HIMMELWEG

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Noviembre 2019
Uno de los más grandes anhelos de todos es vivir en paz, pero con el tiempo esto parece ser cada vez más utópico.  Basta leer o escuchar las noticias para darnos cuenta de que en todo el mundo hay conflictos.  En nuestro país la lucha por el poder, los carteles, el narcotráfico, las desapariciones y la violencia en general han hecho fuertes estragos.  En países latinoamericanos o sudamericanos los intentos de golpes de estado, las protestas, las injusticias y las batallas internas han menoscabado los derechos de sus habitantes.  
Podríamos decir que las primeras guerras que existieron estaban más reguladas que las actuales, ya que había campos de batalla, donde iban los regimientos a enfrentarse contra el ejército contrario.   En cambio, ahora las guerras ocurren en cualquier lugar y toda la población queda expuesta a golpes, abusos, heridas o detenciones.  Han habido tantos desplazamientos porque lo que más busca la gente es alejarse del peligro.
Las Primera y Segunda Guerras Mundiales fueron tan terribles que resulta pavoroso pensar que pudiera haber una Tercera Guerra Mundial.  Esto debido a que tanto las tácticas, estrategias y armamentos han ido evolucionando y si acaso la hubiera, sería el fin del mundo.  
Hemos visto cientos de imágenes de los horrores de guerra a través de noticieros y en las redes sociales, pero, lo cierto, es que éstas por aterrorizantes que puedan parecer no se comparan con lo que sienten quienes lo viven.  En la Segunda Guerra Mundial fue cuando se disparó la información de lo que realmente pasaba, sobre todo, por el holocausto, del cual, en su momento, pocos tenían conocimiento, toda vez que los alemanes se propusieron ocultar lo que allí sucedía. 
En relación con el holocausto, hay extensa literatura.  Los detalles han ido revelándose mediante testimonios, libros, películas, series televisivas y otros medios.  Desde luego, también existe dramaturgia al respecto y siempre hay aspectos no difundidos.  Juan Mayorga, uno de los más destacados dramaturgos españoles decidió abordar el tema a través de HIMMELWEG
Entre las características de la obra de Juan Mayorga están la profundidad que emplea, su compromiso personal y lo metódico que es en su labor.  Esto lo ha hecho acreedor a múltiples premios, galardones, reconocimientos y nominaciones tanto en teatro como en la cinematografía.  Su obra ha traspasado fronteras al ser traducida a varios idiomas para ser representada en casi todos los continentes.
Ahora, HIMMELWEG ha llegado a México.  Para crear su ficción, Juan Mayorga escribió HIMMELWEG en 2004, inspirándose en hechos de la vida real.  En 1944 durante la Segunda Guerra Mundial una delegación de la Cruz Roja Internacional visitó el campo de concentración de Theresienstadt, donde estaba HIMMELWEG.  Con acierto Mayorga recrea los hechos en forma tan vívida que quien lo lea o asista a su representación sentirá ser testigo presencial de los sucesos.  Según el autor, a través de HIMMELWEG  "intenta explorar tres temas:   la responsabilidad de un hombre cuya misión es ayudar a las víctimas y se acaba convirtiendo en cómplice de los verdugos,  la invisibilidad del horror,  y  la perversión de atraer a las víctimas a la zona gris. 'Esa zona de ambigüedad que irradia de los regímenes fundados en el terror y la sumisión', nace en realidad en 'La ambigüedad humana provocada fundamentalmente por la represión'.".
El texto de HIMMELWEG de la autoría de Juan Mayorga es de buena factura y su estructura es formidable.  Con precisión retrata un pasaje de algo que era costumbre en los campos de concentración. A fin de evitar que la gente se enterara de lo que allí sucedía, aparte de los abusos, torturas, experimentos y exterminios que se practicaban, los dirigentes aleccionaban a los confinados para que aparentaran que todo era normal en caso de recibir alguna visita que los cuestionara, ya fueran reporteros, autoridades o simplemente extraños.  La acción se ubica en la enfermería del Campo Theresienstadt, una área llamada HIMMELWEG, cuya traducción es "Camino al cielo", por paradójico que parezca.
Un hombre de origen humilde se convierte en Delegado de la Cruz Roja Internacional y le encomiendan visitar un campo de concentración.  En su trayecto va pensando "nunca había viajado, la guerra me dio esa oportunidad", le preocupa que no tienen "permiso para entrar en aquellos campos", pero está dispuesto a hacer bien su trabajo.  Tiene ante sí barracones de madera y barracones de ladrillo.  El Comandante es quien lo recibe.  Le sorprende que este oficial de personalidad tan recia sea amable y sonriente.  Es un hombre culto y de charla muy amena, conversan, luego el Comandante pide a Gottfried Gershom, su asistente, que sirva de guía al recién llegado.  Gottfried y el Delegado cruzan el silencioso bosque, por donde antes había "columpios, un campo de futbol, una sinagoga y un teatro".  Recorren una estación de trenes, los cuales llegan siempre llegan a las seis de la mañana en punto, según se aprecia en el gran reloj de báscula que preside la estación.
El Delegado medita "yo soy los ojos del mundo"  y recuerda "mis padres nos educaron en la compasión, no puedo cerrar los ojos al dolor ajeno".   Salvo algunos detalles, como que la gente usa "zapatos sin cordeles", el Delegado no logra descubrir que algo esté fuera de lugar.  Pasa a despedirse del Comandante en su oficina repleta de libros, y le comenta:  "Al llegar a Berlín hago mi informe".   
La labor de dirección por parte de Ricardo Rodríguez es muy creativa.  Su trazo escénico es riguroso y atrevido.  Se apropia de todo el espacio del foro para la representación.  Desde que el espectador entra la sala habrá de ver un foro distinto a lo que conocía.  Traslada fielmente el texto de Mayorga a la escena.  Utiliza como base el desempeño histriónico de los integrantes de su elenco.  Las coreografías, los desplazamientos , las acciones y las pausas están bien planificados.  El ritmo es preciso.
El elenco está conformado por:  Luis Eduardo Yee (Delegado Cruz Roja),  Cristian Magaloni (Comandante) y Hamlet Ramírez (Gottfried Gershom)
Santiago Álvarez,  Franisco Borrayo,  Juan Pablo Monsalvo;  Alan Nieva  y  Rodrigo Silva (Niños de la peonza)
Ana Irigoyen  y  Ana Escalante  (Niña con muñeco)
Pablo Villegas,  Katya Bizarro,  Gabriela Del Rio,  Ayelen Muso  y  Ana Esc alante  (Parejas de amantes).
Los protagonistas Luis Eduardo Yee,  Cristian Magaloni  y  Hamlet Ramírez ofrecen un espléndido trabajo histriónico, corporal y vocal.   Encarnan a sus personajes con veracidad absoluta.  Es loable que esta generación de creadores teatrales diversifiquen sus actividades y destaquen en cualquier área, como recientemente dos de ellos lo han hecho en el campo de la dirección -Cristian Magaloni con su impactante montaje "Hay un lobo que se come el sol todos los inviernos"  o  Luis Eduardo Yee con su original puesta en escena "Manada".
Los demás jóvenes despliegan sus habilidades histriónicas, corporales y vocales y hacen gala de su compromiso y trabajo en equipo.
El resto del equipo creativo lo integran:  Sergio López Vigueras en diseño escénico;  Laura Baneco en diseño gráfico;  Katya Bizarro en producción ejecutiva;  Fernanda González  y  Michelle Hallatt en producci´n general.  Todos con trabajos estupendos para hacer que HIMMELWEG sea una puesta en escena de calidad.
La producción de  HIMMELWEG  es de:  TEATRO EN UNA CÁSCARA DE NUEZ,  LOS BOCANEGRA,  GORDITOS INC.  y  BIEN CHICLES.
Trasládate sin peligro alguno a un campo de exterminio, sé testigo de la forma en que hacían que un verdadero infierno no despertara sospechas.  Un texto en el que confluyen los horrores, el sufrimiento humano, la mentira y la verdad.  Después de todo, no estamos tan lejos como quisiéramos de esas normas, porque se nos sigue ocultando todo aquello de lo que no debemos enterarnos. De hecho, el programa de mano incluye algunos textos de sucesos contemporáneos.  Un relato muy interesante, una dirección atinada, una producción minuciosa en todos sus detalles, un equipo responsable y actuaciones impresionantes.  ¡No te la pierdas!
HIMMELWEG
se presenta los lunes a las 20:00 horas en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  70 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos en taquilla para estudiantes, maestros, INAPAM,
vecinos de Coyoacán, Iztapalapa y Benito Juárez
 
Adolescentes  y  adultos
 
La temporada concluye el lunes 16 de diciembre de 2019
No hay función el lunes 28 de octubre de 2019 <
PADRE NUESTRO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Noviembre 2019
Para los latinos la familia es fundamental y los padres los pilares del hogar.  Por lo general, el vínculo familiar se mantiene a lo largo de toda la vida.  La madre es el amor incondicional, quien da calor y cobijo, en tanto que el padre es el proveedor, el que brinda apoyo y seguridad.  Lo ideal es que ambos padres estén al lado de los hijos, pero, lo más común es que el padre no esté tan presente.  En el mejor de los casos, es por  largas jornadas de trabajo.  También puede ser a causa de arquetipos sociales, como despreocupación al considerar que es la madre quien debe cuidar del hogar y los hijos.  En el peor de los casos es por abandono y para éste puede haber múltiples razones, algunas de las cuales podrían ser no estar preparado para ser cabeza de familia, agobio por obligaciones, encontrar a otra mujer o simplemente se acaba el amor.  
El caso es que si el padre se va, los niños en mayor o menor medida lo sufren, tanto porque aman y extrañan al padre, como porque sienten que su hogar está incompleto . Esta situación se vive más a menudo de lo que se cree y, en particular, afecta a los hijos varones.  
El cineasta Alejandro Iglesias Mendizábal, quien obtuviera su Licenciatura en Cinematografía en el Centro de Capacitación Cinematográfica -ICC- de la Ciudad de México, ha participado en más de una decena de Festivales nacionales e internacionales cinematográficos.  Tan solo con el cortometraje de ficción "Contrafábula de una niña disecada" que realizó en 2012 recorrió más de 20 muestras y festivales alrededor del mundo.  Varios de sus trabajos lo han hecho acreedor a premios, reconocimientos y galardones.   Entre sus textos, abordó el tema de la ausencia del padre mediante "Ocaso". 
Alan Uribe Villarruel  y  Meraqui Pradis de la compañía JUEGO TEATRO llevaron a cabo una investigación escénica a la que denominaron MÁQUINA BECKETT,  cuyo EPISODIO i es EL PADRE, mismo que trata sobre la ausencia de la figura paterna.
Para su investigación, Alan Uribe Villarruel  y  Meraqui Pradis se sumergieron en el universo beckttiano.   Samuel Beckett (1906-1989) nacido en Dublín, Irlanda, se desempeñó como dramaturgo, novelista, poeta y crítico.  Se le considera uno de los más importantes representantes del experimentalismo literario del siglo XX dentro del modernismo anglosajón y figura clave del teatro del absurdo, por lo que se convirtió en uno de los escritores más influyentes de su tiempo.  La obra de Beckett es sombría y tendiente al pesimismo, pero no carente de sentido del humor, en ocasiones negro y algo sórdido.  En la Enciclopedia de la Literatura Mundial del Siglo XX, así se describe su trabajo:  "Todo el trabajo de Beckett retrata la tragicomedia de la condición humana en un mundo sin Dios, sin ley y sin sentido.  La autenticidad de su visión, la sobria brillantez de su lenguaje (en francés e inglés) han influido a jóvenes escritores de todo el mundo".  Samuel Becket fue galardonado con el Premio Novel de Literatura en 1969  y  su obra más emblemática es "Esperando a Godot".
Para el EPISODIO I - EL PADRE de MÁQUINA BECKETT, Alan Uribe Villarruel  y  Meraqui Pradis tomaron como punto de partida el texto "Ocaso" de Alejandro Iglesias Mendizábal y lo manejaron desde la perspectiva de los resultados de su investigación, para ubicarlo dentro del contexto beckttiano.  Fue así como surge la obra PADRE NUESTRO.
.
El texto de PADRE NUESTRO no es una historia lineal ni cronológica, sino la reconstrucción de la figura paterna a través de la mirada individual de cada uno de sus hijos, a partir de los recuerdos que guardan del padre, de sus sentimientos, el impacto psicológico en su vida cotidiana al tambalearse su supervivencia, sus creencias religiosas, su lugar en la sociedad y hasta en determinados aspectos de género o sexualidad.  Seis hijos que crecieron lejos del padre se reencuentran a raíz de su fallecimiento.  Salvo dos que son gemelos, los demás jamás se han visto antes y se sorprenden al descubrir rasgos o características propias del padre en cada uno de los extraños.
El padre era un general de recia personalidad que se ausentaba de sus diversos hogares para irse al campo de batalla.  Fue muy poco lo que convivió con sus hijos, pero todos tienen recuerdos de él.  La personalidad de cada hijo es particular y no se parecen entre sí.  Uno trata de encontrar explicaciones, otro gusta de observar, es antisocial y le molesta que alguien hable por él.  Los gemelos no sólo están unidos desde el nacimiento sino también por una cadena que ellos mismos se pusieron, así que siempre andan juntos.  Otro nació con un padecimiento en los pulmones y, además, en el parto los médicos tuvieron que utilizar fórceps, lo que le dejó secuelas de por vida. El sexto tiene un nombre muy peculiar que se presta a crear confusiones. 
En la puesta en escena confluyen varias técnicas:  teatro íntimo, teatro del absurdo, farsa, música, instalación, corporalidad y manejo de la voz.  Los sentimientos también son variados, hay amor, odio, respeto, frustración, impotencia, desesperanza, incertidumbre y anhelos.  
La labor de dirección por parte de Alan Uribe Villarruel es impecable.  Su trazo escénico es firme.  La acción es constante, la definición de los personajes muy marcada, la corporalidad impresionante y la estética visual presente.  Aprovecha bien el espacio.  El ritmo es preciso.
El elenco está conformado por:  Luis Arturo Rodríguez (No),  Pablo Gálvez (Tommy),  Benjamín Palafox (Primogénito),  Roy Valdés (Ben),  Nick Angiuly (Kai)  e  Iván Mondragón (Viktor).  Los jóvenes despliegan sus habilidades histriónicas, corporales y vocales en forma comprometida y muy profesional.  Cada uno de los personajes está bien logrado y es convincente.  La corporalidad de todos es extraordinaria, en particular destaca Pablo Gálvez por su interpretación de Tommy.  
PADRE NUESTRO es presentada dentro del marco de MÁQUINA BECKETT, como EPISODIO I.  EL PADRE,  por:  el Centro Cultural EL HORMIGUERO,  JUEGO TEATRO  y  la COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO -CNT-.
El equipo creativo de PADRE NUESTRO está integrado por:  Alan Uribe Villarruel  y  Meraqui Pradis  en idea original;  Alejandro Iglesias Mendizábal en dramaturgia;  Alan Uribe Villarruel en dirección;  Alejandra Robles en dirección adjunta.
Compañía JUEGO TEATRO en concepto escénico;  Leonardo Yee en diseño;  Iván Mondragón en diseño sonoro;  Pablo Gálvez es asistente de producción;  Alejandra Robles en producción ejecutiva.
El maestro Marco Pacheco,  Director del Centro Cultural EL HORMIGUERO;  Daryl Guadarrama, coordinador general del Centro Cultural EL HORMIGUERO;  Lic. Karla Hernández en diseño gráfico / comunicación;  Aída Gregoria Nava  y  Diana Bustamante en iluminación,  y  Viridiana Morales, Ivette Infante Robles  y  Angélica Pacheco - Staff del Centro Cultural EL HORMIGUERO.
 
El dolor de perder a un padre es visto desde seis miradas distintas.  Ante el fallecimiento del padre, los hijos se reúnen por primera vez, cada uno va en busca de respuestas, tratando de encontrar parte de la identidad perdida.  Un montaje bien logrado que confronta al espectador con ausencias que no han podido asumirse.  Jóvenes actores que se entregan en cuerpo y alma a su trabajo.  Como se acostumbra hoy en día, las temporadas son breves, así que apresúrate a ver PADRE NUESTRO.  Te sugiero llegar temprano porque el aforo es limitado
 
PADRE NUESTRO
MÁQUINA BECKETT - EPISODIO I.  EL PADRE
se presenta los jueves a las 20:00 horas en la
CAJA NEGRA del
CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO
ubicado en Gabriel Mancera número 1539
> cerca de la Avenida Félix Cuevas
Colonia Del Valle Sur
Ciudad de México
Duración aproximada:  90 minutos
Las localidades tienen un costo de:  $200
La temporada concluye el jueves 21 de noviembre de 2019
AYAM
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Noviembre 2019
 
 
Boris Schoemann nació en Francia, donde cursó sus estudios.  En 1989 llegó a México y, desde entonces, fincó aquí su residencia.  Hace diez años obtuvo su naturalización.  En nuestro país se ha desempeñado como actor, director, traductor, productor y docente.  Fundó y dirige la compañía de teatro Los Endebles.  De 2005 a 2013 ocupó el cargo de co-director de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana.  Es director artístico del Teatro La Capilla.  A la fecha, ha dirigido más de 80 montajes a lo largo del territorio nacional, ha fungido como actor en alrededor de 30 obras de teatro y ha traducido numerosos textos, ya sea al español o al francés.  Tiene en su haber más de una veintena de publicaciones en los dos idiomas mencionados.  Se ha convertido en impulsor de dramaturgos provenientes de Canadá y de Francia, muchos de los cuales se han dado a conocer en México, gracias a los montajes realizados por Boris Schoemann.  
 
Además de impartir múltiples cursos, talleres y conferencias, ha puesto especial atención en crear montajes para jóvenes audiencias, con lo cual ha atraído al teatro a muchos espectadores juveniles.  
 
Su talento, conocimientos, sensibilidad e incansable labor, han hecho acreedor a  Boris Schoemann de diversos galardones, entre los cuales, se encuentran:  el premio a Mejor Director de Teatro de Búsqueda por parte de la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro en el año 2006 con la obra "El Ventrílocuo",  la medalla del Gobernador General de Canadá en 2009,  y  la medalla de la Orden de los Francófonos de Am´perica otorgada por el Consejo Superior de Artes de Quebec, Canadá.  Desde el año 2012 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
 
Para conmemorar los 30 años de estadía en suelo mexicano de Boris Schoemann, se está llevando a cabo un CARRUSEL TEATRAL en el Foro de las Artes, dentro del Centro Nacional de las Artes -CENART-.  Este CARRUSEL TEATRAL consiste en una residencia escénica, a fin de presentar al público un muestreo de obras que han sido relevantes en la trayectoria del destacado director.  En total serán seis obras.
 
El CARRUSEL TEATRAL dio inicio con el estreno en la Ciudad de México de AYAM de la autoría del dramaturgo francés Luc Tartar, misma que se había representado en el julio del año en curso en Tepic, Nayarit, en co-producción con la Compañía de Teatro del Estado de Nayarit.
 
Luc Tartar es uno de los dramaturgos que Boris Schoemann ha dado a conocer en México, a través de anteriores producciones, como:  "Abrasados" (S'embrasent)  o  "Los ojos de Ana" (Les Yeux d'Anne), mismas que tuvieron mucho éxito de audiencia.  Luc Tartar es un destacado autor francés becado por el Ministerio de la Cultura, el Centro Nacinal del Libro y la Región Ile de France.  Ha escrito dos novelas "Le marteau d'Alfred" (El martillo de Alfredo) y "Sauvez Régine" (Salve Regina), así como alrededor de una veintena de obras de teatro.  De 1996 a 2006 trabajó como autor asociado del Théâtre d’Arras (]Teatro de Arras).
 
La inspiración para escribir AYAM le llegó a Luc Tartar durante su estadía en Mérida y la Riviera Maya, de hecho, AYAM es Maya al revés.  Luc Tartar logra captar la esencia de las personas que viven en esa región, no sólo en su idiosincrasia sino en las costumbres y las tradiciones.  En su brillante texto, narra la historia de unos jóvenes de corazón noble y toca dos temáticas fuertes como lo son la violencia intrafamiliar y el suicidio a temprana edad.  Los personajes, a quienes Luc Tartar delinea con precisión, son dos hermanos y una chica unidos por la amistad.  La acción se sitúa en vísperas de la celebración del Día de Muertos.  En la trama se dan detalles de la vida de los chicos para que el espectador los conozca a ellos y a quienes los rodean. Los amigos forman parte de un grupo local de danza folclórica.  Eliseo se precia de ser descendiente en linaje directo de los Maya,  Pepe José imparte clases de salsa.  Una madre se dedica a guía de turistas.  Carolina sueña con ser famosa y salir en la televisión.  Así mismo, salen a flote secretos, como, por ejemplo, que la chica sufre de violencia en el seno de su familia.  Mediante su poética, Luc Tartar maneja los temas fuertes sin enfocarse en el horror que conllevan y, en cambio, los provee de un halo de esperanza, en el sentido de que aún lo malo puede quedar en el pasado y la víctima tiene todo el derecho de renacer a una vida nueva.  Sin duda, un relato entrañable que es llevado a escena salpicado de humor, música, bailables y frescura juvenil.
 
La labor de dirección por parte de Boris Schoemann es formidable.  Su trazo escénico es acertado.  Traslada el brillante texto de Luc Tartar a escena con fluidez.  La acción es constante, las coreografías son bellas, la estética visual está presente en todo momento.  Tanto el espacio como los escasos elementos escénicos están bien aprovechados.  El ritmo es preciso.
 
El elenco está conformado por integrantes de la Compañía de Teatro del Estado de Nayarit, quienes se comprometen con el proyecto y encarnan a los personajes mediante un desempeño histriónico, corporal y vocal de alto nivel, adicionado con su natural jovialidad.  Ellos son:  Stephany Rivas,  Jhovani Rosales  y  Jorge Fernández.
 
Complementan el equipo creativo de AYAM con trabajos sobresalientes en sus respectivas áreas:  Manu Reno en planteamiento coreográfico;  Sergio Castro en vestuario con prendas blancas de manta de fina y original confección;  Lucía Vallejo en diseño sonoro;  Alonso Apolinar en diseño de iluminación y diseño de cartel,  y  Eunice de la Cruz en tramoya y como asistente de producción.
 
La producciónb de AYAM es de la Compañía de Teatro del Estado de Nayarit  y  de la Compañía de Teatro Los Endebles A.C.
 
Las otras puestas en escena que se presentan dentro del marco del CARRUSEL TEATRAL son: 

LAS MUSAS HUÉRFANAS

Sinopsis: Entre el sábado de Gloria y el domingo de Pascua, cuatro hermanos se encuentran en la casa materna después de muchos años. Se dice que su madre se presentará a verlos, después de abandonarlos a su suerte en su más tierna infancia.
Horario: Miércoles 23 y jueves 24 de octubre, 20:00 horas

BEAUTIFUL JULIA
Sinopsis: Daniel lucha por sobrevivir, demostrando que puede defenderse porque es fuerte, de la manera en que todos los demás creen que se es y se tiene que ser fuerte: lastimando a los otros, ejerciendo esa fuerza brutal para violentar, y así poder mantenerse al margen de la exclusión, con el temor a enfrentarse a sí mismo.
Horario: Miércoles 30 y jueves 31 de octubre, 20:00 horas.

BASHIR LAZAR
Sinopsis: Relata la vida de un inmigrado argelino que huyendo de la violencia de su país, llega a Quebec y consigue un empleo como suplente de una maestra a la que no le fue nada bien.
Horario: Miércoles 6 y jueves 7 de noviembre, 20:00 horas.

KIWI
Sinopsis: Muestra una ciudad de tantas, en la que el bienestar y la preocupación social son anesteciadas con la celebración de unos juegos olímpicos, mientras en un submundo que sobrevive a base de sueños y deseos, dos niños hacen todo por edificar el mundo que les ha sido negado.
Horario: Miércoles 13 y jueves 14 de noviembre, 20:00 horas.

TIERRA OCÉANA
Sinopsis: Un niño sufre de un cáncer terminal. La obra es el tránsito hacia su muerte, acompañado por su padre y su tío.
Horario: Miércoles 20 y jueves 21 de noviembre, 20:00 horas.
 
No ha de haber sido fácil para Boris Schoemann seleccionar para el CARRUSEL TEATRAL sólo seis obras de entre sus numerosos montajes, ya que todos han sido presentados con éxito.  Date la oportunidad de ir a ver alguna o varias de estas obras seleccionadas, te aseguro que verás teatro de calidad hecho en México por un creador teatral que a base de trabajo y dedicación ocupa un lugar preponderante en el ámbito teatral mexicano y en el corazón de todos sus seguidores, colaboradores y amigos.  Acompaña a Boris Schoemann en la celebración de su trigésimo aniversario en México. 
 

Las obras que conforman el
CARRUSEL TEATRAL
se presenta los miércoles y jueves a las 20:00 horas en el
FORO DE LAS ARTES
dentro del
CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES
ubicado en Avenida Río Churubusco número 79
-esquina con Calzada de Tlalpan-
Colonia Country Club Churubusco
Ciudad de México
.
Costo de las localidades
Miércoles:   $100
Jueves de teatro:   $30
El ciclo CARRUSEL TEATRAL finaliza el jueves 21 de noviembre de 2019
 
BASHIR LAZAR
Miércoles 6  y  jueves 7 de noviembre de 2019, a las 20:00 horas.

KIWI
Miércoles 13  y  jueves 14 de noviembre de 2019, a las 20:00 horas.

TIERRA OCÉANA 
Miércoles 20  y  jueves 21 de noviembre de 2019, a las 20:00 horas
ÚLTIMO REINO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2019
Para los primeros habitantes de la tierra la cacería era una actividad primordial de subsistencia.  De inicio recolectaban frutos, legumbres, semillas y plantas, pero cuando a alguien se le ocurrió cazar a un animal para comerlo, descubrieron que la carne les gustaba, los dejaba satisfechos y tenían más energía, así que, junto con la pesca, se convirtió en un importante suministro alimentario.  Desarrollaron diversas técnicas y herramientas o armas para cazar y pescar, hasta perfeccionarlas.
Desde entonces, la cacería ha estado ligada a la humanidad.  Se alude a ésta en textos de todo tipo.  En cuanto a religión, en la Biblia se menciona la cacería en varios relatos.  En mitología  se representa a Artemisa como la divinidad de los cazadores.  Se dice que en Babilonia existieron enormes parques donde tenían enjaulados leones, jabalíes, leopardos y ciervos para que la gente fuera allí a practicar la caza.  En la Grecia antigua, Platón denominaba a la caza como un "ejercicio divino".  En general, la cacería era permitida en todo el mundo hasta que paulatinamente algunos países comenzaron a emitir leyes en contra de la caza.  No obstante lo cual, aún en nuestros tiempos, la cacería continúa practicándose, ya sea para comercialización o como deporte. 
Por otro lado, también se han hecho muchos chistes o bromas en torno a ella.  Por ejemplo, los jóvenes que iban a bares, reuniones o fiestas a conquistar mujeres, solían decir "vamos de cacería", o bien, los maridos comentaban "mi mujer me cazó", aplicando la fonética que es igual entre cazar y casar.  Así mismo, se utiliza en mal plan.  Los machistas que ejercen la violencia intrafamiliar se vanaglorian de que mientras más golpean a sus mujeres, más las quieren.  Y no se diga aquellos feminicidas que tras matarlas argumentan que las amaban.
La temática de la cacería relacionada con el amor inquietó a la actriz mexicana Valentina Martínez Gallardo Marcín, inspirándola a realizar un montaje al respecto y fue así como surgió ÚLTIMO REINO.
Valentina Martínez Gallardo es egresada de la Casa del Teatro.  Ha participado como actriz en varios proyectos escénicos, laboratorios y obras teatrales, como:  "Partido 68" de Thomas Bernhard, bajo la dirección de Alejandro García,  el laboratorio escénico a partir de "Crimen y Castigo" dirigido por Mariana García Franco,  "Martina y los Hombres Pájaro", bajo la dirección de Rocío Belmont,  "Bodas de Sangre" de Federico García Lorca, bajo la dirección de Mauricio Pimentel, "Salir al Mundo"de Berta Hiriart,  "Play Medea",, autoría y dirección de David Hevia, y  "La Modestia" de Rafael Spregelburd, bajo la direción de Martín Acosta,  también protagonizó en la película "Una cama para Valentina" del director Inti Aldasoro, y actuado en otros filmes.
ULTIMO REINO es el resultado de la profunda investigación realizada por Valentina Martínez Gallardo y Edson Martínez, con el propósito de explorar lo que es el instinto, ese que aflora desde que nacemos, en el que no median la inteligencia, la voluntad ni la educación y que con el tiempo, el entorno, las costumbres y las normas se va perdiendo.  Un bebé recién nacido no entiende dónde está ni quienes lo rodean, pero siente el instinto del hambre y habrá de llorar hasta recibir alimento.  Luego, se enfocaron básicamente en las relaciones amorosas y las eróticas que conllevan algo de bestialidad, porque el amor también es instintivo.  En algunas ocasiones tanto el enamoramiento como el deseo irrefrenable llegan en forma inesperada, sin importar si la persona carece de los rasgos físicos, el comportamiento, la formación o las condiciones que se anhelaban.  Un determinado número de esas parejas inusuales llega a constituir algo sólido, pero la gran mayoría de los amores no apropiados se convierten en relaciones tóxicas y es en éstas donde residen riesgos.  Si el amor es excesivo, en la experimentación de la pasión se puede escalar hasta la muerte, sea de uno, del otro o de ambos mediante un pacto suicida.  Lo mismo pasa si no hay suficiente amor.  Alguno de los dos ejercerá el dominio en tal forma que podría desembocar en el asesinato del dominado, o bien, éste podría matar al otro con tal de liberarse.  Todos hemos escuchado de esos amores que devoran o aniquilan.
 

En lugar de escribir un texto dramático, ÚLTIMO REINO es una compilación de cuadros escénicos a partir de fragmentos tomados de narrativas de Pascal Quignard, Henry Miller y Jacques Derridá, entre otros autores, mismos que fueron adicionados con intervenciones textuales de la escritora nicaragüense Noelia Espinoza y Edson Martínez Luna.  Lo cierto es que estos relatos son tan vívidos en escena que captan el interés absoluto del espectador.

 

ÚLTIMO REINO no es una historia lineal ni cronológica, pero algunos de sus cuadros son continuación de otros o están relacionados.  En cada fragmento se capta la esencia de la parte instintiva del ser humano cuando actúa sin pensar en las consecuencias, simplemente para satisfacer un deseo, para experimentar algo nuevo, por curiosidad o maldad.  Los personajes no están delineados para remarcar que podría ser cualquier individuo, incluso, quienes los interpretan conservan su nombre real.   Es así como en escena el público tiene oportunidad de ver a una pareja cuya relación es meramente pasional.  Ellos se aman, conversan, brincan, cantan, bailan ... disparan.  Sus diálogos son singulares, se escuchan frases como: "me aburres, me aburres profundamente", "tengo ganas de dispararle a alguien", o bien "Te amo", aun cuando lo tenga encañonado de frente, tal vez porque "la tentación más nociva es la muerte", sin detenerse a pensar que "es infinitamente triste perder lo que amamos".  Por allí deambula un tercero que funge como rival, cómplice o punto de discordia.  En forma paralela, se aborda la situación actual del planeta, hay referencias al calentamiento global, "los rayos del sol ejercen una fuerza inimaginable sobre nosotros".  Así mismo, hay referencias a la extinción de especies y al maltrato animal, a fin de conceder su justo lugar a los animales como co-habitantes de nuestra tierra y tomando conciencia de sus sentimientos  "Cuando un ciervo me mira de frente, no sé si meterle un balazo en la cabeza o arrodillarme ante el milagro",  "Los caballos cuando están muy tristes, lloran".  
La labor de dirección por parte de Valentina Martínez Gallardo Edson Martínez es brillante.  Su trazo escénico es fluido y riguroso.  Con acierto entrelazan las escenas para la construcción de un concepto integral,  los desplazamientos están bien planeados, la acción es constante, aprovechan a fondo el espacio, logrando definir un entorno particular para cada situación.  Brindan especial atención a la corporalidad y también al desempeño vocal, incluyendo originales sonidos guturales.  El ritmo es preciso.
Los intérpretes de ÚLTIMO REINO son:  Juan de la Loza,  Tomás Rojas  y  la propia autora, Valentina Martínez Gallardo.  Además de ofrecer al público un espléndido trabajo histriónico, corporal y vocal, se transluce el compromiso que tienen con el proyecto y cada uno de ellos despliega sus habilidades personales para desempeñar su rol en forma pertinente.   Juan de la Loza aporta su amplia trayectoria y experiencia, mientras que Tomás Rojas y Valentina Martínez Gallardo añaden lucimiento con una corporalidad de perfecta ejecución.
Complementan el equipo creativo de ÚLTIMO REINO:  Tania Rodríguez en diseño de iluminación y diseño espacial;  Iván Mondragón como asistente de dirección;  Noelia Espinoza  y  Edson Martínez en asesorías e intervenciones textuales;  se incluyen fragmentos de Pascal Quignard  y  Henry Miller;  Thomas Becka en diseño sonoro;  Marco Hernández como videasta y en diseño de multimedia;  Sofía Landgrave  y  Argenis Salinas Pineda en creación de videos;  Sofía Martínez en diseño gráfico;  Luna Martínez en registro y video;  Tania Rodríguez  y  Valentina Martínez Gallardo en diseño de vestuario;  Fernando Ayala en producción ejecutiva;  Un Teatro de Jessica Sandoval  e  Ignacio Ferreyra como Coinversionistas;  Máscara y tratamiento de animales / Lorenzo Martínez en construcción de bulto,  y  Ana Paula Ricalde en asesoría de movimiento.  Todos ellos aportando formidables trabajos en beneficio del montaje.
 
Los creadores expresan su agradecimiento a:  Mauricio Ascencio,  Bruno Santamarina,  Gabriel Torres  y  Mariana Rojas.  
ÚLTIMO REINO es llevado a escena por Valentina Martínez Gallardo y su compañía LA JUSTICIERA, en colaboración con el COLECTIVO CHARALITO  y  UN TEATRO de Jessica Sandoval, a través de la Beca de Fomento y Coinversiones a Proyectos Culturales del FONDO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES -FONCA-.
Acompaña a estos seres ofuscados por sus pasiones para quienes los delirios más poderosos son el amor y la muerte.  Un texto interesante narrado con crudeza y representado con gran estética visual, donde se ven varios espacios que reflejan el universo de cada personaje, combinando artículos de uso cotidiano con cierto halo de misterio, así como bellos animales disecados como testimonio de que la vida puede extinguirse más pronto que la belleza.  Un montaje muy original y bien logrado que además de entretenerte, te hará pensar y reflexionar. 
ÚLTIMO REINO
se presenta los  miércoles  a las 20:30 horas en
UN TEATRO
de Jessica Sandoval
ubicado en Avenida Nuevo León número 46,
Colonia Hipódromo Condesa
Ciudad de México
Duración aproximada:  70 minutos
Costo de la localidad:  $200
Con descuento en taquilla: $150, presentando credencial vigente
La temporada concluye el miércoles 20 de noviembre de 2019
LA RAZÓN BLINDADA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2019
Uno de los dones más preciados para los seres humanos es la libertad.  Desde la creación se concedió al hombre el libre albedrío.  A partir del momento en que por cualquier motivo una persona pierde la libertad, la vida sufre un cambio diametral y afloran la impotencia, la frustración y la tristeza.  Una enfermedad o un accidente pueden disminuir o suprimir la libertad de movimiento.  La gente que cae en la esclavitud pierde la habilidad de hacer lo que quiere y la de ir adonde le plazca.  En la violencia intrafamiliar, el oprimido tampoco tiene libertad.  Para quienes son secuestrados la incertidumbre y la experiencia de estar confinados les afectan tanto que la gran mayoría necesita de años de terapia para poder superar la huella de terror que queda en sus mentes.  Así mismo, aquellos que cometen un ilícito pueden ser condenados a ir a prisión y, consecuentemente, perder su libertad.
En el caso de los presos, la pérdida de la libertad les causa tal desesperación que podrían caer en depresión o, incluso, perder la cordura.  Es por ello que a modo de subsistencia tienen que hacer todo lo que esté a su alcance para tener LA RAZÓN BLINDADA.  Al menos, esto es lo que recomienda Arístides Vargas a través de su obra LA RAZÓN BLINDADA.
Arístides Vargas es un destacado dramaturgo argentino que nació en Córdoba y reside en Mendoza.  Desde muy joven incursionó en el teatro trabajando con algunos grupos locales, para luego estudiar teatro en la Universidad de Cuyo.  En el año 1975 se vio precisado a exiliarse a causa del golpe militar.  El exilio no sólo marcó su vida sino también su obra dramatúrgica.  Desde entonces, se ha enfocado en dar testimonio de vivencias y situaciones que competen al ser humano, por lo que aborda temáticas relacionadas con la memoria, el desarraigo y la marginalidad.  Se considera que su escritura es poética con tintes humorísticos y cierta amargura, pero siempre priva la esperanza de que el mundo puede ser cambiado.  Se ha desempeñado como director de varias de las agrupaciones teatrales latinoamericanas más importantes.  Es fundador del grupo Malayerba de Ecuador, que es uno de los más prestigiosos de América Latina, mismo que hasta la fecha continúa bajo su dirección.   A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos premios y reconocimientos.  Sus obras más representativas son:  "Jardín de pulpos",  "La edad de la ciruela",  "Pluma",  "Donde el viento hace buñuelos",  y  "Nuestra señora de las nubes". 
En el caso de LA RAZÓN BLINDADA, Arístides Vargas se inspiró en las vivencias personales de su hermano, el artista teatral Chicho Vargas, y las de sus compañeros, quienes durante la dictadura cívico-militar de los años 70 en Argentina, fueron recluidos en una cárcel de máxima seguridad, conocida como el Penal de Rawson, ubicado en la provincia del Chubut, Argentina.  Para resistir el horror, Chicho y sus compañeros idearon contarse historias.
Fue así como surgió la trama de LA RAZÓN BLINDADA, donde dos presos en confinamiento solitario, se sienten devastados física y emocionalmente ante el agobio que les producen las circunstancias de malos tratos, encierro, soledad y el lúgubre entorno.   Ante la imposibilidad de salir de allí, deciden por lo menos distraer su mente, así que aprovechan la tarde de los domingos para intercambiar historias.  Eligen como punto de partida  "Don Quijote de la Mancha" de Miguel de Cervantes Saavedra, por considerar que, como ellos, es un luchador en busca de una utopía.  En los relatos que inventan, mitad ficción, mitad memorias, ellos personifican a Don Quijote y a Sancho Panza, llamándose mediante los apócopes:  De la Mancha y Panza.  "Mañana cuando no seamos los de ahora, tal vez recordemos estos momentos como los únicos momentos en que no nos sentimos solos ...".  El imaginar una realidad distinta a la que viven, les ayuda a mitigar su cotidiano sufrimiento.
El texto de Arístides Vargas para LA RAZÓN BLINDADA es interesante y bien estructurado.  La psicología de los personajes está delineada conforme a la realidad vivida por su hermano y compañeros.  Desde el principio el espectador siente conmiseración por estos pobres hombres que fueron condenados a la cárcel no por ser criminales ni por haber cometido actos deleznables, ni siquiera ilícitos, sino simplemente porque su ideología es distinta a la que se considera adecuada.   Tanto en los parlamentos como en los subtextos van saliendo a la luz los miedos, frustraciones, anhelos, convicciones y esperanzas de los presidiarios.  
La labor de dirección por parte de Alejandro Aldama es impecable.  Su trazo escénico es firme.  Equilibra la narrativa con trabajo corporal, con lo cual imprime la acción necesaria para evitar que sea tedioso.  Los desplazamientos de los actores y del implemento escenográfico están bien planeados.  El ritmo es balanceado.
Tomihuatzi Xelhuanzi da vida a Panza, mientras que Miguel Ángel Sandoval interpreta a De la Mancha.  Ambos actores ofrecen un buen desempeño histriónico, corporal y vocal.
El equipo creativo de LA RAZÓN BLINDADA está integrado por:  Alejandro Aldama en propuesta escenográfica, diseño de iluminación y dirección escénica;  América Cabiedes en vestuario  y  en asistencia de dirección;  Jorge Córdoba en asesoría fonoescénica;   América Zepeda en imagen;  Julio Rochon en fotografía,  y  Liliana Guido en relaciones publicas. 
La producción de LA RAZÓN BLINDADA es de CONTIGO AMÉRICA.
El teatro nos permite conocer vidas y experiencias de otros seres humanos.  En LA RAZÓN BLINDADA se convierte en un espacio de resistencia que sirve de escape a dos presos políticos.  Un relato interesante y conmovedor que nos lleva a valorar la importancia que tiene la libertad.   Acompaña en su encierro a estos hombres, les será grato compartir sus historias contigo, en un montaje estético, dirección precisa y buen trabajo actoral.   
 

