre que tiene todo lo que pudiera desear, éxitos profesionales y una bella familia, ama a su esposa y adora a su hija.  Siente que ha logrado cumplir sus objetivos y goza de lo que ha construido y es feliz, hasta que un día su destino cambia.  En un viaje de negocios, una hermosa mujer le coquetea y, a pesar de que al principio se resiste, finalmente es seducido por ella.  Desde luego, espera que nadie se entere y que su vida siga su curso normal.  Lo que él no sabe es que lo que para él fue una simple aventura, para la mujer será una fuerte obsesión que pondrá en peligro no sólo a él sino a todo su entorno.
La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable, su trazo escénico está muy bien diseñado, la acción es constante, el ritmo preciso. 
El elenco está conformado por:  Itatí Cantoral,  Juan Diego Covarrubias,  Fabiola Guajardo,  Dobrina Cristeva,  César Ferrón,  Michelle Jurado, Melissa Lee, Moisés Peñaloza y Christopher Valencia.  Alternan funciones:  Vanessa Acosta,   Diego Medel,  José Manuel Lechuga,  Nuria Loya  y  Matilde Moreno.   Destaca el desempeño histriónico y corporal de las bellas Itatí Cantoral y Fabiola Guajardo.  La sensualidad que impone Itatí en la escena en fabulosa.
La escenografía y el vestuario son diseño de Teresa Alvarado, quien logra ambientar apropiadamente el relato.  Para el vestuario sus diseños son elegantes y variados, las prendas bien confeccionadas de excelente corte con buena caída de telas, así como un atinado uso de colores.
El diseño de iluminación está a cargo de Félix Arroyo, quien la administra en forma acertada y en consistencia con las acciones.
La música original es de Antonio Fernández Ros y el diseño sonoro de Miguel Ángel Hernández.
Para el montaje mexicano se utiliza un sofisticado equipo multimedia a base de dispositivos de los conocidos como mapping, reproductores de imágenes que se cambian fluida y fácilmente, lo cual permite tener diferentes entornos en forma instantánea.  Esto coadyuva con la agilidad requerida, además de dotar de una espectacularidad impresionante a la puesta en escena.  La escenografía digital es creación de Diego Lascuráin.  El jefe de multimedia es Carlos Hurtado.
La traducción a nuestro idioma fue realizada en forma fiel por Fernando Canek.
La adaptación para México la hizo Oscar Ortiz de Pinedo mediante un trabajo extraordinario, al cual corona con un final distinto al de la afamada cinta.
La producción es de Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo.
ATRACCIÓN FATAL es presentada por Entretenimiento Palomero y Ortiz de Pinedo Producciones.
La exitosa temporada culminó con la develación de placa por parte del autor James Dearden, quien quedó muy complacido con esta producción mexicana tan espectacular a la altura de las mejores del mundo.  La obra se presentó en el TEATRO LÓPEZ TARZO de la Ciudad de México.  Salvo que hubiera más temporadas, los capitalinos ya no podremos ir a ver ATRACCIÓN FATAL, con un relato muy interesante, atinada dirección, múltiples escenarios que permitían al espectador ubicarse en lugares tan distintos como como una residencia, un hotel, un hospital, oficinas, etcétera, bella música, buenas actuaciones y la arrolladora sensualidad de Itatí Cantoral quien se atrevió a hacer un desnudo total de espaldas al público.  Sin embargo quienes viven en el interior de la República Mexicana podrán disfrutarla, ya que estarán de gira por varias ciudades.  Les sugerimos estar pendientes de las carteleras.  A continuación incluimos el programa inicial de la gira.  ¡No se la pierdan!
Febrero 2019
7     Toluca
9      Puebla
14      Culiacán
15     Mazatlán
16     Durango
21    Ciudad Juárez
22      Chihuahua
28      Monterrey
Marzo 2019
1°     Monterrey
2          Saltillo
3     Zacatecas
5    San Luis Potosí
6    Aguascalientes
7  y  8     Guadalajara
9      Morelia
15     Tijuana
16     Mexicali

 

21      Querétaro
INFIERNO COMPRENDIDO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Es costumbre de Teatro El Milagro dar inicio a sus actividades del año con sus ya tradicionales Ciclos de Teatro de los Estados  y  de Teatro Emergente.   El Ciclo de Teatro de los Estados permite al espectador ver trabajaos del interior de la República.  En tanto que el propósito del Ciclo de Teatro Emergente es brindar un espacio a los creadores incipientes para presentar sus propuestas.  Dentro del marco de este Ciclo, se encuentra INFIERNO COMPRENDIDO de la autoría de Servando Anacarsis Ramos, bajo su dirección. 
Recordamos al joven Servando Anacarsis Ramos por su interpretación del dulce y juvenil Leo en la exitosa obra "La Divina Ilusión" de Michel Marc Bouchard y dirigida por Boris Schoemann, ahora nos toca conocer sus facetas de dramaturgo y director. 
Para su presentación en el Ciclo de Teatro Emergente, Servando Anacarsis Ramos eligió INFIERNO COMPRENDIDO que escribió a partir de "El Castillo" de Franz Kafka.
