MUJER NO REEDUCABLE
Memorándum teatral
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
En el pasado, las noticias sólo se daban a conocer en periódicos.  Luego surgieron la radio y la televisión.  En la actualidad la información se difunde a través de diversos medios y gracias a los avances tecnológicos, las redes sociales las emiten en forma casi instantánea o, incluso, mediante transmisiones en vivo.  En consecuencia, la labor periodística exige de mayores retos y responsabilidades.  Existen periodistas que en busca de información asumen todo tipo de riesgos, como aquellos que investigan a fondo y llegan a los orígenes de alguna problemática.  Entre estos, se encuentran los que van hasta el lugar de los hechos, viajan a zonas de guerra, se adentran en disturbios, reportan sobre desastres naturales o informan con veracidad acerca de quiénes están cometiendo algún delito o son causantes de cualquier mal. 
Los periodistas están supuestos a informar, no a ser noticia, pero a últimas fechas también lo han sido porque ha habido muchos asesinados.  El año pasado Christophe Deloire, secretario general de la organización internacional Reporteros Sin Fronteras -RSF- dijo en uno de sus discursos públicos:  "La violencia contra periodistas alcanza un nivel inédito este año.  Todos los registros son alarmantes". Lo peor es que en ese mismo discurso, informó las estadísticas de los países con mayor número de asesinatos de periodistas y, tristemente, México ocupa el tercer lugar. 
Por supuesto, todo aquel que no desea que algo oculto salga a la luz, está en contra de la libertad de expresión y en algunos casos llegan hasta el asesinato con tal de acallar a alguien.  La periodista Anna Stepánovna Politkóvskaya (Анна Степановна Политковская) (1958-2006) nacida en Estados Unidos, con ascendencia ucraniana, fue una mujer muy comprometida con el periodismo y luego que por su labor presenciara numerosas injusticias se convirtió en activista defensora de los derechos humanos.
A Anna Politkóvskaya le tocó ser testigo presencial de las atrocidades que se cometían en el conflicto checheno, donde se causaban terribles daños a la población tanto por parte de los militares del gobierno del presidente ruso Vladimir Putin, como por parte de los guerrilleros.  Los artículos que escribió retratando fiel y honestamente lo que ocurría en Chechenia le hicieron ganar mucha popularidad y distinciones, como por ejemplo el Premio Olof Palme y el Premio Hermanos Scholl. 
El caso de Anna Politkóvskaya despertó el interés del destacado dramaturgo italiano Stefano Massini y decidió escribir el memorándum teatral MUJER NO REEDUCABLE (Donna non rieducabile), con el propósito de dar voz a la periodista para narrar sus experiencias en Chechenia, desde donde emitía su información.  Stefano Massini nació en Florencia en 1975, obtuvo su licenciatura en Literatura Antigua en la Universidad de Florencia y comenzó su trayectoria en teatro a partir del año 2000.
MUJER NO REEDUCABLE de Stefano Massini es la obra que eligió la primera actriz Teresa Selma para conmemorar su trayectoria artística de 70 años.

Teresa Selma nació en Venezuela.  Desde muy pequeña sintió vocación por las artes escénicas, pero lo primero que estudió fue psiquiatría, la cual ejerció durante un lapso de 5 años en su tierra natal, alternando su tiempo con algunas intervenciones artísticas.   Durante el gobierno de Marcos Pérez Jiménez, migró a México, donde estudió teatro con el maestro Seki Sano,  y en la Escuela Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes. Su debut como actriz fue en la obra “Amor” en el año 1957. 

En la década de los 60 y 70, Teresa realizó diversos doblajes para la hoy desaparecida empresa CINSA.  Participó en varias telenovelas tanto en México como en Venezuela, entre las cuales destaca su interpretación de Céfora en "Por estas calles".

En 1998 le fue concedido el Premio Águila de San Martín, en la categoría de Mejor Actriz por su participación en la obra "La loca de Bouchot", monólogo inspirado en la novela "Noticias del Imperio" de Alfonso Paso, complementado con un corrido del propio autor, y el poema prehispánico "Elegía" del rey Axayácatl, y en el que Teresa Selma da vida a la Emperatriz Carlota.  Así mismo, en 2006 se hizo acreedora al Premio a Mejor Actriz por parte de la Agrupación de Periodistas Teatrales de México.

Además de por "La Loca de Bouchot", en nuestro país se conoce a Teresa Selma por su participación en las obras "El último verano de Sarah Bernhardt" de John Murrel,  "Arráncame la vida" de Elio Palencia,   "Yo soy Carlos Marx" de Glennys Pérez,  y la divertida "Viejas Picardías" de Mario Ficachi.

Ahora es momento de vera a Teresa Selma encarnando a Anna Politkóvskaya en MUJER NO REEDUCABLE, la intrépida periodista que se enorgullecía de reportar los sucesos de que era testigo, sin hacer juicios ni críticas, a fin de que la gente se enterara de los hechos con toda veracidad.   A pesar de recibir constantes amenazas e incluso sufrir varios atentados, ella no permitió ser reeducada y en forma intrépida continuó realizando su labor y narrando las escenas más terroríficas que veía en una tierra de nadie sembrada de minas.  Quedó convencida de que la raza chechena es la más mentirosa por naturaleza, se horrorizó al ver apuestas en las que el ganador era quien más mujeres hubiera violado,  charcos de sangre sobre la blanca nieve,  rehenes,  ajusticiamientos, por todos lados fuego con llamas altísimas,  cementerios con fosas cuádruples,  planillas imposibles de llenar  y mucho más.

El texto de Stefano Massini es muy interesante.  Para honrar a Anna Politkóvskaya compiló varios de sus artículos, a fin de transmitir lo que ella narraba.  Le dio estructura, lo dividió en capítulos y es así como el público se va enterando poco a poco de las vivencias de Anna.  Es una obra en contra de la bestialidad y la censura, un grito en favor de la libertad de prensa y la libre expresión.
 
Teresa Selma se transforma en Anna Politkóvskaya, dotándola de múltiples matices. permitiendo al espectador conocer a fondo la forma de pensar de la periodista que decidió anteponer su labor a su seguridad personal.  Formidable trabajo histriónico y corporal.
 
La voz en off es la de Wilfrido Momox.
 
La labor de dirección por parte de la primera actriz Teresa Selma es impecable. Su trazo escénico es fino, aprovecha bien el espacio escénico y lo redimensiona para crear diversas atmósferas, los desplazamientos están balanceados y la ambientación es adecuada.
 
Complementan el equipo creativo:  José de la Parra en música original,  Miguel Acebes Tosti en traducción,  Marco Pacheco en iluminación y espacio,  Karla Alejandra Hernández en diseño gráfico,  y  Agencia Lado A / Alicia Garzón en relaciones públicas y difusión.  Agradecimiento a: Carlos Sarmiento.
 
No es tan común que alguien celebre 70 años de trayectoria artística, así que acompaña a Teresa Selma en la conmemoración y podrás ver a Anna Politkóvskaya frente a ti, compartiéndote los horrores de guerra que presenció en tierras chechenas.  Te sorprenderá la lucidez mental, privilegiada memoria y experimentado histrionismo de Teresa Selma, quien ama tanto su trabajo que en ocasiones participa en dos o tres obras al mismo tiempo. Apresúrate a verla porque su temporada es breve.
 
En la función de estreno, el destacado actor Alberto Estrella fungió como padrino.  Al final de la representación, los asistentes tuvieron oportunidad de saludar personalmente a Teresa Selma y de compartir experiencia en un agradable convivio durante el cocktail que tuvo a bien ofrecer El Círculo Teatral.  

MUJER NO REEDUCABLE
Memorándum Teatral
se presenta los jueves a las 20:30 horas en el
CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO
ubicado en Gabriel Mancera número 1539
> cerca de la Avenida Félix Cuevas
Colonia Del Valle Sur
Ciudad de México

Duración aproximada: 90 minutos

Las localidades tienen un costo de:  $200

La temporada concluye el jueves 23 de mayo de 2019

 

NO TODAS VIVEN EN SALEM
Teatro de brujas para conjurar objetos
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
 
México es un país con múltiples tradiciones, vemos a la muerte como una transición y pensamos que nuestros allegados fallecidos nos visitan en el Día de Muertos, colocamos altares con flores, velas, fotografías y todo aquello que les gustaba comer o beber, para que su visita sea grata.  De algún modo, también tomamos a la muerte en broma comiendo calaveritas de azúcar y pan de muerto.  Creemos en el más allá, en leyendas, fantasmas, poseídos, tesoros escondidos, maldiciones.   En ciertas fechas se queman judas, las piñatas representan los pecados capitales, nos encantan los alebrijes.  A mucha gente le complace que le lean las cartas, llevar un amuleto consigo, someterse a limpias o ser curados por brujos, incluso, viajan a Catemaco en busca de estos.  Desde pequeños, en los relatos fantásticos nos llamaban la atención los príncipes y princesas tanto como las brujas.  Además, en determinado momento todos hemos caído bajo el embrujo del amor. 
 
El misterio y el poder de las brujas ejercen una gran atracción sobre nosotros. Tal vez nos hemos disfrazado de bruja o deseado hacerlo.  En cuentos, caricaturas, novelas o películas las representan volando por los aires en escobas y con sombreros puntiagudos, pero también las hay hermosas.  Sus poderes son ilimitados y los activan mediante pócimas preparadas en el típico caldero, rituales, talismanes, palabras cabalísticas o conjuros.  Se dice que todas las mujeres tenemos algo de brujas, lo cierto es que la mayoría conocemos cuando menos un hechizo. 
 
A  lo largo de la historia en todo el mundo han existido brujas reales o mujeres poderosas que han sido señalado como tales.  En ciertos lugares era costumbre hacer cacerías de brujas.  El extremismo religioso las condenaba a morir quemadas en una hoguera con leña verde.  Muchas fueron sometidas a juicios por demanda popular, por la inquisición, por leyes o prejuicios.   En particular, una aldea se hizo famosa por los sonados juicios contra delitos de brujería que llevó a cabo el tribunal Over and Terminer (Concluyente y Condenatorio) en el año 1692.  Se trata de Salem, una población ubicada en el condado de Essex, en Massachusetts, Estados Unidos de América.
 
Desde entonces, Salem, también conocida como La ciudad de las Brujas, se convirtió en un sitio que la gente desea visitar.  Los gobernantes y los pobladores supieron capitalizar la fama del lugar y realizaron construcciones o hicieron adaptaciones para rendir culto a las brujas.  En todo el orbe, Salem es la ciudad con más sitios de interés relacionados con la brujería.  Allí se encuentran el mayor Museo de Brujas, la Casa de los Siete Tejados y muchos otros atractivos turísticos.  Según las estadísticas, Salem recibe anualmente más de un millón de visitantes provenientes de todas las latitudes.
 
Ahora, es momento de enterarnos de que NO TODAS VIVEN EN SALEM.   Jimena Eme Vázquez escribió el texto de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, con el propósito de "trazar un panorama general del fenómeno sociológico de la caza de brujas, así como de la construcción y eventual revaloración del arquetipo de la bruja como símbolo de diversos movimientos feministas (W.I.T.C.H- Nueva York, 1968-1970)".
 
La dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez es egresada de la carrera de Literatura Dramática y Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  Hace 4 años ganó el Primer Premio de Dramaturgia Joven Vicente Leñero con su obra "Antes".  Luego ha escrito:  "No queda más remedio que explotar",  "Piel de mariposa",  "Me sale bien estar triste",  "Aquello que parecemos #LaTragediaDelOso" y "Hambre", entre otras.  Jimena Eme Vázquez es una de las dramaturgas más destacadas de las nuevas generaciones.  Sus textos son brillantes, estructurados e interesantes.  Jimena tiene la virtud de imprimir con acierto planteamiento, desarrollo y conclusión en sus relatos.
 
NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, fue creada con el apoyo del programa de Co-producción y Residencia Artística 2018 del Teatro La Capilla.  Es la sexta creación de la compañía Caracola Producciones y con la cual culminan el ciclo "Perspectiva de género y el teatro de imagen".
 
Caracola Producciones es una empresa cultural dedicada a la producción, promoción y difusión de proyectos escénicos y multidisciplinarios, fundada por Gina Botello, Fabiola Núñez y Abigail Espíndola.
 
El montaje de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, por parte de Caracola Producciones, es creativo, estético e inmejorable para albergar el texto tan radiante de Jimena Eme Vázquez.   Gina Botello recurrió a distintas técnicas, como teatro objeto, títeres y animación multimedia para la puesta en escena.  Las participantes se inspiraron en documentos históricos y teoría de género para plasmar la cacería de brujas, que, para el grupo son los primeros feminicidios documentados históricamente.  Se construyeron las historias de tres mujeres provenientes de diferentes épocas, que vivieron en lugares distintos, pero que están hermanadas en esencia y prácticas.
 
"Tres veces maulló el gato, tres ..." y el espectador tiene ante sí un collage escénico conformado por relatos de las tres protagonistas:  Alice, una bruja niña ligada al fuego y que extraña a Charlotte, corresponde a los procesos de finales del siglo XV en Europa,  Tituba, bruja-esclava que se deja guiar por su corazón y quien fuera la primera acusada en los Juicios de Salem de 1692,  y  Katherine, bruja-escritora muy talentosa que divide su tiempo entre la escritura y el cuidado de su pequeña hija, y quien formara parte del gran movimiento feminista de 1968.  Las tres brujas cohabitan un universo mágico, atravesando tiempo y espacio para dar a conocer lo que vivieron y sintieron, así como su íntimo pensar.  Brujas que dicen:  "traemos la luna en la mirada" y que son  "siempre hermanas, siempre brujas".
 
En la representación el público igual verá un artístico vitral de los instalados en iglesias que una cara de cartón fragmentada, un vestidito que representa a una niña, un televisor antiguo. velas, fuego, una enorme luna, jeroglíficos, cadenas, baúles, subsuelos, conjuros, máscaras y muchas sorpresas más.
 
La labor de dirección por parte de Gina Botello es maravillosa.  Su trazo escénico es pulcro y fluido.  Coordina y sincroniza numerosos componentes con tal precisión que logra un concepto integral extraordinario. La manera en que se suceden y entrelazan las historias es formidable.  Hasta el más mínimo detalle está cuidado.  Las coreografías son originales, la corporalidad es ingeniosa.   El ritmo exacto.
 
En el elenco participan las actrices titiriteras  Rebe Roa,  Elvira Cervantes,  Karina Miranda  y  Daniela Rodríguez, quienes ofrecen un espléndido desempeño histriónico, corporal, vocal, de expresión y de manipulación de objetos.
 
La producción está a cargo de Aurora Gómez Meza.
 
El equipo creativo de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos que logra la escenografía idónea y los entornos adecuados para cada una de las protagonistas, incorporando las imágenes multimedia y la iluminación precisa para destacar determinados momentos está integrado por:  Leonardo Otero, Daniela Villaseñor y Alejandra Flores Alonso en diseño y realización,  Gabriela Gómez Meza en diseño de multimedia y diseño de imagen,  Sebastián Solórzano en diseño de iluminación,  Luis Ángel Pimienta en edición sonora,  e  Iliana Carolina López en realización de vestuario.
 
NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, es una coproducción de Caracola Producciones  y  Teatro La Capilla, con la colaboración de Down The Rabbit Hole - cafetería y crepería.
 
Sumérgete en la brujería, acompañando a tres bellas brujas en un montaje lúdico, estético, ingenioso y sorprendente, donde cada objeto está bien diseñado, materializado y colocado en el lugar y momento oportunos, sin dejar de lado el elemento humano que realiza un trabajo impresionante.  Sin lugar a dudas, en esta propuesta el teatro objeto alcanza su máxima expresión.  Un proyecto de alta calidad concebido por mujeres creativas, talentosas y comprometidas.  No pierdas la oportunidad de ver NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, te aseguro que la disfrutarás y quedarás hechizado, pero apresúrate porque su temporada está por concluir.  Así mismo, llega temprano porque la recomendación se ha corrido de boca en boca y las localidades se agotan.
 

NO TODAS VIVEN EN SALEM
Teatro de brujas para conjurar objetos
se presenta los domingos a las 18:00 horas en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México 

Duración aproximada:  60 minutos
 
El costo de la localidad es de $200
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,
así como para vecinos de  Coyoacán,  Iztapalapa  y  Benito Juárez
 
La temporada concluye el domingo 12 de mayo de 2019
 
EL CANTAR DE ROLANDO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo  2019
En las últimas décadas el mundo ha sufrido muchos cambios, algunos positivos, otros negativos.  La ciencia y la tecnología han avanzado a grandes pasos.  En varios sentidos se nos ha facilitado la vida, pero no podemos olvidar que también ha habido devastación.  La deforestación, los experimentos nucleares, los plásticos y otras tantas cosas han derivado en el calentamiento global y en la extinción de algunas especies. 
En particular, todos disfrutamos de la comunicación instantánea.  Es sorprendente cómo podemos comunicarnos con alguien al instante aunque esté a  kilómetros de distancia.  Lo malo es que hay quienes se enajenan en el vasto entorno de las redes sociales.  En lugar de visitar a alguien o ir a tomar un café con un amigo, sus conversaciones han quedado restringidas a las aplicaciones y sólo lo hacen a través de éstas, perdiéndose del calor humano que implica estar frente a frente.
Así mismo, los niños han cambiado sus hábitos en forma drástica.  Antes se les leían cuentos para dormir, hoy prefieren ver programas de televisión.  En lugar de ir al parque, a los columpios o salir a pasear con la familia, prefieren los videojuegos y el internet.  Se han perdido los juegos rudimentarios, como las canicas, el trompo, la rayuela y mucho más, así como distracciones importantes que eran alimento para el alma.  Por ejemplo, los circos que poco a poco han ido desapareciendo y cada vez son menos.  Recuerdo que cuando era niña ir al circo era todo un acontecimiento familiar.  No era algo que pudiéramos hacer en cualquier momento, porque teníamos que esperar a que llegaran en ciertas temporadas.  Entrar a un circo era como sentirse en otra dimensión.  Bajo una enorme carpa, nos llamaban la atención los aromas, las texturas, los colores, las golosinas y las tremendas destrezas de sorprendentes artistas que dedicaban horas y horas a lograr sus objetivos.  Desde luego, la mayor atracción eran los animales, mientras que en el zoológico los veíamos en jaulas y de lejos, en el circo los teníamos cerca y gozábamos con todas sus gracias y peripecias.
Si quieren volver a sentir la sensación de entrar a un circo, en estos días se está presentando EL CANTAR DE ROLANDO de la autoría de Isaac Pérez Calzada, una obra que recrea muchas de las particularidades circenses. 
La acción comienza cuando un hombre está en busca de una gasolinera o un taller para que revisen su auto que se le ha detenido en plena carretera.  Luego de caminar encuentra un circo en medio del desierto.  Tiene la esperanza de que alguien de allí le ayude con su problema.  La verdad es que él no sabe nada de autos.  Se dedica a la contabilidad, desde pequeño supo que esa era su vocación porque le encantaba contar todo lo que veía -los atardeceres, las manchas de los perros, las pecas en las manos de su abuelita-.  Lo peor es que tiene mucha prisa, ha perdido tiempo tratando de que le arreglen su auto, tiene una cita muy importante con el señor Rabindranath, un hombre tan exigente que habría que cuadrarse ante él, y la fecha límite de su declaración de impuestos está por vencerse. 
En el circo lo recibe Rolando, quien se presenta como el dueño de la CARPA ROLANDI.  Tanto el contador como Rolando tienen sus propias preocupaciones.  La comunicación es difícil, pues cada quien sólo piensa en lo suyo.  Al final, Rolando acepta ayudar al contador, pero con una condición:  tendrá que ver el espectáculo que está por comenzar y ayudarle si fuera necesario.  Es así como el contador se convierte en espectador y tiene que participar en todos los actos circenses, que, por cierto, son muy variados:  Hay magia, malabares, el hombre bala, un payaso, un ilusionista, una contorsionista, un oso amaestrado, un piano que no es piano, pero suena como tal, sombreros traviesos y hasta aros con fuego. 
El texto creado por Isaac Pérez Calzada capta el interés de principio a fin, es muy divertido, todos los personajes están bien delineados y la acción es infinita.  La mayoría de los actos circenses no salen como se espera, pero el mensaje es que lo importante es esforzarse e intentar, aun cuando no siempre se alcance la meta.  Interesante la confrontación de dos seres tan distintos un cirquero y un hombre que pasa horas frente a un escritorio -uno de mente libre, otro que sólo piensa en números-.  Los dos protagonistas se complementan el uno al otro y no sólo comparten diversión sino que aprenden mucho.
Paola Izquierdo realiza una labor de dirección extraordinaria, su trazo escénico es muy fluido.  El montaje está pleno de dinamismo y comicidad.  Los actos circenses los va hilvanando en tal forma que la acción es constante.  Aprovecha a fondo el espacio.  El desplazamiento de los intérpretes es variado.  El ritmo preciso.
El elenco está conformado por Juan Acosta y por el propio autor, Isaac Pérez Calzada.   Juan Acosta despliega gran versatilidad al interpretar a todos los que trabajan en el circo, puesto que no sólo da vida a Rolando, dueño, administrador y maestro de ceremonias del circo, sino a la taquillera y a todos los artistas que participan en el espectáculo.  Isaac Pérez Calzada es el Contador, personaje que está en medio de la responsabilidad de llegar a tiempo a su compromiso de trabajo y el despertar de sus sueños y recuperar todo aquello que ha perdido.  Ambos ofrecen una estupenda labor histriónica y corporal.
El concepto visual, la producción general y la ejecutiva, también están a cargo de Paola Izquierdo, quien invade el escenario con diversos elementos imprescindibles en un circo, bancas de madera, carpas, focos, escaleras, cajas, cubetas, pelotas, etcétera, logrando que el espectador se sienta realmente ante a un circo.  La producción de escenografía es del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-.
El diseño sonoro está bien armado y es idóneo para dar a EL CANTAR DE ROLANDO la atmósfera de un circo foráneo.  La música incluye aquella que se acostumbra en películas para niños o en caricaturas y temas tan populares como los de Los Beatles, sin dejar de lado los típicos redobles que se escuchan en el circo para proveer de cierto suspenso a los actos que requieren de valor.  El audio es de Gear Show.
Complementan el equipo creativo:  Regina Morales Ramos en diseño de iluminación,  Talía Loaria en coreografía,  Javier Rendón Tovar (Mago Javy Poker)  y  Edrian Ilusionista en asesoría en magia,  Ranni Garcés,  Alberto Cerz  y  Jennifer Zamora Mápula en asistencia de producción,  Sergio Carazo Cardona en atrezzo,  asistencia de dirección  y  producción,  y  Pamela Rendón Echeverría en difusión y relaciones públicas.
Los productores asociados de  EL CANTAR DE ROLANDO son:  Arte Nuevo de México,  Emireth Rivera  y  Género Menor.
Es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
Despéjate de tus problemas cotidianos, abre bien tus ojos y tu imaginación y acude a EL CANTAR DE ROLANDO, donde encontrarás un mundo de ilusión.  Te aseguro que disfrutarás todos y cada uno de los actos circenses y te encantarán sus personajes.  Igual y aprendes algo de magia o de prestidigitación.  Un fabuloso montaje pleno de dinamismo y colorido diseñado para que chicos y grandes se diviertan.
EL CANTAR DE ROLANDO
se presenta  sábados  y  domingos a las 13:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-
Ciudad de México

Duración aproximada:  70 minutos

Costo de la localidad:  $149
Descuentos acostumbradas a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 12 de mayo de 2019

 

 