LA RAZÓN BLINDADA
se presenta los jueves a las 20:00 horas  en el
FORO CONTIGO AMÉRICA
ubicado en la calle de Arizona número 156
Colonia Nápoles, Ciudad de México

Costo de la localidad:  $150
 
Duración aproximada:  70 minutos
 
Clasificación: Adolescentes y adultos
 
La temporada concluye el jueves 24 de octubre de 2019
EL ÁNGEL DE LA VALIJA
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2019
 
Es probable que una de las primeras oraciones que aprende un niño es "Ángel de mi guarda", la cual no sólo sirve como muestra de devoción para el ángel que habrá de acompañarnos toda la vida, sino que también proporciona seguridad a los pequeños.  Se reza por las noches, antes de dormir y los infantes sienten mucha paz al saber que una "dulce compañía" no los dejará desamparados "ni de noche ni de día".  Algunas personas mantienen esa costumbre, otros se olvidan de ella, pero siempre se recuerda con cariño esa etapa de la niñez ligada al Ángel de la guarda.   
 
Las creencias van variando con el tiempo, pero, incluso, hay gente que en su vida adulta se dedica a estudiar la angelología y, por supuesto, a todos nos gusta pensar que hay un ángel que nos cuida en todo momento.  De hecho, si alguien nos brinda ayuda o apoyo cuando enfrentamos un suceso difícil o doloroso, lo consideramos un ángel. 
 
Igual nos ilusionaría encontrarnos con un ángel real, aunque fuera una sola vez en la vida, puesto que habría pocas probabilidades para ello, pero justo fue lo que les ocurrió a Agustina Toia  y  Severo Callaci, ya que ellos encontraron un ángel y fue precisamente a EL ÁNGEL DE LA VALIJA, mismo que les ha brindado oportunidades y viajes que no esperaban.  Agustina Toia  y  Severo Callaci, oriundos de a ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina, decidieron hacer un proyecto que representara una aventura entre el cielo y la tierra, abordando temas como la libertad y el apego, al mismo tiempo que incluyera la filosofía de Spinoza y algo de Borges, a fin de trasladar temáticas universales profundas a situaciones cotidianas con personajes comunes y corrientes.   Comenzaron trabajando por separado en la creación de universos, para luego dar inicio a un laboratorio, donde se daría forma al espectáculo.  Dado que ellos son formadores e imparten talleres en relación con la búsqueda de un universo personal, además de que realizan teatro en el que toman lo físico como punto de partida, utilizaron como base dichas prácticas y sus experiencias en el extranjero -Severo Callaci ha trabajado en Latinoamérica, mientras que Agustina Toia lo ha hecho en Europa-.  Una vez que tenían sus propuestas iniciales, acordaron que entre ambos concretarían la obra utilizando distintos lenguajes teatrales, como la biomecánica teatral de Meyerhold, el teatro antropológico, el teatro topeng (máscaras balinesas), y el clown.  Cuando estaba listo el concepto integral, convocaron a Sergio Mercurio para que lo plasmara en forma dramatúrgica, con la colaboración directa de Severo Callaci.  La propuesta fue intitulada:  EL ÁNGEL DE LA VALIJA.
 
Cuando recién salía a la luz EL ÁNGEL DE LA VALIJA, fueron invitados a presentar la obra en distintos escenarios de Italia.  Lo primero que hicieronfue traducir la obra al italiano y luego procedieron a crear su propia agrupación, a la cual llamaron Toia&Callaci en 2017.   Con su nueva compañía, emprendieron el viaje hacia Italia, donde EL ÁNGEL DE LA VALIJA tuvo mucho éxito.  En fechas más recientes, la obra fue seleccionada para su presentación en Festivales Internacionales tales como el International Festival THEATERWELTEN 2019 en Rudolstadt, Alemania;  en el 5° Festival Internacional de Teatro Escenabierta de Guanajuato, México,  y  en el Spots op West Festival en Heuvelland, Bélgica.
 
Luego del triunfo de sus presentaciones en Europa, Toia&Callaci han traído EL ÁNGEL DE LA VALIJA a México,  país que visitan por primera vez en sus vidas, por lo cual decidieron aprovechar este viaje para varias actividades en distintas zonas del país.  Agustina Toia y Severo Callaci impartieron dos talleres. El primero, en colaboración con el dramaturgo mexicano Jaime Chabaud, de teatro a un grupo comunitario en Tlaltizapán de Zapata, Morelos, del 14 al 16 de septiembre  y  el segundo, de entrenamiento físico-expresivo y composición de personaje en búsqueda de una poética personal en el Centro Cultural EL HORMIGUERO los días 25 y 26 de septiembre.  Así mismo, presentaron EL ÁNGEL DE LA VALIJA en el Teatro Javier Barros Sierra de la FES Acatlán, Estado de México, el día 24 de septiembre;  en el Centro Cultural EL HORMIGUERO de la Ciudad de México, el día 25 de septiembre,  y  en LA LOCOMOTORA Foro Escénico de la Ciudad de Oaxaca, los días 28 y 29 de septiembre.  
 
EL ÁNGEL DE LA VALIJA es un unipersonal escrito por Sergio Mercurio, en colaboración con Severo Callaci.  El texto es de buena estructura y tiende puentes entre lo mundano y lo celestial, entre lo que se es y lo que se quiere ser, entre lo cotidiano y lo sublime.  Una ficción que refleja muchas de las características del ser humano y la posibilidad de mejorar sus condiciones en todos los aspectos.  Capta el interés del espectador de principio a fin.
 
 El relato es un pasaje en la vida de Ezequiel Sanguinetti, un hombre sencillo, honesto e ingenuo que vive en una pequeña población donde todos los habitantes se conocen.  Por un tiempo ha tratado de conseguir sin haberlo logrado, a pesar de su tenaz búsqueda.  Un día alguien le ofrece un trabajo, pero éste resulta bastante peculiar:  será un ángel.  El único requisito que le imponen es que tendrá que "despojarse de todo para poder ayudar a los demás".  Ezequiel está feliz, por fin obtuvo lo que necesitaba y está dispuesto a dejar todo, excepto su valija. Le será fácil alejarse porque "no tiene casa, no tiene hijos",  Está saliendo con Clarissa,una linda chica que "se preocupa por la Conciencia Universal para salvar al mundo", pero no necesita darle explicaciones, porque ella ni sabe que es su novia.  A lo que más unido está es a su valija, lo cierto es que "se le pega a las manos".  
 
Antes de irse, Ezequiel visita a su abuela, quien le dice que ya habrá ocasión para que la tía le cocine "como los dioses" lo que a él le gusta.  Luego, va al Centro Histórico, para pasar por el taller de autos.  Betito le advierte que el Fiat "tiró aceite en su patio", tendrán que hacer "jamberiguaciones" sobre el accidente del cuñado de Ezequiel.  
 
Se ve que Ezequiel se lleva bien con todos, va saludando a quienes se cruzan en su camino.  Un joven lo invita a comer "pizziiitaaa", a un lugar de "pizza free", para que no gasten dinero.  Otros no saben cómo fue que logró conseguir trabajo, alguien opina: "era medio bobo, para mí que de poesía no tocó ni un solo libro",  otro dice que es "flaco pero fibroso".  Ezequiel piensa que igual y estaba destinado para el trabajo porque "Angelito es su segundo nombre". Muchas sorpresas aguardan a Ezequiel en su rol de ángel.
 
La dirección por parte de Sergio Mercurio es bastante buena.  Su trazo escénico es variante y riguroso.  En razón de que Toia&Callaci trabajan a partir de lo físico, dan más relevancia a la corporalidad que a la emotividad. En mi opinión personal, la expresión franca de emociones genera un entorno energético, lo que propiciaría que el relato fuera mucho más conmovedor.  En el ritmo hay ligera irregularidad, algunas escenas son lentas, en tanto que otras son veloces.
 
Severo Callaci es quien da vida a Ezequiel Sanguinetti. El trabajo corporal que despliega en escena es espléndido y su trabajo histriónico, profesional.  Hace gala de su versatilidad al interpretar a diez personajes, lo cual es particularmente admirable, ya que lo hace sin cambios de vestuario, utilizando sólo cuatro implementos escénicos:  una manta gruesa color marrón, una mascada roja, un cayado y, desde luego, una valija.  Su desempeño vocal también es loable, pues dota de distinta voz a cada personaje.   
 
El equipo creativo de EL ÁNGEL DE LA VALIJA está conformado por:  :Severo Callaci en creación de personajes y actuación; Sergio Mercurio en dramaturgia y dirección;  Agustina Toia en asistencia técnica;  Marcelo Torrone en música original;  Sergio Mercurio en diseño de luces;  Lucas Comparetto en dispositivos escénicos;  Laura Perales en vestuario;  Adriano Di Mauro en diseño gráfico;  Komar en ilustración,  César D'Angelo en fotografía;  Lara Pellegrini en prensa,  y  Agustina Toia en producción.
 
A  EL ÁNGEL DE LA VALIJA le bastan un montaje sencillo y un escenario vacío para que un actor represente una historia que nos muestra que aun cuando tengamos los pies en la tierra es posible tocar el cielo con la imaginación, mientras haya fe en el corazón.  Nos abre los ojos a nuevos universos y nos conmina a apreciar más todo lo que nos rodea.  
 
La única función de EL ÁNGEL DE LA VALIJA en la Ciudad de México se llevó a cabo el miércoles 25 de septiembre de 2019 en la CAJA NEGRA del Centro Cultural EL HORMIGUERO, ubicado en Gabriel Mancera número 1539, colonia del Valle Sur.   Luego del nutrido aplauso del público, Severo Callaci agradeció profundamente a Johana Trujillo y Viridiana Mendoza por el apoyo que brindaron a Toia&Callaci en México.
 
Durante su estancia en nuestro país, recibieron varias invitaciones para presentar la obra y distintas entidades, mismas que no pudieron aceptar por tener una gira programada en Centroamérica.  Confiemos en que un poco más adelante regresen a México para que más personas puedan disfrutar del espectáculo.
 
Si vives en Centroamérica o andas de paseo por allá, te dejo el programa de las próximas presentaciones de EL ÁNGEL DE LA VALIJA.
 
Sábado 12 de octubre  y  domingo 13 de octubre de 2019, a las 16:00 horas, en el
TEATRO NACIONAL de San Salvador, EL SALVADOR
 
Jueves 17 de octubre  y  viernes 18 de octubre de 2019, a las 19:30 horas, en el
CENTRO CULTURAL BAMBÚ de Tegucigalpa, HONDURAS
 
Sábado 19 de octubre  y  domingo 20 de octubre de 2019, a las 18:30 horas, en el
TEATRO JUSTO RUFINO GARAY de Managua, NICARAGUA
 
Jueves 24 de octubre  y  viernes 25 de octubre de 2019, a las 20:00 horas, en el
TEATRO AUDITORIO CASA MEGA de San José, COSTA RICA
BAUHAUS MX.19

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2019
Bauhaus es un movimiento artístico surgido en 1919 en Weimar, ciudad alemana que hoy forma parte del estado de Turingia. El arquitecto, diseñador y urbanista Walter Gropius (1883-1969) fue quien lo creó al abrir las puertas de la Staatliche Bauhaus como escuela de diseño, la cual fue fundada por Gropius con el propósito de fomentar el uso de materiales innovadores para el desarrollo de construcciones, muebles y diversos objetos, a fin de que las creaciones combinaran funcionalidad y estética.
Pronto Bauhaus se internacionalizó y su influencia se extendió a otros ámbitos, además de la arquitectura y distintas ramas de diseño, ya que se siguió el postulado del movimiento en varias disciplinas artísticas, como la pintura, la cinematografía, la música y hasta el rock -hay un grupo inglés de rock gótico y post-punk llamado Bauhaus-.
La Staatliche Bauhaus estuvo en Weimar de 1919 a 1925, luego se mudó a Dessau, donde estuvo de 1925 a 1932 y, finalmente, tuvo su sede en Berlín de 1925 a 1934, donde tuvo que cerrar a causa de las presiones del nazismo, pues era considerada socialista y cuyos directores eran judíos.  Sin embargo, la corriente Bauhaus ya había conquistado al mundo y se había labrado un lugar en la historia.
El distinguido arquitecto Luis Barragán, quien es el único mexicano en haber obtenido el Premio Pritzker (1980), tras un un viaje a Europa, se interesó y relacionó con las ideas de la Bauhaus y Le Corbusier, mismas que desarrolló en su obra, la cual es reconocida como vital en la conformación de una identidad arquitectónica mexicana, con una visión cosmopolita  moderna.
Nora Manneck, actriz, bailarina, directora escénica y docente, es una mujer oriunda de Alemania que llegó a México hace muchos años y lo adoptó como segunda nación.  Es en México donde ha realizado la mayor parte de sus creaciones y, desde hace tiempo, tuvo el anhelo de llevar a Bauhaus al teatro.  Traía la idea en la mente y no dejaba de pensar cómo hacerlo y, mientras tanto, lo fue planeando y madurando poco a poco.  Sus múltiples ocupaciones y actividades, así como las dificultades para hacer teatro independiente y la falta de apoyos financieros provocaron que ese sueño se postergara.  Nora Manneck, luchadora por naturaleza, decidió que lo haría en el momento en que fuera factible.
Decidida a concretar su Bauhaus, Nora Manneck subió el proyecto a una plataforma donde se recibían aportaciones de cualquier persona que deseara hacerlo y también se entrevistó con personas que pudieran ser patrocinadores.  Quienes depositaron su confianza en BAUHAUS MX.19, además de los productores son:  los ángeles:  Francisco y Mariana Suárez;  los benefactores:  Dana Rodríguez,  Familia Suárez Hidalgo y familia Silos Suárez;  los donantes:  Familia Littig,  La Entrevista con un G. Alan,  Tere y Lalo Arriola,  Familia Baz Suárez,  Jorge y Danny Lara;  arquitecto Irene Gleeson  y  familia Suárez Beck;  los amigos:  Cristina Venegas Zalce,  Cristina Zúñiga Venegas,  Regina Zúñiga Venegas,  Jaime Mayora Ibarra,  Karla Zamudio Ducoing  y  Luly Cid.
Fue así como surgió BAUHAUS MX.19 justo a tiempo para conmemorar el centenario del Bauhaus.   Lo primero que hizo Nora Manneck para echar a andar el proyecto fue convocar a un grupo de jóvenes actores en la Ciudad de México para trabajar en un "taller de construcción", donde conjuntamente explorarían las ideas principales del movimiento, a fin de rescatar conceptos estéticos representativos y sus paralelismos con lo mexicano, sus colores, foras y expresiones culturales.  
Pudiera ser que, de entrada, Nora Manneck les haya explicado a los jóvenes que se trataba de un taller y que en su propuesta no tendrían que memorizar un texto.  Si alguno se sintió cómodo con esto, no tenía ni la menor idea de lo que habrían de enfrentar.  Algo así como armar un cubo Rubick en segundos,  o ser sometidos a un examen psicosométrico de alto nivel.  Esto en razón de que en lugar de parlamentos tendrían que memorizar incontables movimientos para armar figuras en tiempo récord, requiriendo para ello:  disposición absoluta para trabajar en equipo, memoria privilegiada, coordinación extraordinaria, habilidades manuales y corporales y precisión extrema.
El complejo proyecto concebido por la mente maestra de Nora Manneck se fusionó con los resultados del taller de construcción para dar a luz a BAUHAUS MX.19, un Bauhaus con mucho sabor a México, donde confluyen formas, todo tipo de figuras geométricas -líneas, cubos, rombos, triángulos, círculos, rombos y hasta corazones-, colores, expresiones culturales, luz y sonido.  En escena aparecen las clásicas figuras pertenecientes al movimiento Bauhaus, así como imágenes oníricas, lo moderno, lo antiguo, la estructura de una construcción del arquitecto Barragán y una alusión a sus Torres de Satélite, máscaras, guerreros que mientras combaten forman figuras simétricas, seres desmembrados, extremidades que toman vida propia y, por supuesto, mucha simbología que capta la esencia de México, como un guiño a lo prehispánico, una bella muñeca artesanal de cara enorme y cabello trenzado con listones, el tradicional juego de Lotería, el estigma de la matanza del 68, sin dejar de lado el significativo guante blanco, y la algarabía de romper una piñata.
El rompecabezas monumental que conforma BAUHAUS MX.19, en el que cada pieza encaja en su lugar, está respaldado por un fabuloso equipo de creadores, cada uno de los cuales hace lucir el proyecto con su talento y compromiso.  Ellos son:
Nora Manneck en idea original y dirección.
Alejandra Herrera,  Arlett Anani Rosas Acosta,  Carlos Bellato,  Carlos Zozaya,  Claudia Aragón,  Eduardo Treviño,  Emma Clauia Wega,  Luise Jaramillo  y  Pavel Nateras  en creación colectiva y como integrantes del elenco, quienes, aparte de aportar sus ideas, desempeñan un espléndido trabajo histriónico, corporal, de sincronía en equipo y de precisión absoluta.
Ramsés Díaz como asistente de dirección.
José Luis Montero es el stage manager.
Tenoch Olivares en diseño de iluminación.
Dana Rodríguez en diseño y realización de utilería, una verdadera artista que puede convertir lo que sea en cartón, incluso, los sueños.
Rubén Balderas en diseño y realización de multimedia, quien realizó un sorprendente trabajo creando y compilando imágenes que son idóneas, alusivas, consistentes y oportunas momento a momento.
Javier S. Aceves en diseño y realización de escenografía, quien optó por colocar sólo tres pantallas, mismas que propician la generación de universos sin distractor alguno. 
Alyosha Barreiro en musicalización, creando el entorno apropiado, mediante música electrónica, melodías al estilo alemán o internacional, ritmos mexicanos, voces grabadas, frases, fragmentos de discursos, estridencias y sonoridad. 
Giselle Sandiel en diseño de vestuario, entregando un espléndido trabajo de atuendos prácticos y bellos, plenos de funcionalidad, con los colores y formas requeridos, superando airosamente el reto de que varias de las prendas llevan extensiones que forman parte integrante de los elementos escénicos. 
 
Rosa González,  Ruth Hernández  y  Felipa Lara en realización de vestuario.
Juan Tenorio en diseño y realización de máscaras.
Gilda Tenorio en diseño del bello y alusivo programa de mano, mismo que incluye el Manifiesto de BAUHAUS emitido por Walter Gropius en Weimar en abril de 1919..
Odette Villarrealen registro fotográfico.
Rafael Escárcega en registro audiovisual.
Cinthia Sánchez en prensa y relaciones públicas.
Citlali Muñoz, Carlops Castro y Rodolfo Yáñez en diseño de arte digital.
Marisa Freyre en redes sociales.
Pinkso Agency en diseño y realización del logo idóneo.
Creativos para todo en publicidad en video.
José Jorge Marín es el consultor en producción.
BAUHAUS MX.19 es presentada por:  Nora Manneck  y  Enrique S. Olmos.
La producción de BAUHAUS MX.19 es de Enrique S. Olmos, en coproducción con Luis Puig Vasconcelos,  y  las productoras asociadas son:  Yaari Brancacho  y  Silvia Olmos.
Siempre es grato saber de un sueño que se hace realidad y mucho más placentero es verlo elevado a obra de arte.  BAUHAUS MX.19 es un fascinante caleidoscopio teatral en el que fluidamente van desfilando imágenes propias del Bauhaus y de nuestro amado México.  Te aseguro que no podrás apartar tu mirada del escenario.  BAUHAUS MX.19 es teatro multidimensional de bellísima estética visual, donde la creatividad, la memoria, el arte y la pericia van de la mano.  Apresúrate a comprar tus boletos porque la temporada es breve.
Con motivo del centenario del Bauhaus, los estudiantes de todo el mundo que inicien su carrera de Arquitectura en este año de 2019 son considerados la GENERACIÓN BAUHAUS.
BAUHAUS MX.19 debería ser visto por alumnos de todas las disciplinas.  Si eres maestro o diriges una institución educativa, puedes contactar a los creadores para llevar BAUHAUS MX.19 a tu institución.   Contrataciones a los teléfonos:  55.5515.1554 (oficina)  y  55.3268.3172 (celular),  vía correo electrónico:  info@quiqueolmos.com  
  
BAUHAUS MX.19  
se presenta  jueves  y  viernes  a las  19:00 horas en el
TEATRO CARLOS LAZO
de la FACULTAD DE ARQUITECTURA
dentro de las instalaciones de la
UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO -UNAM-
ubicado en Circuito Escolar sin número
Ciudad Universitaria
04510 Ciudad de México
Duración aproximada:  110 minutos
Costo de la localidad:  $200
Venta de boletos en taquilla  y  en
La temporada concluye el viernes 31 de octubre de 2019

 

 

 

HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS

 

 

Por:  Eugenia Galeano Inclán

Octubre 2019

 

 
Uno no elige dónde nacer, nosotros tenemos el privilegio de haberlo hecho en un país donde hay de todo y, por supuesto, también días y noches.  Para la mayoría de la gente el sol marca los horarios, es decir, aún sin voltear a ver un reloj, sabemos si es temprano, tarde o noche por la luz que irradia el sol.  Sin embargo, existen algunos lugares en el mundo,  como ciertas regiones de Rusia, Alaska, Canadá,  Groenlandia, Islandia, Laponia y las Islas Sbalvard donde viven seis meses con luz y los otros seis con oscuridad.  El simple hecho de pensar que quienes habitan en esos lugares no pueden ver el sol durante medio año es impactante.   En esos países nórdicos,  la vida es distinta y sus habitantes se adaptan a lo que implica vivir de día o de noche.  Su idiosincrasia es distinta de la del resto del mundo.
 
Así mismo, tienen sus propios cuentos y leyendas.  Entre éstas, una de las más populares es la que se refiere a dos criaturas malignas, los lobos gemelos llamados Sköll (Repulsión)  y  Hati (Odio), hijos de una bestia terrible llamada Fenrir, que es un lobo gigante, carnicero terrible por naturaleza que está a la espera de la  batalla final que marcará el fin del mundo y el ocaso de los dioses.  Cada uno de sus gemelos tiene un objetivo propio y terrible.  En tanto que Sköll persigue incansablemente al Sol para devorarlo,  Hati ansía devorar a la Luna.
 
Es posible que esta leyenda haya servido de inspiración al dramaturgo Gibrán R. Portela, no obstante lo cual, el autor sólo utiliza tal inspiración en cuanto a que sus protagonistas también son hermanos gemelos y como metáfora para reflejar la carencia de sol que padece una familia disfuncional.   
 
Gibrán R. Portela es un reconocido autor mexicano que divide su trayectoria entre el teatro y la cinematografía.  Ente sus varias obras de teatro, recordamos "Escocia", un proyecto muy original e interesante que se estuvo presentando bajo las perspectivas de Silvia Ortega Vetoretti  y  de Ginés Cruz , con lo cual se hizo patente el distinto enfoque que cada director escénico da a un mismo texto.   En relación con el cine, su éxito más sonado es ser el guionista de la popular película "Güeros".  En la actualidad es integrante del colectivo teatral Los Bocanegra y de Poolfiction Mesa de Escritores, que es la primera mesa de escritores en México, cuyo propósito es reivindicar el papel del guionista en el medio audiovisual.
 
El texto que Gibrán R. Portela concibió para HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS es poderoso, capta la atención absoluta del espectador y mantiene el suspenso de principio a fin.  Gibrán R. Portela define perfectamente bien la psicología de cada uno de sus personajes.  No determina la ubicación ni la temporalidad.  Sin orden cronológico, eEn forma paulatina van aflorando detalles de la vida de esta familia, en forma tal que el público se ve precisado a ir uniendo las piezas cual si fuera un rompecabezas.   HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS resultó la obra  ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido 2012.
 
Se trata de una mirada al interior del hogar de Elba y Dago, una pareja en apariencia amorosa, cuyo principal problema es la falta de dinero.  Son padres de Alberta, una niña que, según dicen, es encantadora y blanca como la nieve.  El segundo embarazo le cae mal a Elba, siente ascos, dolores insoportables, incomodidad general.  De hecho, cree que algo devora sus entrañas.  Se queja de que que esta gestación no es como la primera, ya que con Alberta ella no tenía molestias.  Dago trata de consolarla, piensa que sus malestares son normales por ser dos bebés.  Lo peor es que a Elba no sólo le quedarán secuelas físicas, sino también mentales.  
 
Durante la infancia de Leo y Ham, Elba trata de educarlos y estar a su lado, pero su mente la traiciona, tiene una obsesión y a menudo les cuenta a sus hijos que hay un lobo que "para calentarse devora el sol y lo guarda en su barriga", lo cual inquieta a los chicos, incluso, provoca pesadillas a Leo.  Si el dinero escaseaba antes, ahora la situación es apremiante, así que el padre por doblar turnos se aleja cada vez más de casa.  Muy de vez en cuando van de paseo al campo y disfrutan de buenos momentos.  Leo y Ham se llevan bien, hay complicidad entre ellos.  Leo es revoltoso e insensible.  Si lo regañan, suele echar la culpa a Ham.    Conforme crecen los niños, Elba continúa perdiendo cordura y el padre a causa del trabajo y para no lidiar con las dificultades, prolonga sus ausencias.  Todo empeora cuando Sofía, la joven más linda de la escuela, desaparece.   Dago recibe llamadas misteriosas.  En el vecindario se siente el terror y el oficial Morton es el encargado de resolver el caso. .  
 
La dirección por parte de Cristian Magaloni es extraordinaria.  Traslada fielmente el texto a escena, con toda su crudeza y suspenso.   Su trazo es firme y riguroso.  Delega en su elenco la transmisión de emotividad a través de sus habilidades histriónicas.  Las coreografías fueron diseñadas con acierto.  Dispone que el escenario tenga distintos planos y cuida con esmero que cada personaje tenga su universo propio. Establece el foco escénico justo en el proscenio.   Dimensiona la acción permitiendo que el público vea en todo momento a los demás personajes, aun cuando sus imágenes luzcan algo difuminadas, ya que para llegar al proscenio tienen que cruzar dos puertas.  El ritmo es preciso.
 
El desempeño histriónico, corporal y vocal de los participantes es formidable.  Cada uno de ellos realizó una atinada construcción de personaje, proveyéndolos de las emociones idóneas.  Ellos son:  Pilar Ixquic Mata como Elba,  Arnoldo Picazzo como Elba,  Assira Abbate como Sofía,  Roberto Beck como Leo,  Gonzalo Guzmán como Ham  y  Julio César Luna como el oficial Morton.
 
Natalia Pérez Turner engalana la puesta en escena con su música original, ejecutándola en vivo con virtuosismo.
 
Miguel Moreno tiene a su cargo el diseño de escenografía y el de iluminación.  Logra un excelente trabajo en los dos rubros, al crear el entorno ideal para enmarcar la trama.  La escenografía es a base de paneles de plástico translúcido, en tanto que en su bien distribuida iluminación prevalece la penumbra.     
 
Complementan el equipo creativo de HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS:  Assira Abbate en coordinación de vestuario;  Ángela Pastor en producción ejecutiva;  Julia Arce en asistencia de dirección;  Adriana González en prensa,  y  Ricardo Castillo en Social Media Management.
 
HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS es producida por la compañía TEATRO EN UNA CÁSCARA DE NUEZ  y  presentada por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, a través de la Dirección del Sistema de Teatros.
 
Corre a visitar el hogar de Leo y Ham porque su temporada está llegando a su fin, te encantará conocerlos porque son muy guapos.  Disfrutarás el auténtico suspenso de una historia en la que hay amor, complicidad, hastío y terror llevada a escena bajo una gran dirección, entrañables actuaciones, música de tonos siniestros y un equipo muy comprometido con su quehacer teatral.   Un montaje original y bien logrado, en el que todos y cada uno de los engranajes del concepto integral embona a la perfección.  ¡No te la pierdas!

 

 

  HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS  
se presenta  viernes  a las 29:00 horas,
sábado a las 19:00 horas  y  domingo a las 18:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-
Ciudad de México

Duración aproximada:  75 minutos

Costo de la localidad:  $157
50% de descuento a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
y miembros del INAPAM  con credencial vigente
Sujeto a disponibilidad.  Aplican restricciones

La temporada concluye el domingo 13 de octubre de 2019

 

 DOCTOR FO

 

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2019

 

Dicen que de músico, poeta y loco, todos tenemos un poco y es verdad.  En las grandes ciudades vivimos con tantas presiones que de vez en cuando creemos volvernos locos, pero siempre hay tiempo para filosofar o recordar alguna poesía, incluso, jugar con las palabras para que aflore un poema y nos relajamos escuchando música.  Así que esto forma parte de nuestra vida en el día a día.  Sin embargo, hay quienes sí pierden la cordura y, entonces, tienen que tomar terapia, o bien, de plano, internarse en un hospital psiquiátrico.

 

Lo bueno es que con sentido del humor también tomamos a broma la locura.  El dramaturgo Alejandro Cervantes aborda esta temática en DOCTOR FO.

 

Alejandro Cervantes obtuvo su licenciatura en Actuación en la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura -INBAL-. Se ha desempeñado como actor, director, productor y promotor, participando en diversos proyectos artísticos como teatro, ópera y cine independiente.  Forma parte de la Compañía Profesional de la ENAT y es director y co-fundador de la compañía Quarto Acto.  Luego de trabajar como director en varias propuestas teatrales, incursionó en la dramaturgia con "Paraíso Pirata"  y  DOCTOR FO.  

 

DOCTOR FO le ha dado satisfacciones, ya que la obra resultó exitosa cuando se presentó dentro del Marco de Grupos Emergentes EGE-ENAT 2019, al obtener los siguientes galardones:  Mejor Obra,  Mejor Dirección,  Mejor Diseño de Escenografía  y  Mejor Diseño de Vestuario, además de recibir menciones en las categorías de:  Mejor Actor  y  Mejor Actor de Soporte, dentro de dicho certamen.  Así mismo, fue seleccionada para presentarse en la Celebración del Día Mundial del Teatro en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes -CENART-, donde fue muy bien recibida.

 

Ahora, regresa para cubrir su primera temporada a nivel profesional.   Alejandro Cervantes concibió DOCTOR FO con la idea de que fuera un espectáculo teatral donde el espectador disfrutara de sucesos absurdos y al mismo tiempo se liberara de las ataduras que provocan los estereotipos impuestos por una sociedad costumbrista que se ataca a sí misma.  Lo cierto es que cumple con su cometido porque DOCTOR FO es un divertimento teatral que en tono fársico presenta a seres que de algún modo han perdido la cordura, pero nunca se sabe quién está verdaderamente loco y quien verdaderamente cuerdo.

 

El texto de Alejandro Cervantes para DOCTOR FO es muy ameno.  Capta el interés de principio a fin.  Sus personajes están bien delineados tanto psicológica como corporalmente.  Diseñó una corporalidad particular y definida para cada uno de ellos.  Así mismo, lleva a la reflexión sobre los límites que existen entre la cordura y la locura.

 

En cuanto al montaje, es consistente con lo que quería lograr con el texto.  La puesta en escena es dinámica y divertida, además, la engalana con música y canto, lo cual siempre es grato.

La anécdota de DOCTOR FO es que "un aristócrata contemporáneo lleva a su hermana a un manicomio al intuir que sufre de ataques de locura, al llegar a dicho lugar, el eminente Doctor Fo promete hasta lo imposible por encontrar la cura, pero antes de ello, tendrán que pasar por una serie de divertidos embrollos, malentendidos y absurdos métodos de sanidad para descubrir quién realmente está loco.  A fin de cuentas, bien sabemos que de locos y cuerdos el mundo se invento y ... tan locos son los unos, como los otros". 

 

La labor de dirección por parte del autor Alejandro Cervantes es impecable.  Tiene la convicción del discurso que escribió y lo traslada directo al escenario.  Su trazo es firme y vigoroso.  Imprime buen balance entre acción y palabra.  Los desplazamientos están bien planeados y ejecutados.  El ritmo es preciso.

 

Participan en el montaje:  Abraham Villafaña González,  Tony Corrales,  Luis Miguel Moreno,  Paola Malú Gerónimo,  Amelia Holguín  y  Raí Solís.  El trabajo histriónico y corporal por parte del elenco es excelente.  En mi opinión personal, donde requieren mayor cuidado o estudios adicionales es en el aspecto vocal.  Por ejemplo, en una escena hay una intervención coral bien organizada y armoniosa, pero durante dicho coro hay algunos diálogos, en el cual ciertas palabras se pierden por no ser audibles o por no entenderse. Lo mismo pasa con algunos engolamientos de voz que hacen que lo que dicen sea ininteligible.  En general, existen varias fallas de dicción.  Lo bueno es que la jovialidad y entusiasmo de actores y actrices inunda el escenario y se olvida uno de esas deficiencias.

La original y bien lograda escenografía corresponde a Ele Ochoa, quien también se hace cargo con acierto de la iluminación y el vestuario.

 

El diseño sonoro y composición musical para crear el entorno idóneo es de Aldo Estrada.

 

Complementan el equipo creativo:  Antonio Quiroz como productor asociado;  Aldo Estrada como asistente de dirección;  Ele Ochoa y Alejandro Cervantes en producción ejecutiva;  Diana Ochoa como asistente de producción, así como en maquillaje y peinado;  Andrea Sniet en diseño gráfico;  Pop Comunicaciones en difusión y prensa;  David Ospitia [Dramma Lux] en fotografía;  Verónica Hernández en grabación y edición de audio;  Ele Ochoa y Majo Miselem en realización de vestuario;  Ele Ochoa, Antonio Quiroz y Aldo Estrada en realización de escenografía.

 

La producción de DOCTOR FO es de Quarto Acto  y  es presentada por la Secretaría de Cultura, a través del Centro Cultural Helénico y Quarto Acto.

El teatro como lo ven y lo quieren presentar las nuevas generaciones.  Un relato interesante que te provocará risas y hasta carcajadas, pero que también te hará reflexionar sobre quiénes están locos y quiénes no, a la vez que cuestionas por qué no hemos podido deshacernos de estereotipos arcaicos que nos acompañan en la vida cotidiana.  Un montaje original con jóvenes impetuosos y comprometidos con el quehacer teatral.  ¡No te la pierdas!  Te anticipo que te divertirás y te distraerá de asuntos cotidianos.  Apresúrate porque quedan pocas funciones.

 

DOCTOR FO
se presenta los miércoles a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  75 minutos
Costo de la localidad:   $200
La temporada concluye el miércoles 9 de octubre de 2019

 

CARICIAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Octubre 2019
¿Cuántas caricias has dado el día de hoy?  Si respondes que dos o más, estás consciente de lo que este simple gesto transmite.  No importa si son a un ser humano o a una mascota, la energía que se intercambia es similar.  En  ciudades tan pobladas como la nuestra, las obligaciones, distancias y aficiones consumen todo nuestro tiempo, a tal grado que cuando alguien quiere vernos para charlar o tomar un café, lo pensamos dos veces porque siempre tenemos algo más importante o necesario que hacer, por lo tanto, vamos posponiendo o, de plano, nos perdemos del contacto personal.  Aún quienes viven en familia o en un hogar compartido, si llegan tarde o cansados, pocas veces se detienen a conversar o a brindar una caricia.  
Para colmo, las redes sociales nos han rebasado.  El tener decenas, cientos o miles de amigos no quiere decir que tienes compañía asegurada, pues sucede lo mismo.  La comunicación es virtual y cuando solicitamos o nos solicitan una reunión personal, lo más probable es que se decline, a causa de algún compromiso laboral, familiar, amistoso o amoroso.
El caso es que en la actualidad, en mayor o menor medida, a nuestro mundo le hacen falta CARICIAS.  Debemos tomar conciencia de que todos necesitamos de las CARICIAS.  Una caricia dada o recibida en un momento oportuno puede tener un efecto mayor que mil palabras.  Es natural que entre los seres humanos surjan diferencias de opinión o, incluso, rencillas.  ¿Qué tal si en algún pleito, en lugar de discutir, damos una caricia?  Lo más probable es que desarmáramos al adversario.  Obviamente, me refiero a gente normal, esto no aplica a seres crueles, con padecimientos de ira ni sociópatas.  Creo que valdría la pena intentar esta práctica la próxima vez durante un conflicto, igual y sucede algo mágico.
Quizás con esto en mente, el afamado dramaturgo Sergi Belbel de Barcelona, España, escribió CARICIAS.  Sergi Belbel obtuvo su licenciatura en Filología Romántica y Francesa en la Universidad Autónoma de Barcelona en 1986, pero un año antes de graduarse, ya había recibido el Premio Marqués de Bradomín por "Caleidoscopios y faros de hoy" , luego de lo cual comenzó su trayectoria, primero, fundando el Aula de Teatro de la Universidad de Barcelona y luego logrando una brillante trayectoria como dramaturgo, director y docente.  Desde 1998 es quien imparte la materia de Dramaturgia en el Instituto del Teatro de Barcelona. Ha recibido numerosos premios, reconocimientos y galardones, entre los que destaca el Premio Nacional de Literatura en la modalidad de Literatura Dramática que recibió en 1996, así como su nombramiento como Director del Teatro Nacional de Cataluña en 2005.  Es considerado como uno de los autores contemporáneos más relevantes de España.  Entre sus obras más reconocidas se encuentran "Después de la Lluvia",  "Elsa Schneider", "Tálem", "La Sangre" y varias otras.  
 