Al igual que el resto de las obras del escritor austrohúngaro Franz Kafka (1883-1924), "El Castillo" es una novela bastante compleja.   Se sabe que es una obra que el autor dejó inconclusa, misma que fue publicada en 1926 en forma póstuma a dos años de su fallecimiento.   Muchos de los especialistas en la obra Kafkiana consideran "El Castillo" como la obra cumbre de Franz Kafka, en razón a su complejidad estructural y a la madurez simbólica y metafórica que el autor le imprime, así como a la densa intelectualidad con la que está escrita.
Servando Anacarsis Ramos sigue la trama original concebida por Kafka.  El relato versa sobre la lucha de K que tiene que encontrarse con el señor Klamm, para lo cual tiene que lidiar con la burocracia que rige a las autoridades de un castillo donde residen quienes gobiernan al pueblo.  K se desempeña como agrimensor, trabajo complicado, ya que la agrimensura es una rama de topografía creada con el propósito de delimitar superficies, pero no sólo superficies de tierra sino también la delimitación de derechos, es decir, que se estudian  los objetos territoriales a toda escala en el más amplio sentido del término, aplicando para la medición la topografía, la geometría, la ingeniería, la trigonometría, las matemáticas, la física, el derecho, la geomorfología, la edafología, la arquitectura y la historia, para producir documentos cartográficos y de infraestructura.  En la actualidad, la agrimensura continúa vigente, sólo que ahora también se aplican la computación y la teledetección y otros elementos virtuales.
En forma alterna, una liebre es atropellada por una camioneta Suburban y en el accidente tiene una revelación que le indica escribir una obra de teatro didáctico sobre un hombre que viaja a una aldea y tiene que enfrentarse con la burocracia social. 
Dos vertientes distintas que coinciden en algún punto tras ir recabando un cúmulo de voces y cuerpos que crean un paisaje para definir nuestra relación el Estado, con el neoliberalismo y también con el teatro alrededor de esta problemática.
Con su propuesta, Servando Anacarsis Ramos demuestra que no se arredra ante la complejidad y que gusta de tomar retos para manejarlos bajo su perspectiva.  Así mismo, despliega su gran pasión por el teatro, ya que la teatralidad está presente en todo momento.  Utiliza diversas técnicas para plasmar sus ideas, entre las cuales incluye teatro dentro del teatro, algo de cabaret alemán, guiños de clown, multimedia, película muda, ingeniosas caracterizaciones  y tremenda corporalidad.  Lo que ocurre es narrado con un fuerte sentido sarcástico.  Entrelaza las historias en forma consistente.  El público simpatiza con K y se conduele de sus frustraciones, en total empatía, puesto que todos en algún momento hemos sentido impotencia ante trámites burocráticos.  Salpica el relato de alegría con representaciones teatrales medio alocadas.  En cuanto a los temas incluidos, también son muy diversos, hay amor, desesperación, ímpetu, teorías brechtianas y hasta aspectos teológicos.  En general, el trabajo de Servando Anacarsis Ramos es muy interesante y bien logrado.
La labor de dirección por parte de Servando Anacarsis Ramos es formidable.  Su trazo escénico es pulcro, aprovecha con tino el espacio, los desplazamientos están bien administrados, el ritmo es preciso. 
El elenco está integrado por:  Paula Watson,  Nick Angiuly,  Mariana Villegas,  Sofía Gabriel,  Cuauhtémoc Lara Razo,  Boris Schoemann,  Alejo Contreras  y  Sebastián Dante.  Todos ellos ofrecen un estupendo desempeño histriónico, corporal, vocal y de expresión.
El equipo creativo de INFIERNO COMPRENDIDO está conformado por:  Servando Anacarsis Ramos en dramaturgia, dirección y espacio,  Anabel Ortega en diseño de vestuario,  Mauricio Arizona en diseño de iluminación,  Gerardo Del Razo en realización de video y diseño multimedia,  Dulce Mariel en diseño sonoro,  Ramón Hermández Lara en asistencia de dirección,  Gerardo Del Razo en fotografía y montaje de cine mudo,  Hamlet Casas en realización de tocados liebres,  Bryan Cárdenas (Zebra) en asesoría vogue,  Miriam Romero en asesoría multimedia,  Liliana Irene Hernández González en realización de vestuario y telón,  Rosy Morales  y  Fernando Payán (Skené)  en construcción de escenografía,  Mauricio Saldaña en fotografía de póster,  Servando Anacarsis Ramos en diseño de póster,  y  Vika Fleitas Campamar en adaptación gráfica de postales.
En cuanto a producción, los participantes son:  Michelle Menéndez en producción ejecutiva,   Michelle Menéndez   y  Servando Anacarsis Ramos en producción general,  Martín Acosta como productor asociado,  Tamara Salamonovitz Rivadeo en asistencia de producción y coordinación redes sociales.
Colaboradores de Teatro El Milagro:  Aída Escobar en coordinación técnica,  Elizabeth Flores y Celso Martínez conformando la Planta Técnica de Teatro El Milagro.
Una propuesta muy interesante que nos permite asomarnos al universo kafkiano en un entorno pleno de teatralidad, donde Servando Anacarsis Ramos y cada uno de los integrantes de su equipo llevan a buen puerto un relato complejo en un montaje donde se ha cuidado hasta el más mínimo detalle y todos se han comprometido dando lo mejor de sí mismos.  Déjate sorprender y no dudes en ir a ver INFIERNO COMPRENDIDO, saldrás complacido.  Te recuerdo que las obras del Ciclo de Teatro Emergente cubren temporadas muy breves, así que tienes que correr a comprar tus boletos..  