SOMBRAS EN EL PARAÍSO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Se dice que uno es el arquitecto de su propio destino.  Esto aplica sólo en cierta medida.  Pocos son los que logran labrar su destino tal y como lo soñaron.  Unos cuantos no saben definir exactamente lo que desean.  La gran mayoría no puede alcanzar sus objetivos, sea por falta de recursos económicos, por no poner el suficiente empeño o por falta de oportunidades.  Algunos toman responsabilidades antes de tiempo como casarse muy jóvenes o tener hijos y esto altera sus prioridades, siendo la primera solventar los gastos de la familia.  A otros la vida les hace una mala jugada y los coloca ante obstáculos insalvables a causa de enfermedades, accidentes, desastres naturales, o bien, porque les cae una responsabilidad imprevisible como tener que hacerse cargo de alguien.  Alma, de quien hoy les comentaré, se encuentra en este caso. 
Alberto Estrella es uno de los actores más reconocidos, cuenta con una amplia trayectoria en cine, teatro y televisión.  En forma paralela, ha ejercido la docencia y es formador de actores.  Además, también se le conoce por haber colocado a EL CÍRCULO TEATRAL entre los foros más visitados de la Ciudad de México.  Fue hace 15 años cuando Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro recibieron EL CÍRCULO TEATRAL en muy mal estado y a base de dedicación, esfuerzo, trabajo e inversiones fue que lograron transformarlo integralmente.  Como sabemos, el sismo ocurrido en 2016 dejó inhabilitado el inmueble, pero Alberto y Víctor no han dejado de luchar por restaurarlo.  Su trabajo no se detuvo, han presentado obras en otros foros y plazas de la República Mexicana, incluso, en casas.  Gracias a su loable e intensa labor, falta poco tiempo para la reapertura de este foro tan significativo para todos los citadinos.
Alberto Estrella incursionó en la dramaturgia escribiendo para sus alumnos.  Luego ha escrito algunas obras en el poco tiempo que le queda disponible.  Una de las primeras es SOMBRAS EN EL PARAÍSO, la cual precisamente surgió en una de las clases que impartía.  Como parte de los ejercicios cotidianos, Alberto solía pedir a sus alumnos que llevaran algún objeto, a fin de "escuchar" sus vibraciones.  Un día, una de sus alumnas llevó una cofia y justo al verla a Alberto le surgió la inspiración de desarrollar un relato al respecto.  Fue así como decidió escribir SOMBRAS EN EL PARAÍSO, un monólogo de excelente factura que llega al corazón.
Las personas que tienen el privilegio de que sus padres lleguen a la ancianidad, saben que en algún momento ellos requerirán de cuidados especiales, pues la edad va mermando las habilidades del ser humano.  Más desafortunado es que padezcan alguna enfermedad discapacitante, pues, en este caso, la edad no tiene nada que ver y los cuidados son imperativos.   Sólo quienes han cuidado a enfermos o ancianos saben cuán pesado es.  Sin importar él amor que les profese, el cuidador se desgasta física, emocional y psicológicamente.  Esto es lo que ocurre a Alma, la protagonista de SOMBRAS EN EL PARAÍSO
Alma es una mujer de corazón noble y bondadosa.  El destino se ha ensañado con ella y su vida es bastante difícil.  Su economía es deplorable, tiene un sueldo bajo aun cuando trabaja incansablemente como enfermera en un hospital.  Llega rendida a casa, pero, en lugar de descansar, tiene que atender a doña Jose, una mujer que le abrió las puertas de su casa y le brindó cariño.  La quiere y le está muy agradecida, de hecho, la llama mamá.  El mundo de ambas se derrumbó cuando doña Jose quedó cuadripléjica.  Alma pidió ayuda a los hijos de doña Jose, pero ellos se desentendieron, continuaron con sus vidas y la dejaron con toda la responsabilidad a cuestas.
Desde entonces, sin queja alguna, Alma se ha esforzado por brindar a doña Jose una vida lo más digna posible.  La alimenta, la asea, le da terapia, le platica, para luego limpiar la casa y encargarse de los periquitos Pancho, Perla y Pedro y su jaula.  De pronto, Alma se da cuenta que el tiempo se le ha ido entre las manos.  El espejo ya no le devuelve la imagen de la jovencita bella y agraciada que era.  Recuerda todos los anhelos que no ha podido concretar. Se siente triste, desesperada.  Está en un punto crucial.  Piensa "tengo derecho a vivir, a tener la ilusión de saber que el mañana será diferente al hoy".  Quisiera poder caminar por una "vereda tropical", enamorarse, que alguien "le llenara la boca y las entrañas".   La fatiga y el hartazgo han hecho mella en la mente de Alma cuando ella sólo ansía libertad.
El texto escrito por Alberto Estrella capta el interés de principio a fin.  La psicología de la protagonista está bien delineada y Alberto la lleva a un largo recorrido por muchas de las emociones que invaden al ser humano en un relato profundamente conmovedor. 
Víctor Carpinteiro realiza un trabajo de dirección impecable.  Comprende a fondo el texto de su amigo y colaborador Alberto Estrella y lo traslada al lenguaje teatral con fluidez.  Su trazo escénico es pulcro y bien diseñado.  Aprovecha a fondo el escenario.  El ritmo es muy preciso.
Ángeles Marín se transforma en Alma, dando vida a esta atribulada mujer y dotándola de una vasta gama de matices.  Es sorprendente la forma en que Ángeles pasa de un estado anímico a otro.  La bella y experimentada primera actriz ofrece un trabajo fuera de serie en cuanto a histrionismo, corporalidad, manejo de voz y expresión.   
La escenografía e iluminación son diseños de Mónica Kubli.  Mónica optó por la sobriedad para ambientar el departamento de Alma.  Preside el espacio casi vacío una silla, donde pasa sus días doña Jose.  En la iluminación apuesta por la penumbra para reflejar lo sombrío, para lo cual le bastan unas cuantas lámparas led en color rojo.
El vestuario es de Alonso Quijano, quien apuesta por lo realista, uniforme de enfermera, un sweater modesto y lencería sencilla pero elegante, todo de fina confección y telas de buena caída.  La realización del vestuario es de Leticia Meleza.
El diseño sonoro es idóneo para la narrativa.
La fotografía es de Leticia Olvera. 
RP & Difusión están a cargo de Alicia Garzón / Lado A.
Jazmín Maceda es asistente de producción.
Alma necesita desahogar sus penas, si vas a visitarla te platicará lo que la agobia y compartirá contigo sus más íntimos anhelos.   Si pensáramos en el teatro como un templo de arte, SOMBRAS EN EL PARAÍSO está oficiada por tres ministros.  Tres seres sensibles, con talento y creatividad que ofrecen un trabajo excepcional en sus respectivas áreas -dramaturgia, dirección y actuación-, con el apoyo de un comprometido equipo de colaboradores.  No dudes en ir a escuchar un relato inquietante que te conmoverá y te hará reflexionar. 
SOMBRAS EN EL PARAÍSO
se presenta  domingos  a las  19:00 horas  en
LA TEATRERÍA
ubicada en Tabasco número 152,
Colonia Roma,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  75 minutos
 
Costo de la localidad:  $300
 
La temporada concluye el domingo 26 de mayo de 2019
¡PULSO!
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019

Está por concluir la primera residencia de MONOSABIO en el TEATRO EL MILAGRO.  Abrieron su residencia con la obra TENGO MIERDA EN LA CABEZA, de Bárbara Perrín Rivemar, bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas, luego presentaron SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA de la autoría y bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas  y  ahora toca el turno a ¡PULSO! de Manuel Cruz Vivas, bajo la dirección de Alejandra Escobedo.

En la sinopsis los jóvenes de MONOSABIO indican:  "¡PULSO! es un proyecto orientado hacia el teatro físico que tiene como punto de partida la exposición corporal de la información sensorial almacenada en el cuerpo a partir de ciertas conclusiones sobre las relaciones humanas. El proyecto busca la relación de los cuerpos, el espacio, la música, la iluminación y cómo estos elementos componen y afectan en su totalidad al ser humano".

La tercera propuesta de MONOSABIO es la más ligera, el breve texto escrito por Manuel Cruz Vivas está conformado por pequeños cuadros aislados que hablan sobre sensaciones en la relación de pareja, dejando de lado el género, la intensidad del amor o el compromiso entre ellos.  Entre otras, incluye las siguientes situaciones:  una novia determinada a llevar al novio al altar,  el que se siente artista y cree que recita como nadie,  quienes a base de alabanzas manipulan,  un joven algo hipocondriaco que lo único que busca es consentimiento,  los que gozan hasta de los quehaceres hogareños,  aquellos que van a algún lugar sin ganas y, por supuesto, no lo disfrutan,  los que se mueven, bailan, corren,  la que sueña a alguien en el cuerpo de otro.   ¡PULSO! se refiere a todo aquello que nos vibra o nos pulsa, sin importar si es algo sencillo o relevante, como bañarse, salir a comprar esquites, amar, besar, abrazar, aceptarse, llorar, reír, salir a correr, ir al mercado, ejercitarse, poner mayonesa y jamón sobre el pan, oler un jabón, en fin, cualquier cosa.

Alejandra Escobedo realiza una formidable labor de dirección en su ópera prima.  Adorna las situaciones con distintas coreografías, ya sea grupales o individuales, con lo cual hace lucir el montaje y le imprime un sello dinámico.  Articula bien los segmentos, dando continuidad a la acción, a pesar de que cada cuadro es independiente y no se interrelaciona con los demás.   Incorpora música y se apoya en la iluminación también diseñada por ella, para dar mayor realce a la escenificación.  Dimensiona el espacio doblando la acción en algunos cuadros, por ejemplo, otra pareja situada fuera del foco escénico está presente al mismo tiempo que se desarrolla la acción principal, a manera de reflejo.  El ritmo es preciso.

Al igual que en las anteriores propuestas de MONOSABIO, el montaje es sencillo.  Para ¡PULSO! los elementos escenográficos están colocados al fondo del escenario, cual si fuera una pequeña habitación con una silla, muchos cuadros en la pared y un gran reloj digital.  Esto deja mayor espacio libre tanto para las coreografías como para el desplazamiento de los intérpretes.  El diseño escenográfico es del propio autor, Manuel Cruz Vivas.

Curiosamente, en la residencia de MONOSABIO, la obra de menor duración es la de mayor elenco.  Participan en ¡PULSO!  Mauricio Rico,  Ana Vértiz,  Belén Mercado  y  Edgar Landa,  quienes ofrecen un acertado trabajo histriónico y corporal.

El lucidor vestuario fue diseñado por Alejandra Escobedo, quien eligió uniformar al elenco.  Para ellas un llamativo vestido rojo, de tirantes, confeccionado en tela vaporosa, en tanto que ellos van con camisa y pantalón en color negro, logrando un fuerte contraste con el rojo.  La realización del vestido de novia y ajustes al vestuario estuvieron a cargo de Melisa Olivares.

La asesoría corporal fue impartida por Edgar Landa.   El diseño gráfico es de Daniel Loyola.

 

TEATRO EL MILAGRO -- Coordinación técnica:  Aída Escobar.  Planta técnica:  Celso Martínez Flores  y  Rodolfo Mora González.

 

La producción es de MONOSABIO.

 

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

El grupo teatral MONOSABIO ha tenido una buena recepción a lo largo de su residencia en el TEATRO EL MILAGRO, presentando al público una variada selección de sus obras.  Son jóvenes comprometidos con su labor y con el teatro que se intercambian roles en su búsqueda de aprendizaje.  Sus propuestas son producto de investigación, creatividad y labor en equipo.   Acude a ver ¡PULSO!, te encontrarás con la fresca mirada de los jóvenes de hoy en día, disfrutarás de su dinamismo, sus ideas, sus bailables y quizás te sorprenda que casi todo lo que les vibra a ellos, es lo mismo que te vibra a ti.

 

 

 

¡PULSO!
se presenta  miércoles,  jueves  y  viernes a las 18:00 horas en el
TEATRO EL MILAGRO
Nuevo Espacio Escénico

ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  55 minutos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el viernes 3 de mayo de 2019

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

VILLA DOLOROSA
Tres cumpleaños frustrados
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Pocos son los seres privilegiados que se sienten satisfechos de lo que son, de su vida, de su físico, de lo que han hecho y logrado.  En general, las personas padecen frustraciones, se arrepienten de algo, o bien, anhelan o requieren de un cambio.  Este tipo de necesidades del ser humano es una fuente inagotable para la creación de personajes atribulados por parte de autores de todas las épocas.  Por ejemplo, uno de los escritores más relevantes en la historia de la literatura, Antón Chéjov (1869.1904), originario de Rusia, se distinguía no sólo por su gran escritura y el talento con el que retrató la vida en la Rusia de su época, sino también por su impresionante habilidad para delinear la psicología de sus personajes y para dejar ver su forma de pensar, angustias, ilusiones y esperanzas.  Varias de sus obras, como "La Gaviota", "El Jardín de los Cerezos", "Las Tres Hermanas", son consideradas joyas de la literatura universal.  Además de que las obras de Chéjov están entre las más representadas en todo el mundo, también han servido de inspiración para que otros autores creen sus propias versiones.
En México se han presentado incontables montajes de "Las Tres Hermanas", tanto de la versión escrita por Chéjov como de adaptaciones.  Ahora toca el turno a VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados de la autoría de Rebekka Kricheldorf, joven alemana egresada de la carrera de Filología Románica en la Universidad Humboldt de Berlín, así como de Redacción Escénica en Escuela Superior de Bellas Artes en Berlín, cuyas obras la han llevado a ocupar un destacado lugar entre los dramaturgos alemanes contemporáneos.
Rebekka Kricheldorf se inspira en "Las Tres Hermanas" de Chéjov para escribir VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados.  Se trata de una versión libre. Tanto en el texto original como en el nuevo, los personajes se encuentran en decadencia física, económica y emocional.  Todos ellos están inconformes con sus vidas, el hastío de la cotidianeidad los domina, quisieran estar en otro lugar, tener otras actividades, quizás hasta ser otros.  Lo incongruente es que ninguno se esfuerza por lograr algo distinto, cual si no tuvieran voluntad y sólo se dejaran llevar.   La obra de Chéjov está ubicada en una provincia de la Rusia de finales del siglo XIX y el anhelo más preciado de las hermanas Prozorov es volver a Moscú, como si con esto todos sus problemas se solucionarían.  En cambio, la obra de Kricheldorf sucede en los años 80, no se indica donde reside la familia, así que podría ser en cualquier lugar del mundo.  A pesar de sus frustraciones, ninguno de ellos tiene una aspiración concreta.   Existen ciertas similitudes entre las dos visiones, los nombres de los protagonistas se conservan, si bien aclaran que el padre de las jóvenes eligió llamarlas así porque era amante de la lectura y admirador de Chéjov.  El número de hijos es el mismo -tres hermanas y un hermano- y también son parecidos algunos aspectos de la forma en que viven y las circunstancias.
El texto de Rebekka Kricheldorf es de buena factura, capta el interés de principio a fin.  Es un drama salpicado de comedia, con algo de ironía y farsa
Es así como en VILLA DOLOROSA, el público tiene oportunidad de conocer a Olga, Masha e Irina en su vida cotidiana, dentro de la pequeña villa que habitan.  La casa es muy sencilla, pero tiene un bello jardín que ellas ven desde su ventana.  Olga es la única que tiene un trabajo fijo, del cual reniega todo el tiempo.  Masha está casada con un hombre al que no ama.  Irina, la menor, aún tiene algunas ilusiones.  Por lo pronto, quiere que su festejo de cumpleaños sea grandioso.  Está dispuesta a sacar del desván el viejo tocadiscos para que haya música.   Andréi, el hermano se la pasa planeando qué hará, pero en realidad no hace nada.  Está por conocer a Janine, una joven a la que embarazará.  Georg, amigo de Andréi gusta ir a visitarlos, es un hombre pusilánime al que domina su esposa, pero no se le ve intención alguna de dejarla.  Con tantas visitas, surge un amor platónico entre Georg y Masha.  En el transcurso de la función, saldrán a la luz los conflictos individuales de cada uno, así como las dificultades para interrelacionarse entre ellos y los problemas económicos que afrontan.
Silvia Ortega Vettoretti es una directora escénica que siempre ofrece trabajos escrupulosos, pero en esta ocasión su labor es verdaderamente brillante.  Su trazo escénico es preciso.  Se guía por el teatro naturalista, mediante el cual lo primordial es mostrar la naturaleza humana.  Comprende a fondo el texto y su traducción a lenguaje teatral es estupenda.  Realizó una muy atinada selección de elenco con actores de trayectoria y probadas capacidades histriónicas.  A través de ellos, Silvia Ortega Vettoretti plasma en escena la esencia de cada uno de los personajes y logra que la complejidad de la mente de estos se vea totalmente natural.
No es de extrañar que por su trabajo en VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados Silvia Ortega Vettoretti ya haya recibido dos premios a mejor dirección escénica del 2018, uno por parte del Pez de Oro  y  otro por parte de la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro -ACPT-.
De hecho, VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados fue nominada en varias categorías tanto del Pez de Oro como de la ACPT, resultando absoluta ganadora del Pez de Oro como mejor obra del 2018  y también fue galardonada en los Jimenitos Aguords.
El elenco está conformado por:  Renata Wimer (Irina),  Daniela Zavala / Paula Watson (Olga),  Mahalat Sánchez (Masha),  José Carriedo (Andréi),  Sheila Flores (Janine)  y  Salvador Hurtado (Georg).  Cada uno de ellos ofrece un admirable desempeño histriónico, corporal, vocal y expresivo, denotando un arduo trabajo de creación de personaje.
La escenografía, iluminación y vestuario son diseño de Carolina Jiménez, quien hace un excelente trabajo en los tres rubros a su cargo.  El espacio escénico crea el entorno ideal, modesto y reducido, la iluminación está bien administrada y el vestuario es idóneo para cada personaje.
Pablo Mondragón coadyuva en la ambientación mediante su diseño sonoro.
Desconozco quien hizo la traducción, pero realizó una gran labor para que pudiéramos comprender el complejo texto con todos los vericuetos mentales de lo protagonistas.
Sheila Flores tiene a su cargo el diseño de producción y la producción ejecutiva.
La producción de VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados se es de:  Perra Justa, Caja Negra, Alquimia Arte y Cultura y Teatro del Mundo.
Sin lugar a dudas VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados es un montaje digno de verse.  Se revisita un clásico de la literatura universal, bajo la mirada de una sobresaliente dramaturga alemana contemporánea, llevado a escena por Silvia Ortega Vettoretti, quien realiza un trabajo bordado en filigrana, al lado de un gran equipo de actores que construyen y encarnan a personajes entrañables.  Disfrutarás de cada uno de los tres actos, en tanto que estás invitado a tres festejos cumpleañeros.  ¡No te la pierdas! 

 

VILLA DOLOROSA
Tres cumpleaños frustrados
se presenta jueves a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  120 minutos
Costo de la localidad:   $250
Los boletos se adquieren en taquilla o
en la página de internet www.helenico.gob.mx
La temporada concluye el jueves 9 de mayo de 2019
CASI NORMALES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
¿Te consideras completamente normal?  En mi opinión. cada vez nos alejamos más de la normalidad.  La inseguridad, la violencia y la impunidad nos provocan miedo.  Los caos viales, los problemas de transporte, las marchas y manifestaciones hacen que no lleguemos a tiempo a nuestro destino y vivimos en tensión constante.  Las dificultades personales y las económicas derivan en estrés. La combinación de lo mencionado deriva en estrés constante y esto desquicia a cualquiera.  Las desgracias más serias como desastres naturales, pérdidas importantes, duelos o tragedias pueden generar desequilibrios más severos.  Hoy en día los psicoterapeutas tienen mucho más pacientes que antes.  Nadie está exento a padecer una enfermedad mental.
Brian Yorkey es dramaturgo y letrista, nacido en Omaha, Nebraska, E.U.A. y Tom Kitt es músico, compositor, director y orquestador y músico  Brian Yorkey y Tom Kitt se conocieron mientras estudiaban en la Universidad de Columbia, luego, a finales de los años 90, los recién graduados participaron en el Taller de Teatro Musical BMI Lehman Engel y, para su trabajo final en este taller, se aliaron para crear juntos su trabajo final.  Mientras planeaban qué tema abordarían, Brian Yorkey propuso que se inspiraran en un segmento que vio de la Serie Fecha Límite (Dateline) de la NBC -National Broadcasting Company- sobre terapia electroconvulsiva que le había parecido muy interesante.  Fue así como surgió la mini-obra "Sintiéndote Eléctrico" (Feeling Electric), cuya duración era de 10 minutos.   Desde luego, tuvo una excelente acogida.  Lo que ni Yorkey ni Kitt sabían en ese momento es que era la semilla de una de sus obras más relevantes.
En su vida profesional Brian Yorkey y Tom Kitt trabajaron tanto individual como conjuntamente, lograron varios éxitos, así como nominaciones y premios importantes.  En 2008 retomaron aquel trabajo que habían presentado en el Taller de Teatro Musical y lo desarrollaron.  El resultado fue CASI NORMALES (NEXT TO NORMAL), en la que como lo hicieran en su proyecto original Brian Yorkey escribió el texto y las letras de las canciones y Tom Kitt creó la música. 
La columna vertebral de CASI NORMALES es la enfermedad mental, pero se abordan varias temáticas como la unión familiar, el amor, el suicidio, el entorno, la prescripción indiscriminada de medicamentos, la ética en la psiquiatría contemporánea y sus consecuencias, entre otras.  Todo esto está contenido en el estructurado texto de Brian Yorkey que capta la atención de principio a fin.  Retrata a la perfección el drama íntimo de una familia. Los personajes están bien delineados y la psicología de cada uno queda plasmada.  A manera de rompecabezas se ofrecen al espectador segmentos para ser colocados en el lugar preciso.   Encierra una fuerte crítica hacia aquellos psicoterapeutas que ejercen su profesión a su leal saber y entender, pero que no siempre piensan en sus pacientes como personas.
En cuanto a la parte musical, el género es rock y tanto las melodías como los acordes escritos por Tom Kitt como parte integral de la obra crean el entorno ideal, dan realce a la acción y sensibilizan al público. 
 
CASI NORMALES fue estrenada en el Second Stage Theatre en la zona conocida como Off-Broadway, pero al año siguiente fue exhibida en el Booth Theatre en pleno Broadway, donde asombró teniendo localidades agotadas por todo el tiempo de sus representaciones.  El éxito fue tan rotundo que comenzaron las nominaciones, premios, reconocimientos y galardones.   El Círculo de Críticos Externos otorgó a Tom Kitt el Premio de Mejor Música Original.   Diversas nominaciones tanto por Libreto como por Música.  En cuanto a los Premios Tony, CASI NORMALES ha sido nominada en once ocasiones en varias categorías como:  Mejor Música Original compuesta para Teatro,  Mejor Libreto de un Musical  y  Mejor Orquestación en un Espectáculo, llevándose  varios premios.  En el año 2009 Tom Kitt recibió el Premio Tony por Mejor Música Original.  En 2010 Brian Yorkey y Tom Kitt compartieron uno de los galardones más importantes y codiciados, cuando el Premio Pulitzer al Mejor Drama fue otorgado a CASI NORMALES.  Los integrantes del Consejo de los Premios Pulitzer definieron a CASI NORMALES como "un poderoso musical de rock que confronta una enfermedad mental en una familia suburbana y va mucho más allá de lo que usualmente abordan los musicales".
 
El multi-premiado musical de Broadway CASI NORMALES ha sido traído a México por TOCA Teatro, productora que comandan Alberto Alva y Sergio Mingramm.  Para la dirección escénica se designó al prestigiado director Diego del Río.
 
En CASI NORMALES el público tiene la oportunidad de observar la vida en casa de la familia Bueno desde el interior de su hogar.  El amor está presente.  Diana y Daniel se casaron muy enamorados y continúan amándose, incluso, mantienen viva la llama de la pasión.  Procrearon dos hijos:  Gabriel y Natalia.  Desde que nació Gabriel, Diana se sintió particularmente apegada a él y ese vínculo nada lo podrá romper.  Tanto así que Natalia se siente un poquito "relegada" de vez en cuando y a fin de hacerse más notoria se esfuerza en sus estudios y su  comportamiento.  Si aparentemente todo está bien, ¿por qué es que se consideran CASI NORMALES?  El problema es que a raíz de una tragedia, Diana ha sido diagnosticada como bipolar y depresión con tendencias suicidas.  Diana hace todo lo posible por combatir sus padecimientos, si un médico no le funciona, acude a ver a otro, pero la verdad, no alcanza a ver mejoría y cada vez se le hace más difícil tomar las dosis prescritas de tantas cápsulas que ella distingue por colores.  Así mismo, los efectos en la familia son devastadores.  Les es imposible predecir las reacciones de Diana y viven desconcertados.  A lo lejos brilla la luz de la esperanza y todos confían en que Diana habrá de recuperar su salud mental algún día.
 