CARICIAS es una de las obras que hizo que Belbel trascendiera las fronteras de su país natal.  Según Sergi Belbel, para CARICIAS se inspiró en la obra teatral "La ronda" escrita en 1900 por Arthur Schnitzler (1862-1931), narrador y dramaturgo austriaco, cuyo trabajo se enfocaba en la muerte, la psicología y la crisis social.  En su momento, "La Ronda" fue considerada como un estudio sobre la ideología moral y de clase de esa época y sus personajes eran mostrados justo antes o después de haber tenido un encuentro amoroso.  En la versión de Belbel se plantean diversas relaciones dentro de una sociedad, ya sea en el ámbito familiar, el de trabajo o el de la amistad.  Los personajes son seres que están juntos, pero que no son afectos al contacto directo.  En sus diálogos se van revelando sus miedos, anhelos o frustraciones en diferentes etapas de sus vidas.
 
Sin lugar a dudas, CARICIAS es una de las obras más representativas de Sergi Belbel.  Su texto es de buena factura, interesante de principio a fin, su temática es vigente, ya que capta sucesos cotidianos que llevan a la reflexión, el formato en que se presentan las narrativas es original.  El éxito de taquilla que registró CARICIAS en todas sus representaciones en foros teatrales hizo que fuera designada como una de las obras más famosas de los años 90.  Así mismo, en 1997, el director catalán Ventura Pons la llevó a la pantalla grande, al realizar una versión fílmica.
 
CARICIAS es una especie de collage, ya que está conformada por once cuadros distintos.  En cada escena se ve una situación entre dos personas y se percibe cómo la viven, qué piensan y qué sienten. 
Cada integrante del elenco encarna a alguno de los personajes, es decir, estos no se intercambian.  No se trata de una sola historia, sino de varias, pero en ocasiones, éstas se entrelazan.  La sensación podría ser como si el público entrara a un edificio de departamentos y pudiera asomarse a la ventana para ver qué ocurre en la intimidad.   
 
Ahora, CARICIAS llega a México.  En el material promocional aparece la siguiente sinopsis:  "Retrato escénico de una sociedad que se descuartiza, se desangra y se transparenta frente al otro en la búsqueda desesperada de algo que, al ser tan elemental, ya no se puede reconocer: La caricia".   
 
La puesta en escena está a cargo de Gabriel Figueroa Pacheco, egresado del Colegio de Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, quien, aparte de ser creador teatral, se ha dedicado a laa producción, a la gestión, a la docencia y ha ocupado diversos cargos tanto públicos como privados.  Todo esto le ha dado una vasta experiencia en varios campos, gusta de explorar diversas formas de hacer teatro y tiene particular inclinación hacia el trabajo multidisciplinario.  Junto con la agrupación Transdisciplinaria Teatro ha realizado diversos montajes y ha explorado disciplinas como performances, arte.acción, intermedia, ambientaciones e instalaciones interactivas.  Como funcionario, también ha alcanzado logros, entre los cuales destacan:  haber sido figura importante en las operaciones escénicas del Centro de cultura Digital, Estela de Luz;  haber sido coordinador de logística para México por parte del FONCA en tres Encuentros de Artes Escénicas,  haber sido invitado por el Instituto de Cultura de la Ciudad de México para elaborar el proyecto de un centro de arte alternativo para jóvenes, el cual desembocó en la creación de la Fábrica de Artes y Oficios (El FARO).  En cuanto ha docencia, ha impartido clases en instituciones reconocidas y actualmente forma parte de la planta docente del Diplomado de Teatro Contemporáneo "Zona en construcción de poéticas habitables", organizado por la Compañía de Teatro El Ghetto. 
 
Para el montaje de CARICIAS, Gabriel Figueroa Pacheco dispone un espacio amplio casi vacío, algo similar a cubículos, cinco de cada lado y al centro el foco escénico.  Este sobrio entorno es el marco ideal para dar relevancia a la escena base de cada cuadro.  
 
La labor de dirección por parte de Gabriel Figueroa Pacheco es impecable.  Su trazo escénico es pulcro y sensitivo.  Impone un buen balance a cada cuadro y es muy acertada la forma en que va entrelazando las situaciones que ocurren en forma constante, con pausas mínimas.  Actores y actrices están presentes a lo largo de la función, ya sea como participantes del cuadro relevante, deambulando, en los cubículos laterales o colaborando en los cambios escenográficos.  Logra homologar el trabajo histriónico de su elenco, a pesar de que los estudios, trayectoria, experiencia y edad de los integrantes son distintos.  Imprime un ambiente algo cinematográfico en el desarrollo de las escenas.  Cuida la estética, incluso, maneja bien un desnudo integral masculino, haciendo que se vea natural.  Los desplazamientos están bien diseñados y son coordinados.  El ritmo es preciso.
 
En la escena inicial interviene una pareja joven, parecen llevarse bien, pero poco a poco van denotando que hay falta de comunicación y, por lo tanto, de comprensión.  En forma paulatina las cosas se van saliendo de control.  Luego, vienen las demás escenas.  Por allí se verá a una anciana que vive en un asilo y está harta de los silencios de la hija,  un indigente que disfruta de su soledad mientras busca alimentos en la basura,  algo de homosexualidad,  un niño en una bañera que quiere un auto nuevo, alguien que cuenta qué soñó, otro que se considera experto en la cocina, una madre a la que sólo le interesa sacarle dinero al hijo y varias historias más. 
 
El elenco está conformado por:  Mauro Sánchez Navarro,  Gabriela Orsen,  Luis Maya,  Adriana Olivera,  Leticia Pedrajo,  Teresa Rábago,  Manuel Domínguez,  Francisco Mena,  Jaime Estrada,  Jimena Montes de Oca  y  Anthon Morales.  Todos ofrecen un excelente trabajo histriónico, corporal y vocal, dotando a sus respectivos personajes de la emotividad adecuada. 
 
El dispositivo escénico y la iluminación son diseñados por Kay Pérez, quien opta por el realismo, acorde a las historias contemporáneas que se narran y que bien podrían ser reales.  La iluminación está bien distribuida a base de claroscuros.  Atinado el trabajo de Kay Pérez en sus dos rubros.
 
El diseño sonoro y la música original son de Ricardo Cortés, aportando la ambientación idónea.
 
El diseño de vestuario y maquillaje están a cargo de la prestigiada diseñadora mexicana Brisa Alonso, quien, como siempre entrega un trabajo extraordinario.  En esta ocasión, Brisa utiliza como colores base el negro y el vino para las prendas de casi todo el elenco, de algún modo, uniformándolos, con lo cual le da un sello característico al concepto integral.  Sin embargo, cada estilo es distinto y da particular atención a los detalles.  Las prendas femeninas que son negras llevan exquisitos adornos de cintillas elaboradas de un material parecido a la raffia en tono vino contrastante.  Las prendas masculinas también son bellas y elegantes, como por ejemplo, chalecos cruzados y accesorios llamativos.   Incluye algunas capas de singular corte.   Colaboran:  Luis Alonso en realización y texturización de vestuario,  Lourdes Valdéz  y  Martha Jiménez en confección.    
 
Complementan el equipo creativo de CARICIAS  Carolina Politti impartió el movimiento vital expresivo para actores y la supervisión de escena.  Aureliano Castillo en asistencia de dirección y supervisión de contenidos.  Francisco Mena en coreografía de pelea.  Luis Maya en coordinación de audiciones y entrevistas para la conformación del elenco.  Sandra G. Ordóñez en fotografía y diseño gráfico para publicidad.  Corina Rojas / Pop Comunicación en difusión y prensa.  Christian Núñez, Alejandro Vázquez,  Luis Palacios,  Sergio Hernández y Mauricio Martagón en realización de escenografía.  Montajes Artísticos y Construcciones Escenográficas, MACE en mobiliario.  Javier Rodríguez en pintura escénica.  Valentín González en atrezzo de tina.  Héctor Cortés en transcripción, guitarra y bajo.  Vania Fortuna en voz.  Roberto Rivadeneyra en violín.  Startrack Estudio en grabación.  Viridiana Tovar Durón en producción ejecutiva.  Misael Garrido en logística de transporte.  La Luquita en servicio de mudanza.  Camila Macías,  Luis Salgado e Ilse Aguilar en asistencia en general.
 
CARICIAS es un proyecto apoyado por el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA.
 
Una serie de relatos sobre la falta de CARICIAS a causa del ensimismamiento y la violencia que se viven hoy en día.  En esta obra se conjuntan sucesos muy diversos que como denominador común están marcados por no poner la suficiente atención a lo que piensa y necesita el prójimo, sobre todo, si se trata de un ser querido.  Entérate del íntimo sentir de cada personaje.  Un montaje original realizado por un equipo comprometido con el quehacer teatral.  ¡No te la pierdas!  Recuerda que las temporadas son breves y la de CARICIAS está en su recta final.
CARICIAS 
se presenta jueves  y  viernes a las 20:00 horas,
sábados a las 19:00 horas  y  domingos a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL GALEÓN ABRAHAM OCERANSKY
dentro del Centro Cultural del Bosque
ubicado en Campo Marte s/n - Avenida Paseo de la Reforma
> atrás del Auditorio Nacional
Ciudad de México
Duración aproximada:  120 minutos
Clasificación:  A partir de 16 años
El costo del boleto es de $150
Descuento del 50% a estudiantes, maestros e INAPAM
para personas con credencial vigente
Gente de Teatro:  $45
Jueves de Teatro:  $45
La temporada concluye el domingo 6 de octubre de 2019
EMPUJE PARA ESCUCHARME
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2019
Todos nosotros, por lo menos, en una ocasión, nos hemos preguntado ¿Qué hago aquí?  En general, sabemos en qué lugar estamos, pero, de vez en cuando, podemos desorientarnos.  Por ejemplo, durante los viajes es normal confundirse un poco, las largas horas que nos toma transportarnos nos confunden .  Si a eso agregamos despertar en una cama que no es la nuestra, tardaremos algunos segundos en dilucidar qué hicimos antes de acostarnos y por qué estamos en otro lado.   Así mismo, este fenómeno se presenta cuando ya no nos satisface lo que hacemos o queremos dejar de estar con quien vivimos, en aquellos momentos en que algo nos hace falta o requerimos un cambio inminente.
Gabriela Rosero, originaria de Ecuador, es una destacada artista escénica con formación profesional en danza clásica que se ha especializado en danza contemporánea.  Se desempeña como coreógrafa, bailarina, docente y tallerista.  Cuenta con una trayectoria de más de 15 años, durante los cuales, ha sido integrante de la Compañía del Ballet Nacional de Ecuador y de la Compañía Nacional de Danza de Ecuador, dos de las instituciones más importantes de su país natal.  Como intérprete o coreógrafa, ha participado en más de 60 creaciones y residencias artísticas en diversos países, como Ecuador, Venezuela, República Dominicana, Chile, Francia, España, Portugal, China y, desde luego, México.   Sus trabajos la han hecho acreedora de numerosos premios, galardones y reconocimientos.  
Actualmente tiene fincada su residencia en México, donde en 2015 fundó la Compañía MOVIENTE - Arte. Ciencia. Escena. Sociedad / Ecuador – México.  
Quienes vamos al teatro en Ciudad de México, recordamos su destacada participación en "Do not Disturb", creación de Jessica Sandoval, que cubrió varias temporadas en Un Teatro, Alternativa Escénica.  Luego de lo cual, Gabriela Rosero desplegó sus alas para volar por sí misma y en el mismo foro presentó el espectáculo unipersonal π ES, el cual tuvo gran éxito de audiencia.  A través de π ES, pudimos ver que la línea de Gabriela es la improvisación y que gusta de combinar distintas disciplinas.  Su expresión personal se enfoca en la exploración del cuerpo y las infinitas posibilidades que éste ofrece.  
En π ES la anécdota principal era representar los caminos que recorren nuestros pies a lo largo de una vida.  Ahora, Gabriela Rosero presenta su nueva propuesta que es EMPUJE PARA ESCUCHARME, mediante la cual asocia el cuerpo a los sonidos.  Durante el desarrollo del espectáculo, 
Al entrar a la sala, el público ve a la bella artista en el centro del escenario cubierta por un tupido racimo de globos en color violeta.  Se escuchan vibraciones similares a las que producen los cuencos metálicas , lo que hace que quien asiste se sienta dentro de un entorno pleno de paz.   Ella está aprisionada, apenas se le alcanzan a ver el rostro, parte del torso y los pies.  Una vez que dan la tercera llamada, comienza la acción.  Gabriela trata de liberarse y empuja airadamente mientras va reventando los globos uno a uno hasta despojarse de estos, tras lo cual, da un discurso en torno a los instrumentos musicales de fricción, nos ilustra sobre los sonidos que emiten y el modo en que estos se producen para que sean diversos.  "En ciertos casos el tono de las lengüetas puede variar si se sopla o aspira el aire de una manera especial.  Cada lengüeta tiene un tono individual y el sonido depende del tamaño de las lengüetas".  Repite las instrucciones en varias ocasiones, a fin de que la comprensión sea correcta.   Luego de esto, como es su costumbre, Gabriela se enfrasca en una danza con base en improvisación, en la que incorpora variadas disciplinas dancísticas.  Igual gatea que corre, se arrastra, se flexiona, se estira y mucho más en una vertiginosa dinámica que va de lo rudo a lo delicado.  Deleita a los asistentes con una melodía tocada en armónica.  Por último, llega la reflexión tras escucharse y se pregunta "¿Qué hago aquí?", también interactúa con algunos espectadores, cuestionándoles de frente "¿Qué haces tú aquí?".
El equipo creativo de es EMPUJE PARA ESCUCHARME está conformado por:   Gabriela Rosero en idea original, creación e interpretación.  Leticia Olvera en diseño de iluminación.  Agencia Lado A en difusión.  
En el programa de mano los agradecimientos son para:  Alberto Estrella,  Víctor Carpinteiro  y  Alicia Garzón.
La producción es de  Compañía MOVIENTE (Ecuador - México).
 
EMPUJE PARA ESCUCHARME es una propuesta original que combina los sonidos con el cuerpo humano, a modo de tratar de comprender el significado de cada uno de los sonidos y las vibraciones que emitimos, a fin de estar en posibilidad de entablar una conversación con nuestro yo interno, para en forma metafórica una voz nos diga lo que necesitamos o lo que realmente anhelamos.   Una bella improvisación dancística en la que una hermosa y enigmática mujer nos lleva de la mano a recorrer esta aventura.
EMPUJE PARA ESCUCHARME se presentó únicamente en dos funciones especiales los días 7 y 8 de septiembre de 2019 en el FORO 8 X 8, ubicado en Colima número 184 - Tercer Piso, colonia Roma, Ciudad de México, pero confiamos en que pronto cubra una temporada completa, así que habrá que estar al pendiente de la Cartelera.
AMOR OSCURO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2019
El rey Fernando II de Aragón e Isabel I de Castilla eran devotos practicantes del catolicismo, tanto así que fueron popularmente conocidos como los Reyes Católicos.  Durante su reinado, una de sus preocupaciones era que todos sus súbditos en España también profesaran esa religión, así que tomaron diversas medidas para lograr que imperara la ortodoxia católica en sus reinos.  Una de estas acciones fue la fundación en 1478 del Tribunal del Santo Oficio o  la Santa Inquisición, cuyo propósito primordial era combatir la herejía (entendiéndose por esto todo aquello que no acatara, se alejara o negara los dogmas instituidos por la iglesia católica, apostólica y romana), aunque también podían ser acusados quienes practicaran religiones o cultos distintos, la homosexualidad.o la brujería, así como quienes blasfemaran o tuvieran lecturas prohibidas.
Lo paradójico es que los tribunales están supuestos a impartir justicia, pero la Santa Inquisición era una institución que atropellaba el libre albedrío y los derechos humanos.  Los acusados eran sometidos a crueles torturas para luego ser sentenciados a muerte.  Una vez que alguien era llevado ante el tribunal, no había vuelta atrás, se carecía de argumentos de defensa y la ejecución era inminente.  Esto sembró el terror entre los ciudadanos y quienes habían incurrido en alguna falta se veían precisados a ocultarla o disfrazarla, a fin de que nadie se enterara. 
Es en esos tiempos donde el dramaturgo judío-mexicano Isaac Slomianski ubica el relato que escribió bajo el título de AMOR OSCURO, "una historia de amor prohibido en la Inquisición".   La trama es en torno a un triángulo amoroso.  Doña Inés de Manríquez, hermana de don Alfonso Manríquez, el Gran Inquisidor, es una mujer intachable que funge como mayordoma en un orfanato de mujeres adolescentes, donde ha formado un coro femenino.  A doña Inés le agrada su trabaja y lo hace con dedicación y empeño.  De pronto, se da cuenta de que siente una fuerte atracción hacia María, una de sus pupilas, y su mundo se tambalea.  María de Talavera es una jovencita agraciada, precoz y pizpireta, se da cuenta de los sentimientos de doña Inés y está halagada.  Por su parte, don Rodrigo de Mendoza, escribano de la Inquisición, está perdidamente enamorado de doña Inés y dispuesto a conquistarla.
El estructurado texto de Isaac Slomianski es una narrativa donde los extremos se unen, abundan las dualidades que se contraponen y al mismo tiempo se reflejan, como algo cíclico.  Así como aquello que hemos escuchado de que el amor está a un paso del odio.  En AMOR OSCURO todo es cóncavo y convexo, hay verdad y mentira, luz y oscuridad, amor y odio, atracción y repudio, lo permitido y lo prohibido, serenidad e ira, encubrimiento y sinceridad, candor y maldad.  En este universo de pasiones habitan los personajes, individuos que para no ser llevados ante la Inquisición harán lo que sea, incluso, aprender "el idioma de caballos".  Desde luego, atrapa el interés del espectador de principio a fin.
Desde que el público entra a la sala, percibirá lo dual, toda vez que por el título de AMOR OSCURO y sabiendo que ocurre en tiempos de la Inquisición, lo más lógico es pensar que el entorno será antiguo y un tanto lóbrego, cuando en realidad lo que se ve es un escenario completamente vacío con una plataforma de estructura ultra modernista en blanco refulgente .
La dirección escénica está a cargo de Víctor Weinstock, quien se encuentra en plena madurez artística.  Ha sabido capitalizar la experiencia adquirida en diversos campos y esto le permite imprimir una identidad propia, como la que ofreció en fechas recientes en su espectacular montaje de "Viena 19: la sangre" sobre el asesinato de León Trotsky, donde desplegó sus habilidades en cuanto a montajes interdisciplinarios.
La labor de dirección por parte de Víctor Weinstock en AMOR OSCURO es extraordinaria.  Su trazo escénico es firme y riguroso.  Confía en la capacidad histriónica de su elenco para que el potente  texto sea trasladado a escena con eficacia.  Con acierto dispone que el escenario este vacío y prescinde de mobiliario escenográfico, con lo cual imprime una pureza pocas veces vista.  Sin elementos escénicos, permite que la estafeta de marcar la época recaiga en el vestuario.  Impone una original coreografía para cada uno de los personajes, incluso, acude al ingenio para ciertos graciosos deslizamientos de la más joven.  Utiliza el multimedia para dimensionar espacios y ampliar lo que se ve en escena, mediante imágenes, algunas de las cuales son sugerentes.  Vigila la estética en todo momento.  Buen balance y ritmo preciso.  Noel Díaz colabora con Víctor Weinstock como asistente de dirección. 
La labor histriónica, corporal y vocal por parte del elenco es verdaderamente sobresaliente.  Ana Karina Guevara y Sonia Franco alternan funciones para encarnar a doña Inés.  Me tocó ver a Sonia Franco, quien dota al personaje de gran emotividad y, desde luego, de su grata presencia escénica, pero estoy segura de que Ana Karina Guevara también ha de estar maravillosa.  Gastón Yanes da vida a don Rodrigo de Mendoza y lo hace con destreza, es probable, que ésta sea la mejor interpretación que ha realizado en su amplia trayectoria.  Fernanda Albarrán imprime en María de Talavera gracia, dulzura y picardía.  El niño interior es Axel Shuarma.
El diseño de escenografía e iluminación es de Patricia Gutiérrez Arriaga, quien ofrece un trabajo original y radiante.
El diseño de vestuario y maquillaje están a cargo de Brisa Alonso, una de las mejores diseñadoras mexicanas, quien como de costumbre, realiza un trabajo magistral.  Con la responsabilidad de que sea la vestimenta la que ubique el relato en los tiempos de la Inquisición, Brisa Alonso ha de haber llevado a cabo una exhaustiva investigación para conocer las tendencias de la época, a partir de la cual Brisa traslada la suntuosidad de la moda de aquel entonces a las prendas que diseña con exquisitez, con el respaldo de la espléndida texturización que aporta Luis Alonso y la labor de su comprometido equipo de artesanos.  Tanto los atuendos masculinos como las femeninos son de fina confección, telas vaporosas o resistentes de excelente caída, de gran belleza y estética.  La combinación de colores es algo atrevida, pero esplendorosa.  Hay prendas de gala y otras casuales.  Se verán encajes, brocados, repujados, transparencias, sobrepuestos, accesorios y mucho más.  El primer vestido que porta doña Inés es una auténtica ensoñación.  Además, el escenario prístino es el marco idóneo para que el público pueda apreciar en su justa medida los detalles de cada prenda.
El diseño de video escenográfico es de Daniel Primo, quien utiliza el videomapeo o videomapping y composiciones electrónicas, así como imágenes filmadas de los integrantes del elenco, o tan solo piel humana, las cuales son proyectadas en parte del lienzo que conforma la estructura escénica.
La música en vivo es siempre un privilegio para cualquier montaje.  El diseño musical está a cargo de Natalia Pérez, quien provee el entorno adecuado para todas las emociones que confluyen en escena.  La música es ejecutada a un lado del escenario ya sea por la propia Natalia Pérez o por Ina Velazco.
 
La producción de AMOR OSCURO es de SEMPITERNO THEATRUM.  Se trata de un producción realizada con el estímulo fiscal del Artículo 190 de la LISR (EFIARTES-EFITEATRO)..
 
Por fortuna, ya no existe la Santa Inquisición que aterrorizaba a todos porque podrían ser acusados de actos demoníacos sólo por amar a personas de su mismo sexo o por profesar la religión con la que nacieron o eligieron, pero el teatro puede trasladarte a aquella época sin que afrontes peligro alguno.  Así que anímate a conocer un  AMOR OSCURO que surgió espontáneamente y, de paso, te enteras de varios secretos.  Una producción plena de estética que conjunta la magia teatral y el arte.   Un montaje de alta calidad, interesante texto, formidable dirección, actuaciones memorables, bella música y asombroso vestuario.  Quedan pocas funciones, por lo que debes acudir lo más pronto que puedas.  

 

LOS FRAGMENTOS DE MARY  2.0
Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2019
 
 
Como todos sabemos, una de las mayores aspiraciones de los científicos es crear vida.  Gracias a los avances en la ciencia y en la medicina, se han desarrollado diversas técnicas para la creación de vida fuera del útero y según lo publicado, ya existen algunos bebés concebidos in vitro, pero para esto continúan siendo indispensables el óvulo de la madre y el esperma del padre.  La creación de vida mediante elementos artificiales no se ha podido concretar.  Tal vez por ello, hace dos siglos, Mary Shelley, mujer visionaria y vanguardista, causó conmoción al crear vida en forma literaria.
 
Mary Wollstonecraft Shelley, mejor conocida como Mary Shelley, nació en Londres, Inglaterra en agosto de 1797 y falleció en febrero de 1861.  Mary Shelley se desempeñó como narradora, dramaturga, ensayista, filósofa y biógrafa.  Alcanzó la fama en 1818 por el éxito que tuvo su novela "Frankenstein o el moderno Prometeo", clasificada por muchos como gótica, en la cual se narra la historia del joven doctor Víctor Frankenstein que, en su afán de vencer el mayor reto del mundo científico, logra dar vida a un ser que él mismo construye poco a poco con trozos de cadáveres que conseguía profanando tumbas. El doctor va cosiendo con hilo y aguja cada pieza hasta formar un cuerpo humano completo, luego a través de sus experimentos, cumple su objetivo y cuando finalmente el monstruo cobra vida, éste se sabe distinto por su macabro aspecto y se siente muy solo.  Culpa de sus males a su creador y termina odiándolo, así que hará todo lo posible para destruirlo.  A través de su fascinante relato, Mary Shelley hizo que se alcanzara la utopía científica, pero, al mismo tiempo, tuvo la precaución de advertir al mundo que ir contra natura podría tener trágicas consecuencias.
 
Víctor Frankenstein, el protagonista de la novela escrita por Mary Shelley se convirtió en un mito universal.  La historia trascendió fronteras y tiempo.  Numerosos autores se han inspirado en él para escribir textos que se han publicado, llevado a escena o a la pantalla, incluso, se han hecho caricaturas y dibujos, así como juguetes a su semejanza o alusivos a éste.
 
A finales del año pasado Roberto Eslava consideró pertinente celebrar el espíritu creador de Mary Shelley en conmemoración de los 200 años del surgimiento de Víctor Frankenstein y, para ello, realizó el montaje teatral  "Los Fragmentos de Mary - Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein", el cual tuvo gran éxito de audiencia.  En el corazón de Roberto Eslava conviven el teatro y la música, si en sus anteriores producciones ha habido una sonata y una cantata, no es de extrañar que haya denominado a la obra para honrar a Mary Shelley como un improntu, forma musical propia del romanticismo, donde la improvisación nos recuerda el carácter efímero y volátil de las pesadillas, lo cual trasladado a escena alude a lo metateatral y propicia la comunicación directa entre elenco y público.
 
Roberto Eslava es un creador teatral que fundó Traslapo Teatro, cuyo objetivo es encontrar nuevos lenguajes artísticos provenientes de la fusión de varias disciplinas.  Desde su fundación, Roberto Eslava es quien dirige Traslapo Teatro.  Sus montajes son producto de laboratorios de creación colectiva donde cada participante aporta sus ideas y sugerencias, mismas que son evaluadas y desarrolladas.  Una vez aprobadas, Roberto Eslava procede a estructurarlas y a partir de éstas concibe la dramaturgia.  Entre sus obras más destacadas recordamos:  "Spectrum" -ofrenda teatral basada en “Sonata de los Espectros” de August Strindberg,  "La Rueda Gira" -ofrenda teatral basada en “Sueño” de August Strindberg-, "Espejos" -pieza basada en el filme “Persona” de Ingmar Bergman-,  "Laberintos",  "¡Mañana maldecirán mi nombre!",  "La gravedad del silencio",  "El sueño de la oscuridad",  "No soy lo que soy" -cantata parateatral sobre la envidia- y, desde luego, "Los Fragmentos de Mary - Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein".  Varias de las obras de Traslapo Teatro se han presentado tanto en la Ciudad de México, como en festivales nacionales e internacionales.  
 
Con el transcurso del tiempo, Roberto Eslava sintió que en "Los Fragmentos de Mary - Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein" le había quedado algo en el tintero, es decir, que le hubiera gustado ahondar en el tema, por lo que, como autor, procedió a realizar una revisión de su texto y agregar algunos detalles.  Es así como surge la segunda versión de esta obra, bajo el título de LOS FRAGMENTOS DE MARY 2.0 - Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein.
 
El propósito de la nueva versión continúa siendo el mismo que en la versión original de la propuesta de Roberto Eslava y su equipo, o sea, escudriñar los pensamientos que la destacada escritora británica pudiera haber tenido al momento de escribir su famosa novela, en tal forma que el espectador perciba una metáfora de la propia Mary Shelley en una época en que las mujeres eran subvaloradas y se presumía que no contaban con la capacidad suficiente para la creación artística ni científica.  Para este acercamiento, se deconstruye el mito de Frankenstein creado por Mary Shelley, a fin de reconstruir al protagonista como a un hombre confundido que no sabe si es creador o creación, pero que no desiste de llevar a cabo sus experimentos, ahora intenta dar vida a figuras femeninas -las tres Mary- que podrían ser reflejo de la autora o las musas que la inspiraron.  Las tres bellas jóvenes abordan temáticas como la identidad, la exclusión, la rebeldía, el temor a lo desconocido, el sentirse atrapadas dentro de un cuerpo que no les corresponde o la aspiración a ser amadas, mientras Víctor y su monstruo andan rondando por allí. 
 
Como es costumbre en Traslapo Teatro, el montaje de LOS FRAGMENTOS DE MARY 2.0 - Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein es una propuesta interdisciplinaria que combina actuación, corporalidad, canto y música. 
 
La acción comienza afuera del teatro cuando un actor da la bienvenida al público y lee una carta escrita por Mary Shelley, para luego transformarse en Frankenstein ante los ojos del espectador, tras lo cual se da ingreso al laboratorio, donde tres figuras femeninas cobran vida para dialogar con Frankenstein y con el público.  
 
Ya fuera del laboratorio, se abren las puertas de la imaginación el espectador, cuando una de las Mary dice con convicción:  "Yo soy única, no hay nadie igual a mí.  Alguien que camine como yo, se vea como yo piense, sienta e imagine como yo" y comienza la aventura. Las Mary se irán alternando en escena y se les puede ver individualmente o en grupo, Frankenstein encontrará un reflejo de sí mismo y el monstruo estará acechando.   
 
La puesta en escena es original, algo macabra, pero pleno de magia y estética.  La dramaturgia de Roberto Eslava capta la atención absoluta del espectador de principio a fin.  El concepto de la monstruosidad es analizado a fondo, a fin de ir develando paulatinamente sus misterios y significados.
 
La labor de dirección por parte de Roberto Eslava es impecable.  Su trazo escénico es pulcro.  Cuida hasta el más mínimo detalle.  La acción es constante, existe buen balance entre diálogos, coreografías, canto, sonoridad e iluminación.  La corporalidad de todo el elenco es sorprendente.  El espacio se dimensiona para crear distintos escenarios. El ritmo muy preciso.  Jonathan Caudillo colabora con Roberto en asistencia de dirección y también se hace cargo del entrenamiento actoral.
 
En esta segunda versión, el elenco está conformado por:  Anna Cristina Ross (Mary 1),  Danya Torres (Mary 2),  Genny Galeano (Mary 3),  Jorge Chávez (Víctor Frankenstein),  Jonathan Caudillo (el Monstruo),  y  Óscar Galoz (el espejo de Víctor).  Cada uno ofrece un estupendo trabajo histriónico, corporal, expresivo, vocal y de caracterización.  Las tres bellas Mary iluminan con su grata presencia escénica, melódicas voces y excelente dicción.  El entorno idóneo es provisto por Óscar Galoz al ejecutar en vivo su música original.
 
El diseño de iluminación y vestuario es de Aarón Mariscales.  Bien distribuida la iluminación a base de claroscuros y muy atinado el vestuario, combinando lo sobrio con lo clásico al estilo del romanticismo y utilizando como base los colores negro y blanco. Igual de acertado el diseño de maquillaje por parte de Diana Muñoz, emulando piel fragmentada.
 
La producción es de Cuauhtémoc Eslava  y  Traslapo Teatro.
 
El diseño gráfico y de imagen es de Cynthia Herrera.
 
Si viste la primera versión, te puedo asegurar que la nueva te gustará más.  Si no la viste, ¿qué estás esperando?, corre a ver LOS FRAGMENTOS DE MARY 2.0 - Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein, pues se trata de una experiencia inmersiva que te permite adentrarte a un universo alucinante que te depara sorpresas a cada momento.  Disfruta de un montaje original bien diseñado y llevado a buen puerto por un equipo de jóvenes comprometidos con su labor teatral.  Dado que la temporada está por finalizar, toma en cuanta que quedan pocas funciones, así que apresúrate a comprar tus boletos.  ¡No te la pierdas!
 
LOS FRAGMENTOS DE MARY 2.0
Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein  
se presenta los lunes a las 20:00 horas en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  70 minutos
 
El costo de la localidad es de $200
Descuentos en taquilla para estudiantes, maestros, INAPAM, vecinos de Coyoacán, Iztapalapa y Benito Juárez
 
La temporada concluye el lunes 30 de septiembre de 2019

 

NOVO
UN CLOSET DE CRISTAL CORTADO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2019
Gerardo González ha dedicado gran parte de su vida a la actuación.  Debutó en 1980 en el musical "Godspell" en el teatro Polyforum y desde entonces ha trabajado sin interrupción alguna.  Fue contratado para dar vida a Porkirio en ¡¡Cachún Cachún ra ra!!, una de las series más populares de la televisión mexicana, lo cual le dio fama, al igual que a sus compañeros.  Después volvió al teatro, primero, en una obra basada en la citada serie y luego en muchas obras más.  Ha participado en los musicales más relevantes de México, como "El show de terror de Rocky", "¡Qué plantón!", "El Mago", "El Diluvio que viene", entre las 45 obras teatrales que tiene en su haber.  En televisión ha interpretado a numerosos personajes para telenovelas, programas y series, asimismo, ha actuado en varias películas.  
A punto de cumplir 40 años de trayectoria artística, se propuso celebrarlo no con una fiesta sino en un escenario.  Para que el festejo del acontecimiento fuera memorable, elegiría algo distinto a lo que hasta ahora había realizado, tras pensarlo detenidamente, decidió trabajar en un monólogo por ser una experiencia nueva para él.  Qué tema se abordaría en dicho monólogo era igual de importante.  Lo cierto es que no pudo haber hecho una mejor selección.  La gala se duplicó, sería la celebración de la trayectoria de Gerardo y la conmemoración del 115 aniversario del nacimiento de Salvador Novo.  Es así como surge  NOVO EN UN CLOSET DE CRISTAL CORTADO de la autoría de Alejandro Román.
Salvador Novo (1904-1974) es una de las celebridades más relevantes que ha tenido México.  Nacido en sábanas de seda, desde pequeño mostró una inteligencia superior, su avidez por la lectura era producto de su amor a las letras.  Era guapo, elegante, sofisticado, caprichoso y provocador.  Tanto en su prosa como en su vida cotidiana manejaba con maestría tanto la picardía como la ironía.  Lejos de ocultar su homosexualidad, se sentía orgulloso -quizá por eso lo del "Closet de cristal cortado"- en una época en que prevalecía el machismo.  Fue figura imprescindible en la cultura, la literatura, el arte, la política y en el ámbito social del país.  Se desempeñó como poeta, ensayista, dramaturgo, historiador y cronista.  
Además de escribir varias obras de teatro y guiones de películas, fue Salvador Novo el que mandó construir el Teatro La Capilla, uno de los teatros más antiguos y con mayor tradición de México que aún continúa funcionando.  Cuentan que donde hoy está "El Vicio", el propio Salvador Novo preparaba la sopa "María Candelaria" a Frida Kahlo, cada vez que ella lo visitaba.
Es reconocido como uno de los intelectuales más influyentes que ha tenido el país y como el mejor cronista de México.  Sin lugar a dudas, un ser importante en la historia de México, cuya existencia siempre es oportuno revisitar.
El texto de Alejandro Román para NOVO EN UN CLOSET DE CRISTAL CORTADO es brillante, bien estructurado y mucho muy interesante.  Con su acostumbrada sensibilidad, Alejandro Román supo plasmar la esencia de Salvador Novo.  Las referencias y alusiones a obras, hechos y palabras de Novo denotan una exhaustiva investigación por parte del autor.  Alejandro Román crea una ficción que bien pudiera ser una realidad.  Ubica a Salvador Novo en un hospital durante sus últimos días de vida.  Se da cuenta de que ya no hay futuro, lo que le queda es voltear hacia atrás -a riesgo de convertirse en "estatua de sal"- y hacer una revisión de sus vivencias.   Como el buen gourmet que era, elige los fragmentos que quiere recordar cual si fueran platillos en la carta del Menú de su vida.
El público no verá a Salvador Novo postrado en su lecho de muerte, sino como el grandioso ser que fue haciendo un recuento de los momentos que a él le parecen dignos de recordar.  Su avasalladora personalidad está presente en todo momento.  Se trata de una conversación consigo mismo, donde no hay motivo para mentir.  Se encuentra en una "cámara de crueles reflejos" y sabe bien que lo que dice es "desde la verdad de que el fin se acerca" , pero no por ello dejará de usar sus sortijas.   Sus memorias van hasta su infancia, cuando su madre le acomodaba sus "bucles dorados", su primer día escolar en el kindergarden, la precoz adolescencia que vivió y el gran amor que sintió en "aquella Costanera del Río de la Plata" mientras le cantaban "La Adelita".   Todo esto y más compartirá Novo contigo a través de su plática.
La labor de dirección por parte de Guillermo Navarro es impecable.  Con acierto traslada el texto de Alejandro Román a escena.  Su trazo escénico es pulcro y definido.  Buen balance entre parlamentos y pausas.  Da lucimiento tanto a Salvador Novo como a su actor en el escenario.  El ritmo es preciso.
Gerardo González ofrece al público un loable trabajo histriónico, corporal y vocal.  Cabe destacar que Gerardo realizó una excelente construcción de su personaje.
Acompañan a Gerardo González en escena Homero Guerrero o Carlos Estrada (alternando funciones) en breves interacciones, así como algún invitado especial que lee algo sobre Novo.
Miguel Moreno Mati en su diseño de escenografía opta por un escenario casi vacío con un pedestal al centro, con lo cual marca la relevancia del personaje.  
Gabriel Ancira diseña un vestuario distinguido, coordinado y atinada combinación de colores.
Complementan el equipo creativo de NOVO EN UN CLOSET DE CRISTAL CORTADO:  Alejandra Reyes es asistente de dirección;  Aníbal Garzón es asistente de producción;  Pilar Boliver en asesoría de imagen; Enrique Medina en la acertada iluminación;  Yoatzin Balbuena en el idóneo video mapping;  Homero Guerrero en música;  Ricardo Castillo en redes sociales;  Jonathan Persan en diseño gráfico,  y  Felipe Rodríguez en construcción.
La producción de NOVO EN UN CLOSET DE CRISTAL CORTADO es de Ana Kupfer  y  Leonor Garzón.
Quedas cordialmente invitado a la doble celebración de dos eventos: A través de un texto que captará tu atención, te irás enterando de detalles que no conocías de la vida de Salvador Novo en un montaje refulgente, diestra dirección y entrañable actuación por parte de Gerardo González, reconocido actor mexicano.  Sólo que tienes que apresurarte porque su temporada actual está por concluir.  ¡No te la pierdas!   
 