INFIERNO COMPENDIDO
se presenta 
se presenta a las 20:30 horas del
martes 5 de febrero de 2019  y del
miércoles 6 de febrero de 2019  en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en Milán número 24
-entre Lucerna y General Prim-
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  130 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros,
estudiantes o INAPAM,  y vecinos de la Colonia Juárez

 

MANADA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2019
Antón Chéjov (1869-1904), originario de Rusia, quien se desempeñara como médico, escritor y dramaturgo, es considerado uno de los escritores más relevantes en la historia de la literatura.  Además de su enorme talento para crear relatos de interés general, tenía una habilidad impresionante para delinear la psicología de sus personajes.  Entre sus obras más emblemáticas se encuentran "La gaviota",  "El jardín de los cerezos",  "Tío Vania",  y  "Las tres hermanas", las cuales han sido llevadas a escena en múltiples ocasiones a lo largo y ancho del mundo y, por lo tanto, se han convertido en referentes de teatro.  Todo aquel que curse estudios relacionados con el arte escénico, habrá de leer a Chéjov y es probable que en ellos se desarrolle la ilusión de hacer cuando menos un montaje de alguna de sus obras.  Desde luego, en caso de tener la oportunidad, cada quien realizará su versión desde su propia perspectiva.
Son innumerables los montajes que se han hecho en todo el mundo sobre "Las Tres Hermanas".  En tanto que algunos se apegan al texto lo más que pueden, otros sólo lo toman como inspiración, por lo que, en el mundo "Las Tres Hermanas" ha sido presentada en muy diversas versiones.
Luis Eduardo Yee, egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA, quien se ha desempeñado como actor, director y dramaturgo, decidió hacer un montaje de "Las Tres Hermanas" a partir de su visión personal.   La propuesta de Luis Eduardo es atrevida, toma como base un clásico universal, introduce algunos cambios y  lo reviste de variadas disciplinas. A su versión, la intitula como MANADA, tal vez utilizando este término como sinónimo de familia.
El cambio más drástico de Luis Eduardo es el de cambiar el género a las hermanas para personificarlas como hombres, aun cuando respeta los nombres originales de Olga, Masha e Irina.  Desde luego, las respectivas parejas o amores de las hermanas y ciertos allegados habrán de ser mujeres (con nombres masculinos) en aras de la consistencia. Para el público resulta curioso ver a un hombre con nombre femenino o viceversa.
En relación con las coreografías, Luis Eduardo Yee despliega su ingenio transformando a los integrantes de su elenco en estáticos maniquíes, en soldaditos que se mueven al unísono, o bien, en practicantes de ejercicios de yoga propios de la relajación.  Así mismo, las técnicas de actuación que aplica son diversas, como redimensionar espacios al hacer que alguien hable al vacío, de cara al lado opuesto de donde está su interlocutor, o llegar a excesos, como en el caso de las escenas, las reacciones de Masha en cierta escena, evocando la actuación que se utiliza para telenovelas, representando esto un fuerte contraste con la contención que predomina el montaje.  Utiliza lenguaje coloquial que utilizan los jóvenes de hoy en día, tales como "¿en serio?".  En cuanto al espacio escénico, toda la acción ocurre dentro de la casa de las tres hermanas, así que no tiene que preocuparse por armar escenarios distintos.  En definitiva, los cimientos de este proyecto se basan en el desempeño actoral del elenco.  Todo esto le da originalidad a MANADA de Luis Eduardo Yee.
El relato de MANADA se apega al de Chéjov.  Las tres hermanas recuerdan a su padre, quien falleciera un año antes, la fecha coincide con el cumpleaños de Irina, la menor, así que para festejarla se ven precisadas a dejar de lado el dolor y la nostalgia.  Otro de los ejes importantes es el desgaste del matrimonio de Masha, quien se enamora perdidamente de Vershinin y quisiera huir de todos sus problemas al lado de éste para construir una vida nueva.
La dirección escénica está a cargo del propio Luis Eduardo Yee, quien logra una labor impecable plasmando en el escenario su visión personal del universo de "Las tres hermanas".  La acción es constante y dinámica.  El desplazamiento actoral es fluido.  Las coreografías están bien administradas.  La corporalidad que impone es atrayente.  El ritmo preciso. 
Como lo mencioné antes, una de las cartas más fuertes de la propuesta es el cuadro actoral y, para ello, MANADA cuenta con un elenco extraordinario.  Todos  los integrantes están  muy comprometidos con el teatro, algunos cuentan con una larga trayectoria, otros no tanto por su juventud, pero todos tienen amplia experiencia, talento y habilidades.  Ellos son:  Hamlet Ramírez (Olga),  Miguel Jiménez (Irina),  Fernanda Echeverría (Solioni),  Gabriela Guraieb (Tusembaj),  Pablo Marín (Masha),  Miguel Romero (Chebutikin),  Regina Flores Ribot (Anfisa),  Francia Castañeda (Vershinin),  Paula Watson (Kuligin),  Roldán Ramírez (Natasha),  Lucía Uribe Bracho (Andrei).  Cada uno de ellos ofrece una formidable labor histriónica, corporal y vocal.