Al igual que en trabajos anteriores, Diego del Río aporta un excelente trabajo en dirección escénica.  Su trazo escénico es firme y fluido, con toda sensibilidad traslada a escena la conmovedora historia, permite el lucimiento de cada personaje, balancea acción y pausa, cuida todos los detalles, aprovecha bien el espacio,  y  el ritmo es preciso. 
 
El montaje está bien logrado, espectacular, pulcro y estético.  Pocos elementos escénicos con apoyo en imágenes multimedia que proyectan la multiplicidad de los estados de ánimo de los protagonistas.
 
El elenco fue seleccionado en forma acertada.  Resplandece en escena una de las artistas más completas que tenemos en México.  Nos referimos a Susana Zabaleta, quien conjunta belleza, conocimientos y experiencia, una mujer sensual, de figura agraciada, presencia escénica, experiencia, habilidades histriónicas y vocales impresionantes, dado que puede cantar desde temas populares hasta bel canto y también es conductora.  Susana interpreta a Diana, dotándole de una amplia gama de emociones.  Federico di Lorenzo, experto en musicales, da vida a Daniel Bueno, el marido incondicional.  Mariano Palacios con pericia interpreta a Gabriel, -el hijo que todos sueñan-.  María Penella es Natalie Bueno, -la hija en busca de la perfección -A pesar de su juventud, María cuenta con una amplia trayectoria en musicales.  Héctor Berzunza tiene a su cargo a los dos médicos que tratan a Diana -el rockstar de la salud mental-,  y  Rodolfo Zarco es Henry, el novio de Natalie.  Todos ellos ofrecen al público un formidable desempeño histriónico, vocal, de expresión y corporal.  Alternan funciones:  Jerry Velázquez, María Chacón  y  Samantha Salgado. 

El diseño de escenografía idónea, elegante, funcional fue creado por Jorge Ballina.
 
La iluminación es producto de la mente creativa de Víctor Zapatero, quien como de costumbre, entrega un trabajo pleno de arte.
 
El resto del equipo creativo está conformado por:  Iker Madrid y Diego del Río en la traducción,  Emmanuel Vieyra en dirección musical y vocal,  Iker Madrid en dirección vocal adjunta,  Josefina Echeverría en diseño de vestuario,  Alejandro García en diseño de sonido y SFX,  Luis Carlos Villarreal en coreografía,  Jazzel Ache-Sáenz en contenido, mapping y programación de video,  Alethia Figueroa, Leonardo González, Cristina Cabrera, Adrián Molina, Luis Paz, David Cruz y José Vélez en animación y grabación,  Fabiola Villalpando es asistente de dirección y de dirección residente,  Alejandra Ballina en dirección residente,  Max D'Luna es stage manager,  Alex Gasca es ingeniero mezclador de audio,  Lorena Cruz es técnico de audio,  Elizabeth Urbina es técnico de vestuario,  Alberto Rosales, Baruch Palacios, Camilo Blancarte, Daniela Valenzuela, José Alisedo, Laura Reyes, Norberto Reyes y Yari Burgos son asistentes de producción de piso,  VIOGG en prensa y medios,  Rossy Pérez es representante de Susana Zabaleta,  Bernardo Vázquez en maquillaje y peinado de Susana Zabaleta,  JCT Producciones en maquillaje y peinado,  Gilda Villarreal, Odette Villarreal y Sandra Kai en fotografía de producción y campaña,  TOCA Diseño en diseño gráfico y marketing,  Verónika Vega en campaña de medios,  TOCA Digital en social media,  Mariajosé De la Mora, Pamela Maldonado, Laura Díaz , Carlos Riquelme y Emilio Pichardo en TOCA,  elFormato en contenido videográfico,  Pablo G. Rodríguez, Isabel Becerril y José de Rozenweig son asistentes de escenografía,  Adriana Lara en utilería especial,  Alberto Orozco, Arturo García, Ángel Mondragón, Ángel Tapia, Darío Vargas, Gustavo Hernández, Gerardo Cruz y Rodolfo Hernández en realización de escenografía,  y  Alfonso Luna, Javier Rico, Omar Ortega, Eduardo Villa  y  Dulce Zamarripa en apoyo técnico en montaje.
 
Las melodías que integran el montaje son treinta y nueve.  Tras Luz como preludio, podrás escuchar:  Otro día más, Todo lo malo, ¿Es loco? - Mi psicofrarmacólogo y yo,  Lo mejor para ti,  En las montañas,  Va a estar todo bien,  Él no está,  ¿Sabes bien?,  Yo soy,  Superboy es el héroe inmortal,  Soy real,  Lleva tu mente / Siento que caigo,  Bailábamos,  Mírame,  Siempre aquí,  siento que vi esta historia,  Luz en la oscuridad,  Y yo no estoy,  La canción del olvido,  Hey # 1,  Segundos y años,  Mejor que tiempo atrás,  Después de los electroshocks,  Hey # 2,  ¿Qué sabrás? - (Reprise),  ¿Cómo me voy a olvidar?,  Va a estar todo bien - (Reprise),  ¿Por qué? / Promesas,  Soy real - (Reprise),  Mi mal,  Debes tomar una decisión / Caigo al vacío,  Creo (casi normal),  Hey # 3,  Así que pues …,  Yo soy aquel - (Reprise),  y  Luz.
La gran diferencia entre CASI NORMALES y cualquier otro musical que hayas visto es la carga emotiva que conlleva la trama.  De uno o de otro modo a todos nos llega al corazón.  Se trata de la historia de una familia como hay muchas.  Se pueden palpar sus sentimientos ante los problemas que atraviesan y la lucha personal que libra cada uno de los integrantes por seguir adelante.  Un relato apabullante que nos lleva a la reflexión y que nos muestra que nunca hay que perder la esperanza y que, finalmente, no es tan malo ser CASI NORMALES ya que no existe ser humano perfecto.  Este musical es imperdible.  Disfrutarás del montaje, las actuaciones, las melodías, las bellas voces y también te conmoverás.  Admiración para todo el equipo que participa en esta estupenda producción.  Apresúrate, su temporada está por concluir y quedan unas cuantas funciones.

CASI NORMALES 
se presenta  viernes a las 20:30 horas,
sábado a las 17:30 horas  y  20:30 horas
domingo a las 16:00 horas   y  19:00 horas  en el
TEATRO ALDAMA
ubicado en la calle Rosas Moreno número 71
colonia San Rafael
-cerca de la Estación San Cosme del Metro
Ciudad de México

Duración aproximada:  140 minutos

Costos de las localidades:  $990,  $850,  $700,  $550  y  $400
Descuentos acostumbradas a personas con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 21 de abril de 2019

 

 

HAMBRE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Se dice que el perro es el animal más fiel y todos aquellos que han abierto las puertas de su hogar y de su corazón a un perro, saben el amor inconmensurable que éste les profesa.  Entre el humano y el can se crea un vínculo indisoluble.  No importa que no hablen el mismo idioma, ellos se entienden con solo una mirada.  Cada día aprenden a conocerse mejor el uno al otro y su relación se va fortaleciendo. 
Tener un perro es casi como tener un hijo.  No se trata de un juguete sino de un ser vivo, el dueño tiene que estar consciente de que hacerse responsable del animalito y tiene que cuidarlo, alimentarlo, atenderlo, darle tiempo y cariño, así como llevarlo al veterinario para vacunas, chequeos periódicos y, en caso de enfermedad, lesiones o accidentes, le proporcionen medicamentos o tratamientos necesarios. 
Si un dueño no brinda los cuidados adecuados, el perrito podría deprimirse, sufrir o, incluso, estar en peligro.  De por sí, ellos resienten cada separación del dueño, aún las indispensables, como cuando se va al trabajo o sale de casa.  El sufrimiento de un animal que es abandonado o maltratado es igual o peor al que sienten los seres humanos, debido a que para ellos el dueño es a quien más aman en este mundo y el apego es inmenso.   Las campañas de "adopta, no compres" han surgido con el propósito de concientizar a la gente de que realmente es una adopción, es decir, un compromiso para toda la vida.  No hay que tomarlo a la ligera ni verlo como algo temporal. 

Desde luego, nadie está exento de situaciones inesperadas en las que no podría dar la atención debida a las mascotas.  Sería bueno que los dueños tomen en consideración estos imprevistos y pidan a alguien que esté al pendiente.  ¿Qué sucedería si un dueño muere de pronto?  A la actriz Alejandra Reyes le surgió esta duda y pidió a la dramaturga que escribiera algo sobre esta temática.  Fue así como nació HAMBRE de la autoría de Jimena Eme Vázquez. 

El texto de Jimena Eme Vázquez tiene estructura y capta la atención de principio a fin.  A pesar de abordar una tragedia y presentarla con crudeza, los parlamentos conllevan amor incondicional, sentimientos encontrados, camaradería, estrategias para afrontar la situación y esperanza.  Un relato estrujante, pero que lleva a la reflexión de acatar cabalmente las responsabilidades adquiridas. 

HAMBRE es una producción de SOBREDOSIS, un colectivo teatral fundado en 2011 que inició actividades con un cortometraje y que a la fecha ha producido alrededor de ocho montajes.

Fernando Reyes comprende a fondo el texto de Jimena Eme Vázquez y lo traduce fluidamente a lenguaje teatral.  Su labor en la dirección escénica es impecable.  Opta por depositar toda su confianza en las habilidades histriónicas de su elenco y prescindir de disfraces o caracterizaciones para hacerlos lucir perrunos.  La corporalidad y los desplazamientos están bien diseñados.  Aprovecha el espacio escénico y el ritmo es preciso.

La historia comienza cuando a la Nena -una bella Cocker Spaniel, algo reservada-, le urge salir a hacer sus necesidades, pero no ha logrado despertar a Hannah, ya rascó la puerta de su recámara, hizo ruidos y ladró.  Entonces, pide ayuda a Border -una graciosa cachorra Border Collie, juguetona y aventurera-.  Sabe que Border es tan activa que para ella no hay imposibles.  Mientras tanto, Bull -un viejo Bulldog- duerme plácidamente.  Llaman a Bull para que colabore con ellas.  Border de inmediato se pone en acción y se las ingenia para abrir la puerta.  Irrumpen en la recámara.  Sin embargo, por más esfuerzos que hacen, Hannah no despierta.  Entre los tres continúan los esfuerzos.  Lamentablemente, Hannah no despertará … está muerta.  Inspeccionan el lugar y encuentran varios frascos de pastillas vacíos, lo que los hace suponer que Hannah se suicidó.  La urgencia inicial de la Nena pasa a segundo término, están aterrados y no saben qué hacer.  El sufrimiento se hace presente, los más agobiados son Bull y Border.  El primero lleva muchos años al lado de Hannah, mientras que Border es la más apegada.  Por su parte, la Nena quiere y agradece a Hannah haberla albergado, pero su amor pertenece a Mica, la mejor amiga de Hannah que tiempo atrás murió en un accidente.  Después de la impresión, surge el HAMBRE y sabemos que "el hambre siempre saca lo peor de nosotros".  Es fin de semana y tendrán que esperar demasiadas horas hasta que llegue Patricio, su paseador.  ¿Qué sucederá?  Si quieres saberlo, tienes una cita en el teatro.
El elenco está conformado por:  Alejandra Reyes (Border),  Fernanda Aragón (La Nena)  y  Dimas González (Bull), quienes ofrecen un estupendo trabajo histriónico, corporal, vocal y de expresión.  Destaca Alejandra Reyes por su fuerte presencia escénica y su gracia natural.
Integran al resto del equipo creativo:  Pedro Pazarán T. en diseño de escenografía e iluminación,  Xico Reyes en diseño Sonoro,  Allan Aullet es asistente de dirección,  y  Rialcastillo Social Media Management en redes sociales.
Sin lugar a dudas, es un relato impactante que llega al corazón de todos, sobre todo, al de aquellos que aman a sus mascotas.  Cada quien es libre de tomar las decisiones que desee, pero es muy importante no dejar de lado las responsabilidades.  En lo último que pensó Hannah fue en sus mascotas y eso no está bien, debería haber tomado ciertas precauciones.  De hecho, todos deberíamos tomar medidas para no dejar a nadie al garete en caso de emergencia.  Una historia original, un montaje bien logrado, actuaciones convincentes.  ¡No te la pierdas!  Apresúrate, sólo queda este fin de semana en su temporada.
HAMBRE
se presenta  viernes a las 20:00 horas,
sábado a las 19:00 horas  y
domingo a las 18:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro
Ciudad de México

Duración aproximada:  80 minutos

Costo de la localidad:  $149
Descuentos acostumbradas a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 14 de abril de 2019

 

MINOTAURO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Sin lugar a dudas la libertad es uno de los bienes más preciados que tenemos.  Desafortunadamente, hay varias formas de perder la libertad.  Un accidente o una enfermedad neurológica pueden coartar la libertad de movimiento de alguien.  Aquellos que se relacionan con seres dominantes en gran medida pierden el derecho a ejercer su libertad.  Los que sufren un secuestro son privados de su libertad.  Quienes deciden consagrarse a la fe y vivir en conventos o monasterios, saben que su libertad quedará reducida.  En la mayoría de los casos, las personas que cometen un delito son condenados a vivir en prisión. 
Vivir en encierro es terrible, imaginen lo que es no poder salir, convivir con la familia, visitar a amigos, viajar, ver el mar, sentir la arena, disfrutar de una puesta de sol, conocer otros lugares, ir de compras, al cine, al teatro o donde a uno se le antoje.  Lo que nadie puede apresar es la mente.  De esto trata MINOTAURO, obra que escribió Patricia Yáñez, a raíz de una exhaustiva investigación que realizó acerca de personas confinadas, luego de lo cual visitó distintos reclusorios en el interior de la República y en la Ciudad de México para entrevistar a internos, tanto adultos como menores, cuyos testimonios recopiló como base de su dramaturgia, a fin de compartir con el público todas esas voces.  Este interesante estudio da cuenta de que quien están confinados se aferran a sus pensamientos para aliviar la tensión del encierro, echan a volar su imaginación, analizan sus recuerdos, inventan juegos mentales y bailan para distraerse. 
El texto escrito por Patricia Yáñez capta el interés absoluto del espectador.  Crea un paralelismo entre el ser humano y un mito griego con una simbología particular.  Desentraña los sentimientos más ocultos de las personas que han sido privadas de su libertad.
En la sinopsis que aparece en el programa de mano de MINOTAURO, se lee:  "La obra es un monólogo desde distintas voces penitenciarias, de ahí surge Tori, mitad toro y mitad mujer, que nos invita a entrar a su laberinto hecho de recuerdos, sueños y cuestionamientos acerca del olvido, la espera, el amor, la muerte y la soledad.  Sin embargo, a pesar de su condición de encierro, buscará la manera de apropiarse de su tiempo, a través del juego, la danza y la evocación de sus seres queridos, que la conducen a otros laberintos que son la metáfora de su propio ser". 
En la tercera llamada aparece una joven con una elaborada máscara de hierro sobre la cara.  Poco después, se quita la máscara y habla para sí misma en voz alta.  Dice ser Tori, mitad toro, mitad mujer igual que el MINOTAURO.  Hace un recuento de diversas formas de evadirse del encierro.  La soledad es mala consejera, así que en ocasiones ella se figura ser otra persona y hasta se visita a sí misma.  Lo triste es que su propia imagen va quedando en el olvido porque donde está no usan espejos.  Así mismo, se impone retos, imagina que vive en un laberinto y tiene que encontrar una salida.  Por momentos, la realidad se hace presente y al tratar de recordar la voz o el rostro de algún ser querido, se percata de que sus recuerdos se han ido desvaneciendo y ya no son nítidos.  Hace ejercicios para recordar, pero luego tiene que hacer una selección porque hay "recuerdos que dañan, que no le sirven".  Se hace a la idea de que su "celda/laberinto es del tamaño del mundo".   Lo que más extraña "es el mar y abrazar a su mamá".  Tiene miedo de morir "sin saber lo que es el amor".  Se ejercita o baila para estar en movimiento aún en reclusión, tal vez para sentir que está en otro lugar.
La labor de dirección por parte de Octavio Michel es brillante.  Su trazo escénico es impecable.  Hace que el público comparta el encierro con Toti.  La acción es constante.  Las pausas están bien administradas.  El espacio se aprovecha al máximo.  El ritmo  es preciso.
Tanto el diseño de escenografía como el de iluminación por parte de Erika Gómez hacen que el montaje luzca esplendoroso.  En un espacio muy reducido crea el entorno ideal, las luces y las sombras juegan un papel importante para redimensionar la figura de la actriz, haciéndola ver fuerte o etérea.  En sus dos rubros Erika despliega su creatividad.
La actriz Patricia Yáñez ofrece un trabajo entrañable en lo histriónico, corporal, vocal y de expresión, dotando al personaje de una amplia gama de emociones.
El resto del equipo creativo está conformado por:  Patricia Yáñez en producción ejecutiva,  Gina Méndez en  gestión y difusión,  Jess González en asistencia de gestión y difusión,  Pili Pala en fotografía,  Carlos Castroso en diseño de imagen gráfica,  Ixchel Flores Machorro es asistente de dirección y producción,  María Adriana Lara en realización de máscara,  Juan Pablo Aguayo en traspunte y coordinación técnica,  Ginés Cruz  y  Hasam Díaz en asesoría en dramaturgia,  Francisco "Tom" González en realización de escenografía,  Miriam Quijano en realización de vestuario,  Erika Gómez  y  Francisco Bahena en atrezzo de escenografía.
MINOTAURO es una coproducción de El Coro de los Otros, la Coordinación Nacional de Teatro, el Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA- y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
Acompaña a Tori en su reclusión, ella compartirá contigo todas las maneras en que trata de sustraerse al encierro.  Te aseguro que te entretendrás.  Esta original propuesta surgida de una ardua investigación, estudios profundos y sentimientos, te conmoverá y te hará reflexionar para que valores lo mucho que significa gozar de libertad.  Un trabajo muy bien logrado por un equipo de seres comprometidos con su labor y con el con el teatro.  Apresúrate, su temporada está por concluir.
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MINOTAURO
se presenta los jueves a las 20:30 horas en el
FORO BELLESCENE
ubicado en la calle Zempoala número 90
Colonia Narvarte Oriente, Ciudad de México.
Duración aproximada:  60 minutos
Entrada general $120
Descuento del 30% a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente,
así como a vecinos de la colonia Narvarte
La temporada concluye el jueves 11 de abril de 2019
SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019

Continúa la primera residencia de MONOSABIO en el TEATRO EL MILAGRO.  La obra con la que iniciaron esta residencia es TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA, de la cual reportamos en fechas recientes.  Ahora presentan SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA de la autoría y bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas.

En la sinopsis los jóvenes de MONOSABIO indican:  "SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA surge de la necesidad de hablar del sinsentido, el vacío, la necesidad y el profundo dolor que genera la pérdida de un igual, una amiga, un conocido, una madre, un hermano, un ser amado, la identidad".

A partir del nacimiento de todo ser humano comienza a forjarse su personalidad.  Cada uno de los factores que le rodean tiene que ver con su desarrollo emocional.   Lo básico es la forma en que se le recibe, el amor, cuidados, alimentación y educación que le brindan sus padres.  Luego son la escuela, los estudios, el aprendizaje, el carácter individual.  Intervienen en determinada medida familiares, compañeros, amistades, conocidos y hasta algunos desconocidos.  Así mismo, hay que sortear adversidades como enfermedades, accidentes, peleas, acosos, la pérdida de un ser querido, rupturas amorosas, desengaños, miedos, decepciones, frustraciones.  Tanto lo bueno como lo malo va conformando nuestra identidad.  En ocasiones nos sentimos felices, realizados, en tanto que en otras, algo nos agobia o deprime, ya sea por lo que está ocurriendo o por experiencias del pasado.  Siempre hay que encontrar el balance y seguir adelante.

SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA trata de esto.  Se refiere a la identidad de cada persona, a su forma de pensar y al momento que atraviesan en sus vidas.  En un restaurante habrán de encontrarse un hombre y una mujer.  Él es retraído, solitario, le gusta más observar la vida que vivirla.  Se ha hecho a la idea de que viendo a la gente y su comportamiento, puede adivinar lo que sea, como su nombre propio, su signo zodiacal, su profesión y hasta los problemas que enfrenta.  Su imaginación no conoce límites, pero nunca sabrá si sus suposiciones son atinadas, porque no acostumbra hablar con nadie.  Definitivamente es reservado y ensimismado.  En cambio, ella es sociable, reconoce como sus mejores épocas la secundaria y la preparatoria y sonríe al recordar aquellos juegos en los que participaba.  Lo malo es que ahora se siente "hueca, incompleta, rota, vacía", algo ocurrió y le ha dolido tanto que no ha podido superarlo.  Cada uno de ellos está en su propio mundo, sólo atento a sus pensamientos.  Aunque él está consciente de su carácter y mentalmente se dice: No estoy acostumbrado a ver a los ojos. Creo que es una condición con la que no nací. O me la quitaron, no sé…, en determinado momento las miradas de ambos se cruzarán y comienzan a platicar. 

Al igual que en la propuesta anterior de MONOSABIO, el montaje es sencillo, pero suficiente para lograr el entorno adecuado.  En tanto que el proyecto anterior era básicamente vivencial, en el actual introducen realismo -la comida que les sirven es real y ellos comen en escena-, las coreografías representan mayores retos, como que ambos se suban a la mesa y esquiven la vajilla de servicio o que se carguen el uno al otro en determinado momento, para lo cual se requiere de bastante práctica y precisión.  El crédito del diseño de movimiento corresponde a Belén Mercado.

El texto concebido por Manuel Cruz Vivas es estructurado y capta el interés absoluto del espectador.  A través de los parlamentos se dan a conocer los sentimientos más íntimos de los protagonistas.

La labor de dirección por parte de Manuel Cruz Vivas, el propio autor, es impecable.  Su trazo escénico es variado y de buen diseño, combina acertadamente parlamentos, estática y coreografías.  La acción y las pausas están balanceadas.  El espacio está bien aprovechado.  Con ingenio va rotando los lugares que ocupan los actores para dimensionar el tiempo.  El ritmo es atinado.

El elenco está conformado por Ingrid Cebada y Edgar Landa, quienes ofrecen un estupendo trabajo histriónico, corporal, vocal y expresivo.   Oportunas también las breves interacciones de una joven de la producción como mesera del restaurante.

 

El diseño escenográfico, la iluminación y el vestuario son creación de Alejandra Escobedo, quien logra una estupenda labor en los tres rubros a su cargo.  El diseño gráfico es de Daniel Loyola.

 

TEATRO EL MILAGRO -- Coordinación técnica:  Aída Escobar.  Planta técnica:  Celso Martínez Flores  y  Rodolfo Mora González.

 

La producción es de MONOSABIO.

 

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

 

 

Todos hemos experimentado algún vacío existencial o un dolor tan intenso que no nos permite respirar.  En tales casos, lo aconsejable es SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA, para encontrar una mano que estrechar o un hombro donde llorar.  Lo fundamental es entender que todo se puede superar con el tiempo y que nunca debemos dejarnos caer.  El grupo teatral MONOSABIO capta la esencia de esta problemática y la traslada al teatro desde su perspectiva juvenil con entusiasmo y compromiso a la labor que realizan.  ¡No te la pierdas!