NOVO EN UN CLOSET DE CRISTAL CORTADO
se presenta los miércoles a las 20:00 horas en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México 
 
Duración aproximada:  80 minutos
 
El costo de la localidad es de $250
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes e INAPAM,
así como para vecinos de  Coyoacán,  Iztapalapa  y  Benito Juárez
 
Clasificación:  Adolescentes y  adultos
 
La temporada concluye el miércoles 25 de septiembre de 2019
BLACKBIRD
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2019
A la mayoría de las personas los niños les inspiran ternura, ver sus ojos llenos de inocencia es conmovedor.  Sin embargo, no es así para toda la gente.  Los niños no deseados o no amados están a merced de padres, familiares o tutores que los maltratan, golpean y/o explotan, lo cual les deja cicatrices en el alma. 
A quien sea le puede ocurrir un accidente, ser víctima de un asalto o de un desastre natural, pero los chicos, por su fragilidad, están expuestos a un sinnúmero de peligros.  Por un lado están los delitos por parte de extraños, como secuestros, compraventa de infantes, comercio de órganos, narcomenudeo (con drogas que ponen en caramelos para atraer nuevos clientes), así como otros ilícitos igual de reprobables.  También pueden ser objeto de abuso infantil, sea por manoseos, violaciones o la muy temida pederastia que cometen seres perturbados en busca de menores para saciar sus más bajos instintos.  Por otro lado, están todos aquellos daños que podrían infligirse a sí mismos, dado que no miden el peligro.  Por ejemplo, un pequeño que juega a ser superhéroe y, bajo la creencia de que si se lanza volará, irremediablemente caerá al vacío.  Igual en el caso de hacer cosas a destiempo.  Un niño no debe correr si apenas aprendió a caminar, ni tampoco debe actuar como adolescente o adulto, debido a que no tienen la suficiente madurez física, mental ni emocional para hacerlo.   En estos supuestos, las lesiones físicas tardarán un mayor o menor plazo en sanar, pero los traumas psicológicos pudieran llegar a ser permanentes. 
Por supuesto, no se trata de vivir aterrados, sino de tomar conciencia para poder advertir a los pequeños de los peligros que enfrentan, a fin de prevenirlos y se cuiden.   Con amor y confianza podrá lograrse un equipo que en conjunto disminuya los riesgos.  Aparte, cualquiera de las temáticas mencionadas podría servir de base a autores que gustan de explorar hechos que dejan huella indeleble en piel y mente.
El dramaturgo escocés David Harrower, nacido en 1966, quien reside en Glasgow, Escocia, Reino Unido, se dio a conocer en 1995 por el sonoro éxito que obtuvo su obra "Cuchillos en Gallinas" (Knives in Hens), cuyo tema era un triángulo amoroso en un entorno rural en el que la mujer terminaba preguntándose qué es lo que realmente quería de la vida.  A partir de entonces, la gente ha aclamado cada una de sus obras subsiguientes, toda vez que se ha caracterizado por su fina pluma y por abordar problemáticas inherentes a la naturaleza humana en forma directa e inteligente.
Una de sus obras más afamadas es BLACKBIRD (MIRLO), la cual escribió en 2005, bajo la producción del Festival Internacional de Edimburgo, para luego ser representada en febrero de 2006 en el Teatro Albery situado en el West End de Londres, Inglaterra.  En abril de 2008 BLACKBIRD resurgió y estuvo en temporada en el Teatro Rose, en Kingston, ubicado al lado del Támesis, en Londres, Inglaterra, para después cubrir una gira por varias ciudades del Reino Unido.  En 2011 BLACKBIRD fue llevada a escena bajo la producción de Rogue Machine, representándose en Los Angeles, California, E.U.A., en donde fue la ganadora del Premio del Círculo de Críticos de Drama de Los Angeles tanto por el mejor libreto, como por la mejor actuación masculina.   Ahora, por fin, llega a nuestro país.
Es posible que para el título de BLACKBIRD David Harrower se haya inspirado en la melodía homónima de Los Beatles, misma que no fue tan popular como otros de sus temas, pero en sus estrofas dice:  "Vuela mirlo, vuela, en la luz de una noche oscura y negra.  Mirlo que cantas en el silencio de la noche, despliega esas alas rotas y aprende a volar", y esto podría asemejar el sentir íntimo de los dos personajes creados por Harrower para su BLACKBIRD.  El texto de David Harrower es de excelente factura.  A pesar de ser un tema escabroso y difícil de tratar, él opta por poner todas las cartas sobre la mesa sin criticas ni prejuicios para que sea el espectador quien haga sus propias conclusiones.  Esto capta la atención absoluta del público de principio a fin.
Se trata del reencuentro de Ray y Uma, quienes hace alrededor de 15 años vivieron un suceso que los hizo quedar interconectados de por vida.  A raíz de esto, cada uno siguió su camino.  Tanto la perspectiva de lo ocurrido como la forma individual de asumirlo es diametralmente opuesta entre ellos.  Él ha hecho todo lo que está a su alcance por olvidarlo, en tanto que ella lo recuerda día con día.  En lo único en que coinciden es que no es algo de lo que les guste hablar, prefieren callarlo, mantenerlo para sí mismos.  Durante década y media han evitado sincerarse ante otras personas al respecto, lo que ha hecho que quienes en el presente interactúan con ellos no estén enterados.  Él ve el asunto como parte de su pasado y, en cierta medida, lo ha superado, si bien no olvidado..  A ella, en cambio, le quedan numerosas preguntas que le inquietan e impiden ser como los demás.  Piensa que si obtiene las respuestas la carga le será menos pesada, así que hace sus indagaciones, ubica a Ray y decide ir a verlo a su lugar de trabajo.  La tercera llamada se da justo cuando ella acaba de llegar a la oficina de él.
La labor de dirección por parte de Katina Medina Mora es brillante.  La directora ha dividido su trayectoria entre el teatro y el cine y en ambos campos ha obtenido reconocimientos. Su trazo escénico es firme y riguroso.  Comprende bien el texto y lo traslada fielmente a escena.  Aun cuando da a cada palabra el valor adecuado, también da relevancia al subtexto, que es el sentir íntimo de cada protagonista.  Con acierto imprime balance entre acción y pausa.  Conduce a su elenco a actuar con contención.   Los desplazamientos son coordinados.  La corporalidad va de la mano con el relato.  El ritmo es preciso.
El experimentado primer actor Alejandro Calva y la bella actriz Cassandra Ciangherotti dan vida a Ray y a Uma.  Cada uno despliega sus dotes histriónicas, corporales, de expresión y vocales en forma admirable, denotando un extraordinario trabajo en la construcción de sus respectivos personajes, a fin de estar en posibilidad de translucir la compleja carga emocional que traen a cuestas.   Cuentan con la participación de Zoe Cassandra Iturralde o Laura Anaya, alternando funciones, para representar a Carol.
La traducción del texto de David Harrower para la versión de BLACKBIRD en español fue realizada por Jerónimo Best. 
Berenice González es la productora de BLACKBIRD.   Jennifer Soler tiene a su cargo la coordinación de producción.
Isaías Martínez es el asistente de dirección.
El diseño de escenografía es de Adrián Martínez Frausto, quien opta por lo realista, mediante una oficina burocrática, desordenada y llena de expedientes.   Gabriela García Moreno es la asistente de escenografía.
Ingrid Sac diseña la bien impartida iluminación.
Alejandro Castaños es el responsable del diseño sonoro y la música, con los que provee el entorno apropiado.
El diseño de vestuario es de Valentina Muñoz, quien resalta la personalidad de cada uno de los protagonistas con atuendos de corte fino, telas de buena caída y atinada combinación de colores neutros.
Complementan el equipo creativo de BLACKBIRD:  GL en diseño gráfico.  Lariza Melo en difusión y prensa.  Norman Null en estrategia de comunicación.  Airam Piñón y Celina Manuel son asistentes de prensa y difusión.  Pedro Rueda en fotografía.  Maricela Estrada en maquillaje de fotografía.  Verónica Amil en apoyo en material de redes.  MACE  Montajes Artísticos y Construcciones Escenográficas - Macedonio Cervantes Mejía en realización de escenografía.  Gremio - Arturo Durán, Ana Sofía Armenta,  Ana Laura Aguiar,  Giovanni Palacios, Facultad de Artes y Diseño UNAM en pintura escénica.  Lili Camacho en realización de vestuario.
A pesar de que BLACKBIRD es una obra basada en una charla, casi sin acción, el equipo comandado por Katina Medina Mora logró hacer un montaje formidable.  El interés que despierta desde el primer momento es indescriptible.  A través del relato, el público se va enterando de todos y cada uno de los detalles que ocurrieron hace 15 años, así como de las circunstancias y motivos que lo rodean. Las actuaciones son entrañables, plenas de emotividad.  Nos deja en claro que lo que se vive queda impreso en la memoria y esto es casi imposible de borrar.   Una historia que te impactará.  Teatro bien realizado que tienes que presenciar.

 

BLACKBIRD
se presenta viernes a las 20:30 horas
sábados a las 17:00 y 19:30 horas  y
domingos a las 18:00 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  75 minutos
Costo de la localidad:   $350
La temporada concluye el domingo 29 de septiembre de 2019

 

CONTADORAS DE GARBANZOS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2019
Algunas personas disfrutan de la adrenalina y eso les impulsa a practicar deportes extremos o a buscar trabajos que conllevan riesgos, como por ejemplo, varias de las actividades circenses -trapecistas, hombres bala, domadores de fieras, equilibristas-, o bien, limpiadores de ventanales en edificios.  Sin embargo, ellos constituyen minorías porque, en general, a nadie le gusta tener miedo.  Todos lo hemos sentido en algún momento, sea por desastres naturales, accidentes, amenazas, asaltos o situaciones de peligro y, la verdad, la sensación es terrible.  La experiencia puede ser tan impactante que ni nosotros mismos sabemos cómo reaccionaremos.  La forma de encarar el problema es individual y las posibilidades son diversas.  Podría aflorar el instinto de supervivencia, pero también pudieran presentarse fallas en las funciones físicas desde una parálisis temporal hasta la muerte.  Todo esto entra dentro de los supuestos de un acontecimiento eventual, pero, ¿qué hacer si en todo momento se siente temor y no hay manera de salir corriendo? 
Lamentablemente, esa es la vida de cientos de miles de mujeres que están al lado de hombres dominantes.  La violencia intrafamiliar es mucho más común de lo que se cree y se da en cualquier país y en todos los estratos sociales.  Para cierto tipo de hombres lo importante es que su mujer sienta el dominio, el cual puede ejercerse mental o físicamente.  Este es el tema que aborda el dramaturgo Raúl Cortés en CONTADORAS DE GARBANZOS.
El dramaturgo español Raúl Cortés nació en 1979 en Morón de la Frontera.  Cortés es el director de la compañía malagueña Trasto Teatro y creador del concepto Teatro de la Decepción, el cual, según lo ha comentado Cortés, surgió a partir de la decepción que les provocan las políticas culturales y teatrales de su país y la decepción propia de ser incapaces de articular alternativas a los circuitos oficiales y comerciales, ante lo cual decidieron transformar su decepción en acto creativo.   A lo largo de su trayectoria, Raúl Cortés ha recibido varios premios nacionales e internacionales.  Entre sus obras más representativas se encuentran:  "Tagoror " (2004);  "El teatro que hicimos cuando parecía imposible" (2005);  "El Capitán Flick" (2006);  "Contadoras de Garbanzos" (2007);  la Trilogía del desaliento (2010) conformada por:  la segunda edición de "Contadoras de Garbanzos",  "No amanece en Génova"  y  "No es la lluvia, es el viento",  y  "Los Satisfechos" (2012).  Así mismo, es el autor de los escritos  "Manifiesto del Teatro de la Decepción" (2010)  y  "Contra la impotencia: signo de nuestros tiempos" (2012). 
Para el montaje de CONTADORAS DE GARBANZOS de Raúl Cortés en la Ciudad de México, Víctor Lazcano realizó la adaptación como dramaturgista.
A través de CONTADORAS DE GARBANZOS Raúl Cortés da voz a una mujer que teme a su marido.  Aunque el título no nos indica de qué va la historia, el autor lo utiliza como metáfora de que las mujeres están sujetas a realizar las labores del hogar con precisión absoluta y entre las familiares de la protagonista esto es una tradición que se repite generación tras generación.  La trama se centra en lo agobiante que puede llegar a ser caer en un estado de desesperación.  El estructurado texto capta la atención del público de inicio a fin.  En el curso del relato se va develando la historia de la mujer, cuyo nombre no se sabrá, pues ella lo va cambiando conforme a sus sentimientos, así que puede llamarse:  Sacrificio, Angustia,  Diana,  Soledad,  Dolores.  Cada día al preparar la cena de su esposo cuenta 41 garbanzos.  El número tiene que ser exacto, ni uno más, ni uno menos.  Él no se puede quedar con hambre ni tampoco indigestar porque se desquitaría con ella.
En esta unión jamás ha mediado amor ni ternura.  Por azares del destino terminaron juntos.  El oficio que él ejerce es el de domador de leones, así que se la llevó a vivir al circo, un mundo ajeno a ella y casi desde el primer día supo que se había equivocado y comenzó a sentir miedo.  Para sus adentros piensa "el circo apalea animales y también a nosotros", pero "los animales se vuelven más dóciles y nosotros sentimos más rabia".  A pesar de que trata de integrarse a los distintos números del circo y se muestra sumisa, vive atemorizada, con ganas de desplegar sus alas y huir, finalmente, "la mujer de un domador de leones no tiene motivos para sonreír".
La época de éxitos del circo ha quedado atrás, ahora, casi nadie viene, pero ellos siguen ofreciendo el espectáculo día con día.  Además de la mujer y el domador, ahí trabajan una linda payasita que toca el acordeón, una bella, pero muy callada, trapecista y una contorsionista que recuerda sus glorias pasadas y quien también regentea el circo, pero, a la vez, se ha erigido en vigilante de la mujer, lo cual hace que sea casi imposible cualquier intento de fuga.  ¿Cuánto más podrá soportar esta afligida mujer?
actorales.  El ritmo es coordLa labor de dirección por parte de Williams Sayago es impecable.  Su trazo escénico es preciso.  Traslada la esencia del texto a la escena, con todo el desconsuelo que conlleva.  Buen aprovechamiento de espacio, dimensionando cada rincón, a fin de tener distintos escenarios.  Bien planeada la corporalidad y los desplazamientos La labor de dirección por parte de Williams Sayago es impecable.  Su trazo escénico es preciso.  Traslada la esencia del texto a la escena, con todo el desconsuelo que conlleva.  Aprovecha a fondo el espacio, dimensionando cada rincón para tener distintos escenarios.  Buen diseño de corporalidad y desplazamientos actorales.  El ritmo es coordinado.

El elenco está integrado por:  Sandra Galeano (la mujer del domador),  Ángeles Sánchez (la contorsionista),  Héctor Yaza (el domador de leones),  Martha Tapia (a trapecista)  y  Liz Maya (la payasita).  Cada uno ofrece un buen desempeño histriónico y corporal, destacando, desde luego, Sandra Galeano, no sólo por ser la protagonista, sino por la emotividad que imprime a su personaje y por los riesgos que aume, como el de subirse al trapecio. 
Complementan el equipo creativo de CONTADORAS DE GARBANZOS:  Liz Maya en asistencia de dirección;  Williams Sayago en arte e iluminación;  William Sayago, Martha Tapia y Natalia K'uanhari en vestuario;   la música es de The Tiger Lillies;  Jorge A. Caballero en asesoría musical,  y  Alfredo Boc en fotografía.
Lema de CONTADORAS DE GARBANZOS:  "...es un salto al vacío donde nacen las cosas valiosas, pero para alumbrar las travesías, es necesario quemar las naves". 
La producción de En CONTADORAS DE GARBANZOS Res de CONTIGO AMÉRICA I.T.I.
La libertad es uno de los bienes más preciados del ser humano, quien carece de ésta ansía recuperarla a toda costa y es que sólo aquel que la ha perdido sabe valorarla en su justa medida.  Acompaña a la contadora de garbanzos en su lucha cotidiana, ella te compartirá sus pensamientos más íntimos, mientras te adentras en el ambiente del circo y conoces a los artistas que lo habitan.  Un texto conmovedor e interesante, un montaje consistente, un equipo comprometido con su labor teatral. 

CONTADORAS DE GARBANZOS
se presenta los viernes a las 20:00 horas  en el
FORO CONTIGO AMÉRICA
ubicado en la calle de Arizona número 156
Colonia Nápoles, Ciudad de México

Costo de la localidad:  $150
 
Duración aproximada:  60 minutos
 
Clasificación: Adolescentes y adultos
 
Su temporada abarca los meses de agosto y septiembre de 2019
MANUAL PARA MUJERES INFAMES
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2019
Simone Lucie Ernestine Marie Bertrand de Beauvoir, a quien todos conocemos como Simone de Beauvoir (1908-1980) es una de las escritoras más renombradas en todo el mundo .  Nacida en París, Francia, Simone se desempeñó como escritora, docente  y filósofa, pero también fue precursora en el feminismo, luchó ferozmente por la igualdad de derechos de la mujer y por la despenalización del aborto, y defendió su convicción de que hombres y mujeres tienen la misma libertad con respecto a las relaciones sexuales.  Entre su obra se encuentran novelas, ensayos, biografías y monográficos sobre temas políticos, sociales y filosóficos.  Su consagración literaria le llegó en el año 1949 con la publicación de su obra "El segundo sexo" , de la cual se vendieron más de veintidós mil ejemplares en la primera semana de su publicación, para luego ser traducida a varios idiomas.  Hoy en día "El segundo sexo" es considerado un elemento fundamental en la historia del feminismo. 
Desde pequeña, Simone de Beauvoir daba muestras de tener una  inteligencia privilegiada.  Su propio padre Georges Bertrand de Beauvoir, exitoso abogado y actor aficionado, acostumbraba a decir a Simone: "tienes un cerebro de hombre".  En tanto que él lo decía con deferencia, como halago, a Simone le parecía una ofensa.  Simone de Beauvoir fue tan creativa como independiente, vivió a su manera, jamás se ajustó a las normas sociales, eligió no tener hijos ni casarse, viajó mucho, tuvo varios amantes y su relación más duradera fue con Jean Paul Sartre (1905-1980), filósofo, escritor, novelista, dramaturgo, activista político, biógrafo y crítico literario francés, exponente del existencialismo y del marxismo humanista.
Siempre es bueno recordar a los seres que han logrado ser relevantes y revisitar sus historias.  En el caso de Simone de Beauvoir es, además, oportuno, dado que en estos días está tan en boga el feminismo.  Un grupo de creadoras provenientes de dos países, decidieron formar equipo para traer de vuelta a Simone de Beauvoir mediante  MANUAL PARA MUJERES INFAMES.
Se trata de un monólogo escrito por la dramaturga venezolana Karin Valecillos que se ha dado a conocer como guionista de la casa productora Gato Grande, la cual entre sus éxitos cuenta con la popular serie de Luis Miguel.  Tras una ardua investigación sobre la vida de Simone de Beauvoir, Karin Valecillos le llegó la inspiración básicamente en la correspondencia cruzada entre Simone y el escritor norteamericano Nelson Algren para crear una ficción que diera voz a la célebre autora a partir de su íntimo sentir.  En su estructurado texto capta la atención del espectador desde el primer momento al mostrar la esencia de una mujer que se encuentra en un punto crucial. 
Es así como en la tercera llamada el público tiene ante sí a una mujer bella, inteligente, sofisticada.  Se le ve consciente de sus triunfos, orgullosa de lo que ha logrado y con el control de su vida.  Sin embargo, justo en ese momento, el destino la ha colocado en una encrucijada ante dos caminos y ella habrá de dilucidar el rumbo de su futuro.   Simone hace un recuento de sus vivencias y las comparte contigo, conmigo y consigo misma.  Acude a su memoria para hablar sobre su infancia, su adolescencia, su bien cimentada y admirada labor profesional y su perdurable relación con el filósofo Jean Paul Sartre, al lado de quien ha estado durante muchos años.  Juntos han jugado, intercambiado ideas, trabajado, colaborado y hasta han sido amantes, ella piensa "soy una mujer, no una santa". además "soy su par, su igual".  Ahora, Simone, casi sin darse cuenta se ha enamorado de Nelson Algren y él acaba de proponerle matrimonio, pero eso implicaría grandes cambios para ella, comenzando por trasladarse a un continente ajeno al que ha habitado siempre, así que se ve precisada a calibrar bien su decisión.  En medio de sus remembranzas, Simone se pregunta "¿qué es ser mujer?", lo que hace que entre en un debate sobre identidad personal e independencia, a partir de lo cual critica los estereotipos en que se ha encasillado al género femenino, recrimina ideas preconcebidas "hasta la fealdad les está permitida a los hombres" y  externa sus propias opiniones con respecto al amor, el matrimonio, el sexo, los hijos, el aborto, la vida doméstica y la identidad sexual.    A pesar de ser tan admirada, no faltó algún hombre que la tachara de "infame", en un intento de demeritar sus logros.  De esa anécdota proviene el título elegido por Karin Valecillos.
La labor de dirección por parte de Luciana Silveyra es impecable.  Luciana Silveyra es una actriz mexicana con amplia trayectoria que ha participado en numerosas telenovelas y teleseries.  Hace tres años fue contratada por la producción de la telenovela hace tres años fue contratada para trabajar en Venezuela como coprotagonista en la telenovela "Nora", una coproducción México-Venezuela.  Como directora, el trazo escénico que creó para MANUAL PARA MUJERES INFAMES es consistente con la idea de la autora.  Con acierto imprime diversidad al desplazamiento de su actriz, a fin de hacer más ameno el monólogo.  Logra balance entre acción y pausas.  El ritmo es preciso.
Carla Müller es una exitosa actriz venezolana, que divide su tiempo entre la locución, el modelaje, la actuación y como empresaria de una casa productora.  En MANUAL PARA MUJERES INFAMES es quien encarna a Simone de Beauvoir.  Su labor histriónica, corporal y de dicción es formidable.  No sólo aporta su grata presencia escénica, su belleza natural y su elegante porte, sino que dota a Simone de una amplia gama de matices emotivos.
El diseño de escenografía está a cargo de Lupita Riva, a quien le bastan una mesa y unas cuantas sillas para representar un café parisino.
El diseño de vestuario es creación de Belisa Pulido, diseñadora de moda, quien se encarga de dar lucimiento a la actriz con un original atuendo en estilo ejecutivo con tela de buena caída y fina confección, al cual añade ciertos detalles accesorios.
MANUAL PARA MUJERES INFAMES es producida por 4x4 PRODUCCIONES.
Tienes una cita con Simone de Beauvoir.  Ella tiene que tomar una decisión importante, así que necesita que la escuches.  Aprovecha esta oportunidad para conocer los más íntimos pensamientos de esta mujer que fue pionera del feminismo y celebridad en el ámbito literario mundial.  El texto será de tu interés, habrá momentos en que te diviertas y otros en que te conmuevas.  Una atractiva propuesta realizada por un equipo de mujeres comprometidas y creativas que hermanan a México con Venezuela.   Toma en cuenta que hay que apresurarse porque su breve temporada está por concluir.

MANUAL PARA MUJERES INFAMES
se presenta los viernes a las 20:30 horas en
la SALA PRINCIPAL del
FORO BELLESCENE
ubicado en la calle Zempoala número 90
Colonia Narvarte Oriente, Ciudad de México.

Duración aproximada:  50 minutos

Clasificación:  Adolescentes  y  adultos

Entrada general $250

Descuento del 30% a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente,
así como a vecinos de la colonia Narvarte

La temporada concluye el viernes 6 de septiembre de 2019

VINCENT
GIRASOLES CONTRA EL MUNDO

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto  2019


A Mario Iván Martínez le corre el arte por las venas, sus padres fueron la primera actriz Margarita Isabel y el locutor radiofónico Mario Iván Martínez Ortega perteneciente a una gran dinastía de artistas.  Mario Iván debutó como actor a la edad de 7 años, en tanto que a los 9 años obtuvo su primer papel protagónico encarnando a Pedro en el montaje de Pedro y el Lobo de Prokofiev realizado por la Compañía Nacional de Teatro.  Luego, cursó estudios de actuación y canto en la Academia de Música y Arte Dramático -LAMDA- en Londres, Inglaterra, donde se especializó en la obra de William Shakespeare.   De regreso a México sus mentores fueron Sergio Jiménez, Julio Castillo y Héctor Mendoza.  Su trayectoria es larga y abarca teatro, cine, televisión y emisiones radiofónicas, donde se ha desempeñado como actor, cantante, conductor, locutor y productor.  Le apasiona la investigación y ha rescatado piezas de música antigua que se encontraban en el olvido. Su profesionalismo le ha hecho acreedor a numerosas nominaciones, premios, reconocimientos y galardones.   En teatro tiene más de una docena de premios.  En cine destacan el Ariel, La estrella de plata y el premio ACE de Nueva York por su actuación en la cinta Como agua para chocolate de Alfonso Arau.  Así mismo, ocupa el cargo de Embajador de la obra de Francisco Gabilondo Soler (1907-1990), popularmente conocido como Cri-Crí, el Grillito Cantor, en homenaje a quien ha grabado tres discos, y producido cuatro espectáculos teatrales y sinfónicos en torno a su obra.

Hace una década Mario Iván Martínez fue invitado a participar en el doblaje del documental francés "Van Gogh: Pinceladas de un genio", Peter Knapp y François Bertrand, en el cual fue el encargado de dar voz a Vincent Van Gogh.   A Mario Iván le atrajo la vida y obra de van Gogh y se propuso que algún día realizaría algo para llevarlo teatro. Sin embargo, quería captar la esencia de van Gogh y, de algún modo, rendirle el homenaje que merecía en vida, así que se propuso hacer una investigación exhaustiva de todo lo referente al célebre pintor.

Sin prisa, Mario Iván se limitó a recopilar información sobre van Gogh cada vez que se lo permitían sus múltiples actividades laborales.  Fue así como en primera instancia leyó cuanta literatura encontraba al respecto.  Mientras más sabía del pintor, más acariciaba su proyecto y lo iba redondeando en mente.   A la vez, iba creciendo su admiración por Vincent van Gogh (1853-1890), pintor neerlandés con una vocación inquebrantable.  A pesar de no contar con recursos para tomar estudios profesionales, en forma autodidacta se entregó a su arte pictórico, contando siempre con el desinteresado y cariñoso apoyo de su hermano Theo.  Existía entre ellos un fuerte vínculo que quedó testimoniado en las 650 cartas que Vincent escribió a Theo.

La obra de Vincent es extensa y está conformada por alrededor de 900 cuadros, de los cuales 43 son autorretratos y 148 acuarelas.  Además, realizó más de 1,600 dibujos.  Es una lástima que jamás disfrutara de fama, ya que fue hasta después de su fallecimiento que sus trabajos fueron valorados hasta el punto de reconocerlo como uno de los más relevantes exponentes del postimpresionismo.

A fin de ampliar los conocimientos que había adquirido de Van Gogh, apenas tuvo oportunidad, Mario Iván viajó en el verano de 2018, a Francia, Holanda e Inglaterra para visitar los lugares donde estuvo van Gogh y aquellos donde realizó la mayor parte de su proceso creativo.   Cuando consideró que había completado su investigación, concretó el texto de VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO.  El título lo tomó de un pasaje de su relato en que Vincent van Gogh habla sobre la razón por la cual tenía predilección en incluir girasoles en sus cuadros:  "Esta flor es mía, la he pintado desde mi nacimiento".  "Enfrentando al sol, enfrentando al mundo, así soy yo".

En VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO el autor retrata la vida solitaria y frugal de Vincent van Gogh, su parsimonia a causa de padecimientos mentales que afloraban de tiempo en tiempo y, desde luego, su gran pasión por plasmar en lienzos lo que veía desde su propia perspectiva.  Capta la esencia de van Gogh con la mayor pureza posible, sin dramatizarla ni adornarla.  Revela la frustración del pintor por su intento fallido de convertirse en pastor "falló en el púlpito", a pesar de que tal vez esto, aunado a la decepción amorosa de ser rechazado por su prima viuda, fueran los detonantes de su decisión de dedicarse de lleno a la pintura.  Incluye aspectos de su vida íntima "a los 28 años aún no conocía mujer" y más adelante, sus escapadas con prostitutas que se convierten en amantes.  Su época más productiva en la Casa Amarilla de Arlés y su encuentro con otros pintores.  Su admiración por Degas y por Toulouse Lautrec de quienes decía:  "no pretenden copiar la realidad, ellos nos regalan su libertad en el lienzo".  Todo esto va sucediendo en escena, intercalándose con algunas emotivas frases de las cartas que el artista escribía para su hermano Theo.
El montaje es sui generis.  A diferencia de lo que se estila hoy en día, prácticamente no tiene corporalidad, tal vez para que el público comparta la monotonía de la vida pausada del artista.  En cambio, la estética visual es esplendorosa, en virtud de que incluye varias de las obras del pintor, las cuales son proyectadas a gran escala en los muros del escenario. 
La labor de dirección por parte de Luly Rede es impecable.  Su trazo escénico es preciso.  Buen aprovechamiento del escenario.  Dimensiona espacios y tiempos en forma acertada.  El ritmo es moderado, acorde al tono que envuelve la dramaturgia.   Yari Burgos es la asistente de dirección.
El elenco está conformado por  Mario Iván Martínez, quien da vida tanto a Vincent van Gogh como a su hermano Theo, además de a un subastador de la Casa Christie's de Londres;  Paula Comadurán que personifica a:  Cornelia Adriana Vos-Stricker "Kee", prima hermana de Vincent,  señora Vos-Stricker, tía de Vincent y madre de "Kee",  Christina Clasina María Hoornik "Sien", amante de Vincent,  y  Johanna van Gogh-Bonger, esposa de Theo van Gogh,   y  Fernando Memije interpretando a:  Paul Gaughin,  Dr. Théophile Peyron, director del hospital psiquiátrico en Saint-Rémy-de-Provence;  Crítico de arte;  Editor de Ámsterdam,  y  trabajador de la casa Christie's.  Luly Rede hace una breve aparición como trabajadora de la casa Christie's.  Cada uno de ellos ofrece una pertinente labor histriónica y da muestra de su versatilidad.
Para escribir el texto original de VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO,  Mario Iván Martínez tomó como inspiración:  Cartas desde la locura;  la correspondencia de los hermanos van Gogh;  Premià Editora - Pedro Tanagara;  Irving Stone, Lust for Life;  Camilo Sánchez, La viuda de los van Gogh;  Deborah Heiligmann, Vincent and Theo,  y  Documental Vincent, pinceladas de un genio de Peter Krapp y François Bertrand.
 
La sobria, elegante y funcional escenografía es diseño de Xóchitl González Q., al igual que la bien administrada iluminación.  Diseñador adjunto:  Sergio Écatl Menchaca;  realización de escenografía: Alberto Orozco,  y  Maestro carpintero:  Edgar Sánchez.
 
Allan Flores es el productor ejecutivo;  Wen Quintanar en diseño gráfico y fotografía;  Lorena Alcaraz en foto adicional;  Jesús Lobato en realización de vestuario masculino;  Camila Soria,  Julio Marín  y  Cristina Hidalgo  en realización de vestuario femenino;  Francisco Esparza y Francisco Piña en calzado;  María Mendieta y Teresa Montero son vestuaristas;  Juvenal Valtierra,  Patricia González  y  Jesús García  en peluquería;  Cinthia Muñoz  y  Mariana Gutiérrez  en maquillaje y caracterización;  Guadalupe Jiménez en sombreros.

Allan Flores y Víctor R. Caballero en diseño de video e imágenes;  Obra plástica de:  van Gogh,  Degas,  Seurat,  Gauguin  y  Toulouse-Lautrec;  Eduardo Paulin en asesoría en técnicas de pintura;  Adriana Amaya en realización marco de girasoles.
 
Paco Aveleyra en diseño de efectos de sonido;  Luis Enrique Elizalde  y  José Luis Corona son asistentes.  Manojo de ideas en difusión.
 
Coordinador de viaje van Gogh 2018:  Mauricio Hanna;  Lic. Alejandro Zárate en asesoría legal;  Verónica Albor  y  Oscar Torres en patrocinios,  y  Yadira Ramírez es la contadora.
 
VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO es presentada por la SECRETARÍA DE CULTURA, a través del CENTRO CULTURA HELÉNICO  y  CARRANCO.
 
Trasládate en el tiempo para conocer la frugal y solitaria vida de Vincent van Gogh mientras plasmaba lienzos y más lienzos con el íntimo anhelo de vender alguna de sus pinturas.   Te encantará ver al ser humano detrás de uno de los más grandes pintores de todas las épocas, además, disfrutarás ver las imágenes de ciertas obras emblemáticas.  La minuciosa investigación de Mario Iván Martínez rinde frutos al ser trasladada a escena en un montaje de excepcional belleza visual, donde cada detalle del entorno ha sido recreado con sumo cuidado para ser consistente con lo que se estilaba en cuanto a mobiliario, moda, vestimenta, calzado, peluquería, maquillaje y adornos. 
 
El estreno de VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO estuvo apadrinado por dos de los más prestigiados actores del teatro nacional:  don Ignacio López Tarso  y  Héctor Bonilla, quienes expresaron cuán emotiva les había parecido la obra.


VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO 
se presenta  lunes  a las 20:30 horas  en el
TEATRO HELÉNICO
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México

Duración aproximada:  110 minutos
 
Costos de la localidad
Planta Baja:   $350
Planta Alta:    $250

La temporada concluye el lunes 23 de septiembre de 2019

 

DIÁLOGOS EN SOLEDAD DE MUJERES INCONVENIENTES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2019
El mundo está regido por hombres, ellos hacen las leyes y forjan las normas  Desde tiempo inmemorial venimos arrastrando arquetipos de comportamiento para hombres y mujeres.  A través de los años ha habido algunos cambios, pero hacen falta muchos más.  Lo malo es que en cuestiones de violencia, las mujeres continúan siendo la mayor parte de las víctimas.  De hecho, en nuestro país, el número de feminicidios se ha incrementado significativamente y esto es algo que no debemos permitir. 
Entre los cambios más notorios, podríamos citar que dedicarse al hogar ya no es la única opción para las mujeres, que no existe razón para ser sumisas, que pueden decidir si quieren ser madres o no y, sobre todo, que ya pueden alzar la voz.  Antaño, los abusos se ocultaban como si fueran secretos, ya que a muchas les daba miedo y pena decir algo al respecto.  Con las redes sociales y los movimientos mundiales que se han ido surgiendo, miles de abusos se han develado, ya sea si ocurrieron en el pasado o si son  contemporáneos. 
Así mismo, las mujeres se saben organizar mejor y se manifiestan tanto colectiva como individualmente.  Hoy en día, por lo menos, ya no está mal visto que digan lo que piensan y esto es lo que hacen las mujeres que quieren decir algo o denunciar hechos o personas que atenten contra sus derechos.  Claro que, dependiendo de lo que expresen, también podrían ser tachadas de "inconvenientes".  En épocas pasadas, si alguna mujer quería hablar sin cortapisas o enterarse de lo que decían las demás, acudía al salón de belleza (hoy llamados estéticas).  Justo este es el lugar de reunión para las protagonistas de DIÁLOGOS EN SOLEDAD DE MUJERES INCONVENIENTES de Julia Arnaut  y  Catalina Pereda, con música de Liliana Felipe, bajo la dirección escénica de Julia Arnaut y la dirección musical de Renata Rueda.
Se trata de una ópera-cabaret creada y ejecutada por un equipo de talentosas mujeres, donde podrás ver a un grupo de féminas que no sólo cantan sino que entablan diálogos de diversa índole sobre temas que atañen al género femenino, y lo más peculiar es que también mugen porque son mujeres-vaca.  Esta dualidad hace que sea propicio que alcen la voz en defensa de los derechos del género femenino y los de la especie animal.
Las reflexiones fragmentarias que se escuchan en DIÁLOGOS EN SOLEDAD DE MUJERES INCONVENIENTES van "desde el acoso, la desigualdad de género y el especismo, hasta el pensamiento económico, los retos de la maternidad y la naturaleza del amor".  Este espectáculo poético musical se centra en el paralelismo entre la violencia que se ha ejercido contra las mujeres a lo largo de la historia de la humanidad y el maltrato a las hembras de todas las especies,  y  el propósito del mismo es la concientización sobre dichas problemáticas.
En la tercera llamada, el público estará frente a "El Galeón", un típico salón de belleza con la particularidad de que en lugar de muros o cristales está rodeado por una barda como las utilizadas en las granjas, a fin de albergar a carismáticas mujeres-vaca.  Los diálogos están perfectamente engarzados con las melodías de la compositora, cantante y pianista argentina Liliana Felipe, cuyas letras son ingeniosas, ella suele abordar temas fuertes con sagacidad y toques de ironía, de tal forma que dice grandes verdades, pero en forma muy graciosa. 
Es así como las bellas mujeres con cuernos de vaca compartirán con el público lo que piensan sobre todo aquello que les es grato y lo que les molesta, inquieta o preocupa.  Igual se preguntan "¿tendrán orgasmos las vacas?", que afirman "no como animales porque no quiero digerir agonías" o "las mujeres mexicanas no tenemos por qué saber de dónde sacan el dinero nuestros maridos",  formularán comentarios sobre diversos temas incluyendo el amor o el desamor, y hasta darán algunos consejos, como:  no ser nuestros propios enemigos,  "no subir al Metro con minifalda",  no ser "ni oprimidas ni opresoras",  "hay que empujar al fondo del cajón las cosas que duelan", o "no dejes de tener en la tercera edad un tequilita diario".  Por supuesto, también aludirán al tema que por naturaleza es exclusivo del género femenino;:  la maternidad y todo lo que ésta involucra:  concepción, embarazo, lactancia, cuidados, educación, y complicaciones o dificultades.
Julia Arnaut y Catalina Pereda crearon un espectáculo de cabaret de calidad en el que combinan belleza, melodiosas voces, agradable música, canciones con certeras letras, rítmicos arreglos, variados instrumentos musicales, algunos de los cuales son ejecutados por las propias intérpretes, como cajón peruano, claves musicales, campana con mazo de percusión y bongós, además del piano que las acompaña a lo largo de toda la función. 
DIÁLOGOS EN SOLEDAD DE MUJERES INCONVENIENTES se presenta dentro del marco del ciclo Perspectiva de Género a cargo de la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura  y  las compañías Ópera Portátil  y  En Chinga Producciones, entidades que también la coproducen junto con el Ensamble Coral Femenino Da Gunaá.
La mayoría de las intérpretes son integrantes del Ensamble Coral Femenino Da Gunaá.  Participan en DIÁLOGOS EN SOLEDAD DE MUJERES INCONVENIENTES:  Hilcías Berthely Serrano,  Valeria Ferrera,  Claudia Martínez Munguía,  Mariana Martínez Munguía,  Mariana Paz y Rocha,  Catalina Pereda o Julia Arnaut  (las creadoras del espectáculo alternan funciones),  Saire Ramírez Chávez  y  Renata Rueda.  Todas estas mujeres bellas ofrecen al público un buen trabajo histriónico y corporal, además de sus gratas voces de variada tesitura.
Ollitzin Quintanar es quien las acompaña ejecutando el piano con virtuosismo.  La música es un elemento preponderante en el montaje, además de que incluye 16 canciones de Liliana Felipe. 
El vestuario apropiado para emular a las mujeres-vaca es creación de Carlos Brown, quien eligió  como base los colores blanco y negro, utilizando telas de buena caída, fina confección y variación de estilos, contrastando con ciertos elementos en rojo vivaz.
La bien impartida iluminación es de Abigail Cinco.
La curiosa escenografía que fusiona una estética con una granja es de Rossana Rodríguez Cervantes.
La coreografía de buen diseño, apropiada, coordinada y precisa es de Itzia Nieves.
Larissa Polaco está a cargo de la producción ejecutiva.
Corre a conocer a estas fabulosas e inconvenientes mujeres-vaca, quienes entre risas, llantos y juegos, hablan libremente de ciertos temas que les conciernen.  Puede ser que coincidas o no con sus opiniones, pero seguro te identificarás con algún evento o situación.  Seas hombre o mujer, disfrutarás de esta novedosa propuesta y comprenderás mejor la esencia del ser femenino a través de un montaje bien logrado que abarca teatro, ópera, cabaret, música y estética.  Aparte, te divertirás de principio a fin.  Apresúrate porque sólo quedan unas cuantas funciones de su temporada.
DIÁLOGOS EN SOLEDAD DE MUJERES INCONVENIENTES 
se presenta jueves  y  viernes a las 20:00 horas,
sábados a las 19:00 horas  y  domingos a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL GALEÓN ABRAHAM OCERANSKY
dentro del Centro Cultural del Bosque
ubicado en Campo Marte s/n - Avenida Paseo de la Reforma
> atrás del Auditorio Nacional
Ciudad de México
Duración aproximada:  90 minutos
Clasificación:  A partir de 15 años
El costo del boleto es de $150
Descuento del 50% a estudiantes, maestros e INAPAM
para personas con credencial vigente
Gente de Teatro:  $45
Jueves de Teatro:  $45
La temporada concluye el domingo 25 de agosto de 2019

 

MÁSCARA vs CABELLERA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2019
Víctor Hugo Rascón Banda (1948-2008) es uno de los dramaturgos más destacados que ha habido en nuestro país.  Nacido en un poblado minero en la sierra de Chihuahua, al norte del territorio nacional, quería ser abogado.  Primero estudió en la Escuela Normal de Chihuahua, donde se graduó como maestro de lengua y literatura española, luego continuó sus estudios en la Escuela Normal Superior José Medrano, para posteriormente trasladarse a la Ciudad de México, donde obtuvo la licenciatura, maestría y doctorado en Derecho en la Universidad Nacional Autónoma de México-UNAM-. Sin embargo, el destino le deparó otros derroteros.  Se integró a los talleres de dramaturgia de Hugo Argüelles y de Vicente Leñero y también tomó clases de dirección escénica con Héctor Azar en el Centro Dramático, A.C. -CADAC-, a partir de lo cual el teatro formó parte integrante de su vida.
Hombre sensitivo y observador por naturaleza, Víctor Hugo Rascón Banda utilizó sus estudios, vivencias y experiencia para captar la idiosincrasia del mexicano y plasmarla en su obra. Se desempeñó como docente y dramaturgo.  A lo largo de su trayectoria obtuvo numerosos premios y reconocimientos, algunos, de gran relevancia.  Dejó un legado de alrededor de 50 obras, varias de las cuales son conocidas en todo el mundo.  En cada obra abordaba un tema distinto, pero siempre tocaba fibras sensibles del ser humano, por sus raíces, su entorno, su sentir, costumbres o afición. 
En su obra MÁSCARA CONTRA CABELLERA, la cual escribió en 1985, Víctor Hugo Rascón Banda retrata los avatares que se viven en un cuadrilátero donde se practica la lucha libre, que es uno de los deportes que más entusiasmo provoca entre los mexicanos, tanto así que en el 2018 la Lucha Libre fue declarada Patrimonio Cultural Intangible de la Ciudad de México, reconocimiento que otorga el Gobierno de la Ciudad de México, conforme a la Ley de Fomento Cultural de nuestra Ciudad.  En ese mismo tenor, el Santo y Blue Demon, los máximos exponentes de la Lucha Libre, se han convertido en verdaderas leyendas.  El estructurado e interesante texto de Víctor Hugo Rascón Banda equipara la lucha libre con las luchas sociales y las batallas personales que se afrontan día a día.
Los aficionados a la Lucha Libre convierten a los luchadores en ídolos y los ven como seres superdotados e invencibles.  Es un deporte pleno de mitos y leyendas, con una muy amplia simbología y un lenguaje propio.  Máscaras, capas, cinturones, botas son testimonio de triunfos y fracasos, los luchadores son rudos o técnicos.  Los cuadriláteros siempre están rodeados de seguidores, familiares, amigos, cronistas deportivos, representantes, patrocinadores, promotores y buscadores de talento.  La magia y el misterio van de la mano en el espectáculo.  Cada luchador despliega su fuerza física mediante golpes, llaves, marometas, volteretas, patadas, piruetas, acrobacias y mucho más.
Los grupos Un Colectivo de Duendes, A.C. y Al Rescate Compañía se unieron para la elaboración de una versión libre a partir del texto original escrito por Víctor Hugo Rascón Manda, la cual es llevada a escena bajo el título de MÁSCARA vs CABELLERA, con jóvenes egresados del Centro Universitario de Teatro -CUT- de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  MÁSCARA vs CABELLERA es el primer proyecto del ciclo ENTRE EL DEPORTE Y EL TEATRO.
La sinopsis que utilizan para esta nueva versión es:  "Un misterioso luchador enmascarado organiza la resistencia para lograr una sociedad más justa, transparente y democrática. Él ha hecho la promesa, junto con sus compañeros, de luchar de dos a tres caídas sin límite de tiempo contra la impunidad y corrupción de su país.  En su camino para lograr un país mejor, enfrenta la traición de un amigo y la conciencia de que los cambios reales vienen del interior de cada hombre del pueblo, y no de la mano del gobierno".
Esto resulta muy atractivo, ya que todos quisiéramos tener una sociedad justa, libre de impunidad y corrupción.  El relato tiene dos vertientes, por un lado, se presenta la historia de Apolo, un misterioso luchador enmascarado que anhela implantar la justicia y la equidad.  Por otro lado, se presenta a nuestro México, con sus carencias, problemas, creencias y rituales.   En ambas, el común denominador es aludir a la necesidad de un cambio, tanto en la comunidad como en lo personal.

 

El montaje está enfocado preponderantemente hacia la lucha libre y todo el espectáculo que la engloba.   

 

Al darse la tercera llamada, el público tiene la posibilidad de ver cómo se colocan los colchones sobre el piso del cuadrilátero.  Se prescinde de las clásicas cuerdas, a fin de permitir mayor libertad en las acciones.

 

Aunado a la dinámica de espectaculares contiendas, confluyen en el escenario varias técnicas teatrales, como drama, comedia, algo de farsa, música y corporalidad extrema.  Así mismo, convocan a la reflexión en determinado momento, cuando los actores se desprenden de sus personajes y desde el proscenio hablan de temas de actualidad y noticias del última hora.

 

La dirección por parte de Erwin Veytia es impecable.  Su trazo escénico se basa en la corporalidad, en concordancia con la apuesta del montaje.  Aprovecha a fondo el espacio, diversifica las acciones, intercalando apropiadamente los parlamentos.  Los desplazamientos son coordinados con precisión y el ritmo es bueno.

 

El elenco está conformado por:  Oscar Serrano,  Abraham Ugalde,  Carlos Gabriel,  Clementina Guadarrama,  Marcela Feregrino,  Elena Gore,  José Lui Pérez Hernández,  Medín Villatoro,  Félix Terán,  Emiliano Yáñez y Alberto Santiago.  Como invitado especial participa Orión, luchador profesional, quien también impartió asesoría y entrenamiento de lucha libre a los actores.  Edwin Veytia, el director escénico, interviene en algunos cuadros como réferi.  Si bien, salvo algunas excepciones, los jóvenes no ofrecen un destacado desempeño histriónico y denotan ciertas insuficiencias en colocación y tono de voz, lo compensan con una deslumbrante corporalidad.  Resulta admirable la forma en que logran encarnar a luchadores con compromiso y entusiasmo.

 

Beneficia la puesta en escena proveyendo el entorno adecuado  la música en vivo ejecutada por una pequeña banda a un lado del escenario.  La musicalización está a cargo de Alberto Santiago.

 

La bien impartida iluminación fue diseñada por Braulio Amadís.

 

El vestuarista es Mario Marín del Río, quien emula los trajes típicos usados por los ídolos del cuadrilátero, al igual que la vestimenta estilo prehispánico de la chamana.  La realización de vestuario fue encomendada a Elsa Ramírez.  La realización de las indispensables y coloridas máscaras es por parte de Mago Máscaras.

 

Se encargan de la producción ejecutiva:  Marcela Feregrino,  Elena Gore  y  Francisco Turón.

 

La producción de MÁSCARA vs CABELLERA es de UN COLECTIVO DE DUENDES  y  AL RESCATE COMPAÑÍA.

 

Aprovecha esta oportunidad para encontrar teatro y lucha libre en un mismo lugar.  Verás un montaje original con impresionante corporalidad de jóvenes que asumen una serie de riesgos, ya que para no sufrir lesiones, tienen que ejecutar su trabajo con absoluta precisión, al igual que los luchadores profesionales.  Te garantizo que te entretendrás y sentirás en carne propia el entusiasmo de los aficionados a este mítico deporte.  Además, es posible que entre el público ande alguna estrella de la lucha libre, dado que esta puesta en escena les ha parecido atractiva y asisten con regularidad.  Apresúrate porque la temporada actual está por concluir.

 

Para comprar tus boletos busca una mesa ubicada al lado de la dulcería.

 

PARIA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2019
 En un continente distinto al de su lugar de origen, hace ocho años se conocieron Pablo Fuentes y Ángel López-Silva.  Desde que iniciaron su conversación se dieron cuenta de que tenían varias cosas en común, compartían cumpleaños y habían nacido el mismo día en el mismo hospital, en la misma ciudad y su encuentro se daba justo 22 años después de esa fecha.  Consideraron que el destino los había unido y pensaron que tanta coincidencia era algo significativo, así que decidieron trabajar juntos.
En esos momentos, no sabían que acababan de sembrar la primera semilla de PARIA.   OLTA Teatro es una agrupación dedicada a la creación y producción de contenido innovador y desafiante, de la que Pablo Fuentes es fundador y productor, en tanto que Ángel López-Silva y Federico González Sosa son productores.  OLTA Teatro ha presentado montajes de algunas de sus obras en el Festival de Edimburgo, Escocia (C-Venues, Underbelly) y en teatros en Londres, Inglaterra (Platform Theatre, Theatre 503, Hackney Showroom).
Es loable que los creadores utilicen sus herramientas como trinchera para hablar sobre temáticas sociales y conforme a esto, hace algunos años, Pablo Fuentes decidió escribir el texto de PARIA con la intención de dramatizar algo relativo a hechos violentos.  En lo cotidiano no acostumbramos a utilizar el vocablo PARIA, común en la India para referirse a una persona del más bajo estrato social quien, por su condición, no tiene derechos civiles ni religiosos, sin embargo, desconocemos cuál es el sentido que el autor concede a este término.
El monólogo PARIA fue estrenado en el Festival de Edimburgo, en su edición del año 2013.  Conforme a lo expresado por los productores, la taquilla del teatro donde se presentó el monólogo hizo un boicot y se rehusó a vender boletos por considerar la obra demasiado controversial y transgresora.  El escritor/director y la actriz principal fueron agredidos en la calle por la misma razón.  No obstante lo cual, al presentarla en otros foros escoceses o londinenses, la obra fue aclamada por provocadora. 
Tiempo después, PARIA llegó a nuestro país para cubrir una temporada en el foro alternativo Casa Tomada de la Ciudad de México.  En aquel entonces, la acción sucedía en una recámara.  Ahora, presentan PARIA por segunda ocasión en la Ciudad de México en un foro que a principios de este año abrió sus puertas y el entorno de esta puesta en escena fue diseñado como una prisión de máxima seguridad.   Según el material promocional:  "PARIA es una experiencia teatral inmersiva, perturbadora y provocadora.  La justicia, la locura, el adoctrinamiento social y la idealización del amor en un monólogo lleno de crimen y comedia".
 
En la sinopsis de PARIA, se lee lo siguiente "La anécdota se sitúa en los noventa, cuando Camilo Trujillo asesina a un productor de telenovelas y su esposa, una famosa actriz. El público visitará al personaje en la prisión máxima de seguridad, donde escuchará las razones que lo llevaron a cometer esos actos".
 
Pablo Fuentes, el autor de PARIA cursó estudios en el Drama Centre, Central Saint Martins, de la Universidad de las Artes en Londres, Inglaterra.  Es probable que allá tengan planes de estudios distintos a los mexicanos porque en todos los cursos de dramaturgia que se imparten en nuestro territorio una de las reglas fundamentales es dar estructura a los textos.  El texto de PARIA carece de estructura.  El supuesto tema de la violencia se va diluyendo conforme avanza la función, hasta desaparecer.    Con tanto elemento distractor, es imposible que alguien concentre su atención.  Igual el autor está consciente de esto porque acude a la repetición constante de ciertas frases como por ejemplo "el accidente no es un crimen" o "no hay perdón donde no hay culpa".  Así mismo, priva cierta confusión en cuanto a las fechas a las que se hace referencia, como al decir que los crímenes ocurrieron durante un terremoto, pero la fecha que mencionan es mayo de 1994.  Más que un discurso contra la violencia, parecieran que lo que buscan es la risa fácil o el entretenimiento colectivo, a través de una extravagante y nutrida mezcla de técnicas propias y ajenas al teatro.  Se utiliza el performance, la farsa, efectos de sonido, luces de discoteca, voz en off, imágenes multimedia, música, chistes de carpa, visos de cabaret, luz negra, reality show y mucho más.  En mi opinión personal, en lugar de ser una obra teatral, PARIA es un espectáculo frenético. 
 
Es curioso que el autor elija las telenovelas como fuente de violencia, cuando las películas de suspenso, las policiacas, las gore, las de terror y hasta las del oeste muestran contenidos mucho más violentos, al igual que las series televisivas de reciente emisión.  De hecho, al menos, las telenovelas mexicanas fueron creadas con el propósito de reunir a las familias frente al televisor.  Es probable que con el tiempo hayan evolucionado y llegue a haber algo de violencia, pero no en los años 90.  En aquellos tiempos los temas habituales eran historias blancas, casi como cuentos, la chica pobre que se casa con un hombre adinerado o alguien que se convertía en millonario de la noche a la mañana, una que otra con temas inspiracionales, y también las hubo para niños o las juveniles y con grupos musicales que alcanzaban la fama.  Los villanos solían traicionar, molestar, aprovecharse, hacer trampas, pero no eran violentos.  Cabe señalar que las telenovelas constituyen una de las industrias con mayor éxito en todo el mundo y, por lo tanto, generan considerables ganancias. 
 
En PARIA el acceso al público se va dando en forma paulatina.  Sólo permiten la entrada a cierto número de personas.  Mientras se hace fila, el misterio es contundente y no cabe dude de que estamos ante un proyecto realmente inmersivo.  Abren la puerta y el humo que emana envuelve a los más cercanos.  Una vez adentro, en lugar de comprar los boletos en una taquilla, el espectador está frente a una ventanilla semejante a  las utilizadas en penales para registrar a visitantes.  El equipo del foro hace un gran trabajo, tomándose muy en serio el papel de personificar a guardias rudos que hablan golpeado, incluso con alguna palabra altisonante, dando instrucciones como:  "¡arrímense a la pared!" o  "¡no deben ver directamente al reo a sus ojos!", por cierto, el "boleto" que entregan también contiene instrucciones.  Luego, viene la revisión de pertenencias y el cateo físico.  Desafortunadamente, este procedimiento dura más de 40 minutos y peor aún, tan pronto dan la tercera llamada, la magia de la inmersión se extingue.  El público está frente a un cubo rodeado de láminas de polietileno y dentro está el "siniestro" homicida.
 
En la puesta en escena se prescinde de la cuarta pared.  La trama gira en torno a descubrir los móviles que llevaron a Camilo Héctor Eusebio Trujillo a asesinar a Roberto Callejón y a su bella esposa, afamada actriz de telenovelas.  Camilo hace un recuento detallado desde la época en que vendía aspiradoras de puerta en puerta, hasta que quería convertirse en escritor de telenovelas, pasando por la música que estaba de moda, como el grupo Flans, y también encarna a los demás personajes que intervienen en el relato, para que sean escuchados.
 
La labor de dirección por parte de Pablo Fuentes es consistente con su texto, lo único que persigue con su trazo escénico es que la acción sea vertiginosa.
 
Ángel López-Silva realiza un trabajo excepcional, haciendo gala de su versatilidad al encarnar a un individuo con un notorio padecimiento mental que vive en un mundo irreal creado por sí mismo.  Es sorprendente cómo puede memorizar un texto tan inconexo y coordinar los parlamentos con las acciones, sobre todo, siendo éstas extremadamente diversas.  Mientras narra la historia, el actor se quita prendas, se traviste, se coloca máscaras, se pone peluca, brinca, baila, canta, se contonea, acciona pedales para efectos de sonido, hace malabares con una silla, toma de patiño a algún espectador, interactúa con el público, pone cara de loco, se baña en sangre, sube y baja del escenario.  Es indudable que se entrega en cuerpo y alma al proyecto.
 
Complementan el equipo creativo:  Federico González Sosa en diseño sonoro,  Pablo Fuentes en diseño de producción,  Leslie Montero en iluminación,  Rodrigo Gutiérrez en construcción,  Francisco Ordóñez en gerencia de escena,  Santiago Sentíes en administración,  Enrique Saavedra en medios,  Raquel Bañón en comunicación.
 
PARIA cuenta con el patrocinio de Distrito Global.
 
La producción es de OLTA Teatro.
Si bien los objetivos del autor y el intérprete en cuanto a confrontar al espectador sobre el sentido de la moral y la justicia no llegan a buen puerto en razón al discordante texto y a que el formato del montaje, en lugar de incitar a la reflexión lo que provoca es hilaridad, aún quedan algunas razones para ver PARIA.  Es una propuesta original,  ofrece la posibilidad de experimentar algo inmersivo antes de entrar a la sala,  ver a un actor polifacético y comprometido en constante acción  y,  a la salida, apreciar una instalación bien realizada del archivo personal del rePARIA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Agosto 2019
 En un continente distinto al de su lugar de origen, hace ocho años se conocieron Pablo Fuentes y Ángel López-Silva.  Desde que iniciaron su conversación se dieron cuenta de que tenían varias cosas en común, compartían cumpleaños y habían nacido el mismo día en el mismo hospital, en la misma ciudad y su encuentro se daba justo 22 años después de esa fecha.  Consideraron que el destino los había unido y pensaron que tanta coincidencia era algo significativo, así que decidieron trabajar juntos.
En esos momentos, no sabían que acababan de sembrar la primera semilla de PARIA.   OLTA Teatro es una agrupación dedicada a la creación y producción de contenido innovador y desafiante, de la que Pablo Fuentes es fundador y productor, en tanto que Ángel López-Silva y Federico González Sosa son productores.  OLTA Teatro ha presentado montajes de algunas de sus obras en el Festival de Edimburgo, Escocia (C-Venues, Underbelly) y en teatros en Londres, Inglaterra (Platform Theatre, Theatre 503, Hackney Showroom).
Es loable que los creadores utilicen sus herramientas como trinchera para hablar sobre temáticas sociales y conforme a esto, hace algunos años, Pablo Fuentes decidió escribir el texto de PARIA con la intención de dramatizar algo relativo a hechos violentos.  En lo cotidiano no acostumbramos a utilizar el vocablo PARIA, común en la India para referirse a una persona del más bajo estrato social quien, por su condición, no tiene derechos civiles ni religiosos, sin embargo, desconocemos cuál es el sentido que el autor concede a este término.
El monólogo PARIA fue estrenado en el Festival de Edimburgo, en su edición del año 2013.  Conforme a lo expresado por los productores, la taquilla del teatro donde se presentó el monólogo hizo un boicot y se rehusó a vender boletos por considerar la obra demasiado controversial y transgresora.  El escritor/director y la actriz principal fueron agredidos en la calle por la misma razón.  No obstante lo cual, al presentarla en otros foros escoceses o londinenses, la obra fue aclamada por provocadora. 
Tiempo después, PARIA llegó a nuestro país para cubrir una temporada en el foro alternativo Casa Tomada de la Ciudad de México.  En aquel entonces, la acción sucedía en una recámara.  Ahora, presentan PARIA por segunda ocasión en la Ciudad de México en un foro que a principios de este año abrió sus puertas y el entorno de esta puesta en escena fue diseñado como una prisión de máxima seguridad.   Según el material promocional:  "PARIA es una experiencia teatral inmersiva, perturbadora y provocadora.  La justicia, la locura, el adoctrinamiento social y la idealización del amor en un monólogo lleno de crimen y comedia".
 
En la sinopsis de PARIA, se lee lo siguiente "La anécdota se sitúa en los noventa, cuando Camilo Trujillo asesina a un productor de telenovelas y su esposa, una famosa actriz. El público visitará al personaje en la prisión máxima de seguridad, donde escuchará las razones que lo llevaron a cometer esos actos".
 
Pablo Fuentes, el autor de PARIA cursó estudios en el Drama Centre, Central Saint Martins, de la Universidad de las Artes en Londres, Inglaterra.  Es probable que allá tengan planes de estudios distintos a los mexicanos porque en todos los cursos de dramaturgia que se imparten en nuestro territorio una de las reglas fundamentales es dar estructura a los textos.  El texto de PARIA carece de estructura.  El supuesto tema de la violencia se va diluyendo conforme avanza la función, hasta desaparecer.    Con tanto elemento distractor, es imposible que alguien concentre su atención.  Igual el autor está consciente de esto porque acude a la repetición constante de ciertas frases como por ejemplo "el accidente no es un crimen" o "no hay perdón donde no hay culpa".  Así mismo, priva cierta confusión en cuanto a las fechas a las que se hace referencia, como al decir que los crímenes ocurrieron durante un terremoto, pero la fecha que mencionan es mayo de 1994.  Más que un discurso contra la violencia, parecieran que lo que buscan es la risa fácil o el entretenimiento colectivo, a través de una extravagante y nutrida mezcla de técnicas propias y ajenas al teatro.  Se utiliza el performance, la farsa, efectos de sonido, luces de discoteca, voz en off, imágenes multimedia, música, chistes de carpa, visos de cabaret, luz negra, reality show y mucho más.  En mi opinión personal, en lugar de ser una obra teatral, PARIA es un espectáculo frenético. 
 
Es curioso que el autor elija las telenovelas como fuente de violencia, cuando las películas de suspenso, las policiacas, las gore, las de terror y hasta las del oeste muestran contenidos mucho más violentos, al igual que las series televisivas de reciente emisión.  De hecho, al menos, las telenovelas mexicanas fueron creadas con el propósito de reunir a las familias frente al televisor.  Es probable que con el tiempo hayan evolucionado y llegue a haber algo de violencia, pero no en los años 90.  En aquellos tiempos los temas habituales eran historias blancas, casi como cuentos, la chica pobre que se casa con un hombre adinerado o alguien que se convertía en millonario de la noche a la mañana, una que otra con temas inspiracionales, y también las hubo para niños o las juveniles y con grupos musicales que alcanzaban la fama.  Los villanos solían traicionar, molestar, aprovecharse, hacer trampas, pero no eran violentos.  Cabe señalar que las telenovelas constituyen una de las industrias con mayor éxito en todo el mundo y, por lo tanto, generan considerables ganancias. 
 
En PARIA el acceso al público se va dando en forma paulatina.  Sólo permiten la entrada a cierto número de personas.  Mientras se hace fila, el misterio es contundente y no cabe dude de que estamos ante un proyecto realmente inmersivo.  Abren la puerta y el humo que emana envuelve a los más cercanos.  Una vez adentro, en lugar de comprar los boletos en una taquilla, el espectador está frente a una ventanilla semejante a  las utilizadas en penales para registrar a visitantes.  El equipo del foro hace un gran trabajo, tomándose muy en serio el papel de personificar a guardias rudos que hablan golpeado, incluso con alguna palabra altisonante, dando instrucciones como:  "¡arrímense a la pared!" o  "¡no deben ver directamente al reo a sus ojos!", por cierto, el "boleto" que entregan también contiene instrucciones.  Luego, viene la revisión de pertenencias y el cateo físico.  Desafortunadamente, este procedimiento dura más de 40 minutos y peor aún, tan pronto dan la tercera llamada, la magia de la inmersión se extingue.  El público está frente a un cubo rodeado de láminas de polietileno y dentro está el "siniestro" homicida.
 
En la puesta en escena se prescinde de la cuarta pared.  La trama gira en torno a descubrir los móviles que llevaron a Camilo Héctor Eusebio Trujillo a asesinar a Roberto Callejón y a su bella esposa, afamada actriz de telenovelas.  Camilo hace un recuento detallado desde la época en que vendía aspiradoras de puerta en puerta, hasta que quería convertirse en escritor de telenovelas, pasando por la música que estaba de moda, como el grupo Flans, y también encarna a los demás personajes que intervienen en el relato, para que sean escuchados.
 
La labor de dirección por parte de Pablo Fuentes es consistente con su texto, lo único que persigue con su trazo escénico es que la acción sea vertiginosa.
 
Ángel López-Silva realiza un trabajo excepcional, haciendo gala de su versatilidad al encarnar a un individuo con un notorio padecimiento mental que vive en un mundo irreal creado por sí mismo.  Es sorprendente cómo puede memorizar un texto tan inconexo y coordinar los parlamentos con las acciones, sobre todo, siendo éstas extremadamente diversas.  Mientras narra la historia, el actor se quita prendas, se traviste, se coloca máscaras, se pone peluca, brinca, baila, canta, se contonea, acciona pedales para efectos de sonido, hace malabares con una silla, toma de patiño a algún espectador, interactúa con el público, pone cara de loco, se baña en sangre, sube y baja del escenario.  Es indudable que se entrega en cuerpo y alma al proyecto.
 
Complementan el equipo creativo:  Federico González Sosa en diseño sonoro,  Pablo Fuentes en diseño de producción,  Leslie Montero en iluminación,  Rodrigo Gutiérrez en construcción,  Francisco Ordóñez en gerencia de escena,  Santiago Sentíes en administración,  Enrique Saavedra en medios,  Raquel Bañón en comunicación.
 
PARIA cuenta con el patrocinio de Distrito Global.
 
La producción es de OLTA Teatro.
Si bien los objetivos del autor y el intérprete en cuanto a confrontar al espectador sobre el sentido de la moral y la justicia no llegan a buen puerto en razón al discordante texto y a que el formato del montaje, en lugar de incitar a la reflexión lo que provoca es hilaridad, aún quedan algunas razones para ver PARIA.  Es una propuesta original,  ofrece la posibilidad de experimentar algo inmersivo antes de entrar a la sala,  ver a un actor polifacético y comprometido en constante acción  y,  a la salida, apreciar una instalación bien realizada del archivo personal d, misma que se encuentra a un lado de la cantina del local  y  conocer un nuevo centro cultural en un inmueble que alguna vez fuera la nave industrial de una imprenta, ahora convertido en foro y cantina.  Así que si quieres saber qué se siente visitar a un reo, ver de frente su locura mientras divaga sobre sus recuerdos, mirar sus pertenencias  y, después de la función, degustar algún bocadillo o bebida, PARIA te espera.

PARIA
se presenta los miércoles a las 20:00 horas  y
los domingos a las 18:30 horas  en el
CENTRO GALERA
Centro Cultural Multidisciplinariola Colonia Doctores

La temporada concluye el miércoles 28 de agosto de 2019o, misma que se encuentra a un lado de la cantina del local  y  conocer un nuevo centro cultural en un inmueble que alguna vez fuera la nave industrial de una imprenta, ahora convertido en foro y cantina.  Así que si quieres saber qué se siente visitar a un reo, ver de frente su locura mientras divaga sobre sus recuerdos, mirar sus pertenencias  y, después de la función, degustar algún bocadillo o bebida, PARIA te espera.

PARIA
se presenta los miércoles a las 20:00 horas  y
los domingos a las 18:30 horas  en el
CENTRO GALERA
Centro Cultural Multidisciplinario
ubicado en la calle Doctor Carmona y Valle número 147
Colonia Doctores
> Cerca de la Estación Jardín Pushkin de la Línea 3 del Metrobús
Ciudad de México

Duración aproximada:  90 minutos
 
Costos de localidades
Preferencial:   $350
General:  $250
Económico:  $150
 
Descuentos para estudiantes  y  vecinos de la Colonia Doctores

La temporada concluye el miércoles 28 de agosto de 2019

 

 

VALENTINO CLEMENS
Y LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019
A fin de impulsar a las nuevas generaciones de dramaturgos, cada año hay diversas convocatorias para aquellos autores que tienen una obra inédita y desean participar.  Entre éstas, una de las más esperadas es la que realiza la Secretaría de Cultura, a través del Centro Cultural Helénico y cuyo objeto es entregar el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo, en virtud de que, además de otorgar una recompensa económica, incluye el montaje, la representación y la publicación de la obra ganadora.  Este premio ha ido evolucionando con el tiempo y el número de autores interesados en participar se incrementa año con año. 
La obra que resultó ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2018 fue VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA de la autoría de Isabel Vázquez Quiroz, quien sólo utiliza su segundo apellido en su faceta de dramaturga.   
En la edición 2018 el jurado estuvo integrado por Verónica Bujeiro, Cutberto López e Itzel Lara.  Al dictaminar que VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA era la obra ganadora, el jurado declaró que la había seleccionado por "retratar el momento histórico y las devastadoras consecuencias que tienen el desencanto y la violencia en la juventud, que reflexiona ante la imposibilidad de futuro y, en contraparte, por encontrar en la figura del perdedor un canto a la vida que sigue abriendo espacio a la esperanza. El texto muestra un desarrollo bien sustentado del personaje y su tránsito dramático hacia una conclusión que es consecuente con el planteamiento del argumento en su conjunto".
Por primera ocasión la Compañía Nacional de Teatro -CNT- se sumó a los esfuerzos de la Secretaría de Cultura y del Centro Cultural Helénico en la promoción del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo.  De hecho, la obra ganadora de la edición 2018 pasará a formar parte del repertorio de la CNT.
Isabel Quiroz es oriunda de la Ciudad de México, pero reside en el Estado de Veracruz.  Obtuvo su licenciatura en teatro en la Universidad Veracruzana.  Se ha desempeñado como actriz, asistente de producción y directora escénica en diversos montajes.  Como dramaturga, VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA es su sexta obra.  Actualmente es beneficiaria del Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA), trabaja en el grupo independiente Periferia Teatro y en Casa 13 Espacio Cultural en Xalapa, Veracruz.  
El texto de VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA está bien estructurado y logra captar la atención de principio a fin.   Según dijo Isabel Quiroz, se inspiró en la vida real y, de hecho, tomó algunas anécdotas de amigos muy cercanos a ella.   Refleja la vida de aquellos jóvenes que por cualquier motivo están solos, sea porque los abandonaron, se perdieron o huyeron.  El caso es que no tienen familia, guía ni amparo.  Se enfrentan a la vida y a sus problemáticas como pueden.  En su búsqueda de identidad, igual se tiñen el cabello con colores estridentes, se hacen cortes atrevidos, se ponen tatuajes o portan prendas que no corresponden a un estilo definido.  En su necesidad de calor humano, si llegan a encontrar a alguien con quien se identifican, establecen fuertes lazos de amistad y, de algún modo, se adoptan unos a otros, formando una "familia" por elección.  Así mismo, en su relato Isabel aborda las problemáticas de nuestros tiempos, donde, lamentablemente, tantos jóvenes desaparecen.  Isabel incorpora la música como un elemento esperanzador o de escape, con lo cual atenúa el impactante realismo que imprime en su obra. 
La trama versa sobre los andares de Valentino Clemens, un joven de 25 años, a quien su madre dejó encargado con la abuelita, a la que con cariño llama Mamá Jenny.  Cuando Mamá Jenny fallece, justo antes de expirar dice a Valentino:  "¡Vive!".  Además de la tristeza, Valentino se siente desamparado, pero tanto para honrar la voluntad de su abuela, como por sí mismo, tendrá que sobreponerse y vivir.  No tiene dinero ni trabajo, así que va en busca de Max, Roxine y Loren, unos jóvenes que recientemente conoció en un bar, con quienes simpatizó y estuvo muy a gusto.  Sabe que viven juntos y comparten gastos.  La verdad es que al principio ellos no lo aceptan, pero él persevera hasta lograrlo.  Por fin, Valentino tiene la "familia" que anhelaba.  Después de todo, "hasta el más recio necesita un abrazo".  Juntos conversan, tocan instrumentos, cantan y bailan.  Para subsistir, hacen presentaciones en bares, ya sea en grupo o individualmente.  Se sienten bien, la vida les sonríe hasta que un día Max desaparece.  Por más intentos que hacen para localizarlo, no vuelven a saber de él.  Esto los deja devastados, pensando "¿cómo se arranca el dolor?".  ¿Qué sucederá ahora? …
Mahalat Sánchez realiza una brillante labor de dirección.  Su trazo escénico es firme y definido.  Capta la esencia del relato y lo traslada a escena. Las coreografías están bien diseñadas y ejecutadas.  Dimensiona las acciones fraccionando el escenario.  Con acierto entreteje lo musical con los parlamentos y la acción.  Aprovecha a fondo el espacio.  El ritmo es preciso.
Como es su costumbre, los integrantes del elenco estable de la CNT ofrecen un excelente desempeño histriónico, corporal y vocal.  En esta ocasión, los intérpretes son:  Ana Paola Loaiza (Loren),  Carlos Oropeza (Valentino Clemens),  Fernando Huerta (Max),  e  Ichi Balmori (Roxine).  La elección del elenco es adecuada, ya que todos son bellos pero distintos, reafirmando con esto que son hermanos elegidos y no consanguíneos.
En cuanto al diseño sonoro, indispensable para crear la ambientación idónea, la música original es de Edwin Tovar y Carlos Matus, músicos residentes del elenco estable de la CNT.
Tanto los actores y actrices, como los músicos participantes son beneficiarios del Programa Compañía Nacional de Teatro del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
El diseño de escenografía e iluminación es de Félix Arroyo, quien realiza una gran labor en sus dos rubros.  La escenografía es sencilla, pero práctica y funcional,  Representa un departamento con muebles modestos y tradicionales, pero la subdivide en espacios diversos básicamente a través de la iluminación.
El diseño de movimiento lo imparte Ichi Balmori en forma variada y coordinada.
La producción de VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA es de la SECRETARÍA DE CULTURA, a través del CENTRO CULTURAL HELÉNICO y la COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO.
Acompaña a Valentino Clemens en sus andares, conocerás sus inquietudes, alegrías y pesares.  VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA es un conmovedor relato de nuestra incierta realidad actual, en la que hay desaparecidos, narrado desde la perspectiva de una joven que lo ha sufrido en carne propia y sabe lo difícil que es lidiar con una desaparición.  Sin embargo, hay que seguir adelante y sanar heridas.  Isabel Quiroz utiliza su dramaturgia para hacerlo.   Un montaje que deja huella, dirección impecable, actuaciones entrañables y melódica música.   

 

VALENTINO CLEMENS Y  LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA
se presenta los  martes  a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  90 minutos
Costo de la localidad:   $200
La temporada concluye el martes 10 de septiembre de 2019

 

MEDEA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019

Las tragedias griegas han trascendido todos los límites de tiempo y espacio.  Es sorprendente cómo habiéndose escrito hace siglos, continúan vigentes en todo el mundo.  Sin lugar a dudas constituyen los cimientos del teatro.  Son también las primeras obras a las que se alude en cualquier clase de teatro.  Es imprescindible que todo aquel que pretenda dedicarse a la creación teatral en cualquier disciplina, sepa quiénes fueron Esquilo, Sófocles y Eurípides    Los textos de estos grandes autores no sólo han sido representados tal y como fueron escritos en incontables ocasiones en los seis continentes, sino que se han convertido en fuente inagotable de inspiración para autores a lo largo de la historia. 

 

Para llegar a ser pilares del arte escénico, los insignes dramaturgos griegos abordaron temáticas fuertes donde había amor, pasión, guerra, asesinatos, adulterio, injusticia y traición.  Sus personajes se enfrentan a conflictos de ética, moral, política e individualidad, suelen defender sus principios como nadie y son capaces de transgredir todo tipo de normas para alcanzar sus propósitos.  Supieron retratar la esencia humana en su amplio abanico de escalas, desde la espiritualidad hasta lo más sórdido.  Finalmente, esa esencia no cambia con los tiempos y esa es probablemente la razón fundamental de su trascendencia. 

 

Creadores de todas las épocas han revisitado la tragedia griega, indagándola y desmenuzándola.  En sus procesos de adaptación o creación de una nueva versión, han explorado a fondo sus hilos conductores para descubrir que pueden deconstruir las historias, desmitificar a los personajes, modificar el lugar o la época en que ocurre y mucho mas.  Desde luego, no todas las nuevas versiones son exitosas, pero las bien logradas pueden resultar extraordinarias. 

 

En fechas recientes se ha presentado en la Ciudad de México la INVASIÓN GRIEGA, una propuesta integrada por tres de las obras más representativas de la tragedia griega, desde la perspectiva de destacados dramaturgos mexicanos:   EDIPO; NADIE ES ATEO, dramaturgia y dirección de David Gaitán, elenco:  Raúl Briones, Carolina Politi, Adrián Ladrón, Diana Sedano, Ramón Morales;  LA ORESTIADA, una trilogía escrita por Esquilo, conformada originalmente por AgamenónLas coéforas Las eumínides, en una adaptación hecha por el dramaturgo inglés Robert Icke, bajo la dirección de Lorena Maza , elenco:  Mauricio Davison, José Carlos Rodríguez, Laura Almela,  Luis Miguel Lombana, Emma Dib, Cristian Magaloni, Inés de Tavira, Abril Pinedo, y Renata Ramos,  y  MEDEA, de la autoría de Antonio Zúñiga, bajo la dirección de Mauricio García Lozano, que es a la que se refiere la presente Nota.  