Beneficia el montaje la composición musical ejecutada en vivo por Alejandro Pressier, en ocasiones justo al lado de los actores.
El concepto escénico fue diseñado por Fernanda García, quien opta por un gran salón sobrio, pero distinguido.
El vestuario es idóneo para el esquema propuesto.  Se utilizan únicamente los colores blanco y negro, los diseños son originales y elegantes.  Algunas prendas son similares entre sí, pero con ciertas variantes.  La estética siempre está presente.  Las telas son diversas y de buena caída.
El resto del equipo creativo de MANADA está conformado por:  Patricia Guijosa en producción general,  Fundación Javier Marín en producción ejecutiva  y  como productor asociado,  Alejandra Aguilar como asistente general,  Dulce Mariel en diseño sonoro,  Julia Marín en diseño gráfico,  Paris Ramos como asistente de concepto escénico,  Carolina Jiménez en asesoría de iluminación,  Pablo Marín en ilustración,  Luis Eduardo Yee, Fernanda García y Pablo Marín en gestión.
Los patrocinadores son:  Colectivo No somos Compañía,  Arlín Vergara  y  Braulio Daniel Yee.
Una puesta en escena donde un clásico de Antón Chéjov es visto desde una perspectiva muy distinta a la acostumbrada.  Una propuesta arriesgada llevada a buen puerto por su creador, Luis Eduardo Yee, de la mano de un excelente equipo.  Un montaje contemporáneo pleno de estética y originalidad que da particular relevancia a la emotividad de los protagonistas.  Déjate sorprender por las nuevas tendencias teatrales, donde todo es posible, te aseguro que te entretendrás, te divertirás y verás actuaciones entrañables, sólo que tienes que apresurarte porque la temporada actual está por cerrar el telón.
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MANADA
se presenta  el sábado 2 de febrero de 2019 a las 12:30 horas  y
  el domingo 3 de febrero de 2019 a las 12:30 horas  en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  90 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM

 

URGEN MUSAS
Por: Eugenia Galeano Inclán
Enero 2019
A fines del año pasado, se llevó a cabo el Tercer Ciclo del encuentro URGEN MUSAS, cuyo propósito es dar espacio a la dramaturgia y dirección femenina, para exponer las iniciativas escénicas y creativas de las mujeres creadoras.  El evento fue organizado por la dramaturga mexicana Isabel Balboa y se llevó a cabo los días 8 y 9 de diciembre de 2018 en el AUDITORIO VÍCTOR HUGO RASCÓN BANDA ubicado en el inmueble de SOGEM -Sociedad General de Escritores de México-, en Héroes del 47 número 122, colonia San Diego Churubusco, Coyoacán, Ciudad de México.
Para el encuentro se emite una Convocatoria.  Las propuestas recibidas son revisadas y una vez que se determinan cuáles serán las seleccionadas, sale un comunicado, a fin de dar a conocer los resultados y que las ganadoras preparen lecturas dramatizadas de sus obras en las fechas que se les indique.
La entrada es libre en los días del evento, así que cualquier persona puede asistir para disfrutar de lecturas dramatizadas de varias obras inéditas en un mismo lugar. 
En el Tercer Ciclo de URGEN MUSAS los asistentes fueron recibidos cordialmente por Isabel Balboa y por Vicente Eduardo Cervantes, representante de FREELANCIA / VEC, encargado de cubrir el encuentro.
Cada día se presentaba la obra de una Directora Residente y las demás obras eran de Directoras Emergentes.  Las Dramaturgas Residentes en este Tercer Ciclo de URGEN MUSAS fueron Gsabriela Ynclán  y  Verónica Musalem.
Luego de las lecturas dramatizadas, había una Mesa presidida por las Dramaturgas y las Directoras en turno, para intercambiar opiniones sobre las obras presentadas y responder preguntas del público.
Así mismo, se instaló dentro del Auditorio un stand donde se vendían artículos de fina artesanía mexicana, así que durante el intermedio se podía comprar lo que fuera de tu gusto.
El programa completo del Tercer Ciclo del encuentro URGEN MUSAS fue el siguiente:
sábado 8 de diciembre de 2018
APERTURA
EN EL BORDE de Lorena Venta, bajo la dirección de Elena Ríos
Elenco:  Mariluz Suárez  y  Rosa Helena Velasco
MERIENDA PA PINGOS de Verónica Guzmán, bajo la dirección de Denis González Noriega
Elenco:  Jocelyn Chacón  y  Dan Alva
ENCORE de Tania Castillo Ponce, bajo la dirección de Alejandra Reyes
Elenco:  Desirée Rivera  y  Juan Carlos Medellín
NI TÉRMINOS NI CONDICIONES de Itzel Arco, bajo la dirección de Paulina Soto
Elenco:  Paulina Soto  y  Ginna Martínez
- Intermedio -
ÁNGELES CAÍDOS O LAS TRES EVAS de Gabriela Ynclán, bajo la dirección de Gema Aparicio
Elenco:  Bertha Vega
MESA DE DRAMATURGAS Y DIRECTORAS
domingo 9 de diciembre de 2018
EL SANADOR de María de Jesús Hernández, bajo la dirección de Ayelén Muzo
Elenco:  Luis Fernando Zárate,  Yolanda Navarrete  y  Armando Tapia
SALSA BOLOGNESA de Giannina Ferreyro, bajo la dirección de Beatriz Cecilia
Elenco:  Joaquín Chablé,  Marina Avilés,  Vicente Eduardo Cervantes,  Beatriz Cecilia,  Jazmín Jáuregui  y  César E. Reyna
COLORADO RIVER de Artemisa Téllez, bajo la dirección de Ana Cervantes
Elenco:  Miguel Pérez Enciso  y  Karen Espinosa
- Intermedio -
LOS CAMINANTES, autoría y dirección de Verónica Musalem
Elenco:  Genny Galeano,  Luis Ernesto Verdín,  Luis Villalobos,  David Sicars  y  Javier Sánchez
Música original ejecutada en vivo por  Alejandro Andonaegui
MESA DE DRAMATURGAS Y DIRECTORAS
CLAUSURA
El encuentro fue exitoso y los dos días tuvieron buen aforo.  Yo asistí el domingo y a continuación les comento sobre las obras que se presentaron en ese día.