 

 

Después de SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA,  MONOSABIO presentará ¡PULSO!, del 17 de abril al 3 de mayo de 2019, también de la autoría de Manuel Cruz Vivas, bajo la dirección de Alejandra Escobedo. 

 

 

 

 

 

SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA 
se presenta miércoles,  jueves  y  viernes a las 18:00 horas en el
TEATRO EL MILAGRO
Nuevo Espacio Escénico

ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  80 minutos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el jueves 11 de abril de 2019

 

DEVELACIÓN PLACA CONMEMORATIVA
LOS MANSOS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2019
La COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO es un colectivo cuyo objetivo es crear, producir y fomentar propuestas de intención artística y estética.  A la fecha tiene una trayectoria de 24 años ininterrumpidos, la cual ha participado exitosamente en numerosos festivales nacionales e internacionales.  Agustín Meza es quien la fundó y la dirige. 
Agustín Meza es talentoso, sensible y creativo.  Está abierto a todo tipo de posibilidades, no le gusta ajustarse a normas ni criterios, le encantan los retos y la intervención de espacios.  Para él, el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada.  Aun cuando cada vez que inicia un proyecto, tiene una idea bastante clara de cómo plasmarlo en escena, acostumbra trabajar en colaboración con su equipo, a fin de que en lugar de ser participantes sean parte integral.   Otro de los elementos fundamentales del teatro que realiza Agustín Meza es el espectador, no sólo le dedica cada una de sus propuestas a éste, sino que el anhelo es tocar sus sentidos.  A este respecto, hace pocos años Agustín Meza creó el teatro de la tersura, un nuevo concepto, a través del cual ha logrado conmover a cuantos han presenciado sus más recientes montajes.  
La COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO fue fundada en la Ciudad de México, donde se le recuerda por obras como:  EL PASATIEMPO DE LOS DERROTADOS … CARTAS DE UN IDIOTA de Agustín Meza,  FE DE ERRATAS de Agustín Meza,  ESPERANDO A GODOT  de Samuel Beckett,  WOYZECK de Georg Büchner,  EL ABUELO DICE QUE EL TIEMPO ES UN NIÑO QUE JUEGA A LAS CANICAS de Agustín Meza.  Posteriormente cambió su residencia a la ciudad de Querétaro, donde produjo:  ANATOMÍA DE LA GASTRITIS de Itzel Lara,  GRITOS Y SUSURROS de Ingmar Bergman,  LA HABITACIÓN Y EL TIEMPO de Botho Strauss,  LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO de Agustín Meza, la cual es un homenaje escénico a Andrei Tarkovsky -por cierto, esta obra ganó el Premio Villanueva en La Habana, Cuba como uno de las mejores obras presentadas en EL 2017-.  Durante una estancia en la ciudad de Oaxaca, se realizó el montaje de APROXIMACIÓN AL INTERIOR DE UNA BALLENA  de Ángel Hernández, para luego crear en la Ciudad de México  NOCTURNO. HOMENAJE ESCÉNICO A OCTAVIO PAZ  de Agustín Meza.
Ahora, la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO está de regreso en la Ciudad de México y al parecer ha llegado con nuevos bríos, pues no ha dejado de trabajar un solo momento y en los pocos meses que lleva aquí ha hecho bastante.  Llevó a cabo la puesta en escena LOS MANSOS de la autoría de Alejandro Tantanian, bajo la dirección de Agustín Meza.  Alejandro Tantanian es en la actualidad uno de los autores más destacados en el ámbito teatral argentino.  Nacido en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, a la temprana edad de 13 años comenzó sus estudios de actuación.  Luego de titularse en la Universidad Popular de Belgrano, continuó su perfeccionamiento en actuación y además estudió canto, dirección y dramaturgia con destacados maestros.  Forma parte del colectivo de autores Caraja-jí y del grupo El Periférico de Objetos, la cual es una agrupación paradigmática del teatro experimental e independiente argentino.  En su trayectoria se ha desempeñado como actor, autor, director, régisseur, cantante, docente, traductor y gestor cultural.  Su trabajo le ha valido importantes premios nacionales e internacionales.  Sus obras han sido traducidas a diversos idiomas y  representadas en Argentina, Brasil, Uruguay, Francia, España, Italia, Bélgica, Austria, Alemania y, ahora, en México, toda vez que LOS MANSOS es el primer montaje que se hace en nuestro país de dicho autor.
Con respecto a LOS MANSOS, esta fue la opinión de Galeria Teatral:  "Rusia, Argentina y México se hermanan en esta puesta en escena.  La joya literaria escrita por Dostoyevski en la versión de Alejandro Tantanian y el montaje de Agustín Meza hacen de LOS MANSOS una verdadera obra de arte plena de magia y teatralidad.   El relato es poético y potente, la dirección inmejorable, los personajes entrañables, la música espléndida y la estética visual esplendorosa.  No pierdas la oportunidad de acudir a verla, descubrirás nuevas perspectivas para ver el teatro y la vida misma".

LOS MANSOS ha cubierto tres temporadas.   La primera fue a finales del año pasado en el sótano del TEATRO ISABELA CORONA, donde fue estrenada.  La segunda, durante la residencia artística de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO en el CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO y la tercera en el Salón de Escenografía del CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE.
Así mismo, la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO ha organizado varios talleres y laboratorios:
Un TALLER DE ACTUACIÓN impartido por Genny Galeano, José Luis Villalobos y Xavier Lara Mora, quienes integran el elenco de LOS MANSOS, en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque.
El laboratorio intitulado ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO impartido a cargo de Agustín Meza, al cual acudieron once colectivos.  Con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- y, a través de la COMPAÑÍA DEL TEATRO EL GHETTO, al colectivo ganador se le entregó  un apoyo económico para que su montaje sea llevado a escena.  Resultó ganador el colectivo EL MIRADOR con FLORES NEGRAS DEL DESTINO NOS APARTAN.
Un taller de CREACIÓN MUSICAL PARA LA ESCENA impartido por Steven Brown, destacado músico, líder de la banda avant garde Tuxedomoon en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque.
 
Una MASTER CLASS DE DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN ESCÉNICA  impartida por Alejandro Tantanian, el prestigiado autor de LOS MANSOS, quien viajó a nuestro país especialmente para la Master Class, ver la puesta en escena de Agustín Meza  y  develar la placa.
 
Para la  DEVELACIÓN de la PLACA CONMEMORATIVA de LOS MANSOS, la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO reunió a una constelación de ilustres creadores, quienes acudieron a ver la puesta en escena.  Además de los creadores, pudimos ver a viarias personalidades ligadas con el arte entre el público, como por ejemplo:  el escritor y dramaturgo Vicente Quirarte, el doctor en letras y crítico teatral Bruce Swansey, el actor y docente Llever Aiza, la actriz Guillermina Campuzano, el artista plástico Sergio Mérida, la bailarina y coreógrafa Isabel Romero, Maricarmen y Alfredo Muñoz, hermanos del actor Gustavo Muñoz, entre otros.
 
Previo a la función de LOS MANSOSEL MIRADOR, ganador del laboratorio de ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO  presentó FLORES NEGRAS DEL DESTINO NOS APARTAN.
 
Luego de la representación de LOS MANSOSse procedió a la develación de Placa.   A continuación un breve resumen de las palabras que emitieron los develadores.
 
CLAUDIO VALDÉS KURI comentó que a Alejandro Tantanian lo consideraba un poeta y a Agustín Meza un perseguidor de la poética, así que estaban destinados a encontrarse el uno al otro.
 
ALEJANDRO TANTANIAN dijo estar muy complacido con el montaje y que le sorprendió mucho que alguien la hubiera montado, ya que se trata de un obra muy personal que hizo para dejar huella de su experiencia.  Elogió a Agustín Meza y a los integrantes del elenco por la pasión y el espíritu que empeñaron en la puesta en escena.
 
DAVID OLGUÍN expresó que para él era un verdadero gusto tener a Alejandro Tantanian en México y felicitó calurosamente a Agustín Meza y a todo s equipo.
 
LUZ EMILIA AGUILAR ZÍNSER dijo haber conocido a Agustín Meza desde FE DE ERRATAS en el año 1999 y que desde entonces ha seguido la trayectoria de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO y ha visto su compromiso y empeño.  Mostró su molestia ante la incertidumbre que han derivado de comentarios en torno a nuevos lineamientos del FONCA, toda vez que considera que sin apoyos se dificultaría el trabajo de aquellos creadores que amplían la geografía cotidiana que existe en nosotros.
 
DAVID GAITÁN agradeció la invitación por parte de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO y comentó que desde que estudiaba muchos consideraban a Agustín Meza un director de culto y que él en lo personal ha admirado desde siempre su trabajo y el de los equipos que convoca.
 
ÁNGEL HERNÁNDEZ dio su voto solidario a la resistencia y a las artes estratégicas que vengan a impulsar el trabajo. Dijo que son de una generación que no ha sido mansa, sino que tienen un mando de autonomía.   Compartió haber sido testigo de las condiciones en que trabajó Agustín Meza junto con su equipo para intervenir espacios abandonados y totalmente en ruinas durante varias emisiones del Festival de Teatro para el Fin del Mundo.  Dijo sentir la necesidad de identificar la poética muy clara de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO y los felicitó también por el diseño de los encuentros que organizaron
 
Sin lugar a dudas, la develación de placa de LOS MANSOS en el Salón de Escenografía del CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE constituyó un gran evento teatral para culminar su tercera temporada.  Pocas veces se tiene la oportunidad de ver a tantas personalidades reunidas en un mismo lugar.  Felicitamos cordialmente a la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO, a Agustín Meza, a cada uno de los integrantes de su comprometido equipo de trabajo y quedamos al pendiente de la cuarta temporada de LOS MANSOS.

 

 

SOLDADERA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2019

Miguel Sabido se ha desempeñado como dramaturgo, guionista, poeta, director de teatro, teórico de la comunicación, creador de entretenimiento educativo en telenovelas y docente.  En su extensa trayectoria se ha hecho acreedor a numerosos premios, distinciones y reconocimientos.  No obstante tener tantas ocupaciones, lo que más apasiona a Miguel Sabido es la historia de México y la ha investigado a profundidad.  Esto quedó claro desde la tesis que presentó para su titulación bajo el nombre de "Tres mil años de representaciones sagradas".  

Es el dramaturgo que más pastorelas tiene en su haber.  Es un gran conocedor de los rituales, ceremonias y tradiciones mexicanas y ha dejado huella de esto en su literatura y dramaturgia.   Para televisión, escribió las telenovelas históricas "La tormenta", "Los Caudillos", "La Constitución",  "Senda de gloria"  y  "Los Insurgentes".  Para teatro, creó toda una saga que constituye un Mural Teatral sobre la Historia de México, mismo que compila las obras:  "Falsa crónica de Juana la Loca",  "Conquista",  "Guadalupe y Juan Diego",  "El juicio de Hidalgo",  "Juárez frente al cadáver de Maximiliano", "Carlota Emperatriz",  y  SOLDADERA.  El texto con el que culminó esta saga, la escribió específicamente para la actriz Martha Zavaleta hace aproximadamente 8 años.  SOLDADERA se estrenó en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz en el 2011 y luego en forma esporádica se realizaron algunas representaciones en circuitos universitarios y en determinados foros.

Martha Zavaleta es una actriz muy reconocida que también se ha dedicado a la producción.  Tiene una amplia trayectoria en teatro, cine, televisión y música.  Fue colaboradora de Ernesto Alonso y Miguel Sabido en más de 50 telenovelas.  Fundó los centros de capacitación de Televisa, donde impartía clases y formaba actores.  Hasta la fecha sigue trabajando en formación y orientación actoral y vocal.  Participó activamente en la preparación de jóvenes como Thalía, los grupos Timbiriche, Fresas con Crema y Flans, así como de los integrantes del popular programa televisivo ¡¡Cachún, Cachún, Ra, Ra!!, del cual ella fue la directora y donde también interpretó al personaje de la Maestra Canuta durante alrededor de 8 años.

SOLDADERA es un monólogo, mediante el cual Miguel Sabido honra a las mujeres, digamos, "olvidadas" que participaron en la Revolución Mexicana, dando voz a una en particular y a varias que fue conociendo en su camino.  En plena Revolución, en los tiempos del General Francisco Villa, había una tremenda opresión hacia las mujeres, toda vez que se les consideraba el sexo débil, no podían siquiera votar y sus derechos estaban muy limitados.  Las damas de sociedad sólo estaban supuestas a estar en el hogar y a asistir a ciertas reuniones.  En cuanto a las de cuna humilde, eran reclutadas como ayuda doméstica y su labor era hacer todo lo que les pidieran.  Si las empleaban en una hacienda, su deber incluía satisfacer a los patrones.  La historia de SOLDADERA se basa en una de estas jovencitas que es abusada por el patrón.  Un día se da cuenta de que no tiene ni un momento de descanso, cae rendida en la cama y está harta de trabajar tan duro, tiene miedo del patrón y además envidia todos los lujos de la señora.  Sabe que ella nunca podrá usar prendas tan delicadas, ni sombreros tan vistosos.  Para colmo, tiene miedo del patrón, así que decide huir.  Corre por el camino y se sube a un ferrocarril con un gran letrero que dice "Leyes de Indias".  Se siente libre, está feliz, pero pronto descubrirá que su destino no será nada fácil.  Estar hacinada en un vagón es bastante molesto y peor si tienes que pasar por todas las atrocidades y salvajismos de la revolución.  Su trayecto en el tren abarca tres décadas, así que tiene mucho que contar y comparte con el público anécdotas de su vida personal y de aquellas mujeres que ha conocido, tanto de las de la hacienda como de las que la acompañan en su viaje.  También explica las distintas categorías de soldaderas que van a la guerra por acompañar a sus hombres o, como ella, por huir del maltrato.

El texto de Miguel Sabido es de buena estructura, ilustra sobre la forma en que se vivió aquella época, incluyendo algunos pasajes históricos y su protagonista relata sus vivencias con emotividad y pasión.  Sin duda, muy interesante.

La labor de dirección por parte del propio Miguel Sabido es impecable.  No obstante tratarse de un monólogo, permite el lucimiento de su actriz haciendo otras voces de mujeres que son representadas por mamparas con imágenes y ciertos adornos.  La acción es constante.  Las mamparas son manipuladas por tres bailarines que en ocasiones interactúan brevemente con el personaje principal.  El ritmo es ágil.

Martha Zavaleta despliega toda su experiencia actoral para encarnar a la SOLDADERA, dotándola de diversos matices.

Los bailarines que acompañan a Martha Zavaleta son:  Gabriel David Hernández Medina,  Jorge Alcaraz Pineda  y  Alberto Morales Rodríguez.

Integran el equipo creativo:   Irene Sabido en producción ejecutiva,  Ignacio Torre en entorno musical,  Víctor Gochez en escenografía,  Carmen Ceja en luces,  Rafael Esquivel es asistente de producción,  Sergio Alarcón en apuntador,  y  Luly Garza en coordinación general.

La producción es de MINDSTREAM PRODUCCIONES.

Entérate de muchos detalles de lo sucedido durante el Revolución mexicana, acompañando a SOLDADERA en el vagón del tren donde viaja, ella compartirá contigo su sentir, lo que ha vivido y hasta algunos de sus amores.  En la función de estreno Miguel Sabido dijo sentirse muy emocionado por volver al lugar donde inició su trayectoria, en virtud de que fue precisamente en este escenario donde inició su faceta de dramaturgo ante la presencia de Salvador Novo, su maestro, con la representación de su primera obra teatral y que, además, en dicha obra actuó la actriz Martha Zavaleta, lo cual ocurrió hace 60 años, así que para Miguel Sabido SOLDADERA es motivo de celebración y conmemoración.

 
 
SOLDADERA
se presenta  a las 20:00 horas los jueves  21  y  28 de marzo de 2019  en el

 

TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  80 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,
así como para vecinos de  Coyoacán,  Iztapalapa  y  Benito Juárez
 
TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2019

Cada momento que vivimos se convierte en una experiencia y queda en la mente.  Si se trata de algo grato, trataremos de no olvidarlo y lo atesoramos en un lugar especial.  Por lo contrario, si se trata de algo desagradable que nos produjo tristeza, furia, decepción o dolor, quisiéramos eliminarlo, pero no es fácil porque igual se almacena.  Mientras más jóvenes somos, más fresca es nuestra memoria y la sensibilidad está a flor de piel, así que tanto lo alegre como lo triste nos afecta en mayor medida. 

 

Los malos recuerdos son como desechos que nos estorban y su almacenamiento nos hace sentir mal, de algún modo es porquería que se va acumulando.  Es un poco deprimente saber que podemos asearnos, limpiar nuestra casa, organizar los armarios, pero no podemos depurar nuestra mente.  Hay quienes acuden a psicoterapia, a meditaciones o a otros remedios, pero limpiar la memoria es un largo proceso.  Algo debemos hacer porque es molesto confesar TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA.   

 

Tal es el título de uno de los más recientes textos de la joven dramaturga Bárbara Perrín Rivemar, oriunda de Tijuana, Baja California.  Bárbara, quien se desempeñaba como actriz, incursionó en la dramaturgia antes de cumplir los 20 años  El prestigiado creador teatral Hugo Arrevillaga fue quien dio a conocer el trabajo de Bárbara Perrín Rivemar en la Ciudad de México al elegir la obra "AmorAmor" para el examen final de los alumnos de Casa del Teatro de la generación 2011-2016, un texto de compleja estructura, donde se abordaban múltiples tipos de amor, sin orden cronológico, así que el tiempo iba y venía en forma abrupta.  A la fecha, Bárbara Perrín Rivemar se ha hecho acreedora a reconocimientos y distinciones con varias de sus obras.  A través de TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA Bárbara relata vivencias de Janis y de algunos de sus amigos durante un lapso de aproximadamente seis años.  Está ubicada en nuestros tiempos y capta la esencia de los jóvenes de hoy en día, sus amores, diversiones, excesos y reflexiones.  Capta el interés del espectador.

Actualmente MONOSABIO está cubriendo su primera residencia artística en el TEATRO EL MILAGRO.  MONOSABIO es un grupo teatral integrado por Alejandra Escobedo, Belén Mercado Edgar Landa y Manuel Cruz Vivas, quienes con respecto a esta residencia, dicen:  "nos aventuramos a explorar diversas formas de abordar la escena teniendo como punto de partida el contenido emocional de nuestras obras y una apuesta estética que tiene que ver con nuestra forma de mirar el mundo;  el camino es encontrar nuestra poética o nuestras poéticas;  el objetivo es llegar a tus sentidos".  

 

Durante su residencia, MONOSABIO presentará tres obras, siendo la primera TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA de Bárbara Perrín Rivemar, bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas.

 

Aun cuando el montaje de TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA es sencillo, no deja de ser lucidor, puesto que denota, en primer lugar, el compromiso de los integrantes de MONOSABIO, quienes entregan cuerpo y alma al proyecto y, en segundo lugar, la forma en que acuden a su ingenio para lograr que un espacio reducido contenga todo lo necesario con pocos recursos económicos, como por ejemplo:  un sillón pequeño propio de niños o crear una mesa con dos cajas de legumbres y un tablón, dos escaleras de mano para sostener un teclado, sin faltar una lámpara de lava que sirve de adorno y amuleto.

 

La sinopsis de TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA es:  "Janis recuerda su primer amor, la ternura y la lástima, lo que era antes y lo que es ahora.  Janis tiene mierda en la cabeza y la quiere sacar de ahí.  Ella tiene una teoría:  una persona solo puede almacenar cierta cantidad de mierda en la cabeza.  Pero una persona puede almacenar más que sólo eso.  Se trata de encontrar esas cosas, para que la mierda se vaya, hasta desaparecer." 

 

En una puesta en escena muy dinámica y llena de energía juvenil, Janis hace un recuento de lo que ha vivido y lo comparte con el público.  Habla de todo sin tapujos, incluso, con una que otra palabra altisonante de las que suelen utilizar los jovencitos.  Platicará de cuando perdió su virginidad, cuantos novios ha tenido y hasta del anhelo de su mamá de ser escritora.  Uno de sus momentos inolvidables es el día en que conoció a Alberto, justo cando entraban a la prepa.  Le encantó la chamarra que llevaba y se lo vio parecido a David Bowie.  La verdad es que Alberto fue su primer amor.  Él también se enamoró profundamente de Janis, según él, porque olía a vainilla y a sexo.  Juntos viven un ardiente romance y en su afán de explorar cosas nuevas hasta llegan a probar algo de drogas en una muy prolongada fiesta, pero esta es una de las razones por las que Janis asegura: TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA

 

La labor de dirección por parte de Manuel Cruz Vivas es muy atinada.  Su trazo escénico es pulcro.  La acción es constante, permite el lucimiento de su cuadro actoral, tanto en lo histriónico como en coreografías, canto y música.  Aprovecha bien el espacio.  El ritmo es preciso.

 

En el elenco participan:  Belén Mercado,  Edgar Landa  y  Luis Arturo Rodríguez.   Los tres ofrecen un formidable trabajo histriónico, corporal, vocal y expresivo.  Destaca Belén, por ser la que mayor participación tiene en la obra.

 

El diseño escenográfico y la iluminación son creación de Alejandra Escobedo, quien logra una estupenda labor en ambos rubros.  El vestuario está a cargo de Mauricio Arizona, utilizando prendas casuales con algo de versatilidad.  El diseño gráfico es de Zezé F. Ramos.

 

TEATRO EL MILAGRO -- Coordinación técnica:  Aída Escobar.  Planta técnica:  Celso Martínez Flores  y  Rodolfo Mora González.

 

La producción es de MONOSABIO.

 

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

 

Siempre resulta interesante ver teatro hecho desde una perspectiva juvenil, sobre todo, cuando lo hace un equipo muy integrado con un alto sentido de compromiso y amor por su labor.  Es sorprendente la forma en que el elenco participa en todo, ellos actúan, cantan, tocan instrumentos y hasta accionan las luces de piso.  En TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA el entretenimiento está asegurado.  Si eres joven, disfrutarás a fondo el relato y los personajes y si eres mayor, además, comprenderás mejor la forma de pensar de tus hijos o sobrinos.  Son jovencitos dispuestos a comerse el mundo y a aventurarse, pero también saben cuándo rencauzar su camino o pedir perdón a su madre.

 

Después de TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA,  MONOSABIO presentará SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA, del 27 de marzo al 11 de abril de 2019  y  ¡PULSO!, del 17 de abril al 3 de mayo de 2019, ambas de la autoría de Manuel Cruz Vivas. 