 

MEDEA es considerada por muchos como la obra cumbre de Eurípides.  Se trata sobre una mujer que al ver su lecho mancillado urde una venganza ejemplar que la lleva a asesinar a sus propios hijos, a fin de que nada se interponga entre ella y su amado Jasón.  Antonio Zúñiga, uno de los más reconocidos dramaturgos mexicanos con una larga trayectoria en su haber nos ofrece su propia versión, enclavando la historia en un burdel en una región de Tlaxcala, donde uno de los negocios más prósperos es la trata de blancas. 

 

En la versión de Antonio Zúñiga MEDEA es una mujer joven hermosa que se enamora perdidamente de Jasón, quien es un popular proxeneta en el poblado de Tlaxcala, donde ambos residen.  Pedro le hace creer a María que la ama, pero, en realidad, encuentra en ella a una aliada ideal que con sus encantos, encantamientos y poder de convencimiento embauca a decenas de jovencitas ingenuas, a fin de engrosar las filas de su "rebaño" para dedicarse al oficio más antiguo.   El negocio familiar les reditúa beneficios económicos y Jasón y Medea tienen tiempo para entregarse a las mieles de la pasión.  Medea regentea el lugar y todo pareciera ir bien, hasta que un día se da cuenta de que Pedro la está traicionando. Medea se pierde en los laberintos de la ira, siente rabia, despecho y dolor sin contención alguna.  Dejan de importarle sus hijos, su hermano, su familia, todo, lo único que desea es recuperar el amor de su marido y se deja llevar por las fuerzas más oscuras.  

 

El texto escrito por Antonio Zúñiga es de buena factura e idónea estructura, capta el interés del espectador desde el primer momento.  Hace más comprensible para el espectador la magnificencia de las tragedias griegas, tocando un tema crucial y doloroso para todos los mexicanos al ver cuán natural es para ciertos pobladores de algunas regiones dedicarse a negocios tan despreciables sin que nadie tome medidas para evitarlo.  Con acierto delinea a sus personajes, dando especial atención a su protagonista.    

 

La labor de dirección por parte de Mauricio García Lozano es formidable.  Enmarca el brillante texto de Zúñiga en un entorno pertinente, trasladándolo a escena con toda su potencia.  Su trazo es pulcro y preciso.  Revisita la tragedia griega al colocar a las jóvenes engatusadas como el clásico coro, que a los griegos les era imprescindible.  Balancea los parlamentos con la acción,  Imprime estética en las entradas y salidas de los personajes.  Diseña con acierto la corporalidad.  Aprovecha a fondo el espacio y lo dimensiona para diversificar tiempos o lugares.  El ritmo es exacto. 

 

El elenco está integrado por:  Ilse Salas (Medea), Raúl Villegas (Jasón), Aída López (Jasón), Mauricio Pimentel (Creonte),  Margarita Lozano (Alma y Rosa), Christian Cortés (hermano de Medea), Gabriela Montiel (Mitzi), Natalia Solián (Lupe),  Samantha Coronel (Meche).  El desempeño histriónico y corporal por parte de todos es estupendo, destacando, desde luego, Ilse Salas que ofrece una de las interpretaciones más intensas de todos los tiempos, realmente impresionante.  

 

Complementan el equipo creativo con pertinentes trabajos:  Dulce Zamarripa en diseño de escenografía,  Ingrid Sac en diseño de iluminación,  Pablo Chemor en música original,  Pablo Chemor y Nicolás García Lieberman en diseño sonoro y musicalización,  Estela Fagoaga en diseño de vestuario,  Vivian Cruz en movimiento escénico y coreografía,  Miguel Santa Rita es el asistente de dirección,  Omar González es el asistente de escenografía,  Eduardo Villalobos en atrezzo y utilería,  Antonio Pérez,  Verónica Salazar,  Juan Carlos Chico,  Sergio Chico,  Ángel Vargas,  Sergio Maya  y  Alexis Martínez en realización de escenografía,  Miriam Quijano Trama & Dram Vestuario y Producción, S.A. de C.V. en coordinación de vestuario,  Carmita Soria y Taller Trama & Drama (Rafael y Arón Correa) en realización de vestuario,  e  Isabel Becerril en texturización de vestuario.

 

Claudio Sodi es el productor general,  Mariana Calderón la coordinadora de producción,  Diego Flores es productor ejecutivo,  María Alemán  y  Alejandro Larracilla son los asistentes de producción,  Omar Romero en producción administrativa,  Marisol Ventura en contabilidad,  iEve González en fotografía y diseño gráfico,  Icunacury Acosta en relaciones Públicas,  y  Alberto Clavijo es el Community Manager. 

 

 

 

MEDEA, la obra maestra escrita por Eurípides en el año 431 a.C., es revisitada por un destacado dramaturgo para ofrecer al público un poderoso texto, el cual es llevado a escena por uno de los más reconocidos directores mexicanos.  Desde su comienzo atrapará tu atención.  Teatro de calidad hecho por un equipo talentoso y muy comprometido.  Te aseguro que será de tu agrado y quedarás impactado por la memorable interpretación de Ilse Salas.  Apresúrate porque la temporada actual está en su recta final y quedan unas cuantas funciones.  ¡Imperdible!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

MEDEA
se presenta viernes 26 de julio a las  19:00 horas  y  21:00 horas
sábado 27 de julio a las  17:30 horas  y  19:30 horas  y
domingo 28 de julio a las  18:00 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
 
Duración aproximada:  90 minutos
 
Costo de la localidad:   $400
 
La temporada concluye el domingo 28 de julio de 2019

 

AYUDANDO A JUDITH
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019
Se dice que "mujeres juntas ni difuntas", lo cual dista mucho de la realidad.  Es posible que esto venga de que ponemos atención en los detalles.  Al conocer a alguien tendemos a analizar y si es una mujer, nos fijamos cómo luce, qué prendas usa, su maquillaje, peinado y arreglo, para luego ver su forma de ser y temperamento.  También somos más selectivas que los varones, no acostumbramos hacer amigos de inmediato, pero una vez que se establece el vínculo de amistad, podríamos llegar a ser incondicionales.  
Desde luego, cada quien brinda su amistad y cariño a su propio estilo y el tiempo es otro factor de importancia, acorde a la duración, más apego desarrollamos, pero, en general, las mujeres somos bastante solidarias.  Cuando un ser querido nos pide un favor, hacemos todo lo que está en nuestras manos por hacerlo.  Tú, ¿hasta dónde llegarías para apoyar a una amiga?.
Este tema es el que aborda Javier Malpica en AYUDANDO A JUDITH.  Javier Malpica es un dramaturgo y director mexicano, observador y sensible, preocupado por las problemáticas sociales.  Javier utiliza su pluma como trinchera para alertar o denunciar aquello que debe corregirse.  Es común que en sus obras toque algún punto neurálgico del espectador con respecto al tema que aborda, mismo que puede ser de cualquier índole.  Trabajador incansable, se ha dedicado a escribir textos, algunos en coautoría con su hermano Antonio, varios de los cuales han sido llevados a escena y/o publicados.  A la fecha tiene en su haber un número considerable de premios y reconocimientos.
El texto que nos ofrece Javier Malpica en AYUDANDO A JUDITH es de buena factura y capta la total atención del público desde el principio.  Lo escribió en formato de suspenso, ya que poco a poco va develando detalles respecto de la situación que atraviesan las protagonistas.  Se basa primordialmente en la amistad entre mujeres, pero también alude a diferentes situaciones que las féminas afrontan en su día a día, como irresponsabilidad o infidelidades del marido, golpes, abusos o abandono, entre otras.  Define a cada personaje en forma minuciosa.  A pesar de ser muy distintas entre ellas, cada mujer tiene sus propias características.  Con tino refleja la esencia femenina.  Toda la trama está salpicada de humor blanco y negro.
Judith es una joven muy bonita que deslumbra a quien la ve.  Esto le ha dado suerte en sus estudios y trabajo, pero no en el amor.  Judith siempre cae con el hombre menos indicado.  Su prima Nadia le avisa de que hay una vacante en donde trabaja y Judith acude gustosa.  Fátima y Sara, amigas de Nadia, pronto se hacen amigas de Judith y juntas forman un cuarteto donde hay cariño, confianza y hermandad.   Como Judith es la más joven, todas son protectoras con ella.  En tanto que Nadia asevera: "los amantes son lo mejor, no hay ataduras, no hay compromiso",  Fátima pregona que la verdad va ante todo, de hecho, ella confiesa "yo no sé decir mentiras",  y  Sara es fanática de las películas, así que se la pasa citando escenas que le han impactado.  A pesar de que ellas tienen vidas y pensamientos distintos, aprecian mucho la amistad que las une.
A su manera, son felices.  Forman un gran equipo en la planta en la que laboran, que es lo que coloquialmente denominamos como un rastro.  En tanto que Nadia, Sara y Judith trabajan destazando la carne, distribuyéndola, haciendo cortes y empacando, Fátima está en las oficinas como secretaria.  Una a otra se cubren frente a don Nabor, el Jefe, cuando tienen que faltar, llegar tarde o salir.  Todo va bien hasta que un día Judith conoce a Horacio y se enamora a primera vista.  El romance es tan fuerte que se casan de inmediato.  La boda fue de ensueño.  De eso, han transcurrido seis meses, pero algo sale mal y Judith requiere de la ayuda de sus amigas y les pedirá algo extraño que no cualquiera sería capaz de llevar a cabo, pero para ellas la amistad es tan importante que harán lo que sea preciso para ayudarla.
La labor de dirección por parte de Gabriela Ochoa es estupenda.  Como siempre, Gabriela aplica su conocimiento y experiencia.  En este caso, también aflora su sensibilidad femenina.  Su trazo escénico es impecable.  Traslada fielmente el texto y le añade la acción a manera de subtexto.  Con apoyo en la iluminación marca cambios de espacio y tiempo.  Con acierto imprime balance, ritmo y coordinación. 
El elenco está conformado por tres actrices con trayectoria:  Pilar Cerecedo como Fátima,  Alejandra Chacón como Nadia  y  Romina Coccio como Sara.   Las tres ofrecen un buen desempeño histriónico y corporal, logrando personajes convincentes.  Destaca Alejandra por sus graciosas expresiones.
El responsable del diseño escénico es Tenzing Ortega, a quien sólo le bastan tres maletas, una mochila y pocos elementos escénicos para crear el entorno,
El diseño de vestuario es acertado, con prendas típicas de trabajo y accesorios apropiados.
El diseño sonoro para ambientar las situaciones es de Genaro Ochoa.
Complementan el equipo creativo:  Camila Villegas en producción ejecutiva,  Adriana Hoth en asistencia,  Verónica Bujeiro en diseño gráfico,  Benjamín Becerra en diseño de logotipo,  D de Digital en redes,  y  Denise Anzures en prensa.
Los trabajos son consistentes con los objetivos que persigue TEATRO SIN ARNÉS, una agrupación que "presenta textos inéditos de dramaturgos mexicanos contemporáneos, en puestas en escena que privilegia el evento teatral con el único soporte de la creación del personaje a través de dirección y actuación, despojado de 'su arnés', pues sólo hay guiños de escenografía y vestuario.  Así como el escalador sube a mano limpia, el actor sin arnés cuenta una historia y reta a la imaginación del espectador".
AYUDANDO A JUDITH es una coproducción de  TEATRO SIN ARNÉS  y  LA TEATRERÍA,  con el apoyo del COLECTIVO ESCÉNICO EL ARCE.
Únete a la brigada de ayuda a Judith, lo fundamental es sacarla del problema en que se metió.  Un texto ameno, montaje sencillo, dirección idónea y tres actrices que abrazan cálidamente a sus personajes para agradarte.  Un tema fuerte con mucho humor que resulta tan impactante como divertido.  Toma en cuenta que el foro tiene cupo limitado, así que llega con tiempo para alcanzar boletos y ve lo más pronto posible porque quedan pocas funciones de esta temporada.
 
AYUDANDO A JUDITH
se presenta los  martes  a las  21:00 horas  en
la  SALA B  de
LA TEATRERÍA
ubicada en Tabasco número 152,
Colonia Roma,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  80 minutos
 
Costo de la localidad:  $200
 
La temporada concluye el martes 6 de agosto de 2019
HERENCIA FLAPPER
La distopía de un futuro sin diálogo
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019
El año pasado, con el propósito de conmemorar el quincuagésimo aniversario de los nefastos sucesos ocurridos en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco, donde, como sabemos, muchos jóvenes estudiantes fueron asesinados, David Olguín llevó a cabo el montaje de la obra XICO 68 escrita y dirigida por él, la cual tuvo un éxito rotundo.  Pero esto no fue lo único gratificante que dejó este proyecto, sino que durante los ensayos y la puesta en escena David Olguín se percató de que su elenco conformado por jóvenes talentosos, recién egresados de dos escuelas profesionales de actuación, la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- y el Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM, coincidían en ideas y sentían la necesidad de expresarlas.  Por azares del destino, justo en ese tiempo, se tenía la posibilidad de financiar un proyecto ambicioso, así que se cumplían las condiciones para emprender la aventura de fundar una compañía de jóvenes con un elenco estable, con el propósito de dar voz y foro a las propuestas de los nuevos autores, directores e intérpretes de la escena mexicana.  Fue así como surgió EL MILAGRITO.
Las primeras actividades que se tienen previstas para EL MILAGRITO son:  conservar como parte de su repertorio XICO 68  y presentar dos producciones que tengan incidencia y dialoguen con la actualidad sociopolítica del país, como perfil y horizonte temático.   De las dos producciones mencionadas, la primera es:  HERENCIA FLAPPER.
La distopia de un futuro sin diálogo:  HERENCIA FLAPPER es el resultado de las exploraciones sobre género llevadas a cabo por los integrantes del recién formado EL MILAGRITO, a través de un laboratorio teatral durante el cual intercambiaron ideas sobre el mundo en el que les gustaría vivir.  A la creación colectiva, se sumaron  Laura Baneco  y Elfye Bautista y entre todos emitieron un texto de buena factura y consistente, resumiendo las inquietudes que, en general, agobian a los jóvenes en la actualidad, mismo que capta la atención del púbico de principio a fin.
Los jóvenes de EL MILAGRITO comparten esta sinopsis de HERENCIA FLAPPER:  "En un mundo muy parecido al nuestro, nacieron unos seres caminantes. Curiosos por conocer su sentido y destino, crearon a un ser semejante a ellos, sólo más poderoso. La llegada de esta criatura traerá complicaciones para sus vidas, pues ha establecido un orden de las cosas y ese orden nada tiene que ver con la realidad.  HERENCIA FLAPPEes una obra que cuestiona los roles de género en nuestra sociedad. ¿A quién le conviene que las cosas estén como están?, ¿qué significa pertenecer a un género o a otro?, ¿o no pertenecer a ninguno?".
 
Comencemos por el título.  Al parecer, lo de HERENCIA alude a que traemos la herencia bajo la piel, aún si viviéramos en otro mundo, conservaríamos los mismos prejuicios y arquetipos de conducta que hemos aprendido .  La traducción literal de FLAPPER chico a la moda.  En un afán de identidad, para todos es importante estar a la moda, algunos lo logran, otros no, pero lo cierto es que las tendencias evolucionan tan rápido que estar a la moda resulta difícil.  En un sentido más amplio, este vocablo se utilizó en Estados Unidos en los años 20 para referirse al nuevo estilo de vida de mujeres jóvenes que rompían con normas  tanto en el vestir como en el comportamiento, se maquillaban mucho, portando prendas vanguardistas, como faltas cortas o escotes, salían solas, fumaban, bailaban o bebían licores fuertes, conductas que antes sólo eran propias de los hombres.
 
En La distopia de un futuro sin diálogo:  HERENCIA FLAPPER el público verá un universo nuevo desde su creación, en el cual hay semejanzas con el mundo que nos tocó habitar.  A diferencia del nuestro, en aquel los humanos son quienes crean a su dios, una bella joven, esbelta, de cabello bicolor, autoritaria e implacable, que da órdenes.  A ella sólo le interesa reunir "diezmos, impuestos, tributos", así que para obtener más, les ordena dedicarse a "engendrar".  La gente tendrá que descubrir a qué genero pertenece.  Apuestan por la libertad, pero, al parecer, no pueden desprenderse de ciertos prejuicios y roles establecidos.  Entre ellos priva algo de confusión.  Critican la intolerancia, pero dicen: "Los hombres tenemos necesidades y ustedes deberes que cumplir.  Así lo dicta dios".  En tanto que las mujeres opinan:  "Esa mujer no me representa",  o  "yo no soy una mujer, soy una drag queen".   Están dispuestos a romper esquemas, cada quien será lo que quiera ser.  Alguien dice que "la pansexualidad no existe", pero otros opinan que si hay pansexualidad, debiera también haber "bolillosexualidad o bisquetsexualidad".   En ocasiones, utilizan máscaras, incluso, dobles, para ocultar sus rostros y decir lo que piensan realmente.  Bailan, cantan, se divierten.  Deberán planear cómo hacer que su mundo sea el mejor.  Les preocupa que en los programas de inclusión o equidad, siempre caen en el juego de la intolerancia.  Es posible que la solución sea crear una generación robótica.
 
Elfye Bautista realiza una excelente labor de dirección.  Traslada a escena la esencia del texto.  Su trazo escénico es pulcro.  Da la misma importancia al histrionismo que a la corporalidad y crea dinámicas coreografías muy coordinadas, las cuales son ejecutadas con precisión.  Aprovecha a fondo el espacio y logra un montaje visualmente espectacular.  Impone un buen balance entre acción y narrativa.  Cada detalle está bien cuidado.  El ritmo es minucioso.
 
Participan en el montaje integrantes del Elenco Estable EL MILAGRITO:  Mar Aroko,  Yanizel Crespo,  Manuel Cruz Vivas,  Ramiro Galeana Mellín,  Valeria Navarro Magallón,  Dano Ramírez,  Viridiana Tovar Retana  e  Iván Zambrano Chacón, quienes ofrecen un estupendo trabajo histriónico, corporal y vocal.  Al igual que en el memorial de los sucesos del año 1968, ellos despliegan su compromiso y su amor al teatro.
 
Alita Escobedo aporta la escenografía e iluminación, con un trabajo formidable en sus dos rubros.  El diseño y la combinación de colores del entramado para piso y ciclorama provee el entorno idóneo para el nuevo universo, mientras que su iluminación la administra con sincronía.
 
El video que se proyecta durante la función a través de un dispositivo multimedia fue realizado por Juan Alonso.
 
Laura Martínez realiza una buena labor en el diseño de vestuario, utilizando prendas comunes, pero con algún detalle simbólico para la individualización de cada personaje.
 
Fungen como Asesores del Proyecto:  David Olguín  y  Gabriel Pascal.
 
La producción es de TEATRO EL MILAGRO.
 
Conoce las inquietudes de los jóvenes de hoy en día, sus confusiones, preocupaciones y su indiscutible anhelo  de tener un mundo mejor sin violencia, discriminación, prejuicios ni los arquetipos que nos han regido hasta ahora.  Teatro mexicano realizado por las nuevas generaciones de creadores.  Una invitación a reflexionar sobre los errores cometidos y la esperanza de que algún día mejore nuestro entorno.  Te aseguro que disfrutarás de La distopia de un futuro sin diálogo:  HERENCIA FLAPPER, pero apresúrate porque su temporada está próxima a concluir. 
 

HERENCIA FLAPPER 
La distopia de un futuro sin diálogo
se presenta  miércoles a las 20:30 horas,
jueves a las 18:00 horas  y
viernes a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  80 minutos

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $150

Tarjetahabientes Bancomer:  $150

Vecinos de la colonia Juárez:   $100

Estudiantes de teatro:   $80

Jueves del espectador:   $100

 

Preventa con descuentos
a través de  boletopolis.com

 

La temporada concluye el viernes 26 de julio de 2019

 

LA HERIDA Y LA FLECHA:
RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019

El colectivo Teatro de Arena y Martín Acosta se aliaron para la realización de un ambicioso proyecto, cuyo objetivo es abordar la Historia de la Diversidad en la Ciudad de México en el Siglo XX, a través del cual presentarán una serie de reflexiones que propicien el diálogo sobre ciertos paradigmas que se asegura han desaparecido con el paso del Siglo XXI, pero que aparentemente continúan vigentes haciendo sombra.  La forma de presentación de esta propuesta es utilizar el teatro como vehículo para reconstruir la memoria.

En el mes de junio, también denominado el mes del orgullo, salieron a la luz los dos primeros capítulos de la Historia de la Diversidad en la Ciudad de México en el Siglo XX.  Estos capítulos comparten el mismo espacio y el carácter documental pero sus temas y repartos son distintos. 

El primer Capítulo se intitula 41 DETONACIONES CONTRA LA PUERTA DE UN CLÓSET, de la autoría de Sara Pinedo y David Gaitán.  Se trata de un breve recuento documental sobre la historia de la homofobia en México durante el Siglo XX y una fantasía ficcionada acerca del FHAR -Frente Homosexual de Acción Revolucionaria-, desde su aparición a la vida pública en 1976 hasta su disolución en 1981.  La dirección escénica está a cargo de Martín Acosta  y  el elenco está integrado por:  Ramón Hernández Lara,  Joshua Okamoto,  Ricardo Rodríguez  y  Emmanuel Varela. 
 
El segundo Capítulo es LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE, al que se refiere la presente Nota.
 
LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE fue escrita por Marianella Villa  y  Servando Anacarsis Ramos.   Ambos son creadores escénicos que han destacado en las diversas áreas en que se desempeñan, ya sea como intérpretes o como autores.  En lo personal se preocupan por las causas ecológicas y sociales, además de ser implacables defensores de los derechos humanos.
 
Si bien, como lo mencioné, este proyecto es ambicioso, también es complicado embarcarse en la aventura de la coautoría, quienes lo han hecho lo pueden constatar.  Es difícil conciliar ideas y sincronizar los resultados, en virtud de que como se dice coloquialmente "cada cabeza es un mundo". 
 
La propuesta de Marianella Villa y Servando Anacarsis Ramos tiene como base hablar de la mujer y la inteligencia.  Se dieron a la tarea de llevar a cabo una revisión de las intelectuales mexicanas del siglo XX, recopilando toda la información posible en biografías, reportajes, entrevistas, revistas, artículos sensacionalistas, chismes y leyendas.   Sin embargo, consideraron que a pesar de haber investigado a fondo, aún quedaban eslabones perdidos o borrados, así que bajo la premisa de que "al pasado, casi siempre lo inventamos", ellos recurrieron a suposiciones, a fin de mostrar "lo que está al margen de la foto, ese pedacito que no se vio, lo que es invisible los ojos del hombre".  
 
Es así como surge LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE, para la cual eligieron como protagonista a Rita Macedo, una de las grandes divas mexicanas, mujer inteligente, culta, poseedora de una belleza impar, personalidad enigmática, mirada profunda, con un carácter tan firme que determinó la fecha y hora de su muerte.  La reconocida actriz, quien iniciara su carrera desde los 15 años participó en cine, televisión y teatro.  En 1972 le fue otorgado el Ariel como mejor actriz.  En LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE aparece rodeada de otras celebridades de su época, como Rosario Castellanos, Elena Garro, Leonora Carrington, Pita Amor  y  Carlos Fuentes (distinguido escritor que fuera el tercer marido de Rita Macedo y el gran amor de su vida), entre otros, y varios más a quienes sólo se hace alusión.
 
El texto escrito por Marianella Villa y Servando Anacarsis Ramos es fluido, salvo ligeros desfasamientos en cuanto a tiempo escénico y uno que otro parlamento repetitivo .  Capta la atención absoluta del espectador porque es inherente al ser humano querer saber qué hacen los famosos, cómo viven, qué piensan, sin importar si son contemporáneos o del pasado.  Resulta atrayente ver aspectos de sus vivencias.  Para quienes vieron trabajos de Rita Macedo o escucharon de ella, será grato revivir esos pasajes.  Para quienes no la conocieron, verán que es importante saber de conciudadanos admirables.   Y es así como el público se entera de las apoteósicas reuniones que organizaban Fuentes y Rita en su mansión de San Ángel, donde los invitados eran reconocidos en el arte, la literatura, la pintura, la ciencia, la política o el espectáculo.  Lo más loable que en estos tiempos en que se habla tanto de acoso, se revisite la vida de algunas mujeres que supieron amar, darse a respetar y lo suficientemente libres para seguir sus impulsos y tomar las decisiones que consideraron pertinentes.

 

 

 

 

Para los autores no es sencillo definir su obra, pero al inicio de la representación de LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE, Marianella Villa y Servando Anacarsis Ramos la definen con acierto:  "Más que un documental, es una pasarela de alegorías" … "una historia de fantasmas" , para luego aclarar que "los nombres no corresponden a quienes los portaron".  
 
La primera escena es impactante, dado que es cuando Rita se dispone a suicidarse.  Sin orden cronológico, se irán desplegando sucesos importantes en la vida de Rita, como el profundo amor que sintió por Fuentes, uno de sus embarazos, el sueño que tenía de hacer una representación de sí misma, así como algunos sucesos de otras mujeres destacadas que evitaron caer en el típico patriarcado imperante en aquella época.  Algunos cuadros van acompañados de canciones populares en esos tiempos.  Elena Garro clama por su independencia al lado de su hija.  En un momento crucial en la vida de Rita, aparece en un plano alterno Rosario Castellanos escribiendo un poema alusivo a lo que está experimentando Rita.   En otro cuadro, aseguran que "Uno siempre vuelve a los lugares donde amó la vida".  Conmueve el recuento de famosas suicidas.  En fin, diversos eventos, vivencias y sentimientos quedan captados en la escena. 
 
La labor de dirección por parte de Martín Acosta es brillante.  Su trazo escénico es preciso y dinámico.  Logra plasmar el texto aun cuando se trata de una variada compilación de imágenes y personajes.  Incorpora algo de teatro objeto.  Lleva a su elenco a los niveles emotivos requeridos en cada cuadro.  La coreografía está bien diseñada y ejecutada, con visos de originalidad y sonoros taconeos.  Aprovecha el espacio a fondo.  Entrelaza la parte humana con los elementos escénicos y los acontecimientos en forma certera.  El ritmo es balanceado.
 
El elenco está integrado por:  Xóchitl Galindres (Rita Macedo),  Tanya Gómez Andrade (Rosario Castellanos y otros),  Georgina Tábora (Pita Amor, madre de Rita)  y  Nicté Valdés (Leonora Carrington y otras). Cada una de las actrices ofrece un estupendo trabajo histriónico, corporal y vocal.  Destaca Xóchitl Galindres por su excelente interpretación de Rita, a quien dota de una amplia gama de emociones.   Tanya Gómez Andrade imprime fuerza  en sus personajes,  Georgina Tábora está fabulosa como Pita Amor y como Elena Garro,  y  es grato escuchar la melódica voz de Nicté Valdés.
 
Natalia Sedano se luce con su diseño de escenografía, al enmarcar los relatos en un espacio idóneo.  Los trazos sobre los muros denotan arte abstracto, a la vez que simbolizan fantasmas.   La ecología es representada por plantas bonsái,  la mesa es multifuncional, la puerta redimensiona ambientes.  Igualmente acertada en su otro rubro, el diseño de vestuario, con atuendos a la moda en el tiempo en que ocurre la historia, elegantes, sofisticados, prendas de buen corte y confección en variados estilos y colores, al igual que la peluquería y accesorios.
 
La iluminación por parte de Alita Escobedo es administrada en forma apropiada.
 
El diseño sonoro indispensable para ubicar determinados lugares y/o estados de ánimo es un acierto a cargo de Isay Ramírez Guillén.
 
Complementan el equipo creativo:  Michelle Menéndez en producción ejecutiva,  Adriana Martínez Benavides y Nareni Gamboa en asistencia de producción,  Pablo Villegas en asistencia de dirección,  Anabel Altamirano  e  Isaac Nolacea Álvarez en realización de utilería,  Xiomara González en atrezzo,  Servando Anacarsis Ramos,  Martín Acosta  y  Juan Escribano en diseño gráfico,  Fernando Payán en construcción de escenografía,  Elías Carranco Laguna en construcción de mobiliario,  Liliana Irene Hernández González y Teresa Meza  en realización de vestuario.
 
La producción de LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE es de TEATRO DE ARENA.
 
Por lo general, se honra a aquel con quien se tiene una relación, se admira o se ama, pero, en esta ocasión, los autores rinden homenaje a una desconocida, a alguien que a pesar de no ser de su época, es un ser admirable digna de ser homenajeada.  En esta alegoría fantasmal la estrella es Rita Macedo, a la vez que se capta la vida de los años sesenta en nuestro México, cuando los intelectuales de Boom de la literatura latinoamericana se codeaban con artistas y personalidades.  Esta puesta en escena es un réquiem muy merecido para no olvidar a Rita Macedo.  Anímate a recordar o conocer a la gran diva del cine, teatro y televisión, mientras disfrutas del quehacer teatral de dos jóvenes que no se ciñen a normas y que con libertad utilizan su propio lenguaje para dialogar con el espectador.
 
LA HERIDA Y LA FLECHA:  RÉQUIEM PARA NO OLVIDARTE se presenta  los viernes a las 20:30 horas  y
los domingos a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  90 minutos

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80


Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el domingo 21 de julio de 2019

 

MEMORIAS DE ABAJO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Julio 2019
El arte de Leonora Carrington (1917-2011) ha trascendido tiempo y espacio.  Por ser una de las figuras más representativas del surrealismo, su obra ha influenciado a muchos otros artistas en distintos ámbitos.  Leonora Carrington nació en la ciudad de Lancashire en el Reino Unido, pero cuando apenas tenía tres años de edad, la familia cambió su residencia a Crookhey Hall, un castillo neogótico rodeado de inmensos jardines y bosques que tiempo después Leonora inmortalizaría en su obra llamada "Green Tea" (Te Verde).  Leonora Carrington  Estudió en la Academia Ozenfant de Arte en la ciudad de Londres, Inglaterra.  Luego de graduarse, se desempeñó como pintora, escritora y escenógrafa.
 
Desde niña, fue una lectora voraz y los libros que más le atraían eran aquellos con relatos de gnomos, duendes, gigantes, fantasmas y espíritus.  Es probable que todas estas lecturas hayan alimentado su imaginación, llevándola a crear un universo propio donde las cosas distaban mucho de verse como los demás las veían.  Lo cierto es que el desbordado interés de Leonora Carrington por la alquimia y los cuentos de hadas quedó plasmado en su obra pictórica y escultórica.
 
Apenas tenía 20 años cuando conoció a Max Ernst de quien se enamoraría y que fue el que la introdujo al mundo del surrealismo, al presentarle a varios integrantes de ese gremio.  Posteriormente, ambos decidieron vivir en Francia, pero, al igual que a otros alemanes y austriacos que residían allí, Max Ernst fue considerado como extranjero de país hostil y arrestado.  Su condena fue ser enviado a un internamiento en un campo.  El dolor de Leonora provocó que sufriera un desequilibrio emocional y su padre optó por internarla en un hospital psiquiátrico en Santander.  Leonora logró huir del psiquiátrico y se refugió en la embajada de México en Lisboa, donde conoció al escritor y poeta mexicano Renato Leduc, quien la ayudó a emigrar a nuestro país.  Leonora Carrington y Renato Leduc contrajeron matrimonio, pero fue por breve tiempo.   A pesar de su divorcio, Leonora continuó viviendo en México hasta el fin de sus días.   Entre las diversas huellas que dejó Leonora Carrington en nuestra patria, se encuentra "La barca de las garzas" una escultura monumental ubicada en el patio central del Museo Leonora Carrington en San Luis Potosí, S.L.P.  En el año 2015 el gobierno de México otorgó a Leonora Carrington del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes.
 
Ahora, Caracola Producciones rinde homenaje a Leonora Carrington mediante MEMORIAS DE ABAJO.  Caracola Producciones es una empresa cultural mexicana dedicada a la producción, promoción y difusión de proyectos escénicos y multidisciplinarios, fundada por Gina Botello, Fabiola Núñez y Abigail Espíndola.
 
MEMORIAS DE ABAJO es una adaptación realizada por Christian Courtois para teatro en miniatura de  "El enamorado",  "La dama oval"  y  "La debutante",  relatos escritos por Leonora Carrington, bajo la dirección de Gina Botello de Caracola Producciones.  Para esta adaptación Christian Courtois entrelazó los relatos con fragmentos de entrevistas que dio Leonora Carrington.  De este modo, Christian Courtois transmite lo que Leonora Carrington pensaba sobre temas como la vida, la muerte, la familia, el amor, la libertad, el principio y el fin.  Christian Courtois es escritor de retratos, dramaturgo y director escénico, egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM- en Lengua y Literaturas Hispánicas.  Su texto "Shahrazad" fue uno de los proyectos ganadores de Incubadoras Teatrales UNAM en 2014.
 
Los relatos son trasladados a escena a través de diversos lenguajes del títere y algunas técnicas teatrales como luz negra, teatrino, teatro de sombras, multimedia, disfraces y, desde luego, corporalidad.
 
Caracola Producciones describe su propuesta como "una travesía por la imaginación de Leonora Carrington;  un viaje entre las arterias de la memoria y la infancia;  es, ante todo, un periplo de pequeñas historias que se unen en el rompecabezas de la vida". 
 
Cuatro actrices y un músico en escena llevarán al espectador a través del imaginario de Leonora Carrington.  Los cuadros, a cual más de interesantes, se van sucediendo.  De entrada, el público escuchará la frase guía "Para ver debes cerrar los ojos.  De lo contrario, no verás nada".  De ahí, pasará a conocer a "La dama oval", una mujer muy alta y muy delgada de pie frente a su ventana;  luego verá a una joven persiguiendo a un conejo blanco, evocando el popular cuento "Alicia en el país de las maravillas" de Lewis Carroll.   Después, vienen los relatos.  "El enamorado" que narra el hurto de un peculiar melón en una callejuela,  y  "La debutante" que se trata de la joven Lucrecia, quien para evitar ir a la fiesta organizada por su familia para presentarla en sociedad, acude a algo audaz y pide a una hiena que tome su lugar.  Con respecto a su extraña amiga, la jovencita dice:   "El animal que mejor llegué a conocer era una hiena joven.  Era muy inteligente.  Le enseñé a hablar francés y a cambio ella me enseñó su lenguaje". 
 

MEMORIAS DE ABAJO es la quinta producción de Caracola Producciones, con la cual culminan su ciclo sobre mujeres, en el cual han explorado temas en torno a la reivindicación de lo femenino y al lugar que ocupa la mujer en la sociedad actual.

 


Al igual que en sus demás propuestas, Caracola Producciones ofrece un montaje pleno de belleza estética y colorido, con elementos idóneos creados con talento y de excelente manufactura que se despliegan en formas diversas y sorprendentes, así como un equipo humano muy comprometido con cada proyecto.


La labor de dirección por parte de Gina Botello es formidable.  Su trazo escénico es muy fluido.  El balance entre acción y pausas impecable.  Engarza las distintas historias con acierto.  La coordinación del manejo de tantos elementos es loable.  Utiliza a fondo el espacio y el ritmo es preciso.


El elenco está conformado por:   Rebeca Roa,  Elvira Cervantes,  Karina Miranda y Alex Moreno del Pilar, quienes desempeñan una estupenda labor histriónica, excelente corporalidad y una asombrosa manipulación de títeres y objetos, incluso, crótalos.  Gran sincronía en todo momento.  Dan vida a personajes convincentes, dotándolos de emotividad. 

 

El músico en escena es Bruno García, quien hace gala de su destreza en la ejecución del acordeón.

 

El vestuario juega un papel importante en esta puesta en escena, todas las prendas son de fina confección, elaboradas con telas de buena caída, de colores y diseños variados.  También hay lucidores brocados.  En particular, el disfraz de hiena es genial, incluyendo sus sorpresivas mallas.

 

El diseño de iluminación es de Jesús Giles, quien en esta ocasión no logra un desempeño óptimo.  La mayoría de los segmentos gozan de una excelente impartición de luz, pero hay algunas en que la oscuridad es extrema y el espectador se ve precisado a tratar de adivinar qué es lo que ocurre en escena.

 

Complementan el equipo creativo:  Aurora Gómez Meza en producción general,  Gina Botello en producción ejecutiva,  Leonardo Otero,  Daniela Villaseñor,  Alejandra Flores Alonso  y  María Fernanda Galván en diseño y realización,  Gabriela Gómez Meza en arte y diseño multimedia,  y  Salvador Avelar como técnico de iluminación.

 

MEMORIAS DE ABAJO es una producción de Caracola Producciones, con el apoyo de:  el Programa Jóvenes Creadores 2015, especialidad en Dirección Escénica, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-,   el Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales 2017 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-,    y  de la Fundación Leonora Carrington, A.C.  

 

"La puerta de un recuerdo es territorio desconocido" y MEMORIAS DE ABAJO es la puerta que se abre ante ti para que te internes en el fantástico universo surrealista de Leonora Carrington, donde podrás apreciar su característico imaginario y muchos de los simbolismos que lo habitan, como un luminoso conejo blanco, un atípico melón, un llamativo caballo balancín, una preciosa muñeca antigua, singulares aves, una hilarante hiena o encantadoras matrioskas rusas.  Todo esto plasmado maravillosamente en escena por los creativos de Caracola Producciones que imprimen su talento, inventiva y compromiso en cada una de sus propuestas.

 

Caracola Producciones está llevando a cabo un Mini Encuentro titulado EL TÍTERE Y LOS MILLENIALS que se presenta los días MARTES a las 19:00 horas, antes de la función de MEMORIAS DE ABAJO,  Así que si estás interesado en ver doble función, te sugerimos ir en MARTES.

 

El martes 2 de julio de 2019, a las 19:00 horas, TITERELICHES presentan GUANTADAS   y

el martes 10 de julio de 2019, a las 19:00 horas, LA SOCIEDAD DE LAS LIEBRES presenta CUENTOS DE CONEJOS.