EL SANADOR de María de Jesús Hernández aborda el tema de un hombre que se dice sanador, pero que no brinda precisamente salud a sus pacientes.   Su técnica para sanar podría provocar que nadie quisiera acudir con él.  Una comedia de enredos que conlleva tintes macabros.
SALSA BOLOGNESA de María Jesús Hernández es una divertida comedia donde la ficción permite que la madre regrese de ultratumba.  La familia apenas está lidiando con la ausencia de la señora Esther.  Carlos, su marido, está sumido en la depresión.  La hija Gabriela y su sobrina consentida Pilar se consuelan la una a la otra de lo mucho que la extrañan.  En cambio, el hijo Carlos le dice a su pequeño Carlitos que quisiera poder contactar a su mamá porque se fue sin darle la receta de la deliciosa salsa bolognesa que preparaba. 
COLORADO RIVER de Artemisa Téllez es una comedia ligera, en la que se ve la convivencia de una pareja joven.  El mundo masculino confrontado con el femenino.   En tanto que el joven está presionado porque tiene una fecha límite para presentar un trabajo, la joven lo que necesita es que le preste atención. 
LOS CAMINANTES de Verónica Musalem es un relato futurista, los daños ecológicos causados por el ser humano han hecho que el planeta esté a punto de ser inhabitable.  Una visión poética que contrapone la belleza y exuberancia de la naturaleza con la devastación.  Los personajes no tienen nada que perder, se está terminando el mundo, podrían sucumbir o esforzarse por lograr un nuevo comienzo a partir de cero.  Por cierto, esta obra está a punto de ser estrenada en el Foro BELLESCENE el próximo 7 de febrero, así que todos tendrán oportunidad de verla en escena.
Si bien el formato tradicional de lectura dramatizada es que los integrantes del elenco lean el texto que les corresponde, sin necesidad de escenografía ni vestuario. en URGEN MUSAS se brinda libertad absoluta para el montaje de cada quien y la única limitación es el tiempo, a fin de que se puedan presentar todas las obras programadas.  En base a esto, cada uno de los equipos creativos determinó si presentaba una sinopsis, un fragmento o una o más escenas de su obra, ajustándose al tiempo disponible.  En cuanto al formato utilizado, los de EL SANADOR y de COLORADO RIVER utilizaron elementos escenográficos en su presentación, mientras que los de SALSA BOLOGNESA y de LOS CAMINANTES optaron por respetar el formato acostumbrado colocando tan solo sillas.
Resulta propicio que se celebren encuentros como el de URGEN MUSAS, toda vez que se brinda un escaparate para que las dramaturgas presenten trabajos que aún no han sido llevados a escena y sirve a las directoras para ver el desempeño de sus elencos y la reacción espontánea del público.  Además, permite al público gozar de buen teatro sin costo alguno. 

 

 

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2019
Terrence McNally nacido en San Petersburgo, Estado de Florida, Estados Unidos de Norteamérica se ha desempeñado como reportero periodístico, dramaturgo, libretista, guionista, orador y conferencista . Se dio a conocer a la edad de 25 años con su primer éxito en comedia musical.  A partir de entonces, los triunfos se han sucedido, cosechando importantes premios y galardones, entre los cuales se encuentran varios Premios Tony, los más codiciados en la industria teatral norteamericana, así como un Premio Emmy, dos becas Guggenheim, una beca Rockefeller, cuatro premios Drama Desk, dos premios Lucille Lortel, dos premios Obie, tres premios Hull-Warriner, una cita de la Academia Americana de Artes y Letras, dos Premios a Trayectoria de toda una vida -uno otorgado por el Gremio de Dramaturgos y el otro por parte del grupo Lucille Lortel-, sólo por citar los más destacados.  Con una trayectoria de seis décadas, es considerado uno de los mejores dramaturgos contemporáneos y se le describe como dramaturgo notable y perdurable.  La obra de McNally se centra en las dificultades de la imperiosa necesidad de conectarse con otro ser humano.  McNally considera que la función primordial del teatro es crear comunidades mediante puentes que subsanen las grietas que se han abierto entre las personas a causa de religión, raza o género y, en particular, por orientación sexual.