 

TODAVÍA TENGO MIERDA EN LA CABEZA
se presenta miércoles,  jueves  y  viernes a las 18:00 horas en el
TEATRO EL MILAGRO
Nuevo Espacio Escénico

ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  60 minutos
Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el viernes 21 de marzo de 2019
FUIMOS HÉROES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Marzo 2019
Según un dicho popular, el hombre debe ser "feo. fuerte y formal".  En primer lugar, no todos son feos, los hay guapísimos y más ahora que acuden al gimnasio y ya no es mal visto que cuiden su físico con productos antes reservados para mujeres; en cuanto a fuertes, eso proviene de que se divide a los dos sexos en fuerte y débil y por lo que respecta a formales, es la referencia a que antiguamente se suponía que eran la parte responsable del hogar, a quienes les tocaba toda la carga económica en aquellos tiempos en que la mujer sólo se dedicaba al hogar.  Con el tiempo, ciertos paradigmas han ido quedando obsoletos.  En la realidad, los hombres, más que fuertes y formales, se sienten héroes, lo son cuando logran un objetivo, cuando conquistan a una bella mujer, cuando meten un gol, cuando el equipo de su preferencia gana un partido. 
A pesar de que continúan vigentes algunos arquetipos de discriminación hacia la mujer, hay un día en que ella se convierte en la reina absoluta:  el día de su boda.  La novia es la estrella de la fiesta.  Además de todos los arreglos pertinentes al evento, como la lista de invitados, dónde se llevará a cabo, qué alimentos, bocadillos y bebidas se servirán, los arreglos florales, la música, etcétera, la novia tiene que elegir el vestido, decidir el peinado, maquillaje, accesorios, someterse a tratamientos de belleza, ya que sabe que todas las miradas se centrarán en ella y, por supuesto, quiere mostrar la mejor versión de sí misma en ese fecha tan importante. 
Hasta ahora, dado que la novia se llevaba todos los comentarios, no nos habíamos detenido a pensar qué siente el novio en el día de la boda.  El actor, escritor y director Alfonso Cárcamo utiliza su dramaturgia para revelar a través de FUIMOS HÉROES el sentir íntimo del novio a pocas horas de la boda, junto con todas sus incertidumbres y preocupaciones.  
Alfonso Cárcamo es egresado de la carrera de actuación del Centro Universitario de Teatro de la UNAM.  Varias de sus obras han sido presentadas en importantes festivales tanto en México como en el extranjero.  También tiene una amplia trayectoria desarrollando series para diversas cadenas de televisión. 
En la sinopsis de FUIMOS HÉROES, se lee:  "Faltan cuatro horas para que Emilio se case, pero no está seguro de querer hacerlo. Pedro y Vicente, sus mejores amigos y quienes creen que Emilio es el hombre más hombre del mundo, hacen lo que pueden para convencerlo. Juntos revisan su historia de amistad, desnudan las razones que tuvieron en aquellos momentos en que tomaron la decisión más importante de su vida. Entonces descubren que ya no está en sus manos elegir. Que ellas, todas las mujeres, aprovechando que los hombres se durmieron en sus laureles, dominan el mundo y poco o nada queda de aquellos héroes inconmovibles que hicieron la historia".
El texto escrito por Alfonso Cárcamo es de buena estructura y capta el interés de principio a fin.  Delinea con precisión la forma de ser de sus tres protagonistas, diferentes entre sí, pero como han sido amigos por muchos años, se conocen a fondo, se quieren y se comprenden.  Comparten la pasión por el futbol.  No siempre están de acuerdo y en ocasiones casi se van a los golpes por defender sus ideas, pero se detienen ante la amistad que los une.  Para la narrativa utiliza lenguaje propio de los hombres, con algunas palabras altisonantes, lo que hace que el público sienta que está presenciando escenas de la vida real.   Entre los temas que se abordan están amor, atracción, fidelidad, matrimonio, paternidad, logros, frustraciones, temores, compromiso, hijos, etcétera.
La acción comienza cuando Emilio se está vistiendo para su boda, tiene dificultades en hacer el lazo de su corbata, pero lo más preocupante es que no está tan seguro del paso que va a dar.  Pareciera que está por arrepentirse.  Pedro y Vicente tratan de convencerlo de no dejar plantada a Patricia, aun cuando saben que Emilio siempre ha proclamado que sería un eterno soltero.  Pedro alude a la felicidad que ha alcanzado con Inés, su esposa, mientras Emilio recuerda momentos vividos con Susana, una mujer que siempre le ha atraído.  En tanto que Vicente dice que al menos él no tendrá esas confusiones, dado que es homosexual y sus historias de amor son diferentes. 
La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable.  Antonio Castro hace gala de su amplia experiencia al crear un trazo escénico de precisión.  Saca a flote lo mejor de la calidad histriónica de su extraordinario elenco.  Balancea pausas y acción.  Aprovecha a fondo el espacio.  El ritmo es acertado.
La labor histriónica, corporal, vocal y expresiva de los tres protagonistas es estupenda.  Ellos son:  Leonardo Ortizgris (Emilio),  Tizoc Arroyo (Vicente)  y  Mauricio Isaac (Pedro).
Ingrid SAC es la encargada del diseño de escenografía, iluminación y vestuario.  Realiza un trabajo formidable en sus tres rubros.  El dispositivo escénico creado por Ingrid SAC no sólo es bello, lucidor y práctico sino tan funcional que son los protagonistas quienes producen los cambios, mismos que son diversos, con lo cual también queda evidenciada la versatilidad escenográfica.   La iluminación está perfectamente administrada,  y  el vestuario es idóneo, hace que los personajes se vean muy elegantes en sus atuendos de boda y, en contraste, que luzcan casuales en ropa informal, sin olvidar los logos de sus equipos favoritos.
Miguel Hernández coadyuva con su diseño sonoro a marcar las transiciones de tiempo que hay en el relato. 
El resto del equipo creativo está conformado por:  Sheila Flores en diseño de producción y producción ejecutiva;  Miguel Alejandro León es asistente de dirección;  Lauro Longoria es asistente de producción ejecutiva;  Mirna Peña en diseño de imagen;  Corina Rojas - Pop Comunicación en difusión y promoción;  iQ Acosta & Co. en relaciones públicas;  Isa Ramos - Strave Digital Marketing en redes sociales;  David Flores Rubio en fotografía;   Juan Carlos contreras - Aicon Media en videoproyecciones;  Carlos Dávila es asesor financiero;  Cacumen Teatro en producción general;  Pierre Tatarka en realización y dirección de video promocional;  SERO Construcciones en realización de escenografía,  y  Pedro Martínez García en realización de vestuario.
FUIMOS HÉROES es presentada por la Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico y por Cacumen Teatro, productora que fue fundada y es dirigida por Tizoc Arroyo.
Esta es una gran oportunidad para presenciar una plática entre amigos y conocer los pensamientos más íntimos de los hombres, todo aquello que les preocupa, lo difícil que es llevar a cuestas los estereotipos de masculinidad, sus temores a dar el paso definitivo al compromiso y dejar de ser héroes.  Te divertirás y comprenderás mejor el punto de vista masculino.  Seas hombre o mujer, pasarás un rato muy entretenido con una historia interesante, un fabuloso montaje y actuaciones plenas de veracidad.  ¡No te la pierdas!
FUIMOS HÉROES
se presenta viernes a las 20:30 horas
sábados a las 18:00 y 20:00 horas  y
domingos a las 17:00 y 19:00 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  75 minutos
Costo de la localidad:   $300
La temporada concluye el domingo 24 de marzo de 2019

 

CÁLLATE Y REMA
Instrucciones para morir
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Cuando se inventó el plástico, pensaron que era una maravilla, su uso se diversificó en tal forma que no existe un solo hogar donde no haya algún artículo plástico.  Transcurrió mucho tiempo para que se percataran de que su degradación es demasiado lenta, por lo cual, no puede desecharse y de lo nocivo que ha sido para la ecología.  Esto aunado a los experimentos nucleares, al uso de atomizadores, la tala desmedida de los bosques, lla contaminación, acumulación de basura  y otros problemas similares han  ocasionado que nuestro planeta enfrente severos riesgos y esté en grave peligro.  Los efectos ya son notorios, el calentamiento global hace estragos con cambios climáticos que no sucedían antes, en diversos lugares hay escasez de agua, muchas especies en peligro de extinción, la fauna marina está muy afectada.  Hoy en día estamos conscientes de que el mundo no es eterno y se han implantado campañas para su conservación del mundo.  Algunos sólo compran productos ecológicos, otros optan por cambiar su tipo de alimentación, varios pretenden rescatar animales, hay quienes siembran árboles, en fin, cada quien trata de ayudar en algo, pero lamentablemente el daño ya está hecho y no pueden ser revertidos. 
Dejó de ser un tema de ciencia ficción para convertirse en una realidad.  Es algo tan preocupante que no podemos dejar de pensar en ello.  El dramaturgo Julián Robles utiliza la dramaturgia como vehículo para trasladar al espectador a un mundo distinto a través de CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir, ubicando el relato después de ocurrida la extinción.  En el universo concebido por Julián Robles, quedan unos cuantos sobrevivientes y todo luce muy diferente.    Por ejemplo, en lugar de acudir a un hospital, la gente va a los cementerios a buscar "refacciones" para sí mismos, o bien, para hacer que sus antepasado vuelvan a la vida, ellos se sienten "en los albores de su inmortalidad", saben que "desde la extinción, nadie ha vuelto a oler a un muerto fresco", podría ser que el cielo esté abajo y el infierno arriba y lo único que les queda claro es que "¡Morirse cansa!".
Los personajes de CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir son "un poeta musulmán, homosexual y suicida; una mujer hebrea enloquecida por su salud: y una madre pía, castrante y olvidadiza".  En la sinopsis de la obra se lee:   "Dos seres aterrados con la idea de la extinción buscan en las ruinas de lo que alguna vez fue un cementerio aquello que les permita continuar siendo inmortales. Ninguno de los dos conoce la muerte, pero le temen igual que los antepasados que están a punto de devolver a la vida. … Sin embargo, la esencia que rescatan del pasado no les sana el miedo a morir. Perdidos en un océano que parece no tener fin, están condenados a descubrir, como todos, la absurda inutilidad de su propia existencia".
El texto de Julián Robles atrapa el interés de principio a fin, es de buena estructura.  Algunos parlamentos son repetitivos, pero pudiera ser que esto es para remarcar lo cíclico de la vida.  La temática es variada:  el miedo a morir, la anhelada inmortalidad, las distintas creencias sin importar la religión que se practique, ya que alude a la fe en general, al catolicismo y al judaísmo, al igual que a rituales, cartomancia o hechicería. También habla de relación filial, amor, compañerismo.  Del subtexto podría entenderse que cada quien vive la vida a su manera, en tanto que todos tenemos dudas, temores, anhelos.
El montaje de CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir por parte del maestro Ricardo Ramírez Carnero privilegia el texto de Julián Robles, lo redimensiona y lo hace mucho más interesante.  Aun cuando los personajes son varios, estos son interpretados por una actriz y un actor, es decir, dos protagonistas, pero atinadamente, Ramírez Carnero integra a un tercer protagonista con un músico en escena, quien acompaña el montaje en todo momento con un sintetizador, uno que otro instrumento rústico, y su voz para emitir cantos o sonidos en forma muy pertinente y oportuna.
La labor de dirección por parte de Ricardo Ramírez Carnero es extraordinaria, su trazo escénico es creativo, entrelaza los relatos en forma idónea, confía en la capacidad histriónica de su elenco para transmutarse en los varios personajes en forma instantánea, aprovecha el espacio a lo largo y a lo alto.  Igual los integrantes del elenco suben, bajan o se adentran en fosas o cuevas subterráneas con cubiertas triangulares, para luego reaparecer, con lo cual infunde una dinámica muy peculiar.  El ritmo es preciso.
Ángeles Marín y Ricardo Cárdenas White ofrecen al público una formidable labor histriónica, corporal, vocal y expresiva.   Para esta interpretación Ángeles deja del lado el glamour, mas no su destreza y sensibilidad para dar vida a los personajes y dotarlos de una amplia gama de emociones.  Luis también encarna a sus personajes de manera muy convincente. 
La composición musical y la ejecución en vivo por parte de Juan Pablo Villa contribuye a la creación del entorno idóneo.
Arturo Nava es quien diseña la escenografía y la iluminación.  En ambos rubros su labor es estupenda.  La escenografía es espectacular, un armazón metálico de tamaño monumental con escaleras y distintos niveles y varias fosas en el piso que aluden a la simbología triangular que une al cielo con la tierra.  La iluminación bien distribuida y acorde al momento que transcurre.
Teresa Alvarado se luce con el diseño de vestuario, utilizando prendas atemporales que uniforman a los tres protagonistas, para lo cual utiliza fina confección, colores neutros, telas gruesas y ligeras de buena caída, cortes asimétricos, flecos insospechados, cuerdas y amarres.
El resto del equipo creativo está integrado por:   Héctor Ortega en diseño de cartel y gráficos, así como en fotografía general;  Fernando Reyes Reyes es asistente de dirección;  Ramsés López y Arturo Piedras (Pinpoint) en difusión y prensa;  Adria Castro en redes sociales;   Coizta Grecko en realización de spot y video;  Perla Tinoco y Marcela Bretón son asistentes de producción;  Sonia Flores Morales es asistente de escenografía e iluminación;  Joana Núñez es asistente de vestuario;  Ixchel Sosa, Karla Gutiérrez y Ángel Estrada en texturización de vestuario;  Alberto Gz. en texturización de utilería;  Juan M. Vargas, Fernando Vargas, Víctor Vargas,  Jesús González, Jesús Argenis, Alejandro Cancino, Valentín Flores, Diego Rodríguez en realización de Escenografía;  Yesenia Olvera en realización de vestuario;  Perla Tinoco, Marcela Bretón y David Castillo en utilería.
EEK Producciones son productores asociados;   Alberto Robinson y Marco Guevara son gerentes de producción;  David Castillo es el productor y coordinador general.
CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir es una producción teatral nacional realizada con el estímulo fiscal del Artículo 190 de la LISR ( EFIARTES – EFITEATRO).
Para Ricardo Ramírez Carnero, Luis Cárdenas White y Ángeles Marín trabajar en esta obra representa un regreso al lugar de sus inicios, toda vez que los tres son egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral de Bellas Artes -ENAT- del Centro Nacional de las Artes -CENART-.  El universo concebido por Julián Robles para CÁLLATE Y REMA - Instrucciones para morir, donde todo parece estar al revés, te lleva a reflexionar sobre la posibilidad de que el mundo termine y lo mejor es callarse, es decir, no distraerse con nimiedades, resentimientos ni temores y siempre remar hacia horizontes nuevos.  En lugar de ser instrucciones para morir, lo son para vivir, pues debemos disfrutar al máximo cada minuto de vida.  Un texto interesante, un montaje espectacular, actuaciones entrañables, música propicia.  Aventúrate a acompañar a estos seres que han sobrevivido a la extinción y aprovecha que el precio es accesible. 
CÁLLATE Y REMA
Instrucciones para morir
se presenta de miércoles a viernes a las 20:00 horas,
sábado a las 19:00 horas  y  domingo a las 18:00 horas en el
TEATRO SALVADOR NOVO
dentro del
CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES
ubicado en Avenida Río Churubusco número 79
-esquina con Calzada de Tlalpan-
Colonia Country Club Churubusco
Ciudad de México

Clasificación: A partir de 15 años
.
Costo de las localidades
Miércoles y viernes $45
Jueves $30
Sábados y domingos $100.
Su temporada finaliza el domingo 10 de marzo de 2019

 

ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO
Plays
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Agustín Meza es el fundador de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTOcuyo objetivo es crear, producir y fomentar propuestas de intención artística y estética.  EL GHETTO cuenta con una trayectoria de  es de 24 años ininterrumpidos.  Agustín Meza es talentoso, sensible y creativo.  Tiene la mente abierta a todo tipo de posibilidades, no gusta de ajustarse a normas ni criterios, le encantan los retos y la intervención de espacios.  Para él, el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada.  Aun cuando cada vez que inicia un proyecto, tiene una idea bastante clara de cómo plasmarlo en escena, acostumbra trabajar en colaboración con su equipo, a fin de que en lugar de ser participantes sean parte integral.   
En cada una de sus propuestas lo que más complace a Agustín Meza es tocar el corazón del espectador el espectador.  Hace pocos años creó el teatro de la tersura, un nuevo concepto, a través del cual ha logrado conmover a cuantos han presenciado sus más recientes montajes.  
Entre las obras más exitosas de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO se encuentran:  "El Pasatiempo de los Derrotados ... Cartas de un Idiota" de Agustín Meza,  "Fe de Erratas" de Agustín Meza,  "Esperando a Godot"" de Samuel Beckett,  "Woyzeck" de Georg Büchner,  "El abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas" de Agustín Meza,  "Anatomía de la Gastritis" de Itzel Lara,  "Gritos y Susurros" de Ingmar Bergman, "La habitación y el tiempo" de Botho Strauss,  "La Arquitectura del Silencio", "Aproximación al interior de una ballena" de Ángel Hernández, "NOCTURNO. Homenaje escénico a Octavio Paz"  y  "Los Mansos" de Alejandro Tantanian.
 
En fechas recientes tuvieron una residencia artística en el Centro Cultural El Hormiguero, donde presentaron "Los Mansos" y "La Arquitectura del Silencio" y, asimismo, impartieron un taller y el laboratorio intitulado ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO a cargo de Agustín Meza.  Acudieron once colectivos a inscribirse en este laboratorio.  El proyecto cuenta con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- y, a través de la COMPAÑÍA DEL TEATRO EL GHETTO, al colectivo que resulte ganador se le entregará un apoyo económico para que su montaje sea llevado a escena.  El sábado 23 de febrero se llevó a cabo una presentación de las propuestas de los once colectivos, donde al finalizar el evento el público podía votar por su preferido.  La votación del público pronto se dará a conocer, pero sólo es parte del incentivo que recibirán los colectivos, ya que el ganador absoluto será el colectivo que dictamine la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO.
 
Cada colectivo armó su proyecto a partir de sus experiencias personales dentro del laboratorio ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO.  Para tal propósito, ellos eligieron el tema, su forma de expresión (relato, corporalidad, danza, música, imágenes), determinaron su vestuario, cómo presentarlo, diseñaron el espacio, quiénes participarían, quién o quiénes dirigirían, etcétera, con sus propios medios y aprovechando las herramientas disponibles.  A continuación un resumen del evento.
LOS AUSENTES
 
El colectivo HABITANTES DE LA PERIFERIA presentó LOS AUSENTES, bajó la dirección de Holil Heredia.  Esta propuesta se basó en el dolor de quienes tienen allegados desaparecidos, plasmaron dolor, sangre, los peligros latentes en nuestra Ciudad de México, pero también hablaron de amor y de que cada lunes representa una oportunidad para reiniciar.  Combinaron técnicas coreográficas, corporalidad y actuación para expresarse.
EL ESTADO ALTERNO
 
La COMPAÑÍA ALGARABÍA ESCÉNICA presentó EL ESTADO ALTERNO, bajo la dirección de Ray Nolasco.  Los jóvenes aludieron a los desaparecidos, a la supresión de personas y a la capacidad de tener que  lidiar en un estado alterno.  Para su expresión, utilizaron luz roja, cuerpos ensangrentados, corporalidad y actuación.
EL HOMBRE PEZ
 
El colectivo SEDESIERTO TEATRO presentó EL HOMBRE PEZ, bajo la dirección de Jeovanni Sánchez Castillo.  Varios jóvenes reunidos alrededor de una botella que giraban.  Hacia quien apuntara tenía que decir algo que los demás desconocieran, un secreto que hubieran guardado para sí mismos.   Cada quien comentaba algo que resultaba sorpresivo para los demás, desde una hija con padres alcohólicos, hasta lo que diría un suicida.   Esta propuesta básicamente fue de actuación.
HOMO CONSUMENS. EXORCISMO DEL SISTEMA
 
TEATRO BRUJO presentó HOMO CONSUMENS. EXORCISMO DEL SISTEMA, bajo la dirección de Bruno Castillo y Mabel Petroff.  Una parodia sobre el consumismo, con ideas de cómo exorcizar al sistema, a fin de no caer en los  excesos del consumismo.  Una forma graciosa de ironizar las compras compulsivas y los mensajes subliminales publicitarios.  Esta fue una de las propuestas con mayor teatralidad en la que se utilizaron diversas técnicas de actuación, máscara, tintes de clown, corporalidad, iluminación y gran manejo del espacio, integrando un closet y las puertas disponibles para enmarcar el montaje.
RAÍCES DEL RÍO
 
RAÍCES presentó RAÍCES DEL RÍO, dirección en colectivo.  Como suele suceder, con los trabajos en colectivo, en esta propuesta se difuminó la intención.  Hablan sobre la abuela, los recuerdos que tienen de ella, el grato sabor del mezcal, pero no se concreta algo definido.  El epitafio de la abuela podría haber sido más conmovedor.   Las bellas jóvenes se lucieron con sus atuendos oaxaqueños y su risa alegró a los presentes. 
 
REBELIÓN
 
El colectivo MUTANTE presentó REBELIÓN, bajo la dirección de Eréndira Gómez y Gustavo Schaar.  Los directores con cascos con linterna reciben al público y lo conducen a la sala donde será la representación.  Del techo pende un gran manifiesto que habla de problemas que enfrentamos en forma cotidiana, pero no todos alcanzamos a leerlo completo a causa de la iluminación.  Luego, aparece un actor que trasluce su agobio y  a entender que lo único que queda es la rebelión.  Excelente trabajo histriónico y corporal por parte del actor.
 
VARIACIONES SOBRE UNA COREOPOÉTICA (LILS)
 
PHYSIS DANZA Y ARTES ESCÉNICA presentó VARIACIONES SOBRE UNA COREOPOÉTICA (LILS), bajo la dirección de Omar Francisco Armella.  Con la hermosa melodía "Los sonidos del silencio" de fondo, los integrantes de este colectivo realizaron ejercicios coreográficos, para luego interactuar con el público, eligiendo espectadores al azar y mirándolos directamente a los ojos, lo cual resulta impactante.
 
COMPASÍÓN
 
El colectivo LAS SOCIAS SUCIAS presentaron COMPASIÓN, bajo la dirección de Iliana Muñoz.  La base de esta propuesta fue visual y sensorial.  El público suponía que estaba por entrar a una función de teatro, pero en lugar de eso debía quitarse los zapatos, para luego pararse sobre espejos, una experiencia que jamás habían sentido.  Los espejos estaban rodeados de pequeños focos, lo demás era oscuridad, salvo una especie de cabina a mitad de la sala, donde un hombre comentaba que tenía que lograr un ejercicio consistente en colocar un blanquillo en forma vertical sin que se caiga.  El sonido de fondo era de cuencos de cristal.   Al final, se daba la tercera llamada.   Original y divertido.
FLORES NEGRAS DEL DESTINO NOS APARTAN
 
EL MIRADOR presentó FLORES NEGRAS DEL DESTINO NOS APARTAN, bajo la dirección de Belén Aguilar.  En una pantalla se proyecta la imagen de una mujer, en tanto que un joven habla de ella y comenta que es su madre.  Como lo indica el título, están apartados.  Según él la ama, pero al mismo tiempo la critica.  Muchas cosas de su madre no le parecen, denota tener resentimientos guardados que intenta resolver ahora que ella es mayor y padece una enfermedad terminal.   Bellas imágenes en video y buena labor histriónica y corporal del joven.
PROYECTO VERONESE
LA CORTE DE LOS MILAGROS presentó PROYECTO VERONESE, bajo la dirección de Colectivo Interdisciplinario.  Una propuesta muy interesante y bien lograda de danza teatro, para la cual ocuparon tres espacios.  En un pasillo frente a la escalera, el público veía imágenes proyectadas en la pared de dos hermosas mujeres, después había que elegir entre dos salas, de tal forma que unos vieron una parte y los otros la restante.   En una de las salas una de las intérpretes aparecía detrás de un fino telón de acrílico, haciendo juegos con manzanas.  Lo que yo vi en la otra sala fue a la destacada coreógrafa y bailarina Gabriela Rosero en una poderosa coreografía que requería de fuerza y precisión.  Me pareció impresionante.  
LAS 3 PIELES (versión corta)
Tocó a MOVING HOUSE cerrar el evento, presentando LAS 3 PIELES (versión corta), bajo la dirección de Flor Bucio.  Esta propuesta es interesante, pero no partió de surgió del laboratorio, como las demás, dado que actualmente tienen ese montaje en cartelera.  Se trata de los procesos de embarazo y parto vistos desde una perspectiva coreográfica.  En esta su versión corta incluyeron una escena que no está en el montaje original, a fin de representar el parto, para lo cual eligieron un cuarto de baño.  La cercanía con el público variaba la energía que se siente en una sala de teatro convencional.    
Nos parece muy loable que un creador teatral comparta sus conocimientos a través de laboratorios como ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO.  Debería haber más eventos como este.  Para los asistentes resultó más que interesante ver tan variadas propuestas en un mismo lugar, una tras otra.  Desde luego, hubo de todo, unas más creativas que otras, algunas denotaron más horas de ensayo, las hubo colectivas, de dos o tres integrantes y un unipersonal.   En general, todos se esforzaron por expresar sus ideas y plasmarlas en escena. 
Agradecemos la hospitalidad del CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO y la grata cordialidad de Marco y Mishell de Escena México Contemporánea -EMC-.
 