 

 

MEMORIAS DE ABAJO
se presenta  martes  y  miércoles  a las 29:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-
Ciudad de México

Duración aproximada:  60 minutos

Costo de la localidad:  $157
50% de descuento a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
y miembros del INAPAM  con credencial vigente
Sujeto a disponibilidad.  Aplican restricciones

La temporada concluye el miércoles 10 de julio de 2019
ROPA SUCIA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
Mientras más años se vive, más se aferra uno a la vida.  Sin embargo, mientras llega esta etapa, el apego no es tan firme.  Cuando los niños, adolescentes o jóvenes atraviesan preocupaciones, temores o desilusiones y creen que no hay forma de resolverlas, pueden llegar a pensar en quitarse la vida.  Desde luego, todo tiene solución, en ocasiones, sólo es cosa del transcurso del tiempo, pero es difícil lograr que los suicidas en potencia comprendan esto.  De hecho, los índices de suicidio han aumentado en todo el planeta. 
En un mundo ideal sería maravilloso que pudiéramos lavar el alma, igual que lavamos nuestra ropa.  De este modo, podríamos desechar tristezas y decepciones cual si fueran manchas. Si bien a cualquiera de nosotros nos molestaría andar por la calle vistiendo algo manchado, más doloroso es traer una pena que oprime nuestro corazón.  No obstante que en la vida real no se pueden "lavar" las penas, salvo a través de largos procesos de terapia, en la ficción todo es posible.
Andrómeda Mejía utiliza la dramaturgia para hablar sobre estas cuestiones en ROPA SUCIA.   Andrómeda Mejía es una creadora escénica, que se ha desempeñado como actriz, directora, dramaturga, bailarina y coreógrafa, obtuvo su Licenciatura en Actuación en la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura -INBAL-.  En 2017 realizó una Residencia Artística de Dirección Escénica en el Programa LABRA en Atlántida, Uruguay;  en 2018 fue directora invitada del Festival Dramafest, en una coproducción de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, en la puesta en escena "La bruma y la grulla" de Adriano Madriles,  y  en 2019 estuvo en una Residencia en Artes Vivas con Emilio García Wehbi.
Para ROPA SUCIA a Andrómeda Mejía le llegó la inspiración a partir de una pieza realizada por Yoko Ono  cuya anécdota era:  “Cuando recibas invitados, saca tu ropa sucia del día y explícales la historia de cada prenda. Cómo y cuándo se ensució y por qué, etcétera”.  Le pareció interesante el dotar a las prendas de vestir algún sentimiento y decidió jugar con este concepto, el cual es atinado, ya que lo cierto es que ciertos atuendos evocan en nuestra memoria emociones, personas, lugares o situaciones.  Después tuvo la idea de que las penas deberían poder ser desechadas igual que las manchas.  Es así como surgió ROPA SUCIA,  un texto bien estructurado, que capta el interés desde su inicio, es entretenido y esperanzador.  Entre las temáticas que aborda se encuentran: la decepción, el suicidio como solución, el amor, la alegría de vivir, la búsqueda de la belleza y la crítica a la burocracia y sus tediosos trámites.   ROPA SUCIA fue designada como la Mejor Obra en la categoría C3 (Montajes de recién egresados) del 25 Festival Internacional de Teatro Universitario de la Universidad Nacional Autónoma de México -FITU-UNAM-.
El protagonista del relato es Fernando Mendoza Pérez, tiene 31 años, 6 meses y 8 días de edad y acaba de sufrir una terrible decepción al descubrir que su novia Mariana lo engañaba con su amigo Donovan.  Ha perdido interés en todo lo que le rodea.  Considera que lo único que puede hacer es suicidarse.  Lo ha intentado en varias ocasiones sin lograrlo.  Ante su frustración, decide recurrir a la eutanasia y acude a tramitarla a una oficina gubernamental, sin saber cuántos requisitos habrá de cubrir para que su solicitud sea aprobada, comenzando por una carta de motivos detallada y tresco avales.  En el proceso de cumplir con tanto requisito, recordará parte de sus vivencias, incluso, enfermedades, trabajos, caprichos, anhelos.  Algunos recuerdos le dan risa y otros lo ponen triste, pero todo esto le representa un gran aprendizaje que lo lleva a dar un enfoque distinto a ciertos hechos de su pasado. 
La labor de dirección por parte de Andrómeda Mejía es impecable.  Su trazo escénico es consistente.  Las acciones son dinámicas y variadas.  Los desplazamientos son coordinados y armoniosos.  Aprovecha a fondo el espacio escénico.  Se apoya en multimedia con dibujos en vivo y acude al teatro objeto, al estilo de García Wehbi.   El ritmo es ágil.
El elenco está conformado por recién egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT-, ellos son:  Edgar Alonso,  Georgina Arriola,  Brisa Seag  y  David del Águila o Martín Becerra, quienes alternan funciones.  Los  jóvenes realizan una excelente labor histriónica y corporal.  Destaca la chica que interpreta a la empleada gubernamental que gestiona la eutanasia, por el despliegue de versatilidad que realiza.
El diseño de la bien impartida iluminación es de Abimael Méndez.
El diseño de escenografía y vestuario es de Isabel Becerril, quien ofrece acertados trabajos en sus dos rubros.  Sobre el escenario sólo utiliza una gran manta en el ciclorama, que también hace las veces de pantalla para las proyecciones.  Con sorprendente ingenio crea los elementos escenográficos.  Los atuendos son enteramente juveniles y las variantes son pertinentes a cada ocasión.  Utiliza el vestuario para dimensionar tiempo y lugar de los sucesos.
El diseño de audio es de César Chagolla.
La producción es del Colectivo Punto de Ebullición.
Confío en que nunca estés tan agobiado como para pedir una eutanasia, lo que sí debes hacer es permitir que Fernando te comparta sus experiencias.  Te aseguro que disfrutarás de un montaje juvenil pleni de color y estética, un texto interesante, una buena dirección y actuaciones convincentes.  Además de divertirte, reflexionarás y es posible que esto te ayude a dar una adecuada dimensión a tus alegrías y pesares.
 
 
ROPA SUCIA
se presenta viernes a las  20:00 horas
sábados a las  19:00 horas  y
domingos a las  18:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-
Ciudad de México

Duración aproximada:  60 minutos

Costo de la localidad:  $157
Descuento del 50% a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente.  Aplican restricciones

La temporada concluye el domingo 30 de junio de 2019

 

 SEPULTURAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
Cada vez que alguien nace, sabemos que algún día morirá. Tal vez esto marca nuestra dualidad desde que llegamos a este mundo.  Estamos entre la vida y la muerte.  Así en todo lo demás.  Siempre quedamos entre dos aguas.  Cuando damos los primeros pasos, quisiéramos correr.  En los momentos de alegría sentimos algo de tristeza y viceversa.  Lo que anhelamos y lo que logramos.  Lo que queremos y lo que debemos hacer.  Esto sólo por citar unos cuantos ejemplos, ya que las posibilidades son numerosas.
Este destino se acentúa mucho más en las personas que deciden vivir en otro país, toda vez que a la dualidad cotidiana de todos, se le añade el residir en un lugar ajeno con diferentes costumbres, normas, formas, comidas, etcétera.  Es como tener la posibilidad de estar en dos universos distintos y todo se complica.   Tal es el caso de los migrantes.  Muchísimos de nuestros conciudadanos tienen lo que coloquialmente llaman "el sueño americano".  Cruzan la frontera esperando encontrar un mejor futuro, más oportunidades, condiciones más satisfactorias.  Lo malo es que son muy pocos los que logran concretar ese sueño.
Aunque el cuerpo falle, la mente sigue funcionando.  No se puede correr, pero sí se puede volar con la imaginación.  Incluso, se sabe que personas que estuvieron en coma, de pronto, tienen recuerdos de lo que pensaban mientras estaban ausentes.  Nadie puede adivinar qué pensará cuando el fin está cercano, pero los escritores tienen la facultad de crear una ficción para expresar lo que ellos suponen que pensaría alguno de sus protagonistas.
Hugo Alfredo Hinojosa aborda estas temáticas en SEPULTURAS.  De entrada, mediante el título indica que se trata de un relato terminal, desesperanzador.  Su texto es de buena estructura y capta el interés.  La narrativa zigzaguea entre el pasado y el presente, en cuadros que van revelando diversos aspectos de la vida de Robert hasta llegar a la situación en que se encuentra, al lado de Alonso y Dolores, de tal forma que el espectador tiene que estar atento para ir juntando las piezas cual si se tratara de un rompecabezas.   SEPULTURAS resultó la ganadora del Premio Nacional de Bellas Artes de Literatura 2012.
El protagonista es Robert Díaz.  Cuando era joven quiso alcanzar el sueño americano.  Cruzó la frontera en forma legal, dispuesto a realizar los trámites necesarios para fincar allá su residencia.  Se enamoró de Elena y ella quedó embarazada, como Robert deseaba brindar estabilidad a su familia, le urgía más adquirir la ciudadanía americana.  Se enteró que ésta era otorgada a quienes se enlistaban en el ejército y corrió a enlistarse.
Fue enviado a Vietnam y tuvo que luchar en una guerra ajena.  Hizo buen trabajo, llegó a ser Capitán Primero del Regimiento de Infantería, pero vivió todos los horrores de la guerra.  Era terrible "mirar pueblos hechos ceniza".   Para su desgracia, no sólo vio cadáveres y devastación, sino que él también sufrió una herida casi mortal que le dejó molestas secuelas.
Ahora, Robert está confinado en un nosocomio.  En lugar de que se le respete como veterano de guerra, Alonso, el médico y Dolores, la enfermera, lo maltratan, lo hacen desatinar.  Al parecer tratan de desquiciarlo para internarlo en un centro psiquiátrico.
Robert se refugia en sus recuerdos, pero no son gratos.  Además de las terribles experiencias en Vietnam, está obsesionado con la posible infidelidad de Elena y, entonces, las remembranzas le resultan dolorosas.  Lo único que lo hace sonreír es la evocación de una cantante de voz fascinante, quien seguramente le atraía mucho. 
Cada vez se siente más perdido, confunde personas y tiempos, no distingue entre lo real y lo irreal.  Físicamente está devastado y mentalmente comienza a estarlo.  La lucha que Robert libra ahora es la interna.  Aquello que quisiera olvidar sale a relucir, en tanto que lo que quisiera recordar le parece borroso. 
El texto de Hugo Alfredo Hinojosa es de buena estructura y resulta muy interesante.  Al mismo tiempo que habla de Robert, habla de las alegrías y pesares del ser humano, de los anhelos, logros y fracasos, carencias y necesidades,  del amor. los celos y la pasión, de la salud y la enfermedad, la lucidez y la locura, la memoria y el olvido.  En general, se trata de confrontar lo pasado con lo presente, al mismo tiempo que estos se reflejan.  Atrapa la atención del público de principio a fin.
La dirección escénica por parte de Emma Dib es estupenda.  Traslada el texto a la escena fluidamente.  Su trazo escénico es pulcro y definido.  Impone desplazamientos poco usuales, pero lucidores, como por ejemplo que los protagonistas conversen uno atrás del otro, o espalda con espalda.  Logra buen balance entre acción y pausas.  Aprovecha todo el espacio disponible, incluso, a un lado de las butacas.   El ritmo es preciso.
El elenco está conformado por Arturo Ríos (Robert),  Rodolfo Arias (Alonso / Charly),  Bárbara Eibenschutz (Dolores / Elena)  y  Muriel Ricard (La Vida / adolescente vietnamita).  Humberto Solórzano alterna funciones con Arturo Ríos.  El trabajo histriónico, corporal, de expresión y vocal es de primera línea.  Sobresalen Arturo Ríos, por su calidad y entrega de siempre, y Rodolfo Arias por su brillante desempeño.  La privilegiada voz de Muriel Ricard grata de escuchar como de costumbre.
El montaje de SEPULTURAS es una propuesta creativa de conjunto en todas sus etapas.  Se trata de un concepto integral en el que todos los participantes aportaron el arte de su especialidad.
La escenografía es creación de Francisco Álvarez y Arelly Blas, quienes en consistencia con el concepto, realizaron un diseño idóneo: parte del fuselaje de un avión.  Por un lado, éste puede simbolizar los viajes de Robert, incluyendo su tránsito hacia el final.  Por otro lado, la aeronave luce tan fragmentada como el ánimo del capitán.
El diseño de iluminación es también de Francisco Álvarez, quien suma otro acierto a su labor, ya que está muy bien impartida.
El diseño de vestuario, de utilería y de arte es de Tolita y María Figueroa, quienes logran buen desempeño en sus tres rubros.  En el vestuario se lucen con el atuendo militar de gala de Robert, a Dolores / Elena le brindan un vestido versátil, a Alonso, un traje ejecutivo con bata médica tradicional, a La Vida, sofisticada y vaporosa túnica o rudimentaria vestimenta oriental, todos confeccionados con telas finas y de buena confección.  La utilería y el arte con elementos pertinentes al concepto integral.
La música original y la musicalización, necesarias para el ambiente adecuado, son de Omar Guzmán.
SEPULTURAS es una coproducción de Calypso Producciones  (Hugo Alfredo Hinojosa,  Graciela Cázares,  Paloma de la Riva  y  Denis R. Elizalde)  y de  Teatro UNAM, con apoyo de EFITEATRO -Estímulo Fiscal del artículo 190 de la LISR  y  del FONCA -Fondo Nacional para la Cultura y las Artes-.
La producción ejecutiva es de Graciela Cázares y Paloma de la Riva,  el productor resiente es Joseph Ramírez.
Complementan el equipo creativo:  Daniela Rodríguez es asistente de dirección,  Bruno Zamudio es asistente de producción,  Zaira Concha es asistente de iluminación,  Caracol Difusión en medios en Prensa y relaciones públicas,  Cactus Design y Virginia de la Luz en campaña digital e imagen,  Carlos Aranda en fotografía,  Edgar Sánchez Herrera en video,  MACE --Montajes Artísticos y Construcciones Escenográficas- Macedonio-- Cervantes-- en realización de escenografía,  Paso de Gato (Jesús Castillo. Suriel Velazco, Carmen Iberri, Allan Robles, Oswaldo Garnica, Francisco Durán, José Manuel Peña) en pintura escénica,  Elsa Ramírez en realización de vestuario,  Anabel Altamirano e Isaac Nolacea en realización de arma,  y  Ascensión Paz en instalación candilejas.
El valiente veterano de guerra Robert Díaz atraviesa una etapa muy difícil, acompáñalo.  A él le pesará menos su soledad, mientras tú disfrutas de un interesante y emotivo texto, a través del cual conocerás detalles de la vida de Robert y tomarás conciencia de la confrontación que rige algunas de sus vivencias.  Quizás esto te lleve a reflexionar sobre tus propios actos.  Un concepto integral realizado por un equipo de creativos talentosos y comprometidos con el teatro contemporáneo.  ¡No te la pierdas!.  Debido al éxito que han tenido, te sugiero compres tus boletos con anticipación.
 

SEPULTURAS
se presenta de miércoles a viernes a las 20:00
sábados a las 19:00 horas  y
domingos a las 18:00 horas  en el
TEATRO SANTA CATARINA
ubicado en Jardín Santa Catarina número 10
Santa Catarina, Coyoacán,  Ciudad de México
 

 

Duración aproximada:  120 minutos
 
Costo de la localidad:  $150
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de estudiantes,
maestros, ex-alumnos y trabajadores de la UNAM,
jubilados del ISSSTE, IMSS  e  INAPAM
Los Jueves de Teatro el costo de la localidad es de  $30
 
La temporada concluye el domingo 29 de junio de 2019
TRANSATLÁNTICO
DAMAS DEL AIRE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
Considerando que en todo el mundo los varones tienen más oportunidades y beneficios que las damas, es grato saber que hay mujeres que luchan a brazo partido y a base de esfuerzos y dedicación logran sobresalir en el área que eligen.   Hoy les comentaremos sobre un montaje de teatro danza realizado por mujeres bellas que a base de talento y trabajo han adquirido habilidades y capacidades dignas de admiración.
Lila Zellet-elías es una artista escénica y visual nacida en la Ciudad de México.  Por sus venas corre sangre libanesa y gitana, lo cual ella ha aprovechado en su campo, al crear coreografías en las que incorpora la raíz arabo-andalusí como parte integral de la identidad mexicana. Desde el año 2003 ha puesto al servicio de la danza su formación multidisciplinaria con el fin de llevar las expresiones consideradas como étnicas hacia nuevos territorios de exploración y desarrollo desde la escena contemporánea.
 

La solidez de su trabajo coreográfico la ha hecho acreedora de premios, galardones y reconocimientos tanto nacionales como extranjeros.  En la actualidad es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte -SNCA- de la Secretaría de Cultura / Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- y también es miembro activo del Conseil International de la Danse -CID- de la División de Danza de la UNESCO.

Además de sus actividades como coreógrafa, bailarina, creador escénica y docente, Lila Zellet-elías fundó en 2008 el Ensamble Al Mosharabia, un grupo mexicano dedicado a la vinculación de las culturas mexicana, árabe y romaní (gitana), así como a la conservación y difusión de las tradiciones de dichas culturas, además de la producción de nuevas expresiones artísticas desde México, y la difusión de la danza morisca, expresión étnica y contemporánea que es el resultado de la investigación coreográfica realizada por Lila Zellet-elías, a través de la cual entrelaza las culturas árabe y española que forman el mestizaje previo al mexicano.  Al Mosharabia cuenta con dos producciones multimedia a nivel profesional:  DAMAS DEL AIRE 2016-1027  y  TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE 2018, proyectos enfocados a reconocer la labor profesional de las mujeres que surcan los aires.  En ambas propuestas se toma la danza étnica como punto de partida a fin de encontrar nuevos lenguajes escénicos para narrar sucesos cotidianos en el mundo contemporáneo.
La intención del Ensamble Al Mosharabia es aterrizar la "necesidad  de emprender acciones en las que el arte sea un medio de sensibilización social capaz de abrir un espacio de convivencia, diálogo, empoderamiento y reflexión en torno a la equidad de género"  y consideran que su innovadora propuesta resulte pertinente para entablar un diálogo escénico con el público.
 
DAMAS DEL AIRE está planteada como trilogía para representar una travesía aérea transcontinental conducida por una tripulación enteramente femenina, en la que la danza es utilizada como medio para sensibilizar y reflexionar en torno al empoderamiento del género.  En la metáfora se rinde honor a las mujeres de distintas culturas y nacionalidades que han logrado abrir brecha en la industria aeronáutica, antaño reservada sólo a hombres.  Gracias al empeño de esas mujeres, se ha marcado un antes y un después, porque hoy en día les es posible conseguir empleo como agentes de tráfico, controladoras aéreas, despachadoras, ingenieros, sobrecargos y pilotos de aviación.  TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE es la segunda emisión de la trilogía.  La tercera aún se encuentra en proceso.
En TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE el público es recibido por hermosas sobrecargos de la aerolínea Emiratos Árabes.  Las distintas etapas de un viaje transcontinental son representadas mediante coreografías y acciones.  Es así como de principio, se proyecta un video en el que se muestran las medidas de seguridad que se requieren como abrocharse los cinturones o utilizar mascarillas si hubiera una descompresión, o desalojar rápidamente en caso de surgir cualquier emergencia.  Después, veremos a las jóvenes llegar puntuales a la sala del aeropuerto portando sus maletas.  En la sala de espera se les ve adormiladas, leyendo revistas, conversando.  Una vez que se documenten, abordarán el avión.  Antes de que entren al avión los pasajeros, ellas se muestran risueñas y juguetonas, se toman la clásica selfie.  Luego del inicio del vuelo, ofrecerán bebidas y bocadillos a los pasajeros.
 
Lila Zellet-elías tiene a su cargo la coreografía y la dirección artística de TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE.  En sus dos rubros su labor formidable.  Imprime originalidad en las coreografías que crea al fusionar diversas técnicas y estilos derivadas de su ardua investigación, logrando una danza mexicana con influencias árabe, gitana / romaní, andaluza, flamenco, hindú y otras.  Hace gala de innovación, al incluir danzas sobre sillas con rueditas giratorias, o danzas parciales de sólo una parte del cuerpo.  En cuanto al montaje, es estético y variado.  Las damas visten atuendos estilizados -los clásicos uniformes son elegantes, de falda corta o larga, de fina confección, con armoniosa combinación de colores-, para luego usar ropa de calle o cocktail.  En particular, atraen miradas los luengos rizos carmesí de Lila y el vaporoso blusón suelto negro con flores bordadas a mano al estilo de los mantones de Manila que porta Marién.  Ellas desfilan cual si fueran en pasarela, o bien, tocan el cajón peruano, dando ritmo a la acción.  Así mismo, en determinado momento emiten un potente discurso mediante el cual las mujeres claman el trato y derechos que merecen.  No coinciden con la escuela de Walt Disney, porque son "princesas que escaparon de sus torres" y están convencidas de que "el ser felices" no siempre existe.  Igual incluyen ciertos referentes a ideas de Sor Juana Inés de la Cruz.   La dirección escénica por parte de Lila Zellet-elías es creativa, los desplazamientos son constantes, las coreografías variantes, sean grupales o individuales, la estética visual es impresionante, el espacio aprovechado a fondo, el ritmo puntual.
 
Como intérpretes participan las integrantes que conforman el cuerpo coreográfico del Ensamble Al Mosharabia:   Angie Marín, Bárbara Mora, Casandra Suárez, Claudia Ramos, Ginette Ríos y Mariana Bortoni, comandadas por Lila Zellet-elías.  La bailarina invitada para esta producción es la talentosa Marién Luévano Russek.
 
En la función a la que asistí, luego de que la bella bailaora mexicana Marién Luévano Russek ejecutara un esplendoroso solo, en el que con pasión desplegó sus capacidades y talento, el público se conmovió tanto que no pudo sino aplaudir con todas sus fuerzas aun cuando estábamos a media representación.  Esto reafirma que cuando algo se hace con el corazón inevitablemente llega directo a los demás corazones.  Es maravilloso presenciar el momento en que el hecho escénico trasciende.   El diálogo que pretende Al Mosharabia con el público se da en forma contundente.
 
La bien administrada iluminación es de Xóchitl González, en tanto que el material multimedia fue realizado por Fermín Martínez.
 
Quedas cordialmente invitado a realizar una travesía aérea transatlántico, llega a puertos desconocidos, descubre nuevos lugares y disfruta al máximo de tu viaje.  Te aseguro que las bellísimas damas del aire harán que tu vuelo sea placentero, además de visual y estético.  Apresúrate porque la temporada actual está por concluir.
 
 
TRANSATLÁNTICO DAMAS DEL AIRE
se presenta a las 20:00 horas
el miércoles  19   y  el  jueves  20 de junio de 2019  en el
TEATRO BENITO JUÁREZ
ubicado en Villalongín número 15, colonia Cuauhtémoc
--cerca de la Estación Reforma del Metrobús--
Ciudad de México
Duración aproximada:  90 minutos
.
Costo de la localidad es de $157.00
50% de descuento a estudiantes, maestros, personas con discapacidad,
trabajadores de gobierno  e  INAPAN  con credencial vigente.  Aplican restricciones
La temporada concluye el jueves 20 de junio de 2019

 

HERMANAS
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019

 

En esta época en que se podría decir que el futuro ya nos ha alcanzado y que el mundo entero está alarmado por los daños sufridos por el planeta y que el calentamiento global se ha hecho evidente, los ecologistas han hecho advertencias de que si no hacemos algo el mundo está por extinguirse y, en general, todos tratamos de cuidar lo que nos queda.  Entre las incontables medidas que se están implementando para lograr la conservación están repudiar la cacería, tratar mejor a los animales, evitar utilizar productos de plástico, dejar de comprar atomizadores, consumir productos no procesados, volver a lo natural en los alimentos, preferir lo orgánico, hacer ejercicio, plantar árboles y muchas otras cosas.  Todo esto ha derivado en investigaciones para mejorar la calidad de vida en todo sentido.

Se han puesto de moda múltiples dietas, tomar mucha agua y ejercicios de todo tipo. Una de las tendencias es desintoxicar el organismo.  Hoy en día a quienes aún comen carne, se suman los vegetarianos, veganos, ovo-lácteo vegetarianos y otros.  Esto ha beneficiado la belleza corporal y, en general, la gente cuida su cuerpo más de lo que antes se hacía.

Sin embargo, en el afán de cuidar el físico, en ocasiones se descuida la mente, siendo que ambos requiere de igual atención.  Deberían también inventar dietas desintoxicantes de pensamientos negativos.  Un gran número de personas ni siquiera se percata de tener algún problema mental.  Otros tantos se niegan a aceptarlo o se vuelven expertos en ocultarlo, por ejemplo, los sociópatas, cuya principal característica es ser encantadores.  Lo cierto es que todos tenemos contrariedades y sufrimientos.  Si guardamos sentimientos de ira, rencor, odio, miedo o algo similar, estos se van acumulando y con el tiempo crecen, lo cual tarde o temprano será perjudicial

Lo aconsejable es liberar esa clase de sensaciones, para lo cual podemos utilizar la técnica que más nos funcione, como psicoterapia, hablarlo, olvidarlo, curarlo, desahogarse, leer o lo que sea.  No corregirlas es muy perjudicial y tarde o temprano harán explosión.   Esto es lo que sucede a las protagonistas de HERMANAS de la autoría de Pascal Rambert.

Nacido en Niza, Francia, Pascal Rambert se desempeña como escritor, poeta, dramaturgo, director de escena, director teatral y coreógrafo. A los 18 años de edad, fundó su primer grupo de teatro y a los 20 el segundo.  Mientras tanto, estudiaba filosofía y publicaba sus primeros textos en revistas.  Se dio a conocer con un montaje intitulado LEONCE ET LENA de Georg Büchner, el cual fue representado el Teatro de la Bastilla, en París.  Con el paso del tiempo ha obtenido reconocimientos y galardones en sus distintas actividades.  En 2016 la Academia Francesa le otorgó el Premio de Teatro por su brillante trayectoria.  

En México conocemos a Pascal Rambert por su obra CLAUSURA DEL AMOR, misma que llevó a escena Hugo Arrevillaga, interpretada por Arcelia Ramírez y Antón Araiza.  Fue tal el éxito, que a petición del público se vieron precisados a cubrir varias temporadas.  CLAUSURA DEL AMOR versaba sobre una pareja que había decidido separarse y tomar caminos diferentes.  Un último encuentro para aclarar ciertos detalles, donde afloraban por igual el profundo amor que los había unido y las dificultades que los apartaron.  Pascal Rambert es un experto en el uso del lenguaje, cada palabra la aplica en forma precisa y oportuna, además de proveer una particular estructura a lo que narra.   Ahora, es momento de conocer su texto para HERMANAS.   El haber conquistado México, entusiasma a Pascal Rambert, quien acaba de anunciar que el año próximo vendrá a México a dirigir una nueva obra con elenco mexicano.

No sabemos si por indicaciones del autor o por decisión del director, las protagonistas de HERMANAS conservan sus nombres propios en la ficción.   Se trata de dos bellas mujeres, sanas, inteligentes, talentosas que han tenido éxito en su vida profesional.  Una es conferencista, la otra crítica de arte.  Arcelia es la mayor y Fernanda la menor.  Desde pequeñas se sintieron distintas y no fueron apegadas, perdiéndose de ese lazo fraterno tan hermoso que podrían haber disfrutado.  Arcelia era la consentida del padre, mientras que Fernanda de la madre.  Entre todos los hermanos del mundo surgen diferencias, pleitos, celos, envidias, pero estas dos HERMANAS han ido acumulando todo eso en forma de resentimientos que nunca supieron solucionar, así que traen dentro de sí mismas una gigantesca bola de nieve que ha crecido en forma desmedida.  Si bien de niñas vivían juntas en la casa familiar, apenas pudieron en aras de sus respectivos trabajos se independizaron y se alejaron la una de la otra.  Quizás si alguna vez se hubieran sentado a platicar con calma, hubieran solventado algunos de sus rencores, pero, como no lo hicieron, la carga que hoy llevan es insostenible.

En el momento en que Arcelia está por presentar una ponencia sobre derechos humanos, irrumpe Fernanda en el Salón de Conferencias.   Arcelia queda sorprendida y contrariada, no se explica qué hace allí su hermana, pensó que ya no la vería, sobre todo, porque su madre falleció en fechas recientes.  En lugar de darse un abrazo, casi de inmediato, Fernanda comienza con sus reclamos.  Ambas HERMANAS se batirán en duelo a través de palabras, las cuales son tan agudas que hieren cortezas del alma, igual que un bisturí haría incisiones en la piel.  Cada una saca a flote lo que en su memoria guarda en contra de la otra, así como secretos de familia y sufrimientos del pasado. 

La labor de dirección por parte de Hugo Arrevillaga Serrano es extraordinaria.  Su trazo escénico es pulcro, bien definido.  Conduce a sus actrices a desplegar la capacidad histriónica y corporal que tienen para transmitir la compleja carga emotiva que conllevan los recuerdos de toda una vida.  Consigue un buen balance entre acción y pausas.  Aprovecha a fondo el espacio.  El ritmo es puntual. 

Las HERMANAS son encarnadas por Arcelia Ramírez  y  Fernanda Castillo, dos actrices respaldadas por sus respectivas trayectorias y extraordinario desempeño escénico.  Al igual que los personajes a los que dan vida, ellas se baten en un duelo de actuación sobre el escenario.  Hacen gala de sus conocimientos y habilidades para desplegar una amplia gama de emociones, a través de matices en sus acciones, corporalidad y voces.

El productor de HERMANAS es Rubén Lara, experimentado productor que cuenta con la logística idónea y con los contactos requeridos en beneficio de la difusión de la obra.  De hecho, comenzaron la actual temporada en gira por varias ciudades del territorio nacional, antes de su presentación en la Ciudad de México.

Auda Caraza y Atenea Chávez son las responsables del diseño de escenografía.  Les bastan unos cuantos muebles prácticos y funcionales para ambientar una salón ejecutivo.

En el diseño de iluminación, Ángel Ancona realiza un estupendo trabajo dosificándola, a fin de resaltar o atenuar ciertos momentos claves en el discurso escénico.

La asesoría corporal fue impartida por Marlene Coronel.

Hugo Arrevillaga Serrano también se encarga del diseño de vestuario, para lo cual utiliza prendas de calidad, de fina confección y buena caída.  Un atuendo ejecutivo para Arcelia y otro casual para Fernanda, pero ambos en colores similares y con igual combinación, quizás para hacer patente el lazo consanguíneo.

Complementan el equipo creativo:   Hebe Rosell en asesoría vocal,  Gissela Sauñe en diseño gráfico,  Ricardo Estévez en fotografía,  Icunacury Acosta en relaciones públicas,  Verónica Salcedo (Agencia ComunikarT) en redes sociales,  Alfredo Crisanto en oficina administrativa de Rubén Lara,  Jesús Palma y Adrián Hernández en construcción de escenografía,  Joana Núñez en asistencia de producción,  y  Patricia Loranca en asistencia de dirección.

Dos mujeres discutiendo con ferocidad, un texto potente escrito por un destacado dramaturgo francés, un director sensible y creativo, dos actrices de probada trayectoria y reconocida capacidad un equipo comprometido, es lo que encontrarás en HERMANAS.  Teatro de calidad que impacta.  No pierdas la oportunidad de ver este relato que mueve y conmueve, para luego llevarte a reflexionar sobre tus propios sentimientos. 

 

HERMANAS
se presenta los martes a las 20:45 horas en el    
TEATRO MILÁN
ubicado en la calle Lucerna número 64,
colonia Juárez, Ciudad de México
Duración aproximada:  90 minutos
Costo de la localidad:  $500 y  $400
Concluye temporada el martes 9 de julio de 2019
LA BALA
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
Tanto en nuestra ciudad como en todo el mundo, día con día la inseguridad aumenta.  Aunque viéramos todos los noticieros no podríamos saber el número exacto de asaltos, ya que sólo reportan un porcentaje de estos.  Lo peor es que nos enteramos de atracos que nos preocupan más por ser a familiares, amistades, conocidos o  a nosotros mismos.  Es un peligro con el que tenemos que convivir. Por más precauciones que se tomen, nadie queda exento.  Los maleantes se las ingenian para mejorar sus técnicas y operan en formas, horarios y lugares distintos.  Los hay que se especializan en robos a casa habitación, en secuestros, a transeúntes, en cajeros o sucursales bancarias, en restaurantes, en carreteras, en lugares públicos o en áreas desoladas y en transportes, por citar sólo algunos.  Además, tienen objetivos concretos, los hay que van tras dinero, joyas, muebles, enseres domésticos, aparatos electrónicos, pertenencias o celulares.
Nosotros estamos solos, pero ellos se organizan en bandas de pocos o muchos sujetos.  Es raro que un ladrón actúe en solitario, por lo general, tienen cuando menos un cómplice.  Los amantes de lo ajeno son una verdadera plaga que se dedica a despojar a ricos o pobres.   Para nuestro infortunio,  los más habituales, quizás por lo fácil que les resultan, son el robo de celulares y los asaltos en transportes públicos.  Dejando de lado el temor que sentimos. no podemos evitar los transportes, pues tenemos la imperiosa necesidad de trasladarnos.  Cada vez que nos subimos al Metro, al Metrobús, a un microbús o a un camión, estamos en riesgo y desconocemos si el viaje será tranquilo o si nos ocurrirá algo malo.  
Este tema tan presente en nuestra cotidianidad es el que aborda Sergio López Vigueras en LA BALA.   Se trata de un texto de buena factura que narra lo que ocurre un día cualquiera durante un asalto a un microbús.  El autor delinea bien a sus personajes u durante el trayecto se van develando detalles de la vida personal de cada uno de ellos.  Los parlamentos se dividen entre lo que los protagonistas expresan verbalmente y lo que piensan.  De este modo, el publico tiene un panorama mucho más completo de la situación.  Capta el interés del espectador de principio a fin.
La narrativa de Sergio López Vigueras es fluida, poética y amena, lo cual le valió para que LA BALA resultara la obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2017.   Los textos que aplican a este premio y que quedan como finalistas son sometidos posteriormente a una revisión dramatúrgica que se lleva cabo mediante un taller presidido por los integrantes del jurado.  Los miembros del Jurado del año 2017 que brindaron asesoría a Sergio López Vigueras para la revisión de LA BALA fueron:  Javier Malpica,  Alejandro Román  y  Bertha Hiriart.
Valeria y Lauro salen de sus respectivas casas a la misma hora, casi de madrugada, para llegar a tiempo a su trabajo.  Cada día se encuentran en la parada del microbús.  Sólo se conocen de vista, nunca se han dirigido la palabra, pero toman el mismo transporte.  Al parecer, Lauro se siente atraído hacia Valeria, pero no se atreve a hablarle, incluso, procura sentarse lejos de ella.  La monotonía se impone, pero hoy hace mucho frío.  Lauro se queja de que la bufanda que se puso, en lugar de brindarle calor, lo asfixia.  Está a disgusto consigo mismo, reflexiona y se dice a sí mismo: "este es el primer día del resto de mi vida".  Igual y se animará a hablar con Valeria.  Casi lo hace, pero, como de costumbre, se va a los asientos de hasta atrás.  Valeria se enfrasca en sus pensamientos, está hastiada de la relación sentimental que mantiene con Oscar, quisiera terminarla, pero teme a la froma en que él reaccione.  De pronto, en una parada, abordan el vehículo El Gordo y Jonathan, dos asaltantes.   Todos los pasajeros se atemorizan. En ese tipo de situaciones, aparte de que perderás los artículos de valor que uses y el dinero que llevas, no se sabe qué pasará.  Si bien los maleantes llevan las de ganar, el terror que provocan en sus víctimas y los nervios que ellos sienten integran una combinación explosiva.  Alguien puede salir lastimado, herido o, en el peor de los casos, muerto.  
La labor de dirección por parte de Sergio López Vigueras es formidable.  Dado que es su texto, lo conoce a fondo, lo sorprendente es que lo traslada a escena de manera impecable.  Su trazo escénico es pulcro y definido.  Asume el riesgo de apartarse de ciertas convenciones, como por ejemplo, imponer una singular disposición de los asientos del transporte.  Aprovecha a fondo el espacio.  La acción es constante, los desplazamientos puntuales.  Los sucesos son narrados en forma tan vívida que la adrenalina que emana de quienes están en el escenario envuelve a todos los espectadores.  El ritmo es preciso.  
El elenco está conformado por:  Gerardo del Razo (Lauro),  Marisol Osegueda (Valeria)  e  Ismael Sangal (Jonathan).  Los tres ofrecen un estupendo desempeño histriónico y corporal.  Dotan a sus personajes de los matices emocionales necesarios para hacerlos más que convincentes.   Así mismo, despliegan su versatilidad al turnarse para interpretar al Gordo
Complementan el equipo creativo:  Mauricio Ascencio y  Sergio López Vigueras en diseño de escenografía,  Mauricio Ascencio en diseño de iluminación  y  vestuario,  Yayo Villegas en diseño sonoro,  Maribel Amezcua en producción ejecutiva,  Jesús Cruz es stage manager,  Víctor Ortíz en fotografía,  y  Bien Chicles en difusión.
La producción es de la Compañía Los Bocanegra.
LA BALA es presentada por presentada por el Gobierno de la Ciudad de México y la Secretaría de Cultura, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.
Esta es una oportunidad que no debes desaprovechar para presenciar lo que ocurre durante un atraco en transporte público sin que corras riesgo alguno.  Una forma entretenida de afrontar lo que lamentablemente ocurre casi todos los días a los habitantes de nuestra ciudad y sus alrededores.  Un texto que captará tu interés, impecable dirección y actuaciones entrañables.   Para verla tienes que apresurarte porque su actual temporada está a punto de concluir.  