Entre sus múltiples exitosas producciones, en 1990 estrenó EL BESO DE LA MUJER ARAÑA (KISS OF THE SPIDER WOMAN), cuyo libreto escribió con base en la novela homónima del argentino Manuel Puig.  Por esta obra Terrence McNally se hizo merecedor al Premio Tony por mejor libreto para un musical.  EL BESO DE LA MUJER ARAÑA se ha presentado en diversas partes del mundo y se ha convertido en uno de los montajes más emblemáticos del destacado dramaturgo. 
A finales de los años 90, la compañía formada por Humberto Zurita y Christian Bach realizó el primer montaje de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA en nuestro país.  A mediados del año que acaba de terminar, el productor Juan Torres decidió traerla de nuevo a escena con un gran elenco conformado por una veintena de actores, actrices y bailarines, y una decena de músicos.
El texto de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA capta la atención desde el primer instante hasta el final.  El relato recorre una amplia gama de emociones y aborda temas como injusticia, represión, amor, ilusión, amistad, esperanza, lealtad, solidaridad, compañerismo, diversidad.  Si bien la base es dramática, ya que ocurre dentro de una prisión, también hay momentos divertidos. 
La acción comienza cuando Valentín ingresa a la cárcel como preso político y es alojado en la celda de Molina, que es homosexual.  Molina le da la bienvenida amablemente, pero el recién llegado no quiere conversar con él y opta por ignorarlo.  Los dos hombres son muy distintos.  Molina es amanerado, Valentín es muy viril.  A uno lo apresaron por corrupción de menores y el otro fue detenido durante una manifestación de guerrilleros.  Mientras que Molina se autodenomina como "escaparatista", pues se dedica a arreglar escaparates, Valentín es ideólogo y aspirante a revolucionario, le encanta leer libros.  En lo único en que coinciden es que ambos defienden sus ideologías a toda costa.   La convivencia diaria hará que se vayan conociendo en forma paulatina, pues no tienen a nadie más.  La rudeza de los oficiales encargados de la prisión recae sobre cualquiera de los presidiarios y finalmente, quienes pueden se apoyan unos en otros.  Molina le confía un secreto a Valentín -para evadir la desdicha de estar encerrado, recurre a un mundo imaginario.  Cuando era pequeño, su mamá trabajaba en un cine y lo llevaba con ella, así que tuvo oportunidad de ver muchas películas y su actriz favorita era Aurora.  Desde entonces, cada vez que se siente triste, recrea en su mente la escena de alguna película y se ve a sí mismo estelarizándola al lado de Aurora.  En uno de esos filmes, Aurora interpretó a la Mujer Araña.
La dirección escénica está a cargo de Miguel Septién, joven originario de Querétaro, que sorprendió al público capitalino con "Urinetown", musical que trajo a la Ciudad de México en 2017 y que fue un éxito rotundo.  La Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro le otorgó el premio como la Mejor Obra Musical del año.  Miguel Septién radicó en Boston, donde estudió actuación y dirección, para luego regresar a su ciudad natal y fundar  Ícaro Compañía Teatral, de la cual es director. 
La labor de dirección de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA por parte de Miguel Septién es extraordinaria, su trazo escénico es impecable, la acción constante, buen balance y ritmo preciso.  Dimensiona los espacios en forma muy acertada.   Logra imprimir la espectacularidad requerida, sin descuidar la parte humana que es lo esencial en el relato.
Todos y cada uno de los integrantes del elenco ofrecen una formidable labor histriónica, vocal y dancística.  Chantal Andere luce su belleza personal y su extremada esbeltez, es poseedora de una melódica voz y despliega su experiencia en las tablas para dar lucimiento a la Mujer Araña, personaje enigmático y polifacético.  Rogelio Suárez utiliza todo lo aprendido en su amplia carrera en musicales para dar vida a Molina en forma muy emotiva.  Aun cuando es el debut de Jorge Gallegos en teatro musical, aceptó el reto de encarnar a Valentín, del cual sale airoso, dándole los toques pertinentes, además de tener una voz muy potente.  Complementan el cuadro actoral:  Luis Gatica, Olivia Bucio, Jimena Parés, Jair Campos, Eduardo Partida, Fer Soberanes, José Ahued y la actriz queretana Andrea Biestro.  En el ensamble participan:  Pablo Rodríguez, Claudio González, Gilberto Recoder, Francisco Huacuja, Orville Alvarado, Pedro Gea, Oliver Kewnay, Gerry Pérez, Gerardo García y Julio Montejano.
La coreografía diseñada por Pablo Rodríguez es la idónea y está muy bien ejecutada por los intérpretes.
La música es de John Kander y la letra de las melodías de Tred Ebb, quienes colaboraron con Terrence McNally en el montaje original.  Bella música que a lo largo de los años ha trascendido.  Para su representación en México, las letras fueron traducidas a nuestro idioma.
Tanto la escenografía como la iluminación privilegian el montaje.  Los diseños fueron concebidos por Óscar Acosta, quien obtuvo resultados óptimos en ambas áreas.  La escenografía es de gran belleza estética, es muy funcional y añade el esplendor requerido para crear los diversos escenarios previstos en la historia.  La iluminación contribuye a llevar al espectador a compartir con los personajes las vivencias que estos tienen.