Por los comentarios expresados por los integrantes de los diversos colectivos nos enteramos de que estaban muy complacidos de haber tomado el laboratorio ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO, dijeron que aprendieron mucho sobre prácticas escénicas y prácticas creativas, que fue un taller que les proporcionó herramientas para expresarse, un espacio que los llevó a cuestionamientos, que les permitió reflexionar, conocer más a fondo los procesos creativos y que abrió sus expectativas. 
La COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO tendrá una residencia artística en el CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE, donde ofrecerá una nueva temporada de LOS MANSOS de Alejandro Tantanian, bajo la dirección de Agustín Meza en la Sala de Escenografía de dicho Centro y también habrá dos talleres impartidos por el equipo creativo de LOS MANSOS y una Master Class a cargo del autor de LOS MANSOS.
LOS MANSOS
se presentará jueves y viernes a las 20:00 horas
y sábados a las 19:00 horas en la
SALA DE ESCENOGRAFÍA del
CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE
Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N
-atrás del Auditorio Nacional
Ciudad de México
Temporada del 28 de febrero al 9 de marzo de 2019
LOS TALLERES son en la
SALA  C C B   del
CENTRO CULTURAL DEL BOSQUE
Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N
-atrás del Auditorio Nacional
Ciudad de México:
ACTUACIÓN
Imparten:  Genny Galeano, José Luis Villalobos y Xavier Lara Mora
1° de marzo de 2019 - de 10 a 14:00 horas
CREACIÓN MUSICAL PARA LA ESCENA
Imparte:  Steven Brown
7 de marzo de 2019 - de 10 a 14:00 horas
MASTER CLASS DE DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN ESCÉNICA
Imparte:  Alejandro Tantanian
8 de marzo de 2019 - de 10 a 14:00 horas
LAS 3 PIELES
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
 
El ser humano está en constante evolución.   A partir del nacimiento, enfrenta toda clase de cambios, comenzando por los naturales, como el crecimiento y el aprendizaje.  Después, vendrán todo tipo de cambios.  Los habrá voluntarios, circunstanciales o fuera de nuestro control y podrán ser gratos, dolorosos, desafortunados o insoportables.  De cualquier forma, tenemos capacidad para adaptarnos y seguir avanzando.  Cada cambio marca nuestro destino en menor o mayor grado.
 
Algunos son permanentes, en tanto que otros temporales.  Así mismo, entre los más aventurados están el cambiarnos de ciudad y dejar atrás nuestras raíces, o bien, hacernos un tatuaje con lo cual nuestra piel ya nunca será igual a aquella con la que llegamos al mundo, pero, en definitiva, el más radical es tener un hijo.  La vida de los padres cambia sensiblemente al igual que sus responsabilidades.  Cabe decir que, sin lugar a dudas, para la mujer las variaciones son mucho más drásticas porque ella empeña todo su físico albergando al bebé en su interior durante el embarazo y luego viene la lactancia y cuidados del recién llegado hasta que sea independiente, así que los cambios son internos, externos y psicológicos.  Las perspectivas que antes se tenían se modifican.   El balance hormonal se pierde y estos desequilibrios derivan en bruscos cambios de humor y lo que llaman depresión post-parto.
 
La bailarina, coreógrafa y docente mexicana Flor Garfias Bucio atravesó el proceso del parto como cualquier mujer que se convierte en madre, pero tomó conciencia de todas y cada uno de las transformaciones biológicas que experimentaba y decidió crear una coreografía que plasmara su sentir en escena, fue así como concibió la idea de LAS 3 PIELES.   Flor Garfias Bucio es egresada de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-.  Durante 6 años (2008-2014) fue intérprete de la compañía Camerino 4.   En forma paralela, en 2008 fundó el grupo Moving House, el cual le ha permitido crear sus propios proyectos y convertirse en directora y coreógrafa independiente.  A lo largo de su trayectoria ha adquirido amplia experiencia en movimiento y composición coreográfica.  En dos ocasiones (2009 y 2013) se ha hecho acreedora a la beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
 
Lo primero que hizo Flor para concretar LAS 3 PIELES fue convocar a aspirantes a fin de conformar el elenco.  Los requisitos eran que tuvieran experiencia en danza y que tuvieran algún tatuaje, ya que, como parte de su proyecto planeaba que se realizara un tatuaje en vivo sobre el escenario, por ser  "un símbolo que representa el dolor indubitable del parto y la huella que deja en el cuerpo y en la vida de la mujer ...".  Aun cuando la protagonista es sólo una, Flor Garfias Bucio  integró en su cuadro actoral-dancístico a cinco integrantes -cuatro mujeres y un hombre-, pero todos son la misma persona.  Las chicas hacen las veces de alter ego de la protagonista y el chico la energía masculina que hay en ella.  El baile para LAS 3 PIELES no es lineal, se trata de coreografías variadas individuales, de pareja o grupales y van intercalándose con las acciones que muestran diversos momentos de la vida cotidiana, como estar en casa, peinarse, maquillarse, tomar una copa de vino, o bien, deambular por la calle, sortear el tránsito citadino, enamorarse, tener un bebé, tatuarse, devorar una sandía.   Los movimientos son cadenciosos, sensuales y artísticos.  Cada parte del cuerpo queda involucrada en el baile, incluso, sus cabelleras.  El vestuario también es cambiante, va desde lencería hasta atuendos elegantes.   Es teatro danza, ya que, además de la ejecución de danza contemporánea, los intérpretes transmiten sentimientos y actitudes a través de corporalidad y expresiones.

Flor Garfias Bucio ofrece al público una interesante y vistosa coreografía.  Su labor de dirección es impecable.  Los movimientos son ejecutados con pulcritud y estética.  El ritmo es preciso. 

El elenco está integrado por:  Yon Espinosa "Yoyo",  Lola Barajas,  Abril Villareal,  Elisa Romero Romero  o  Vianney Rodríguez,   y  Michelle Temoltzin.  Todos ellos se muestran comprometidos con el proyecto, ejecutan bien sus coreografías  y  sus actitudes son convincentes.   En particular, Lola Barajas, además de en baile, se luce con la ejecución en vivo del theremin y el ukelele, instrumentos que domina, con cuyas notas musicales coadyuva al entorno idóneo del montaje.

El resto del equipo creativo lo conforman:  Mauricio Arizona en diseño de iluminación,  Bernardo Cáceres en edición de audio,  Vianney Rodríguez en diseño de publicidad,  y  Alejandro Strauss en fotografía y registro.
La producción es de KMZ Producciones  y  "La Compañía"   /  Compañía  Moving House.

Dar vida es el máximo milagro que conocemos y en LAS 3 PIELES se pueden ver los procesos de embarazo y parto desde una perspectiva coreográfica con imágenes.  No dudes en ir a ver esta propuesta juvenil de teatro danza, interesante y sorprendente, visualmente estética, con toques de comedia y algo que tal vez no imaginaste presenciar:  un tatuaje realizado en vivo frente a tus ojos. 

La persona que se tatúa en cada función es seleccionada a través de redes sociales, así que si quisieras participar, utiliza esas vías para contactar a Flor Garfias Bucio, a su compañía Moving House, o a los intérpretes.

 

LAS 3 PIELES
se presenta  martes a las 20:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro
Ciudad de México

Duración aproximada:  80 minutos

Costo de la localidad:  $149
Descuentos acostumbradas a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente

La temporada concluye el martes 12 de marzo de 2019
UN ACTO DE COMUNIÓN
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Uno de los anhelos más preciados de algunos jovencitos es independizarse.  Para cumplir su objetivo se esmeran en sus estudios y tan pronto se gradúan buscan un trabajo bien remunerado.  Quienes llegan a lograr ser independientes se muestran satisfechos y felices.  Piensan en todo lo bueno que implica el cambio: ya no requieren de permisos ni concesiones y ejercerán su libre albedrío.  Sin embargo, no tomaron en cuenta lo que perderían y es común que tan solo unos días después comiencen a extrañar a su familia, comodidades y todo lo que compartían.  Nadie les prepara su platillo favorito, no hay consentimientos, caricias, consejos, juegos compartidos ni con quien platicar.  Asumir todas las responsabilidades es una carga pesada, hay que administrar la vida, los recursos y los gastos.  Habrá que estar pendientes de todos los recibos por renta y servicios, comprar alimentos e insumos suficientes, así como efectuar los pagos en forma oportuna.  Por si fuera poco, la soledad no es fácil de sobrellevar. 
Son unas cuantas personas las que disfrutan de estar solos, otros logran acostumbrarse, pero a la gran mayoría les es desagradable y puede desencadenar temores, tristeza, ansiedad, furia y hasta desequilibrios.  El silencio por las noches facilita que fluyan las voces internas y esto puede detonar que aparezcan fantasmas del pasado, recuerdos olvidados, frustraciones y, peor aún, eventos traumáticos que se han enfrentado.  Todo esto hace que la realidad se desvanezca y las fantasías se incrementen.   Tal es el caso de Franky, el protagonista de UN ACTO DE COMUNIÓN de la autoría de Lautaro Vilo.   
El dramaturgo, director de teatro, actor, guionista, traductor y docente Lautaro Vilo, originario de Buenos Aires, Argentina, ha escrito alrededor de quince obras, mismas que han sido representadas exitosamente tanto en su país de origen como en otros y también han sido publicadas.  Por su trabajo, Lautaro Vilo se ha hecho acreedor a múltiples nominaciones, galardones, reconocimientos y premios. 
La inspiración para concebir UN ACTO DE COMUNIÓN le llegó a Lautaro Vilo de un caso de la vida real, una noticia que impactó al mundo.  A principios del año 2001 un joven fue acusado de cometer un crimen en la ciudad de Rotemburgo, Baviera, Alemania.  Los espeluznantes detalles del crimen hicieron que el jurado contratara a un equipo especial de psicólogos y psiquiatras, a fin de que determinaran el estado mental del acusado.  El dictamen final de los especialistas fue que no encontraron señal alguna de demencia.  Al igual que los médicos, Lautaro Vilo decidió escudriñar la mente de este hombre a partir de su dramaturgia.
El texto de UN ACTO DE COMUNIÓN capta la atención del público de principio a fin.  El perfil psicológico del protagonista está perfectamente delineado.  De frente al público hará un recuento de los recuerdo de su vida desde su infancia hasta un poco después de los hechos que hicieron se le acusara.
Al entrar a la sala de teatro lo único que ve el espectador es una silla sobre el escenario vacío.  En la tercera llamada, Franky entra, da unos pasos y se sienta.  Es un hombre joven, alto, de buena presencia, vestido pulcramente, no podría pasar desapercibido.  Tiene la certeza de estar psíquicamente sano y quiere ejercer su derecho de réplica, así que está dispuesto a compartir sus más íntimos pensamientos y su sentir.  Compartirá su propia perspectiva sobre lo ocurrido.  Su plática deja translucir que su nivel de inteligencia es superior al promedio, es culto, educado, ordenado y bastante metódico.  Se remonta a su niñez, nació de un matrimonio bien avenido, tenía varios hermanos.  A todos los amaban y consentían, los cumpleaños eran festejos divertidos, pastel especial, regalos, sorpresas.  De pronto, un día todo cambia, el padre abandona a la madre y se lleva a los hijos, excepto a Franky.  Comienza la desventura.  La madre se desploma y Franky vive con ella, lidiando con el dolor de ambos.   Luego que fallece su mamá, Franky vive solo, tiene un trabajo estable y disfruta de entablar relaciones mediante internet.  Su mayor ilusión es llegar a UN ACTO DE COMUNIÓN con alguien.  ¿Qué es lo que Franky entiende por esto?  Él mismo será quien se los explique cuando vayan a visitarlo.
La labor de dirección por parte de Julio César Luna es impecable.  Su trazo escénico está infundido por la sobriedad.  En lugar de desplazamientos, opta por lo estático, su actor está sentado, se pone de pie en contadas ocasiones, con lo cual todas y cada una de las palabras del texto cobran mayor peso.  En esta obra la acción y las pausas se definen mediante la oralidad.  El ritmo es preciso.  
El desempeño histriónico, vocal y expresivo de Antón Araiza denota el resultado de un exhaustivo trabajo en la creación de su personaje.  A lo largo de su trayectoria, el destacado actor ha demostrado que tiene el talento y la capacidad de transformarse en cualquier personaje y el que interpreta en esta ocasión es verdaderamente impresionante.  Sabemos que el monólogo es la prueba de fuego para cualquier actor y en esta obra lo es más, ya que la única herramienta son las palabras.   Antón enfoca su labor en cómo decirlas, resuelve el alto grado de dificultad utilizando un peculiar fraseo, cual si degustara cada sílaba, habla con elocuencia, su mirada denota absoluta sinceridad y mueve sus manos en cierto modo para remarcar uno que otro parlamento, sin necesidad de alardes ni excesos, la emotividad está presente en todo momento.
El resto del equipo creativo está integrado por:  a.a en producción ejecutiva,  Marilú Garcialuna en asistencia de dirección,  Javier Pérez Maya en fotografía, video y diseño gráfico,  Víctor Audiffred y Sara Cortijo en audiovisuales para redes sociales.
Una historia que conmocionó al mundo es llevada a escena y Lautaro Vilo decide que la narre de viva voz el autor de los hechos, en forma tal, que el espectador conozca las circunstancias y motivaciones que lo llevaron a hacer algo inimaginable.  No pierdas la oportunidad de ver este montaje cargado de sentimientos, reflexiones y deseos incontrolables.  Texto interesante, atinada dirección e interpretación memorable.  Corre a verla.  Su temporada está por finalizar.
 
UN ACTO DE COMUNIÓN
se presenta  a las 20:00 horas los miércoles  20  y  27 de febrero de 2019  en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  60 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,
así como para vecinos de  Coyoacán,  Iztapalapa  y  Benito Juárez
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SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019

Se dice que los hombres son de Marte y las mujeres de Venus, lo cierto es que hombres y mujeres parecieran hablar un idioma distinto.  Es tan difícil que un hombre comprenda a una mujer como viceversa.  Hay decenas de dichos populares para describir esta situación.  No existe literatura, tratados, cursos, enseñanzas ni consejos que nos faciliten el camino para comprender al sexo opuesto.  Pero, no importa, porque el amor supera este tipo de incomprensiones y las parejas que se aman siguen uniendo sus vidas aun cuando no se comprendan del todo.
Si un hombre y una mujer se atraen y congenian, iniciarán una relación y si ésta avanza, es muy probable que decidan vivir juntos.  Para ello, no es indispensable comprender todo lo que piensa el otro, en virtud de que la mente masculina y la femenina funcionan en forma distinta y es imposible que el pensamiento de ambos sea en el mismo sentido.   Lo mejor es hacer todo lo posible para mantener una buena convivencia, amar, respetar y consentir a la pareja, tratando de que sea feliz y esté a gusto.  
No se requiere de comprensión cuando prevalecen el amor y la afinidad.  En toda relación lo ideal es que los dos persigan el bienestar común.  Se pueden ir salvando esos pequeños baches e incomprensión y, en caso de duda, siempre es posible aplicar la frase  SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS.   Así es como intitula su obra el dramaturgo mexicano Víctor Salinas, quien se ha especializado en explorar las relaciones de pareja.  Con "AMORatados" de su autoría tuvo mucho éxito y permaneció en cartelera durante un largo período.
 SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS es una comedia ligera en la que se representan diversos momentos de incomprensión en la pareja.  Los protagonistas son Claudia y Miguel, dos jóvenes a quienes se verá en diferentes épocas de su relación, como por ejemplo:  su primer encuentro íntimo,  la alimentación que eligen,  un regalo de talla equivocada,  el apego a las madres …. y a la forma en que éstas preparan sus especialidades culinarias,  la elección de un restaurante,  las amistades,  los programas de televisión,  la música,  la anhelada entrega del anillo,  las dietas,  la posibilidad de un embarazo,  y mucho más. 
En forma atinada, el autor no aborda el tema que más molestias causa en una pareja y que es la economía. 
Lo más curioso es que los protagonistas son interpretados por tres parejas distintas, lo cual da una mejor idea de que en todas las parejas pueden acontecer los mismos sucesos.  El relato no es narrado en forma cronológica sino que acciones del pasado y del presente se van intercalando.
Al dar la tercera llamada, el cuerpo actoral se olvida de la cuarta pared, habla directamente al público y pide a los espectadores que sean ellos quienes elijan qué pareja será la número 1, la 2 y la 3.  Es probable que esta sea una innovación introducida por el director, pero resulta un juego divertido que hace que la audiencia se involucre más.
La labor de dirección por parte de Sebastián Sánchez Amunátegui, director chileno radicado en México, es admirable.  Su trazo escénico es pulcro, infunde una dinámica sorprendente y su manera de entrelazar las situaciones de tres parejas distintas que son una misma es impecable.   La acción es constante y el espacio aprovechado a fondo.  El ritmo es muy preciso.
Dado que todos los integrantes del elenco tienen compromisos laborales, en escena aparecen tres parejas, pero en realidad son cinco de base y más se suman al proyecto en caso necesario.  El elenco base está conformado por:  Adriana Llabrés,  Carla Medina,  María José Magán,  Mariannela Cataño  y  Zoraida Gómez para encarnar a Claudia.  Aarón Balderi, Alejandro Sandí,  Chris Pascal,  Juan Martín Jáuregui  y  Luis Carlos Muñoz para interpretar a Miguel.  En la función a la que asistí, actuaron:  Mariannela Cataño,  Verónica Bravo  y  Zoraida Gómez,  como Claudia,  y  Aarón Balderi,  Alejandro Sandí  y  Juan Martín Jáuregui, como Miguel.  Todos ofrecieron un buen trabajo histriónico y corporal, además de su grata presencia escénica.
La escenografía es bellísima, representa el departamento que todos quisieran tener, espectacular vista por la ventana, fino mobiliario, desniveles, amplitud, buena decoración.  El diseño fue creado por Oscar Acosta.
La iluminación diseñada por Isaías Martínez está bien impartida.
La música original para proveer el entorno adecuado es de Tareke Ortiz.  La canción "Los Amantes" es de Pambo.
El diseño de vestuario y styling lo aporta Macarena Martínez Verti, con finas prendas de buena confección, excelente caída y colorido variado.
Los productores son:  Omar Ahed en producción general,  y  Daniel a Madrid en producción ejecutiva.
SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS es presentada por OAK LIVE!
Quedas cordialmente invitado a conocer a Claudia y a Miguel, quienes te recibirán gustosos en su departamento y compartirán contigo recuerdos de su vida privada.  Te divertirás de principio a fin e identificarás algunas de las situaciones en tus experiencias personales.  Una comedia romántica que te permitirá distraerte de preocupaciones cotidianas y de lo que escuchas en noticieros.  Te sugiero ir a verla pronto porque su temporada está próxima a finalizar.
SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS
se presenta
viernes a las 20:30 horas,
sábado a las 19:00  y  20:45 horas,  y
domingo a las 18:00  y  19:30 horas  en el
TEATRO RAFAEL SOLANA
> dentro del Centro Cultural Veracruzano
ubicado en la Avenida Miguel Ángel de Quevedo número  687
Colonia San Francisco, Ciudad de México.
Duración aproximada:  70 minutos
Costo de las localidades:   $600,  $500  y  $400
Descuentos acostumbrados a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente
La temporada concluye el domingo 24 de febrero de 2019 

 