El diseño del vestuario por parte de Eugenio Alzás es otro acierto.  Los atuendos de la Mujer Araña son sofisticadamente espectaculares, vistosos, variados y consistentes al personaje que corresponde a la cinta que Molina elige según su estado de ánimo.  Así mismo, para los presidiarios y funcionarios de la prisión utiliza telas y estampados apropiados.  En ciertos bailables aporta variantes en cuanto a estampados o colores.
Este es sin duda uno de los montajes musicales más logrados de todos los tiempos.  Una puesta en escena con todo lo necesario para ser recordada por siempre.  Una historia interesante que te atrapa, divierte y conmueve.  Un equipo de trabajo muy integrado y comprometido te espera.  No te pierdas EL BESO DE LA MUJER ARAÑA pero para verlo tienes que salir corriendo, puesto que su temporada está en la recta final y sólo les queda este fin de semana.  
EL BESO DE LA MUJER ARAÑA
se presenta  el  sábado 12 de enero de 2018 a las 17:30 horas  y  a las 20:30 horas
y el  domingo 13 de enero de 2018 a las 17:00 horas  y  a las 20:00 horas  en el
TEATRO HIDALGO IGNACIO RETES
ubicado en la Avenida Hidalgo número 23, Centro Histórico,
-a espaldas del Palacio de Bellas Artes-
Ciudad de México
Duración aproximada:  210 minutos
Costos de las localidades:   Vip $1000,   Preferente 1 $900
Preferente 2 $850,  Preferente 3 $750
Preferente 4 $550 y Preferente 5 $450
Descuentos acostumbradas a personas con credencial vigente
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LAS TRES HERMANAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Diciembre 2018
Se dice que el teatro refleja la vida, pero también la vida refleja el teatro.  Sabemos que la realidad puede llegar a superar la ficción.  Lo cierto es que lo más difícil de reflejar es el sentir humano.  La gama de sentimientos es amplísima y cada persona es única y tiene su forma individual de sentir.  El umbral del sentimiento es distinto, además, las circunstancias, el entorno, los allegados y hasta su situación económica tienen influencia, sea para bien o para mal.  No sólo depende de la capacidad de alguien para tolerar o disfrutar de algo, sino también cuenta si lo expresa o no.  Hay quienes sacan a flote lo que sienten, en tanto que otros los guardan en su interior y se convierten en expertos del disimulo.  La complejidad del ser humano es ilimitada.
Los autores con mayor habilidad para delinear el perfil de sus personajes y retratar su psicología son quienes más impacto causan con sus relatos.  Ejemplo de estos autores es Antón Chéjov (1869-1904), originario de Rusia, quien se desempeñaba como médico, escritor y dramaturgo.  Chéjov es uno de los más importantes escritores en la historia de la literatura, precisamente por ser un maestro en la corriente psicológica del realismo y el naturalismo.  Algunas de las obras que en más ocasiones han sido llevadas a escena en todo el mundo son  "La gaviota",  "El jardín de los cerezos",  "Tío Vania",  y  LAS TRES HERMANAS.  Los personajes de todas estas obras representan un tremendo reto actoral para quienes los interpretan.
En estas fechas podemos ir a ver LAS TRES HERMANAS, bajo la dirección de Diego del Río.  A pesar de su juventud, Diego del Río tiene una larga y brillante trayectoria en el campo teatral.  Obtuvo su licenciatura de Teatro en el año 2012 en la Universidad de Las Américas Puebla -UDLAP-, donde ingresó gracias a una beca de artes, para luego, por su buen desempeño, hacerse acreedor a la beca Premio a la Excelencia.  Mientras estudiaba en la UDLAP, integró el grupo de teatro musical de la UDLAP, mismo que continúa vigente.  Aún siendo estudiante trabajó con el grupo "Teatro de ciertos habitantes", dirigido por Claudio Valdés Kuri.  Más adelante, fue designado director residente en OCESA, donde estuvo a cargo de varios montajes.  Se dio a conocer en el ámbito teatral mexicano con su labor en "Espejos" de la dramaturga estadounidense Annie Baker, en tanto que con "El chofer y la señora Daisy" del dramaturgo estadounidense Alfred Uhry, recibió el premio de Director Revelación en el año 2013 por parte de la Agrupación de Periodistas Teatrales -APT-.  Desde entonces hasta la fecha, ha dirigido diversos montajes, todos los cuales han sido exitosos.  
La versión de Diego del Río de LAS TRES HERMANAS de Antón Chéjov es sui generis.  Su primera peculiaridad estriba en que es una visión distinta a lo que estamos acostumbrados a ver.   La historia no se cuenta en forma lineal, puesto que se da mayor importancia al sentir de los personajes que al relato mismo.  Otra singularidad es que en lugar de escenografía, hay 63 sillas, un sillón de tres plazas y un piano, cual si Diego del Río quisiera hacernos notar que el teatro no requiere de entornos.  Tampoco hay vestuario, los actores y actrices suben al escenario con la ropa que traen puesta.   La cuarta pared es flexible, se abre para entablar un diálogo directo con el espectador, así como para marcar el término o inicio de cada acto.  No obstante lo anterior, la teatralidad está presente en todo momento.  Lo humano y lo teatral se fusionan.  Se capta la atención del público desde el primer momento, hasta el final.
LAS TRES HERMANAS cuenta con un elenco privilegiado, de extraordinarios actores y actrices, cuyo histrionismo ha sido probado en múltiples ocasiones.  En esta oportunidad, no sólo ofrecen al espectador interpretaciones excepcionales, sino que hacen gala de que pueden revestirse del personaje que interpretan y en un instante dejarlo de lado para dirigirse al público y dar alguna acotación.  El desempeño actoral es la piedra angular en este montaje y todos los participantes ejecuta su labor con compromiso, profesionalismo y sensibilidad.
Al inicio de la función, el actor que interpreta a Fyodor, nos recibe dando ciertas precisiones sobre el montaje, entre las cuales hay frases verdaderamente impactantes, como por ejemplo:  "el espectador ve el teatro, el actor lo habita".  "a través de los ojos de estos actores podremos ver … ¡ojalá! … la vida",  "si los dos están presentes sucederá.  El alma del actor y la del espectador se fundirán y ya no será teatro sino vida".  Así mismo, también nos advertirá que desean cumplir un desafío diario:  "que no suene un solo celular".
Inmediatamente después, seremos trasladados a la casa de LAS TRES HERMANAS.   Hace un año murió su padre, a quien amaron profundamente y les hace mucha falta.  La fecha coincide con el cumpleaños de Irina, así que tienen sentimientos encontrados, rememoran el duelo, pero también quieren festejar a la hermana menor y tratar de que pase su día lo mejor posible.
Como ya es costumbre, la labor de dirección por parte de Diego del Río es espléndida.  Diseña su trazo escénico en forma impecable y no deja cabos sueltos.  El balance entre acción y pausas es equilibrado.  Sabe motivar a su elenco para que logren actuaciones supremas.  El ritmo es preciso.  Al igual que en sus anteriores montajes, la magia teatral y la emotividad afloran en el escenario.
El elenco, por estricto orden de aparición, está conformado por:  Anahí Allué (Natalia),  Antón Araiza (Nicolás),  Enrique Arreola  o  Alejandro Morales (Fyodor),  Emma Dib (Olga),  Mauricio García Lozano (Vershinin),  Concepción Márquez (Anfisa),  Arcelia Ramírez (Masha),  Evan Regueira (André)  y  Maya Zapata (Irina).  Cada uno de ellos despliega una interpretación entrañable.  Aparte de todo esto, la virtuosidad de Mauricio García Lozano al ejecutar el piano es admirable.
Como antes lo mencioné, la idiosincrasia de los personajes es lo que da pauta en esta puesta en escena.  Si bien los personajes Chejovianos son muy complejos, en la forma en que están representados en esta versión, el espectador ve a los personajes, pero, por sus características tan definidas, igual puede identificar a alguna persona que conoce, lo cual lo acerca aún más al relato.  Allí podremos ver a alguien que está inconforme con su destino, sea porque tomó una mala decisión o porque se vio precisado a cambiar su rumbo.  Una mujer a quien el amor le llega tarde, otra que es manipuladora y que gusta de conseguir todo lo que quiere.  Un marido que aparenta ser amoroso cuando en realidad es dominante.  Otros que logran conformarse con lo que tienen.  En fin, hay un poco de todo.
Integran el equipo creativo:  Evan Regueira y Fabiola Villalpando como asistentes de dirección,  Auda Caraza y Atenea Chávez en diseño de escenografía,  Matías Gorlero en diseño de iluminación,  Felipe Rodríguez Castañón en realización de escenografía,  Felipe Lara en realización de utilería,  Dan Petris y Patricia Trujillo en diseño gráfico,  Alejandro Godoy en adaptaciones gráficas,  Blenda en fotografía. 
La producción es de La Rama de Teatro,  los productores son:  Óscar Uriel, Rodrigo Trujillo  y  Jacobo Nazar son los Productores.
El equipo de producción:  Diego Flores, productor ejecutivo,  Mónica Bravo, directora de producción de La Rama de Teatro,  Denisse Prieto, producción La Rama de Teatro,  Víctor Hugo Pujol y Ángel Trejo en producción Administrativa,  y   José Guadalupe Miranda en contabilidad.
Icunacury Acosta en relaciones públicas,  Alma Reyes, coordinadora de lanzamientos,  Alejandra Vidal, digital project manager,  María José Santana, diseño y animación digital,  y  Patricia Villarejo, community manager.
No pierdas la oportunidad de ver este original y asombroso montaje.  Un relato conocido visto desde otra perspectiva, brillante dirección, inolvidables actuaciones.  El clásico relato de Chéjov es trasladado a la cotidianeidad.   Aprovecha esta temporada navideña para ver teatro que te llegará al corazón, ya que habrá funciones todos los días.
LAS TRES HERMANAS
se presenta de lunes a sábado a las 20:45 horas  y
domingos a las 18:00 horas en el
TEATRO MILÁN
ubicado en Lucerna número 64
- esquina con Milán
Colonia Juárez
Ciudad de México
Duración aproximada:  120 minutos
Las localidades tienen un costo de
Preferente:  $450  y   Mezzanine:  $380
Descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente
La temporada concluye el jueves 10 de enero de 2019
Suspenden funciones los días  24  y  31  de diciembre de 2018