LOS CAMINANTES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Durante mi niñez no pensaba que el mundo pudiera acabarse, la literatura o las películas de ciencia ficción que aludían a esto, me parecían mera fantasía.  Fue a partir de 1985 que comencé a preocuparme al saber que en el Polo Sur habían descubierto un agujero muy grande en la capa de ozono y que esto representaba un serio peligro.  Mayor fue mi preocupación cuando se publicó sobre el calentamiento global.  Según los científicos, el fenómeno surgió hace alrededor de 180 años, pero no lo dieron a conocer, sino hasta que se hizo evidente.  Hoy en día somos testigos de los catastróficos daños que ha sufrido el planeta.  No sólo por el agujero en la capa de ozono y el calentamiento global, sino también por la desmedida tala de árboles, la contaminación, la caza indiscriminada, los desechos industriales y muchos otros problemas.  Estamos conscientes de que si no se toman medidas pertinentes y eficaces, el fin del mundo podría no estar lejano.  Los estragos al ecosistema no pueden revertirse, cada vez hay más especies en extinción, se han desecado ríos y lagos, en muchos lugares el clima es extremoso y los desastres naturales se han intensificado y son más frecuentes.  Se trata de una alarma mundial.  Entre las medidas que ya se han tomado está la de orientar a los niños para que aprendan a brindar mayor cuidado a la naturaleza y, sobre todo, a no causar más daños.   
Preocupada ante la situación, durante la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte en el año de 2014 Verónica Musalem escribió LOS CAMINANTES, una obra futurista que aborda el fin del mundo.  Como sabemos, Verónica Musalem es una mujer inteligente, observadora, sensitiva y amante de la naturaleza.  Orgullosa de sus raíces, suele utilizar su fina pluma para trazar con amplitud de colores la cultura, la cartografía, la vegetación, la artesanía, las tradiciones, las creencias, los sabores, los aromas, las leyendas y, sobre todo, el sentir del pueblo de su amada Oaxaca.  Está cumpliendo 26 años de trayectoria ininterrumpida en su labor dramatúrgica.  Aun cuando Verónica no acostumbra dedicarse a la dirección escénica, desde que escribió la citada obra, se propuso que ella la dirigiría.  
En el momento en que eligió intitularla LOS CAMINANTES, desconocía que esto sería profético, ya que para llevarla a escena, tanto ella como los integrantes de su elenco y colaboradores han recorrido un largo y sinuoso camino.
En abril de 2018, Verónica Musalem ofreció un avance a su público presentando LOS CAMINANTES como trabajo en proceso en el Foro Casa de la Paz.  A pesar de que hacía tiempo que ella tenía el texto completo, sólo presentó una parte del mismo.  Del elenco que presentó aquel trabajo, sólo continúan tres de los actores y la corporalidad aún estaba en ciernes, era mucho más estática que ahora.  Debido a compromisos laborales y viajes previamente concertados, Verónica dejó un poco en suspenso el montaje, retomando el proyecto seis meses después, con miras a estrenar a fines del año pasado, lo cual no pudo concretarse por causas ajenas a su voluntad.  En diciembre de 2018 LOS CAMINANTES participó en el encuentro Urgen Musas como lectura dramatizada, ya con el elenco definitivo. 
Desde el pasado mes de octubre Verónica se ha dedicado de lleno al montaje de LOS CAMINANTES.  Con este propósito, creó una especie de laboratorio de dirección, para lo cual depositó su confianza en el cuadro actoral y en el asistente de dirección y asesor corporal, a fin de que ellos propusieran acciones que dieran fuerza a los parlamentos.  Fue así como bajo la estricta supervisión de Verónica en forma paulatina fueron armándose las coreografías para LOS CAMINANTES, luego de arduo trabajo y largas horas de ensayos, hasta encontrar los movimientos idóneos que habrían de formar parte de la puesta en escena.  Lo cierto es que el resultado de este laboratorio sorprenderá al público.  Me permito darles unos adelantos:  La escena en que la tarántula tiende sus redes a los cuatro actores está llena de simbolismo y refleja la coordinación y precisión del trabajo en equipo.   La corporalidad que despliega la actriz en su interpretación de la tarántula es impresionante.
El texto de Verónica Musalem es de buena factura y capta el interés de principio a fin.  La acción se ubica en "lugares del Sur, más allá del Sur" en el corazón de la sierra oaxaqueña.  El tiempo no se define, pero es el futuro, el fin del mundo se aproxima.  Los personajes son:  un hombre que vive de la caza y que no es afortunado en el amor,  otro que vive del campo, bueno, sencillo, amante de los animales,  una mujer que bailaba en un bar, luego de trabajar en un circo cuando era niña, quien a raíz de sufrimientos y vicisitudes se ha empoderado,  y  dos sicarios -uno al que le encanta matar y presume de mujeriego, el otro algo tímido, de buen corazón, que se dedica a asesinar porque es lo único que le deja dinero.  En cierta forma, todos ellos, por diversas razones, han llegado a sus límites individuales.  Los cinco se encuentran mientras recorren "caminos donde hay nada, hay nadie".  Según nos dice Verónica, la naturaleza es un personaje más  "que enloquece y cuestiona todas las creencias de los protagonistas", así que ella aprovecha para describir la perdida belleza de la vegetación, su frondosidad y sus vivos colores. Los temas que toca el texto son muy diversos, entre estos, el amor, la soledad, el aislamiento, el "machismo", la seducción, la fe y la migración.  Algunos de los temas cobran particular importancia en nuestros días, nos duelen, sabemos de compatriotas que han sido desplazados de sus lugares de origen a causa de la violencia  y  hemos visto cuántos migrantes llegan a nuestro país.   
La acción comienza cuando Román y Ernesto deambulan por parajes desolados, comentan estar hambrientos y deciden cazar algo para poder comer.  Frente a ellos pasa un venado.  Ernesto le pide a Román que le dispare, pero la majestuosa belleza del ejemplar le impide matarlo.  El venado escapa a gran velocidad.  Ernesto se enoja con Román.  Sin darse cuenta, Román es picado por un alacrán y los efectos del veneno lo sumen en un delirio.  Divaga, dice que es tiempo de una "nueva conquista" y que tienen que hacerse de armas para combatir al enemigo.  Ernesto se limita a seguirle el juego, ante la imposibilidad de trasladarlo a un hospital o brindarle cualquier tipo de ayuda.   Poco después, llega Anabela, hermosa, sensual y enigmática.  Mujer que ha aprendido a defenderse, es aguerrida, nada le causa temor y no se deja de nadie.  Está acostumbrada a hechizar a los hombres, lo que no sabe es que Mauricio y Julián, dos matones a sueldo andan buscándola.
La labor histriónica, corporal y de expresión de todos los integrantes del elenco es estupenda.  Genny Galeano es Anabela, "La Tarántula",   Luis Ernesto Verdín es Román, el joven sensible.   Luis Villalobos es Mauricio, matón a sueldo,  Javier Sánchez es Ernesto,  David Sicars es Julián.   Destaca Genny Galeano por su magnífica interpretación de un personaje tan complejo como intenso.
Parte fundamental para el relato es el diseño sonoro.  Alejandro Andonaegui crea la composición y ejecuta la música en vivo en su teclado.  Alejandro está en el proyecto desde su inicio improvisando la música en forma consistente a la acción de cada momento.
Lydia Margules aporta un buen trabajo con su diseño de iluminación, proveyendo el sombrío entorno en el que habitan los personajes.
Cabe aclarar que, desde mi punto de vista, el foro en donde se presentan no les es propicio.  Es una sala hecha para teatro de cámara.  El tamaño del escenario es pequeño y, por ende, en algunas escenas parece insuficiente para albergar a cinco actores, en demérito de la isóptica.  El equipo lumínico no permitió a Lydia Margules la realización de un trabajo óptimo como los que le hemos visto anteriormente.  Las rosetas de led de colores distraen la mirada del espectador y en ocasiones hasta molestan.  Por último, se carece de buena acústica, lo cual también desluce el extraordinario trabajo de Alejandro Andonaegui. 
El resto del equipo creativo está conformado por:  Marco Vargas en intervención escénica,  Alejandro Rivera Delgado es el productor asociado,  Erika Medina y Erick Saúl E. en producción ejecutiva,  David Cano Sánchez en diseño de maquillaje,  Luis Ángel Torres en diseño gráfico,  y  Sandra Narváez en difusión y prensa.
La producción es de:  Musa-Colibrí-Producción  y  Producción Escénica S.E.
El montaje de LOS CAMINANTES está dedicado a Gerardo Musalem Moreno.
El potente texto concebido por Verónica Musalem, las interpretaciones y la asombrosa corporalidad de los integrantes del elenco hacen que valga la pena aventurarse a imaginar qué sucederá en el fin del mundo.  La devastación y la esperanza van de la mano con los personajes en la poética de LOS CAMINANTES, en virtud de que el instinto de supervivencia es uno de los más fuertes que tenemos.  La sensibilidad con la que se aborda un tema tan temido como preocupante, nos insta a valorar mejor lo que aún tenemos.  Seamos más conscientes de los daños causados, mientras cuidamos, disfrutamos y admiramos el esplendor de la naturaleza.  No dudes en ir a ver un trabajo bien logrado en un montaje estético y lleno de energía.  Tomen en cuenta que la temporada es breve.
LOS CAMINANTES
se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas en el
FORO BELLESCENE
ubicado en la calle Zempoala número 90
Colonia Narvarte Oriente, Ciudad de México.
Duración aproximada:  105 minutos
Entrada general $200
Descuento del 30% a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente,
así como a vecinos de la colonia Narvarte
La temporada concluye el viernes 22 de febrero de 2019

 

ATRACCIÓN FATAL

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019


El amor es algo maravilloso, desafortunadamente, en pocas ocasiones surge en forma correspondida.  Se dice que siempre hay uno que ama más que el otro.  Cuando dos personas se encuentran, si se caen bien o se gustan, lo primero que surge es la empatía y, después, la atracción, pero ninguno de los dos puede saber qué es lo que el otro piensa.  Si se siguen viendo y continúan relacionándose es posible que florezca el amor.  Sin embargo, al igual que cada cabeza es un mundo, cada quien tiene sus propias ideas sobre el amor.  Las opciones son múltiples.  Hay quienes sólo se enamoran sin pensarlo, otros buscan algo y si esto es algo bueno o malo depende de lo individual.  Algunos pudieran buscar alejarse de la soledad, estabilidad o formar una familia, en tanto que otros podrían tener intereses ocultos, como aprovecharse de alguien, sea física, económica o emocionalmente, o bien, sin desearlo, se les puede convertir en una obsesión, lo cual implica peligrosos riesgos tanto para esa persona  como para el otro y los allegados de ambos. 
El tema de la obsesión es el que aborda el guionista y director cinematográfico inglés James Dearden en ATRACCIÓN FATAL.   James Dearden es un destacado cineasta que ha recibido importantes galardones y reconocimientos a lo largo de su trayectoria.  De toda su obra, la única película que ha sido llevada a escena es ATRACCIÓN FATAL, lo cual ocurrió varios años después de que la cinta protagonizada por Glenn Close y Michael Douglas, tuviera tanto éxito en todo el mundo.  En tanto que el film data de 1987, la adaptación para teatro fue realizada hasta 2014 por el laureado director teatral Sir Trevor Robert Nunn.  La obra se estrenó en el Theatre Royal Haymarket ubicado en la parte Este de la Ciudad de Westminster, Londres, Inglaterra.
Los productores mexicanos Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo obtuvieron la licencia de Paramount Pictures para presentar ATRACCIÓN FATAL por primera vez en nuestro país, bajo la dirección de Antonio Castro.
El libreto escrito por James Dearden es de buena factura y capta el interés de principio a fin.  Se trata de una obra de suspenso en la que cada acción va cobrando fuerza propia hasta integrar el cuadro completo. 
La trama versa sobre un hombre que tiene todo lo que pudiera desear, éxitos profesionales y una bella familia, ama a su esposa y adora a su hija.  Siente que ha logrado cumplir sus objetivos y goza de lo que ha construido y es feliz, hasta que un día su destino cambia.  En un viaje de negocios, una hermosa mujer le coquetea y, a pesar de que al principio se resiste, finalmente es seducido por ella.  Desde luego, espera que nadie se entere y que su vida siga su curso normal.  Lo que él no sabe es que lo que para él fue una simple aventura, para la mujer será una fuerte obsesión que pondrá en peligro no sólo a él sino a todo su entorno.
La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable, su trazo escénico está muy bien diseñado, la acción es constante, el ritmo preciso. 
El elenco está conformado por:  Itatí Cantoral,  Juan Diego Covarrubias,  Fabiola Guajardo,  Dobrina Cristeva,  César Ferrón,  Michelle Jurado, Melissa Lee, Moisés Peñaloza y Christopher Valencia.  Alternan funciones:  Vanessa Acosta,   Diego Medel,  José Manuel Lechuga,  Nuria Loya  y  Matilde Moreno.   Destaca el desempeño histriónico y corporal de las bellas Itatí Cantoral y Fabiola Guajardo.  La sensualidad que impone Itatí en la escena en fabulosa.
La escenografía y el vestuario son diseño de Teresa Alvarado, quien logra ambientar apropiadamente el relato.  Para el vestuario sus diseños son elegantes y variados, las prendas bien confeccionadas de excelente corte con buena caída de telas, así como un atinado uso de colores.
El diseño de iluminación está a cargo de Félix Arroyo, quien la administra en forma acertada y en consistencia con las acciones.
La música original es de Antonio Fernández Ros y el diseño sonoro de Miguel Ángel Hernández.
Para el montaje mexicano se utiliza un sofisticado equipo multimedia a base de dispositivos de los conocidos como mapping, reproductores de imágenes que se cambian fluida y fácilmente, lo cual permite tener diferentes entornos en forma instantánea.  Esto coadyuva con la agilidad requerida, además de dotar de una espectacularidad impresionante a la puesta en escena.  La escenografía digital es creación de Diego Lascuráin.  El jefe de multimedia es Carlos Hurtado.
La traducción a nuestro idioma fue realizada en forma fiel por Fernando Canek.
La adaptación para México la hizo Oscar Ortiz de Pinedo mediante un trabajo extraordinario, al cual corona con un final distinto al de la afamada cinta.
La producción es de Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo.
ATRACCIÓN FATAL es presentada por Entretenimiento Palomero y Ortiz de Pinedo Producciones.
La exitosa temporada culminó con la develación de placa por parte del autor James Dearden, quien quedó muy complacido con esta producción mexicana tan espectacular a la altura de las mejores del mundo.  La obra se presentó en el TEATRO LÓPEZ TARZO de la Ciudad de México.  Salvo que hubiera más temporadas, los capitalinos ya no podremos ir a ver ATRACCIÓN FATAL, con un relato muy interesante, atinada dirección, múltiples escenarios que permitían al espectador ubicarse en lugares tan distintos como como una residencia, un hotel, un hospital, oficinas, etcétera, bella música, buenas actuaciones y la arrolladora sensualidad de Itatí Cantoral quien se atrevió a hacer un desnudo total de espaldas al público.  Sin embargo quienes viven en el interior de la República Mexicana podrán disfrutarla, ya que estarán de gira por varias ciudades.  Les sugerimos estar pendientes de las carteleras.  A continuación incluimos el programa inicial de la gira.  ¡No se la pierdan!
Febrero 2019
7     Toluca
9      Puebla
14      Culiacán
15     Mazatlán
16     Durango
21    Ciudad Juárez
22      Chihuahua
28      Monterrey
Marzo 2019
1°     Monterrey
2          Saltillo
3     Zacatecas
5    San Luis Potosí
6    Aguascalientes
7  y  8     Guadalajara
9      Morelia
15     Tijuana
16     Mexicali

 

21      Querétaro
INFIERNO COMPRENDIDO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Febrero 2019
Es costumbre de Teatro El Milagro dar inicio a sus actividades del año con sus ya tradicionales Ciclos de Teatro de los Estados  y  de Teatro Emergente.   El Ciclo de Teatro de los Estados permite al espectador ver trabajaos del interior de la República.  En tanto que el propósito del Ciclo de Teatro Emergente es brindar un espacio a los creadores incipientes para presentar sus propuestas.  Dentro del marco de este Ciclo, se encuentra INFIERNO COMPRENDIDO de la autoría de Servando Anacarsis Ramos, bajo su dirección. 
Recordamos al joven Servando Anacarsis Ramos por su interpretación del dulce y juvenil Leo en la exitosa obra "La Divina Ilusión" de Michel Marc Bouchard y dirigida por Boris Schoemann, ahora nos toca conocer sus facetas de dramaturgo y director. 
Para su presentación en el Ciclo de Teatro Emergente, Servando Anacarsis Ramos eligió INFIERNO COMPRENDIDO que escribió a partir de "El Castillo" de Franz Kafka.
Al igual que el resto de las obras del escritor austrohúngaro Franz Kafka (1883-1924), "El Castillo" es una novela bastante compleja.   Se sabe que es una obra que el autor dejó inconclusa, misma que fue publicada en 1926 en forma póstuma a dos años de su fallecimiento.   Muchos de los especialistas en la obra Kafkiana consideran "El Castillo" como la obra cumbre de Franz Kafka, en razón a su complejidad estructural y a la madurez simbólica y metafórica que el autor le imprime, así como a la densa intelectualidad con la que está escrita.
Servando Anacarsis Ramos sigue la trama original concebida por Kafka.  El relato versa sobre la lucha de K que tiene que encontrarse con el señor Klamm, para lo cual tiene que lidiar con la burocracia que rige a las autoridades de un castillo donde residen quienes gobiernan al pueblo.  K se desempeña como agrimensor, trabajo complicado, ya que la agrimensura es una rama de topografía creada con el propósito de delimitar superficies, pero no sólo superficies de tierra sino también la delimitación de derechos, es decir, que se estudian  los objetos territoriales a toda escala en el más amplio sentido del término, aplicando para la medición la topografía, la geometría, la ingeniería, la trigonometría, las matemáticas, la física, el derecho, la geomorfología, la edafología, la arquitectura y la historia, para producir documentos cartográficos y de infraestructura.  En la actualidad, la agrimensura continúa vigente, sólo que ahora también se aplican la computación y la teledetección y otros elementos virtuales.
En forma alterna, una liebre es atropellada por una camioneta Suburban y en el accidente tiene una revelación que le indica escribir una obra de teatro didáctico sobre un hombre que viaja a una aldea y tiene que enfrentarse con la burocracia social. 
Dos vertientes distintas que coinciden en algún punto tras ir recabando un cúmulo de voces y cuerpos que crean un paisaje para definir nuestra relación el Estado, con el neoliberalismo y también con el teatro alrededor de esta problemática.
Con su propuesta, Servando Anacarsis Ramos demuestra que no se arredra ante la complejidad y que gusta de tomar retos para manejarlos bajo su perspectiva.  Así mismo, despliega su gran pasión por el teatro, ya que la teatralidad está presente en todo momento.  Utiliza diversas técnicas para plasmar sus ideas, entre las cuales incluye teatro dentro del teatro, algo de cabaret alemán, guiños de clown, multimedia, película muda, ingeniosas caracterizaciones  y tremenda corporalidad.  Lo que ocurre es narrado con un fuerte sentido sarcástico.  Entrelaza las historias en forma consistente.  El público simpatiza con K y se conduele de sus frustraciones, en total empatía, puesto que todos en algún momento hemos sentido impotencia ante trámites burocráticos.  Salpica el relato de alegría con representaciones teatrales medio alocadas.  En cuanto a los temas incluidos, también son muy diversos, hay amor, desesperación, ímpetu, teorías brechtianas y hasta aspectos teológicos.  En general, el trabajo de Servando Anacarsis Ramos es muy interesante y bien logrado.
La labor de dirección por parte de Servando Anacarsis Ramos es formidable.  Su trazo escénico es pulcro, aprovecha con tino el espacio, los desplazamientos están bien administrados, el ritmo es preciso. 
El elenco está integrado por:  Paula Watson,  Nick Angiuly,  Mariana Villegas,  Sofía Gabriel,  Cuauhtémoc Lara Razo,  Boris Schoemann,  Alejo Contreras  y  Sebastián Dante.  Todos ellos ofrecen un estupendo desempeño histriónico, corporal, vocal y de expresión.
El equipo creativo de INFIERNO COMPRENDIDO está conformado por:  Servando Anacarsis Ramos en dramaturgia, dirección y espacio,  Anabel Ortega en diseño de vestuario,  Mauricio Arizona en diseño de iluminación,  Gerardo Del Razo en realización de video y diseño multimedia,  Dulce Mariel en diseño sonoro,  Ramón Hermández Lara en asistencia de dirección,  Gerardo Del Razo en fotografía y montaje de cine mudo,  Hamlet Casas en realización de tocados liebres,  Bryan Cárdenas (Zebra) en asesoría vogue,  Miriam Romero en asesoría multimedia,  Liliana Irene Hernández González en realización de vestuario y telón,  Rosy Morales  y  Fernando Payán (Skené)  en construcción de escenografía,  Mauricio Saldaña en fotografía de póster,  Servando Anacarsis Ramos en diseño de póster,  y  Vika Fleitas Campamar en adaptación gráfica de postales.
En cuanto a producción, los participantes son:  Michelle Menéndez en producción ejecutiva,   Michelle Menéndez   y  Servando Anacarsis Ramos en producción general,  Martín Acosta como productor asociado,  Tamara Salamonovitz Rivadeo en asistencia de producción y coordinación redes sociales.
Colaboradores de Teatro El Milagro:  Aída Escobar en coordinación técnica,  Elizabeth Flores y Celso Martínez conformando la Planta Técnica de Teatro El Milagro.
Una propuesta muy interesante que nos permite asomarnos al universo kafkiano en un entorno pleno de teatralidad, donde Servando Anacarsis Ramos y cada uno de los integrantes de su equipo llevan a buen puerto un relato complejo en un montaje donde se ha cuidado hasta el más mínimo detalle y todos se han comprometido dando lo mejor de sí mismos.  Déjate sorprender y no dudes en ir a ver INFIERNO COMPRENDIDO, saldrás complacido.  Te recuerdo que las obras del Ciclo de Teatro Emergente cubren temporadas muy breves, así que tienes que correr a comprar tus boletos..  
INFIERNO COMPENDIDO
se presenta 
se presenta a las 20:30 horas del
martes 5 de febrero de 2019  y del
miércoles 6 de febrero de 2019  en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en Milán número 24
-entre Lucerna y General Prim-
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  130 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros,
estudiantes o INAPAM,  y vecinos de la Colonia Juárez

 

MANADA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2019
Antón Chéjov (1869-1904), originario de Rusia, quien se desempeñara como médico, escritor y dramaturgo, es considerado uno de los escritores más relevantes en la historia de la literatura.  Además de su enorme talento para crear relatos de interés general, tenía una habilidad impresionante para delinear la psicología de sus personajes.  Entre sus obras más emblemáticas se encuentran "La gaviota",  "El jardín de los cerezos",  "Tío Vania",  y  "Las tres hermanas", las cuales han sido llevadas a escena en múltiples ocasiones a lo largo y ancho del mundo y, por lo tanto, se han convertido en referentes de teatro.  Todo aquel que curse estudios relacionados con el arte escénico, habrá de leer a Chéjov y es probable que en ellos se desarrolle la ilusión de hacer cuando menos un montaje de alguna de sus obras.  Desde luego, en caso de tener la oportunidad, cada quien realizará su versión desde su propia perspectiva.
Son innumerables los montajes que se han hecho en todo el mundo sobre "Las Tres Hermanas".  En tanto que algunos se apegan al texto lo más que pueden, otros sólo lo toman como inspiración, por lo que, en el mundo "Las Tres Hermanas" ha sido presentada en muy diversas versiones.
Luis Eduardo Yee, egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA, quien se ha desempeñado como actor, director y dramaturgo, decidió hacer un montaje de "Las Tres Hermanas" a partir de su visión personal.   La propuesta de Luis Eduardo es atrevida, toma como base un clásico universal, introduce algunos cambios y  lo reviste de variadas disciplinas. A su versión, la intitula como MANADA, tal vez utilizando este término como sinónimo de familia.
El cambio más drástico de Luis Eduardo es el de cambiar el género a las hermanas para personificarlas como hombres, aun cuando respeta los nombres originales de Olga, Masha e Irina.  Desde luego, las respectivas parejas o amores de las hermanas y ciertos allegados habrán de ser mujeres (con nombres masculinos) en aras de la consistencia. Para el público resulta curioso ver a un hombre con nombre femenino o viceversa.
En relación con las coreografías, Luis Eduardo Yee despliega su ingenio transformando a los integrantes de su elenco en estáticos maniquíes, en soldaditos que se mueven al unísono, o bien, en practicantes de ejercicios de yoga propios de la relajación.  Así mismo, las técnicas de actuación que aplica son diversas, como redimensionar espacios al hacer que alguien hable al vacío, de cara al lado opuesto de donde está su interlocutor, o llegar a excesos, como en el caso de las escenas, las reacciones de Masha en cierta escena, evocando la actuación que se utiliza para telenovelas, representando esto un fuerte contraste con la contención que predomina el montaje.  Utiliza lenguaje coloquial que utilizan los jóvenes de hoy en día, tales como "¿en serio?".  En cuanto al espacio escénico, toda la acción ocurre dentro de la casa de las tres hermanas, así que no tiene que preocuparse por armar escenarios distintos.  En definitiva, los cimientos de este proyecto se basan en el desempeño actoral del elenco.  Todo esto le da originalidad a MANADA de Luis Eduardo Yee.
El relato de MANADA se apega al de Chéjov.  Las tres hermanas recuerdan a su padre, quien falleciera un año antes, la fecha coincide con el cumpleaños de Irina, la menor, así que para festejarla se ven precisadas a dejar de lado el dolor y la nostalgia.  Otro de los ejes importantes es el desgaste del matrimonio de Masha, quien se enamora perdidamente de Vershinin y quisiera huir de todos sus problemas al lado de éste para construir una vida nueva.
La dirección escénica está a cargo del propio Luis Eduardo Yee, quien logra una labor impecable plasmando en el escenario su visión personal del universo de "Las tres hermanas".  La acción es constante y dinámica.  El desplazamiento actoral es fluido.  Las coreografías están bien administradas.  La corporalidad que impone es atrayente.  El ritmo preciso. 
Como lo mencioné antes, una de las cartas más fuertes de la propuesta es el cuadro actoral y, para ello, MANADA cuenta con un elenco extraordinario.  Todos  los integrantes están  muy comprometidos con el teatro, algunos cuentan con una larga trayectoria, otros no tanto por su juventud, pero todos tienen amplia experiencia, talento y habilidades.  Ellos son:  Hamlet Ramírez (Olga),  Miguel Jiménez (Irina),  Fernanda Echeverría (Solioni),  Gabriela Guraieb (Tusembaj),  Pablo Marín (Masha),  Miguel Romero (Chebutikin),  Regina Flores Ribot (Anfisa),  Francia Castañeda (Vershinin),  Paula Watson (Kuligin),  Roldán Ramírez (Natasha),  Lucía Uribe Bracho (Andrei).  Cada uno de ellos ofrece una formidable labor histriónica, corporal y vocal.
Beneficia el montaje la composición musical ejecutada en vivo por Alejandro Pressier, en ocasiones justo al lado de los actores.
El concepto escénico fue diseñado por Fernanda García, quien opta por un gran salón sobrio, pero distinguido.
El vestuario es idóneo para el esquema propuesto.  Se utilizan únicamente los colores blanco y negro, los diseños son originales y elegantes.  Algunas prendas son similares entre sí, pero con ciertas variantes.  La estética siempre está presente.  Las telas son diversas y de buena caída.
El resto del equipo creativo de MANADA está conformado por:  Patricia Guijosa en producción general,  Fundación Javier Marín en producción ejecutiva  y  como productor asociado,  Alejandra Aguilar como asistente general,  Dulce Mariel en diseño sonoro,  Julia Marín en diseño gráfico,  Paris Ramos como asistente de concepto escénico,  Carolina Jiménez en asesoría de iluminación,  Pablo Marín en ilustración,  Luis Eduardo Yee, Fernanda García y Pablo Marín en gestión.
Los patrocinadores son:  Colectivo No somos Compañía,  Arlín Vergara  y  Braulio Daniel Yee.
Una puesta en escena donde un clásico de Antón Chéjov es visto desde una perspectiva muy distinta a la acostumbrada.  Una propuesta arriesgada llevada a buen puerto por su creador, Luis Eduardo Yee, de la mano de un excelente equipo.  Un montaje contemporáneo pleno de estética y originalidad que da particular relevancia a la emotividad de los protagonistas.  Déjate sorprender por las nuevas tendencias teatrales, donde todo es posible, te aseguro que te entretendrás, te divertirás y verás actuaciones entrañables, sólo que tienes que apresurarte porque la temporada actual está por cerrar el telón.
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MANADA
se presenta  el sábado 2 de febrero de 2019 a las 12:30 horas  y
  el domingo 3 de febrero de 2019 a las 12:30 horas  en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  90 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM

 

URGEN MUSAS
Por: Eugenia Galeano Inclán
Enero 2019
A fines del año pasado, se llevó a cabo el Tercer Ciclo del encuentro URGEN MUSAS, cuyo propósito es dar espacio a la dramaturgia y dirección femenina, para exponer las iniciativas escénicas y creativas de las mujeres creadoras.  El evento fue organizado por la dramaturga mexicana Isabel Balboa y se llevó a cabo los días 8 y 9 de diciembre de 2018 en el AUDITORIO VÍCTOR HUGO RASCÓN BANDA ubicado en el inmueble de SOGEM -Sociedad General de Escritores de México-, en Héroes del 47 número 122, colonia San Diego Churubusco, Coyoacán, Ciudad de México.
Para el encuentro se emite una Convocatoria.  Las propuestas recibidas son revisadas y una vez que se determinan cuáles serán las seleccionadas, sale un comunicado, a fin de dar a conocer los resultados y que las ganadoras preparen lecturas dramatizadas de sus obras en las fechas que se les indique.
La entrada es libre en los días del evento, así que cualquier persona puede asistir para disfrutar de lecturas dramatizadas de varias obras inéditas en un mismo lugar. 
En el Tercer Ciclo de URGEN MUSAS los asistentes fueron recibidos cordialmente por Isabel Balboa y por Vicente Eduardo Cervantes, representante de FREELANCIA / VEC, encargado de cubrir el encuentro.
Cada día se presentaba la obra de una Directora Residente y las demás obras eran de Directoras Emergentes.  Las Dramaturgas Residentes en este Tercer Ciclo de URGEN MUSAS fueron Gsabriela Ynclán  y  Verónica Musalem.
Luego de las lecturas dramatizadas, había una Mesa presidida por las Dramaturgas y las Directoras en turno, para intercambiar opiniones sobre las obras presentadas y responder preguntas del público.
Así mismo, se instaló dentro del Auditorio un stand donde se vendían artículos de fina artesanía mexicana, así que durante el intermedio se podía comprar lo que fuera de tu gusto.
El programa completo del Tercer Ciclo del encuentro URGEN MUSAS fue el siguiente:
sábado 8 de diciembre de 2018
APERTURA
EN EL BORDE de Lorena Venta, bajo la dirección de Elena Ríos
Elenco:  Mariluz Suárez  y  Rosa Helena Velasco
MERIENDA PA PINGOS de Verónica Guzmán, bajo la dirección de Denis González Noriega
Elenco:  Jocelyn Chacón  y  Dan Alva
ENCORE de Tania Castillo Ponce, bajo la dirección de Alejandra Reyes
Elenco:  Desirée Rivera  y  Juan Carlos Medellín
NI TÉRMINOS NI CONDICIONES de Itzel Arco, bajo la dirección de Paulina Soto
Elenco:  Paulina Soto  y  Ginna Martínez
- Intermedio -
ÁNGELES CAÍDOS O LAS TRES EVAS de Gabriela Ynclán, bajo la dirección de Gema Aparicio
Elenco:  Bertha Vega
MESA DE DRAMATURGAS Y DIRECTORAS
domingo 9 de diciembre de 2018
EL SANADOR de María de Jesús Hernández, bajo la dirección de Ayelén Muzo
Elenco:  Luis Fernando Zárate,  Yolanda Navarrete  y  Armando Tapia
SALSA BOLOGNESA de Giannina Ferreyro, bajo la dirección de Beatriz Cecilia
Elenco:  Joaquín Chablé,  Marina Avilés,  Vicente Eduardo Cervantes,  Beatriz Cecilia,  Jazmín Jáuregui  y  César E. Reyna
COLORADO RIVER de Artemisa Téllez, bajo la dirección de Ana Cervantes
Elenco:  Miguel Pérez Enciso  y  Karen Espinosa
- Intermedio -
LOS CAMINANTES, autoría y dirección de Verónica Musalem
Elenco:  Genny Galeano,  Luis Ernesto Verdín,  Luis Villalobos,  David Sicars  y  Javier Sánchez
Música original ejecutada en vivo por  Alejandro Andonaegui
MESA DE DRAMATURGAS Y DIRECTORAS
CLAUSURA
El encuentro fue exitoso y los dos días tuvieron buen aforo.  Yo asistí el domingo y a continuación les comento sobre las obras que se presentaron en ese día.
EL SANADOR de María de Jesús Hernández aborda el tema de un hombre que se dice sanador, pero que no brinda precisamente salud a sus pacientes.   Su técnica para sanar podría provocar que nadie quisiera acudir con él.  Una comedia de enredos que conlleva tintes macabros.
SALSA BOLOGNESA de María Jesús Hernández es una divertida comedia donde la ficción permite que la madre regrese de ultratumba.  La familia apenas está lidiando con la ausencia de la señora Esther.  Carlos, su marido, está sumido en la depresión.  La hija Gabriela y su sobrina consentida Pilar se consuelan la una a la otra de lo mucho que la extrañan.  En cambio, el hijo Carlos le dice a su pequeño Carlitos que quisiera poder contactar a su mamá porque se fue sin darle la receta de la deliciosa salsa bolognesa que preparaba. 
COLORADO RIVER de Artemisa Téllez es una comedia ligera, en la que se ve la convivencia de una pareja joven.  El mundo masculino confrontado con el femenino.   En tanto que el joven está presionado porque tiene una fecha límite para presentar un trabajo, la joven lo que necesita es que le preste atención. 
LOS CAMINANTES de Verónica Musalem es un relato futurista, los daños ecológicos causados por el ser humano han hecho que el planeta esté a punto de ser inhabitable.  Una visión poética que contrapone la belleza y exuberancia de la naturaleza con la devastación.  Los personajes no tienen nada que perder, se está terminando el mundo, podrían sucumbir o esforzarse por lograr un nuevo comienzo a partir de cero.  Por cierto, esta obra está a punto de ser estrenada en el Foro BELLESCENE el próximo 7 de febrero, así que todos tendrán oportunidad de verla en escena.
Si bien el formato tradicional de lectura dramatizada es que los integrantes del elenco lean el texto que les corresponde, sin necesidad de escenografía ni vestuario. en URGEN MUSAS se brinda libertad absoluta para el montaje de cada quien y la única limitación es el tiempo, a fin de que se puedan presentar todas las obras programadas.  En base a esto, cada uno de los equipos creativos determinó si presentaba una sinopsis, un fragmento o una o más escenas de su obra, ajustándose al tiempo disponible.  En cuanto al formato utilizado, los de EL SANADOR y de COLORADO RIVER utilizaron elementos escenográficos en su presentación, mientras que los de SALSA BOLOGNESA y de LOS CAMINANTES optaron por respetar el formato acostumbrado colocando tan solo sillas.
Resulta propicio que se celebren encuentros como el de URGEN MUSAS, toda vez que se brinda un escaparate para que las dramaturgas presenten trabajos que aún no han sido llevados a escena y sirve a las directoras para ver el desempeño de sus elencos y la reacción espontánea del público.  Además, permite al público gozar de buen teatro sin costo alguno. 

 

 

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Enero 2019
Terrence McNally nacido en San Petersburgo, Estado de Florida, Estados Unidos de Norteamérica se ha desempeñado como reportero periodístico, dramaturgo, libretista, guionista, orador y conferencista . Se dio a conocer a la edad de 25 años con su primer éxito en comedia musical.  A partir de entonces, los triunfos se han sucedido, cosechando importantes premios y galardones, entre los cuales se encuentran varios Premios Tony, los más codiciados en la industria teatral norteamericana, así como un Premio Emmy, dos becas Guggenheim, una beca Rockefeller, cuatro premios Drama Desk, dos premios Lucille Lortel, dos premios Obie, tres premios Hull-Warriner, una cita de la Academia Americana de Artes y Letras, dos Premios a Trayectoria de toda una vida -uno otorgado por el Gremio de Dramaturgos y el otro por parte del grupo Lucille Lortel-, sólo por citar los más destacados.  Con una trayectoria de seis décadas, es considerado uno de los mejores dramaturgos contemporáneos y se le describe como dramaturgo notable y perdurable.  La obra de McNally se centra en las dificultades de la imperiosa necesidad de conectarse con otro ser humano.  McNally considera que la función primordial del teatro es crear comunidades mediante puentes que subsanen las grietas que se han abierto entre las personas a causa de religión, raza o género y, en particular, por orientación sexual.
Entre sus múltiples exitosas producciones, en 1990 estrenó EL BESO DE LA MUJER ARAÑA (KISS OF THE SPIDER WOMAN), cuyo libreto escribió con base en la novela homónima del argentino Manuel Puig.  Por esta obra Terrence McNally se hizo merecedor al Premio Tony por mejor libreto para un musical.  EL BESO DE LA MUJER ARAÑA se ha presentado en diversas partes del mundo y se ha convertido en uno de los montajes más emblemáticos del destacado dramaturgo. 
A finales de los años 90, la compañía formada por Humberto Zurita y Christian Bach realizó el primer montaje de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA en nuestro país.  A mediados del año que acaba de terminar, el productor Juan Torres decidió traerla de nuevo a escena con un gran elenco conformado por una veintena de actores, actrices y bailarines, y una decena de músicos.
El texto de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA capta la atención desde el primer instante hasta el final.  El relato recorre una amplia gama de emociones y aborda temas como injusticia, represión, amor, ilusión, amistad, esperanza, lealtad, solidaridad, compañerismo, diversidad.  Si bien la base es dramática, ya que ocurre dentro de una prisión, también hay momentos divertidos. 
La acción comienza cuando Valentín ingresa a la cárcel como preso político y es alojado en la celda de Molina, que es homosexual.  Molina le da la bienvenida amablemente, pero el recién llegado no quiere conversar con él y opta por ignorarlo.  Los dos hombres son muy distintos.  Molina es amanerado, Valentín es muy viril.  A uno lo apresaron por corrupción de menores y el otro fue detenido durante una manifestación de guerrilleros.  Mientras que Molina se autodenomina como "escaparatista", pues se dedica a arreglar escaparates, Valentín es ideólogo y aspirante a revolucionario, le encanta leer libros.  En lo único en que coinciden es que ambos defienden sus ideologías a toda costa.   La convivencia diaria hará que se vayan conociendo en forma paulatina, pues no tienen a nadie más.  La rudeza de los oficiales encargados de la prisión recae sobre cualquiera de los presidiarios y finalmente, quienes pueden se apoyan unos en otros.  Molina le confía un secreto a Valentín -para evadir la desdicha de estar encerrado, recurre a un mundo imaginario.  Cuando era pequeño, su mamá trabajaba en un cine y lo llevaba con ella, así que tuvo oportunidad de ver muchas películas y su actriz favorita era Aurora.  Desde entonces, cada vez que se siente triste, recrea en su mente la escena de alguna película y se ve a sí mismo estelarizándola al lado de Aurora.  En uno de esos filmes, Aurora interpretó a la Mujer Araña.
La dirección escénica está a cargo de Miguel Septién, joven originario de Querétaro, que sorprendió al público capitalino con "Urinetown", musical que trajo a la Ciudad de México en 2017 y que fue un éxito rotundo.  La Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro le otorgó el premio como la Mejor Obra Musical del año.  Miguel Septién radicó en Boston, donde estudió actuación y dirección, para luego regresar a su ciudad natal y fundar  Ícaro Compañía Teatral, de la cual es director. 
La labor de dirección de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA por parte de Miguel Septién es extraordinaria, su trazo escénico es impecable, la acción constante, buen balance y ritmo preciso.  Dimensiona los espacios en forma muy acertada.   Logra imprimir la espectacularidad requerida, sin descuidar la parte humana que es lo esencial en el relato.
Todos y cada uno de los integrantes del elenco ofrecen una formidable labor histriónica, vocal y dancística.  Chantal Andere luce su belleza personal y su extremada esbeltez, es poseedora de una melódica voz y despliega su experiencia en las tablas para dar lucimiento a la Mujer Araña, personaje enigmático y polifacético.  Rogelio Suárez utiliza todo lo aprendido en su amplia carrera en musicales para dar vida a Molina en forma muy emotiva.  Aun cuando es el debut de Jorge Gallegos en teatro musical, aceptó el reto de encarnar a Valentín, del cual sale airoso, dándole los toques pertinentes, además de tener una voz muy potente.  Complementan el cuadro actoral:  Luis Gatica, Olivia Bucio, Jimena Parés, Jair Campos, Eduardo Partida, Fer Soberanes, José Ahued y la actriz queretana Andrea Biestro.  En el ensamble participan:  Pablo Rodríguez, Claudio González, Gilberto Recoder, Francisco Huacuja, Orville Alvarado, Pedro Gea, Oliver Kewnay, Gerry Pérez, Gerardo García y Julio Montejano.
La coreografía diseñada por Pablo Rodríguez es la idónea y está muy bien ejecutada por los intérpretes.
La música es de John Kander y la letra de las melodías de Tred Ebb, quienes colaboraron con Terrence McNally en el montaje original.  Bella música que a lo largo de los años ha trascendido.  Para su representación en México, las letras fueron traducidas a nuestro idioma.
Tanto la escenografía como la iluminación privilegian el montaje.  Los diseños fueron concebidos por Óscar Acosta, quien obtuvo resultados óptimos en ambas áreas.  La escenografía es de gran belleza estética, es muy funcional y añade el esplendor requerido para crear los diversos escenarios previstos en la historia.  La iluminación contribuye a llevar al espectador a compartir con los personajes las vivencias que estos tienen.
El diseño del vestuario por parte de Eugenio Alzás es otro acierto.  Los atuendos de la Mujer Araña son sofisticadamente espectaculares, vistosos, variados y consistentes al personaje que corresponde a la cinta que Molina elige según su estado de ánimo.  Así mismo, para los presidiarios y funcionarios de la prisión utiliza telas y estampados apropiados.  En ciertos bailables aporta variantes en cuanto a estampados o colores.
Este es sin duda uno de los montajes musicales más logrados de todos los tiempos.  Una puesta en escena con todo lo necesario para ser recordada por siempre.  Una historia interesante que te atrapa, divierte y conmueve.  Un equipo de trabajo muy integrado y comprometido te espera.  No te pierdas EL BESO DE LA MUJER ARAÑA pero para verlo tienes que salir corriendo, puesto que su temporada está en la recta final y sólo les queda este fin de semana.  
EL BESO DE LA MUJER ARAÑA
se presenta  el  sábado 12 de enero de 2018 a las 17:30 horas  y  a las 20:30 horas
y el  domingo 13 de enero de 2018 a las 17:00 horas  y  a las 20:00 horas  en el
TEATRO HIDALGO IGNACIO RETES
ubicado en la Avenida Hidalgo número 23, Centro Histórico,
-a espaldas del Palacio de Bellas Artes-
Ciudad de México
Duración aproximada:  210 minutos
Costos de las localidades:   Vip $1000,   Preferente 1 $900
Preferente 2 $850,  Preferente 3 $750
Preferente 4 $550 y Preferente 5 $450
Descuentos acostumbradas a personas con credencial vigente
Pregunta por promociones
LAS TRES HERMANAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Diciembre 2018
Se dice que el teatro refleja la vida, pero también la vida refleja el teatro.  Sabemos que la realidad puede llegar a superar la ficción.  Lo cierto es que lo más difícil de reflejar es el sentir humano.  La gama de sentimientos es amplísima y cada persona es única y tiene su forma individual de sentir.  El umbral del sentimiento es distinto, además, las circunstancias, el entorno, los allegados y hasta su situación económica tienen influencia, sea para bien o para mal.  No sólo depende de la capacidad de alguien para tolerar o disfrutar de algo, sino también cuenta si lo expresa o no.  Hay quienes sacan a flote lo que sienten, en tanto que otros los guardan en su interior y se convierten en expertos del disimulo.  La complejidad del ser humano es ilimitada.
Los autores con mayor habilidad para delinear el perfil de sus personajes y retratar su psicología son quienes más impacto causan con sus relatos.  Ejemplo de estos autores es Antón Chéjov (1869-1904), originario de Rusia, quien se desempeñaba como médico, escritor y dramaturgo.  Chéjov es uno de los más importantes escritores en la historia de la literatura, precisamente por ser un maestro en la corriente psicológica del realismo y el naturalismo.  Algunas de las obras que en más ocasiones han sido llevadas a escena en todo el mundo son  "La gaviota",  "El jardín de los cerezos",  "Tío Vania",  y  LAS TRES HERMANAS.  Los personajes de todas estas obras representan un tremendo reto actoral para quienes los interpretan.
En estas fechas podemos ir a ver LAS TRES HERMANAS, bajo la dirección de Diego del Río.  A pesar de su juventud, Diego del Río tiene una larga y brillante trayectoria en el campo teatral.  Obtuvo su licenciatura de Teatro en el año 2012 en la Universidad de Las Américas Puebla -UDLAP-, donde ingresó gracias a una beca de artes, para luego, por su buen desempeño, hacerse acreedor a la beca Premio a la Excelencia.  Mientras estudiaba en la UDLAP, integró el grupo de teatro musical de la UDLAP, mismo que continúa vigente.  Aún siendo estudiante trabajó con el grupo "Teatro de ciertos habitantes", dirigido por Claudio Valdés Kuri.  Más adelante, fue designado director residente en OCESA, donde estuvo a cargo de varios montajes.  Se dio a conocer en el ámbito teatral mexicano con su labor en "Espejos" de la dramaturga estadounidense Annie Baker, en tanto que con "El chofer y la señora Daisy" del dramaturgo estadounidense Alfred Uhry, recibió el premio de Director Revelación en el año 2013 por parte de la Agrupación de Periodistas Teatrales -APT-.  Desde entonces hasta la fecha, ha dirigido diversos montajes, todos los cuales han sido exitosos.  
La versión de Diego del Río de LAS TRES HERMANAS de Antón Chéjov es sui generis.  Su primera peculiaridad estriba en que es una visión distinta a lo que estamos acostumbrados a ver.   La historia no se cuenta en forma lineal, puesto que se da mayor importancia al sentir de los personajes que al relato mismo.  Otra singularidad es que en lugar de escenografía, hay 63 sillas, un sillón de tres plazas y un piano, cual si Diego del Río quisiera hacernos notar que el teatro no requiere de entornos.  Tampoco hay vestuario, los actores y actrices suben al escenario con la ropa que traen puesta.   La cuarta pared es flexible, se abre para entablar un diálogo directo con el espectador, así como para marcar el término o inicio de cada acto.  No obstante lo anterior, la teatralidad está presente en todo momento.  Lo humano y lo teatral se fusionan.  Se capta la atención del público desde el primer momento, hasta el final.
LAS TRES HERMANAS cuenta con un elenco privilegiado, de extraordinarios actores y actrices, cuyo histrionismo ha sido probado en múltiples ocasiones.  En esta oportunidad, no sólo ofrecen al espectador interpretaciones excepcionales, sino que hacen gala de que pueden revestirse del personaje que interpretan y en un instante dejarlo de lado para dirigirse al público y dar alguna acotación.  El desempeño actoral es la piedra angular en este montaje y todos los participantes ejecuta su labor con compromiso, profesionalismo y sensibilidad.
Al inicio de la función, el actor que interpreta a Fyodor, nos recibe dando ciertas precisiones sobre el montaje, entre las cuales hay frases verdaderamente impactantes, como por ejemplo:  "el espectador ve el teatro, el actor lo habita".  "a través de los ojos de estos actores podremos ver … ¡ojalá! … la vida",  "si los dos están presentes sucederá.  El alma del actor y la del espectador se fundirán y ya no será teatro sino vida".  Así mismo, también nos advertirá que desean cumplir un desafío diario:  "que no suene un solo celular".
Inmediatamente después, seremos trasladados a la casa de LAS TRES HERMANAS.   Hace un año murió su padre, a quien amaron profundamente y les hace mucha falta.  La fecha coincide con el cumpleaños de Irina, así que tienen sentimientos encontrados, rememoran el duelo, pero también quieren festejar a la hermana menor y tratar de que pase su día lo mejor posible.
Como ya es costumbre, la labor de dirección por parte de Diego del Río es espléndida.  Diseña su trazo escénico en forma impecable y no deja cabos sueltos.  El balance entre acción y pausas es equilibrado.  Sabe motivar a su elenco para que logren actuaciones supremas.  El ritmo es preciso.  Al igual que en sus anteriores montajes, la magia teatral y la emotividad afloran en el escenario.
El elenco, por estricto orden de aparición, está conformado por:  Anahí Allué (Natalia),  Antón Araiza (Nicolás),  Enrique Arreola  o  Alejandro Morales (Fyodor),  Emma Dib (Olga),  Mauricio García Lozano (Vershinin),  Concepción Márquez (Anfisa),  Arcelia Ramírez (Masha),  Evan Regueira (André)  y  Maya Zapata (Irina).  Cada uno de ellos despliega una interpretación entrañable.  Aparte de todo esto, la virtuosidad de Mauricio García Lozano al ejecutar el piano es admirable.
Como antes lo mencioné, la idiosincrasia de los personajes es lo que da pauta en esta puesta en escena.  Si bien los personajes Chejovianos son muy complejos, en la forma en que están representados en esta versión, el espectador ve a los personajes, pero, por sus características tan definidas, igual puede identificar a alguna persona que conoce, lo cual lo acerca aún más al relato.  Allí podremos ver a alguien que está inconforme con su destino, sea porque tomó una mala decisión o porque se vio precisado a cambiar su rumbo.  Una mujer a quien el amor le llega tarde, otra que es manipuladora y que gusta de conseguir todo lo que quiere.  Un marido que aparenta ser amoroso cuando en realidad es dominante.  Otros que logran conformarse con lo que tienen.  En fin, hay un poco de todo.
Integran el equipo creativo:  Evan Regueira y Fabiola Villalpando como asistentes de dirección,  Auda Caraza y Atenea Chávez en diseño de escenografía,  Matías Gorlero en diseño de iluminación,  Felipe Rodríguez Castañón en realización de escenografía,  Felipe Lara en realización de utilería,  Dan Petris y Patricia Trujillo en diseño gráfico,  Alejandro Godoy en adaptaciones gráficas,  Blenda en fotografía. 
La producción es de La Rama de Teatro,  los productores son:  Óscar Uriel, Rodrigo Trujillo  y  Jacobo Nazar son los Productores.
El equipo de producción:  Diego Flores, productor ejecutivo,  Mónica Bravo, directora de producción de La Rama de Teatro,  Denisse Prieto, producción La Rama de Teatro,  Víctor Hugo Pujol y Ángel Trejo en producción Administrativa,  y   José Guadalupe Miranda en contabilidad.
Icunacury Acosta en relaciones públicas,  Alma Reyes, coordinadora de lanzamientos,  Alejandra Vidal, digital project manager,  María José Santana, diseño y animación digital,  y  Patricia Villarejo, community manager.
No pierdas la oportunidad de ver este original y asombroso montaje.  Un relato conocido visto desde otra perspectiva, brillante dirección, inolvidables actuaciones.  El clásico relato de Chéjov es trasladado a la cotidianeidad.   Aprovecha esta temporada navideña para ver teatro que te llegará al corazón, ya que habrá funciones todos los días.
LAS TRES HERMANAS
se presenta de lunes a sábado a las 20:45 horas  y
domingos a las 18:00 horas en el
TEATRO MILÁN
ubicado en Lucerna número 64
- esquina con Milán
Colonia Juárez
Ciudad de México
Duración aproximada:  120 minutos
Las localidades tienen un costo de
Preferente:  $450  y   Mezzanine:  $380
Descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente
La temporada concluye el jueves 10 de enero de 2019
Suspenden funciones los días  24  y  31  de diciembre de 2018