 

LA BALA
se presenta a las 20:30 horas  el martes 11 de junio  y
el miércoles 12 de junio de 2019  en el
FORO A POCO NO
ubicado en República de Cuba número 49, Centro Histórico,  Ciudad de México
Duración aproximada:  60 minutos
El costo de la localidad es de $165.00
Descuento del 50% a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad,
trabajadores de gobierno y miembros del INAPAM con credencial vigente
La temporada concluye el miércoles 12 de junio de 2019

 

THERE´S NO HOME LIKE PLACE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Junio 2019
El ser humano nace completamente desnudo, es decir, no trae nada consigo.  A partir del momento mismo del nacimiento se le cobija con prendas y con amor.  Conforme pasa el tiempo, va acumulando cosas.  Al principio, los padres lo reciben con prendas de vestir, una cuna e implementos básicos para su alimentación y limpieza.  Luego vendrán los útiles de la escuela, los regalos, los juguetes, etcétera.  Desde que comienzas a tener ingresos, puedes comprar no sólo lo que requieras sino aquello que te guste.  La diferencia es que hay personas que suelen acumular todo, en tanto que otras tienen la facultad de ir liberando el pasado.  Quienes gustan de guardar todo tipo de cosas, no escuchan los consejos como "renovarse o morir", "tirar lo viejo para dar espacio a lo nuevo", ni los similares.  El problema es que se aferran a los objetos que les traen cualquier tipo de recuerdo y llega el día en que la acumulación los asfixia.
La más reciente producción de Antonio Cerezo es sobre este tema.  Antonio intituló la obra THERE'S NO HOME LIKE PLACE.  De entrada, para el titulo Antonio hace un juego de palabras.  El dicho popular en idioma inglés es:  "There's no place like home" ("No existe lugar como el hogar") y él invierte las palabras para de algún modo decir "No existe hogar como el lugar", tal vez para acentuar lo que él quiere implicar de que el hogar es donde es el lugar donde tú te sitúes y no necesariamente tiene que ser una casa.  Antonio Cerezo es egresado del Colegio de Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.   Desde el año de 1992 inició su trabajo profesional como actor en la Ciudad de México, Estados Unidos y Europa.  En la actualidad reside en Berlín, Alemania, donde se ha desempeñado como actor, autor, director, titiritero y coreógrafo, lo cual le hizo acreedor a obtener una beca del Programa Creadores Escénicos con Trayectoria 2018-2020 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
Aun cuando todos tenemos la necesidad física y emocional de tener un techo que nos resguarde, un lugar donde habitar, en ocasiones se nos presenta la oportunidad o la obligación de mudarnos y debemos  hacerlo con gusto, asumiéndolo como una nueva experiencia o una aventura sin que nos cause ansiedad o sufrimiento dejar atrás un lugar determinado.  En forma lúdica esto se hace entender a través de la puesta en escena.
La propuesta escénica de Antonio es a modo de unipersonal en formato de teatro de papel.  Además de abordar el simple hecho de una mudanza de casa, también se aplica a la migración, porque a veces también hay que cambiar de ciudad o de país, lo cual deriva en vivir bajo otro contexto sociopolítico o cultural.  Así mismo, se toca el tema de la identidad personal construida sobre la base de memorias y recuerdos de todo lo vivido.  El relato capta el interés del público de principio a fin. 
THERE'S NO HOME LIKE PLACE de Antonio Cerezo recibió la beca Interkulturelle Projekte 2016 (Proyecto Intercultural 2016) para su producción.  Dicha beca es otorgada por el Senado de Berlín, con el fin de promover la realización de proyectos artísticos nacionales e internacionales que propicien el diálogo entre culturas y procesos migratorios.
La escenografía es un teatrino o caja negra donde se muestra todo en miniatura con figuras de cartón o papel.  Mientras el protagonista comparte su propia historia, los escenarios pequeños van cambiando para que el espectador pueda visualizar imágenes de lo que ocurre.  Es así como el público escucha el relato de Matías, quien le cuenta de frente cada etapa que va atravesando, a partir de que se cuestiona "¿mi hogar es un lugar?". 
Matías vive solo, sus padres fallecieron hace tiempo, pero él continúa conservando los objetos que a ellos pertenecían sin decidirse a desecharlos, a pesar de no ocuparlos.  En algún momento toma conciencia de que necesita espacio y acude a terapia.  El terapeuta le aconseja que vaya desechando objetos en forma paulatina.  Le sugiere que comience por periódicos o revistas cuya fecha sea de una semana o más y que ya haya leído.  Al seguir el consejo, Matías se da cuenta de que guarda periódicos o revistas de los años 90 y, desde luego, los echa a la basura.  Sin embargo, lo peor está por venir.  El propietario del departamento que renta Matías, le avisa que tiene que desalojarlo porque lo pondrá en venta.  Así que Matías se ve precisado a darse prisa en deshacerse de todo, puesto que es ya el único inquilino que no se ha mudado.  Lo que más le dolerá es despegarse de su piano que lo ha acompañado por casi dos décadas.  Aparte de desocupar el inmueble, Matías tiene que darse tiempo para buscar otro lugar donde vivir.  
Aunque la propuesta de THERE'S NO HOME LIKE PLACE es de apariencia muy sencilla, conlleva un cúmulo de trabajo para su realización, comenzando por la creatividad de Antonio Cerezo para concebirla, el suaje que se requiere para reunir numerosas piezas de cartón debidamente suajado a ser embonadas en su lugar, el aspecto arquitectónico para la construcción de maquetas que representen ciudades, edificios, casas, habitaciones, muebles o medios de transporte, y, finalmente, la memoria privilegiada del actor para colocar cada pequeña pieza en el sitio y tiempo exactos.
Antonio Cerezo asume tres facetas distintas en este proyecto  la autoría, la dirección y la actuación.  En los tres roles su labor es impecable.  En la autoría concibe un texto pleno de interés y sensibilidad que expone emociones muy arraigadas en el ser humano.  Como director hace que el relato sea ameno y divertido, además de imprimir un tiempo preciso.  Como actor ofrece un excelente trabajo histriónico, corporal y vocal, ganándose la confianza del público mediante sus interacciones.
Complementan el equipo creativo:  Vanessa Farfán en diseño de escenografía y construcción, con un diseño novedoso y estético,  Rodrigo Castillo Filomarino en música original para proveer el entorno perfecto,  José Zychlinski en diseño de iluminación,  y  Larissa Polaco en producción.
THERE'S NO HOME LIKE PLACE es producida por la beca del Senado de Berlín Proyectos Interculturales 2016 y presentada por la Universidad Autónoma Metropolitana -UAM-, Coordinación General de Difusión,  Dirección de Artes Visuales y Escénicas.
La sensación que produce este ingenioso proyecto es la misma de cuando eras niño y te sumergías totalmente en tus cuentos favoritos.  No pierdas la oportunidad de ver la conmovedora historia de Matías y sus vicisitudes luchando contra el apego para poder deshacerse de su pasado y sus recuerdos, a fin de reconstruirse en otro espacio donde una nueva vida le espera.  Es enternecedor ver al actor con el mismo atuendo que el muñequito de papel que lo representa.  Un relato que captará tu atención e involucrará tu sentir.  Toma en cuenta que sólo serán cuatro funciones.
THERE'S NO HOME LIKE PLACE
se presenta a las 20:00 horas
los días  martes 4,  miércoles 5,  jueves 6  y  viernes 7
de junio de 2019 en el
FORO CASA DE LA PAZ
ubicado en Cozumel número 35, Colonia Roma Norte,  Ciudad de México
>cerca de la Estación Sevilla del Metro
Duración aproximada:  60 minutos
ENTRADA LIBRE
En virtud de que el cupo es limitado, se tiene
que hacer reservación previa
Vía email:   reservateatrouam@gmail.com
Vía telefónica:   52865315 / 0403
EL PERRO DEL HORTELANO
Texto y fotos: Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
En muchas ocasiones hemos escuchado "es como el perro del hortelano".  Esta frase proviene del dicho popular "ser como el perro del hortelano, que ni come ni deja comer" y suele aplicarse a todo aquel que no hace algo, pero que tampoco deja que alguien lo haga.   No alcanzamos a darnos cuenta de la medida en que se propagan los dichos hasta que sucede algo que nos llame la atención, por ejemplo, que un insigne autor utilice una frase de estos para intitular una de sus obras más representativas.  Tal es el caso del insigne autor Lope de Vega, quien escribió EL PERRO DEL HORTELANO.
Lope de Vega Carpio (1562-1635) originario de Madrid, España, es considerado uno de los poetas y dramaturgos más importantes del Siglo de Oro español, además es uno de los autores más prolíficos de la literatura universal.  Tanto sus libros como sus dramaturgias son referentes de la gran calidad de su escritura y hasta la fecha sus libros continúan siendo leídos y sus obras llevadas a escena en todo el planeta, convirtiéndolo en uno de los autores que ha logrado trascender tiempo y espacio.  Se sabe que Lope de Vega reformó el teatro, de algún modo, lo reinventó y esta fue la base de su rotundo éxito como dramaturgo.
La Compañía Nacional de Teatro, comandada por Enrique Singer tiene entre sus propósitos para el año en curso, realizar montajes en los que se revisiten a los grandes clásicos que han marcado los orígenes teatrales.  En los años subsiguientes igual tratarán de revisitar por lo menos algún clásico. 
El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro se celebra cada año en la ciudad manchega de Almagro, en España.  Este festival es considerado como un acontecimiento cultural y una plataforma para los mejores montajes de teatro clásico en todo el mundo.   En su edición de 2019 el invitado de honor al Festival Internacional de Almagro es México.  Entre las obras mexicanas que serán representadas está  EL PERRO DEL HORTELANO.
Lope de Vega escribió EL PERRO DEL HORTELANO como comedia.  La historia gira en torno a Diana, condesa de Belflor, una mujer que tiene absolutamente todo, orgullosa de su noble estirpe, está muy consciente de las clases sociales.  Vive tranquila en su propio palacio, hasta que un día se da cuenta de que le atrae Teodoro, su Secretario.  Sin embargo, ella jamás revelará esto porque él no corresponde a su clase.  Con su secreto muy oculto, hace lo que puede para que Teodoro no corteje a Marcela, pues a pesar de que ella no se permite amarlo, tampoco quiere que alguien más lo ame.  Como suele suceder, una mentira lleva a otra y todo se va enredando.
Angélica Rogel realizó la adaptación a partir de considerar que las obras de teatro clásico del Siglo de Oro español de algún modo influenciaron las películas de la llamada época de oro del cine mexicano, así que decidió enmarcar el texto de Lope de Vega al estilo de las películas de los años 50 para llevarlo a escena.  Esta decisión fue acertada, en virtud de que logró hacer que el relato fuera no sólo divertido sino dinámico.  Otro de sus aciertos fue utilizar música de boleros que acompañaba a aquellos filmes, a fin de proveer la ambientación del clásico.  
La labor de dirección por parte de Angélica Rogel es estupenda.  Su trazo escénico es firme y definido conforme a su idea de cinta de los años 50.  Respetó el poético texto de Lope de Vega al pie de la letra, pero añadió subtextos mediante acciones alternas, tanto en expresiones como en corporalidad.  Incorpora al músico en determinadas escenas, donde interactúa con los integrantes del elenco.  Los desplazamientos están bien diseñados y son variados.  Aprovecha a fondo el espacio y construye ambientes distintos.  El ritmo es preciso. 
Como de costumbre, los integrantes del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro ofrecen un excelente desempeño en histrionismo, corporalidad y en lo vocal.  Participan en EL PERRO DEL HORTELANO:  Rodrigo Alonso (Teodoro),  Victoria Benet (Dorotea / Celia),  Fernando Bueno (Tristán),  Karla Camarillo (Marcela),  Diana Fidelia (Anarda / Leónido / Furio),  Jorge León (Fabio / Federico / Carrillo),  Astrid Romo (Diana),  y  Andrés Weiss (Ricardo / Otavio / Ludovico).   Interactúa en algunas escenas el músico Carlos Matus.  Los actores y actrices, así como el músico mencionados son beneficiarios del Programa Compañía Nacional de Teatro del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
El músico que ejecuta el piano es Carlos Matus, quien también es el responsable de la música original y los arreglos musicales.  Las melodías que se escuchan son:  Palabras calladas de Juan Bruno Tarraza,  Señora tentación de Agustín Lara,  ¡Oh! Quién pudiera de Carlos Matus,  Quizás, quizás, quizás de Osvaldo Farrés,  Te odio y te quiero de Reinaldo Yiso, música de Enrique Alessio,  Amor y odio de Felipe Valdés Leal,  y  Tuya más que tuya de Bienvenido Fabián.
Los diseños de escenografía e iluminación son de Patricia Gutiérrez, quien creó un entorno majestuoso a dos niveles con mobiliario elegante y unos biombos multifuncionales y prácticos, adorna con letreros luminosos que dicen "Belflor", ideales para añadir un toque festivo.
El diseño de vestuario es de Estela Fagoaga, quien sigue la línea de lo que se usaba en los años 50 y crea vestimentas de fina confección, con telas de buena caída y mucha variedad en estilos y colores que van de lo casual a lo elegante, pasando por ropa estilizada para deportes o prendas caribeñas.  En particular, se luce con el atuendo de la protagonista, ya que tiene como base una llamativa falda de corte asimétrico, la cual transforma mediante accesorios, aditamentos y apliques, desplegando una versatilidad impresionante.
Complementan el equipo creativo de EL PERRO DEL HORTELANO:  Maricela Estrada en maquillaje y peluquería,  Jorge León en movimiento escénico de la escena final,  Fernando Santiago Santiago es el productor residente,  Trama & Drama Vestuario y Producción, S.A. de C.V. / Estela Fagoaga en producción ejecutiva,  Daniel Sosa es asistente de dirección,  Miriam Quijano para Trama & Danza Vestuario y Producción, S.A. de C.V. en asistente de vestuario,   Taller de Escenografía y Tramoya de la CNT en realización de escenografía,  Antonio Pérez en mecanismos escenográficos,  Elba Camacho en fundas escenográficas,  Taller de utilería, pintura y atrezzo y Taller de iluminación en letreros luminosos,  RafaeEr para T&D, Israel Ayala, Enrique Jiménez y Martha Calderón en realización de vestuario,  y  Francisco Piña en realización de zapatería.
EL PERRO DEL HORTELANO es presentada por la Secretaría de Cultura,  el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura y el Centro Nacional de las Artes.
Un clásico del Siglo de Oro español visto desde una mirada jovial y presentado al público al estilo de películas mexicanas que gustaron tanto al público que aún en nuestros días se siguen transmitiendo en televisión.  Acude a ver EL PERRO DEL HORTELANO, te aseguro que lo disfrutarás, por ser un montaje dinámico,  con dirección precisa y buenas actuaciones.   Sin lugar a dudas México estará muy bien representado en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en España.

 

EL PERRO DEL HORTELANO
se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas,
sábado a las 19:00 horas,  y   domingo a las 18:00 horas en el
TEATRO DE LAS ARTES
dentro del  Centro Nacional de las Artes -CENART-
Avenida Río Churubusco - equina con Calzada de Tlalpan
Colonia Country Club,  Churubusco, Ciudad de México
 
Duración aproximada:  110 minutos
 
El costo de la localidad es de $100
Descuentos acostumbrados a estudiantes, maestros e INAPAM
para personas con credencial vigente
 
Los jueves el costo es de $30 
 
La temporada concluye el domingo 9 de junio de 2019

 

VIENA 19: LA SANGRE
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
Cuando se comete un delito, los criminalistas inician su investigación realizando una reconstrucción de los hechos, a fin de analizar el lugar donde se llevó a cabo, buscar pistas y hacer pruebas para esclarecer lo sucedido.  Por el contrario, en dramaturgia, si se pretende narrar sucesos históricos, el punto de partida es llevar a cabo una exhaustiva investigación mediante la documentación disponible, para luego recurrir a la construcción de un imaginario que refleje lo dilucidado y con esto crean un relato donde se entremezclan la realidad y la ficción.
Queda al absoluto criterio del dramaturgo el modo de su narrativa.  Hay algunos que eligen relatar los sucesos lo más fielmente posible, cual si realizaran una biografía, en tanto otros acuden a su imaginación, tomando como punto de partida los hechos, pero permitiéndose licencias en la creación de personajes, circunstancias y ubicación, con lo cual claramente dan más relevancia a la ficción.  Esto sólo por citar los dos ejemplos más extremos, en virtud de que las posibilidades son múltiples.
Una vez que el texto está concluido, igual queda a criterio del director, la forma de enmarcar la historia.
En el caso de VIENA 19:  LA SANGRE, el tema central gira en torno a la última etapa en la vida de Lev Davidovich Bronstein (Лев Давидович Троцкийos), conocido mundialmente como Lyev Trótskiv y, en nuestro idioma, como  León Trotsky, nacido en Rusia en noviembre de 1879.  León Trotsky fue un ruso que practicaba la religión judía y cuya pasión era la política.  Llegó a ser uno de los revolucionarios con mayor poder en Rusia.  Inicialmente, era simpatizante de los mencheviques, por lo cual tuvo disputas ideológicas con el líder bolchevique Vladimir Stalin, pero, más adelante, fue uno de los principales organizadores de la Revolución de Octubre que permitió que los bolcheviques asumieran el poder en noviembre de 1917 en Rusia.  En la guerra civil desempeñó el cargo de Comisario de Asuntos Militares.
Durante la Primera Guerra Mundial fue León Trotsky quien negociara la retirada de Rusia mediante la Paz de Brest-Litovsk.  Así mismo, fue Trotsky el encargado de crear el Ejército Rojo que fue clave para la consolidación  de los logros revolucionarios al vencer a 14 ejércitos extranjeros y a los ejércitos blancos durante la guerra civil rusa.  Esto hizo que Trotsky fuera condecorado con la Orden de la Bandera Roja.
Tiempo después, Trotsky fue el líder de la oposición de izquierda, con lo cual confrontó la política y la ideología de Iósif Stalif, quien terminó exiliándolo de la Unión Soviética.  Tras esto, Trotsky creo un movimiento internacional de izquierda revolucionaria identificado bajo el nombre de Trotskismo, cuyo propósito era lograr una revolución permanente.  En 1938 fundó, además, la Cuarta Internacional.
Los dramaturgos Emmanuel Martin y Fernando Martínez Cortés consideraron que valdría la pena recordar a León Trotsky, el gran ideólogo de la Revolución Bolchevique, ahora que existen tantas corrientes ideológicas en el mundo, mismas que podrían ser desenmascaradas frente a la ideología tan estructurada que predicaba Trotsky.  Así fue como comenzaron a escribir VIENA 19:  LA SANGRE, a través de la cual hacen un recuento de lo que vivió León Trotsky durante los años del 1937 al 1940 en el número 19 de la calle de Viena, en Coyoacán, Ciudad de México.   Captaron a un Trotsky en el exilio, abatido de haberse tenido que alejar de su patria y de la gloria de ser uno de los hombres más poderosos en Rusia.  A pesar de que su vida era disipada y disfrutaba de un prohibido romance con Frida Kahlo, Trotsky no se conformó con ser un ciudadano común y continuó luchando por sus ideales a distancia, lo cual molestó a sus adversarios, quienes fraguaban su desaparición absoluta.  Hugo Hinojosa brindó asesoría en dramaturgia a los autores.
Si bien, una de las palabras en el título anticipa que la historia culminará en el asesinato de Trotsky, el espectador queda atrapado por el texto de VIENA 19:  LA SANGRE, de principio a fin, a causa de la estructura que dan los autores al desarrollo de los hechos y la presencia de los personajes que constituyen el entorno de León Trotsky.
La dirección escénica fue encomendada a  Víctor Weinstock, quien cuenta con una amplia trayectoria como actor, director, escritor, productor y creador multidisciplinario en teatro, cine, televisión y artes híbridas como la instalación multimedia interactiva. 
Para el montaje Víctor Weinstock acude a la instalación interdisciplinaria que es una de sus especialidades.  Al parecer, en honor a León Trotsky, Weinstock quiso que la puesta en escena estuviera impregnada de la esencia de su amada Rusia.  Como base de su trazo escénico acude al constructivismo, movimiento artístico de vanguardia originado en Rusia a principios del siglo XX, mediante el cual se incorporan los conceptos de espacio y tiempo a la obra artística.  Así mismo, toma como inspiración la obra de la afamada pintora rusa Liubov Popova (1889-1924).  El resultado final es un montaje espectacular consistente en una danza macabra, en la que los involucrados son representados por espectros.  La narrativa fluye en fragmentos que carecen de orden cronológico, donde la ficción y la realidad se funden. En la representación cohabitan una fuerte carga erótica, algo de los populares cómics, toques fársicos y complejas coreografías, que dan paso a diversos temas, como soberbia, celos, traición, decepción, tristeza, placeres y otros, a través de lo cual se deconstruye el mito de León Trotsky para mostrarlo humano, con su enervada pasión por la política y su íntimo sentir.
La labor de dirección por parte de Víctor Weinstock es estupenda, logra plasmar su concepción en escena.  El balance entre la acción y las pausas es coordinado.  Impone ciertas escenas donde se despliega un frenesí sexual un tanto acrobático quizás algo excesivas, pero ciertamente muy teatrales.  Aprovecha a fondo el espacio.  El ritmo es preciso. 
Además de los autores y el director, todos los elementos del equipo creativo ofrecen trabajos de alta calidad en beneficio de VIENA 19:  LA SANGRE.
El elenco está conformado por Úrsula Pruneda (Caridad, madre de Jacques Monard),  Jorge Ávalos (Trotsky),  Antón Araiza (Jacques Monard),  Gastón Yanes (Kotov),  Isabel Bazán (Frida / Silvia),  Margarita Wynne (Natalia, esposa de Trotsky),  Emmanuel Martin (Sheldon).  Todos ellos ofrecen al público una labor histriónica extraordinaria y una corporalidad sorprendente.
El diseño de escenografía es de Atenea Chávez y Auda Caraza, quienes con acierto enmarcan el montaje en armazones metálicos que se ven etéreos y a la vez permiten multiplicar los espacios.
El espectacular diseño de iluminación es de Jesús Giles quien logra artísticos efectos con base en halos de luz perpendiculares que extienden y redimensionan los armazones metálicos en un estilo estético y abstracto. 
El diseño de vestuario y maquillaje están a cargo de Brisa Alonso, una muy destacada diseñadora mexicana que es de las pocas que no sólo se dedica al diseño, sino que posee un taller propio y entrega el producto terminado.  Una vez que Brisa Alonso realiza los trazos, está al pendiente de cada paso de su proceso, desde la elección de telas, las texturas, los colores, los moldes, los bordados, la confección, las pruebas y todo lo inherente.  Así mismo, provee zapatos y accesorios.  Para ello cuenta con un comprometido e invaluable equipo de artesanos calificados.  Luis Gerardo Alonso, Emigdio Fernández, Lourdes Valdez, Concepción Rafael, Martha Jiménez, Jane López y Francisco Piña son los responsables de la realización de vestuario y zapatería.
En el caso particular de VIENA 19:  LA SANGRE, Brisa Alonso realiza un espléndido trabajo en sus dos rubros.  Tanto en el vestuario como en el maquillaje su diseño fue a partir de las pinturas de Liubov Popovak con lo cual logró imprimir una imagen distintiva al concepto.  Las prendas son de fina confección con telas de buena caída con franjas y vivos acordes al arte abstracto, colores contrastantes, cuidando que el diseño refleje algo del carácter de cada uno de los personajes y es así como brinda el toque militar a Trotsky, la elegancia a Mornard, la genial indumentaria capitalista a Sheldon, la sensualidad a Frida, la sobriedad a Natalia, el desenfreno a Caridad y la simulación a Kotov.  En cuanto al maquillaje es sencillamente impresionante en rostro y bodypainting.  Brenda Castro colaboró con Brisa Alonso en capacitación de maquillaje.
Complementan el equipo creativo:  Ruby Tagle en movimiento escénico,  Edher Corte en música original,  Edher Corte  y  Adriana Larrañaga en diseño sonoro,  Alejandra Marín en asesoría vocal,  Elena Flores es la stage manager,  Hildebrando López Sánchez en asistencia de producción,  Daniela Díaz en asistencia de escenografía,  Bryan Guerrero en asistencia de iluminación,  Felipe Lara en realización de utilería,  Euroamérica Publicidad y Relaciones Públicas, S.A. de C.V. en relaciones públicas y community manager,  Mariana Castro [Contramarea Editorial] en diseño gráfico,  Carlos Dávila en asesoría financiera de Efiartes,  Eduardo Sandoval en contabilidad,  Paloma Robles en asistencia de dirección y coordinación de producción,  Fernando Martínez Cortés en coproducción,  y  Gisela Sandoval en producción general.
VIENA 19:  LA SANGRE es una producción nacional teatral realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (Efiartes) y es presentada por EFIARTES,  ASUR -Aeropuertos del Sureste-,  Colegio de Productores de Teatro,  Cinefilias -Fomento de la Cultura Cinematográfica,  y  Teatro El Milagro.  Es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes - FONCA-.
Lema de VIENA 19:  LA SANGRE:  "Se dice que el arte no es un espejo, sino un martillo:  no refleja, da forma" - León Trotsky, Literatura y revolución, 1924.
Existe la creencia de que algunas personas en el momento de la transición entre vida y muerte les llega una serie de recuerdos fragmentados y desordenados de aquello que marcó su memoria.  La danza espectral de  VIENA 19:  LA SANGRE pudiera ser la cinta que pasó ante los ojos de León Trotsky justo antes de morir.  Su asesinato fue perpetrado el 21 de agosto de 1879 en su residencia de Coyoacán.  Se determinó que el asesino fue Jacques Mornard y luego se supo que en realidad era Ramón Mercader del Río, un sicario, ya que él acostumbraba usar alias para infiltrarse al entorno de sus víctimas.  No dejes de ver  VIENA 19:  LA SANGRE se trata de una extraordinaria producción realizada por un talentoso equipo, donde todos y cada uno son especialistas en la labor que realizan.  Te aseguro que la disfrutarás.
 
 
VIENA 19:  LA SANGRE
se presenta  miércoles,  jueves  y  viernes a las 20:30 horas
sábado a las 19:00 horas  y
domingo a las 18:00 horas  en el
TEATRO EL MILAGRO
ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  110 minutos
 
Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el domingo 9 de junio de 2019
TESTOSTERONA
Por: Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
Se dice que en la guerra y en el amor, todo se vale, pero, al parecer, si lo que está en juego es el poder esto es todavía más aplicable.  Hay personas cuyo objetivo es obtener poder a toda costa.  No les importa lo que tengan que hacer ni sobre quien tengan que pasar.  La lucha por el poder es el tema central de TESTOSTERONA, de la autoría de Sabina Berman.
Sabina Berman Goldberg se ha desempeñado como escritora, periodista y guionista.  Muchos la consideran la dramaturga contemporánea mexicana con más éxitos a nivel crítico y comercial.  Varias de sus obras han sido representadas en Canadá, Estados Unidos de América, América Latina y Europa.  A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos premios, galardones y reconocimientos, tanto en teatro como en la industria cinematográfica.
Según el diccionario, la definición de testosterona es:  "Hormona sexual masculina segregada especialmente en el testículo, pero también, y en menor cantidad, en el ovario y en la corteza suprarrenal, que tiene efectos morfológicos, metabólicos y psíquicos".  En términos coloquiales se le alude como que es lo que marca la diferencia entre el sexo fuerte y el sexo débil.   Sabina Berman toma esto en consideración y en TESTOSTERONA la define como la fuente de poder, sea masculino o femenino.
La trama versa sobre quién será el sucesor del director de un periódico de extensa circulación.  Antonio, el director, lleva muchos años al frente del periódico, comenzó desde abajo, trabajó incansablemente y gracias a su talento y sagacidad logró colocar al periódico entre los más leídos.  Es autoritario, implacable y algo machista.  Comenzó a pensar en el retiro, pensando que era hora de gozar de la vida, viajar, departir con la familia, gozar de tiempo libre, pero una enfermedad le ha hecho acelerar sus planes.  Está ante la disyuntiva de decidir a quién dejará en su cargo.  De entre su personal, considera a dos de sus Subdirectores como los más calificados. 
Uno de ellos es Beteta, Subdirector de Información, a quien conoce desde la década de los 70 cuando ambos participaron juntos en las guerras de Asia.   La otra es Alex, Subdirectora de Contenidos, quien fuera su alumna más ejemplar en los años 90 y a la que él invitó a trabajar en el periódico.  De algún modo él siente que ha moldeado a Alex a su imagen y semejanza.  Los conoce bien y sabe que ambos cuentan con la capacidad suficiente.  Lo único que podría restarle puntos a Alex sería que se casara o, peor aún, se embarazara y no pudiera dedicarse de lleno al trabajo.  Decide que les encomendará que hagan un plan de desarrollo y lo tomará como examen final, a fin de ver por cuál se decide.   
Habló con Beteta sobre el asunto y tiene que planteárselo a Alex.  Se aproxima la Navidad.  Pidió a Alex que le ayudara con los regalos para su familia.  Cuando Alex llegue a entregárselos, aprovechará para sostener una plática con ella y tratará de indagar sobre su situación personal.  La espera en su oficina situada en el último piso de un lujoso rascacielos, afuera hace frío y comienza a nevar.  Es justo aquí donde empieza la acción.
El texto de Sabina Berman es de excelente factura.  Desde el principio capta la atención y mantiene el suspenso a lo largo de toda la representación.  Tanto los personajes como la psicología de estos están perfectamente delineados.  Si bien en escena aparecen sólo dos, el ausente juega un rol importante en toda la trama.   Los tres son seres inteligentes, con talento y habilidades.  Dos de ellos se enfrascarán en una de las luchas más encarnizadas por conseguir un puesto de trabajo y si sirve a su propósito, utilizarán cualquier arma a su alcance, dejando de lado la ética profesional, las buenas costumbres y hasta la moral.  Mientras tanto, Antonio los observará y evaluará hasta tomar su decisión final.  Los sucesos son tan vívidos, reales y actuales que el público mismo tomará partido en ocasiones por Alex y en otras por Beteta, conforme avanza la trama. 
La labor de dirección por parte de Ana Francis Mor es formidable.  Comprende a fondo el texto de Sabina Berman y lo traslada a escena en forma impecable.  Su trazo escénico es pulcro.  Las coreografías son apropiadas, los desplazamientos idóneos.  Buen aprovechamiento del espacio.  El ritmo preciso.
El elenco lo integran:  Álvaro Guerrero como Antonio, el poderoso Director  y  la bella Gabriela de la Garza como Alex, la inteligente, sofisticada y seductora Subdirectora.  La labor de ambos es extraordinaria.   Es una delicia ver la forma tan acertada en que construyeron a sus personajes. 
Los diseños de escenografía e iluminación son de Philippe Amand, quien, como acostumbre, entrega trabajos de calidad.  La escenografía es idónea para representar la oficina del alto ejecutivo, amplia, sofisticada, con un vistoso ventanal, mobiliario fino.  La iluminación bien administrada en todo momento.
 El resto del equipo creativo está conformado por:  Isabelle Tardan en producción,  Philippe Amand y Pablo Corkidi en diseño de video,  Raquel Orozco en vestuario,  Irakere Lima es asistente de dirección,  Gustavo López Jiménez y Carlos Verduzco en video,  Brenda Castro Rodea en maquillaje,  María José Alós en fotografía,  Suculenta Sociedad en diseño gráfico,  Bien Chicles en redes sociales,  Ramsés López / Pinpoint Comunicación en difusión,  Anabel Caballero en apoyo a la producción,  Iván y Macedonio Cervantes en realización de escenografía,  y  Eugenia Cervera y Ricardo Vilchis en son asistentes de producción.
TESTOSTERONA es presentada por la Secretaría de Cultura y el Centro Cultural Helénico.
Lo masculino y lo femenino en una confrontación laboral.  Un hombre y una mujer altamente calificados y comprometidos se enfrentan para ocupar un puesto … ¿quién ganará?  Sólo puedes saberlo si vas a ver TESTOSTERONA, una producción teatral de calidad que disfrutarás plenamente.  Interesante texto, estupenda dirección, formidables actuaciones.  La temporada está por terminar, así que apúrate a comprar tus boletos.
No es de extrañar que TESTOSTERONA se haya convertido en la flamante ganadora del Premio a Mejor Obra en la cuarta edición de los Premios del Público Cartelera 2019. .
TESTOSTERONA
se presenta viernes a las 20:30 horas
sábados a las 18:00 y 20:30 horas  y
domingos a las 18:00 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  110 minutos
Costo de la localidad:   $350
La temporada concluye el domingo 26 de mayo de 2019

 

MUJER NO REEDUCABLE
Memorándum teatral
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
En el pasado, las noticias sólo se daban a conocer en periódicos.  Luego surgieron la radio y la televisión.  En la actualidad la información se difunde a través de diversos medios y gracias a los avances tecnológicos, las redes sociales las emiten en forma casi instantánea o, incluso, mediante transmisiones en vivo.  En consecuencia, la labor periodística exige de mayores retos y responsabilidades.  Existen periodistas que en busca de información asumen todo tipo de riesgos, como aquellos que investigan a fondo y llegan a los orígenes de alguna problemática.  Entre estos, se encuentran los que van hasta el lugar de los hechos, viajan a zonas de guerra, se adentran en disturbios, reportan sobre desastres naturales o informan con veracidad acerca de quiénes están cometiendo algún delito o son causantes de cualquier mal. 
Los periodistas están supuestos a informar, no a ser noticia, pero a últimas fechas también lo han sido porque ha habido muchos asesinados.  El año pasado Christophe Deloire, secretario general de la organización internacional Reporteros Sin Fronteras -RSF- dijo en uno de sus discursos públicos:  "La violencia contra periodistas alcanza un nivel inédito este año.  Todos los registros son alarmantes". Lo peor es que en ese mismo discurso, informó las estadísticas de los países con mayor número de asesinatos de periodistas y, tristemente, México ocupa el tercer lugar. 
Por supuesto, todo aquel que no desea que algo oculto salga a la luz, está en contra de la libertad de expresión y en algunos casos llegan hasta el asesinato con tal de acallar a alguien.  La periodista Anna Stepánovna Politkóvskaya (Анна Степановна Политковская) (1958-2006) nacida en Estados Unidos, con ascendencia ucraniana, fue una mujer muy comprometida con el periodismo y luego que por su labor presenciara numerosas injusticias se convirtió en activista defensora de los derechos humanos.
A Anna Politkóvskaya le tocó ser testigo presencial de las atrocidades que se cometían en el conflicto checheno, donde se causaban terribles daños a la población tanto por parte de los militares del gobierno del presidente ruso Vladimir Putin, como por parte de los guerrilleros.  Los artículos que escribió retratando fiel y honestamente lo que ocurría en Chechenia le hicieron ganar mucha popularidad y distinciones, como por ejemplo el Premio Olof Palme y el Premio Hermanos Scholl. 
El caso de Anna Politkóvskaya despertó el interés del destacado dramaturgo italiano Stefano Massini y decidió escribir el memorándum teatral MUJER NO REEDUCABLE (Donna non rieducabile), con el propósito de dar voz a la periodista para narrar sus experiencias en Chechenia, desde donde emitía su información.  Stefano Massini nació en Florencia en 1975, obtuvo su licenciatura en Literatura Antigua en la Universidad de Florencia y comenzó su trayectoria en teatro a partir del año 2000.
MUJER NO REEDUCABLE de Stefano Massini es la obra que eligió la primera actriz Teresa Selma para conmemorar su trayectoria artística de 70 años.

Teresa Selma nació en Venezuela.  Desde muy pequeña sintió vocación por las artes escénicas, pero lo primero que estudió fue psiquiatría, la cual ejerció durante un lapso de 5 años en su tierra natal, alternando su tiempo con algunas intervenciones artísticas.   Durante el gobierno de Marcos Pérez Jiménez, migró a México, donde estudió teatro con el maestro Seki Sano,  y en la Escuela Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes. Su debut como actriz fue en la obra “Amor” en el año 1957. 

En la década de los 60 y 70, Teresa realizó diversos doblajes para la hoy desaparecida empresa CINSA.  Participó en varias telenovelas tanto en México como en Venezuela, entre las cuales destaca su interpretación de Céfora en "Por estas calles".

En 1998 le fue concedido el Premio Águila de San Martín, en la categoría de Mejor Actriz por su participación en la obra "La loca de Bouchot", monólogo inspirado en la novela "Noticias del Imperio" de Alfonso Paso, complementado con un corrido del propio autor, y el poema prehispánico "Elegía" del rey Axayácatl, y en el que Teresa Selma da vida a la Emperatriz Carlota.  Así mismo, en 2006 se hizo acreedora al Premio a Mejor Actriz por parte de la Agrupación de Periodistas Teatrales de México.

Además de por "La Loca de Bouchot", en nuestro país se conoce a Teresa Selma por su participación en las obras "El último verano de Sarah Bernhardt" de John Murrel,  "Arráncame la vida" de Elio Palencia,   "Yo soy Carlos Marx" de Glennys Pérez,  y la divertida "Viejas Picardías" de Mario Ficachi.

Ahora es momento de vera a Teresa Selma encarnando a Anna Politkóvskaya en MUJER NO REEDUCABLE, la intrépida periodista que se enorgullecía de reportar los sucesos de que era testigo, sin hacer juicios ni críticas, a fin de que la gente se enterara de los hechos con toda veracidad.   A pesar de recibir constantes amenazas e incluso sufrir varios atentados, ella no permitió ser reeducada y en forma intrépida continuó realizando su labor y narrando las escenas más terroríficas que veía en una tierra de nadie sembrada de minas.  Quedó convencida de que la raza chechena es la más mentirosa por naturaleza, se horrorizó al ver apuestas en las que el ganador era quien más mujeres hubiera violado,  charcos de sangre sobre la blanca nieve,  rehenes,  ajusticiamientos, por todos lados fuego con llamas altísimas,  cementerios con fosas cuádruples,  planillas imposibles de llenar  y mucho más.

El texto de Stefano Massini es muy interesante.  Para honrar a Anna Politkóvskaya compiló varios de sus artículos, a fin de transmitir lo que ella narraba.  Le dio estructura, lo dividió en capítulos y es así como el público se va enterando poco a poco de las vivencias de Anna.  Es una obra en contra de la bestialidad y la censura, un grito en favor de la libertad de prensa y la libre expresión.
 
Teresa Selma se transforma en Anna Politkóvskaya, dotándola de múltiples matices. permitiendo al espectador conocer a fondo la forma de pensar de la periodista que decidió anteponer su labor a su seguridad personal.  Formidable trabajo histriónico y corporal.
 
La voz en off es la de Wilfrido Momox.
 
La labor de dirección por parte de la primera actriz Teresa Selma es impecable. Su trazo escénico es fino, aprovecha bien el espacio escénico y lo redimensiona para crear diversas atmósferas, los desplazamientos están balanceados y la ambientación es adecuada.
 
Complementan el equipo creativo:  José de la Parra en música original,  Miguel Acebes Tosti en traducción,  Marco Pacheco en iluminación y espacio,  Karla Alejandra Hernández en diseño gráfico,  y  Agencia Lado A / Alicia Garzón en relaciones públicas y difusión.  Agradecimiento a: Carlos Sarmiento.
 
No es tan común que alguien celebre 70 años de trayectoria artística, así que acompaña a Teresa Selma en la conmemoración y podrás ver a Anna Politkóvskaya frente a ti, compartiéndote los horrores de guerra que presenció en tierras chechenas.  Te sorprenderá la lucidez mental, privilegiada memoria y experimentado histrionismo de Teresa Selma, quien ama tanto su trabajo que en ocasiones participa en dos o tres obras al mismo tiempo. Apresúrate a verla porque su temporada es breve.
 
En la función de estreno, el destacado actor Alberto Estrella fungió como padrino.  Al final de la representación, los asistentes tuvieron oportunidad de saludar personalmente a Teresa Selma y de compartir experiencia en un agradable convivio durante el cocktail que tuvo a bien ofrecer El Círculo Teatral.  

MUJER NO REEDUCABLE
Memorándum Teatral
se presenta los jueves a las 20:30 horas en el
CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO
ubicado en Gabriel Mancera número 1539
> cerca de la Avenida Félix Cuevas
Colonia Del Valle Sur
Ciudad de México

Duración aproximada: 90 minutos

Las localidades tienen un costo de:  $200

La temporada concluye el jueves 23 de mayo de 2019

 

NO TODAS VIVEN EN SALEM
Teatro de brujas para conjurar objetos
 
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo 2019
 
México es un país con múltiples tradiciones, vemos a la muerte como una transición y pensamos que nuestros allegados fallecidos nos visitan en el Día de Muertos, colocamos altares con flores, velas, fotografías y todo aquello que les gustaba comer o beber, para que su visita sea grata.  De algún modo, también tomamos a la muerte en broma comiendo calaveritas de azúcar y pan de muerto.  Creemos en el más allá, en leyendas, fantasmas, poseídos, tesoros escondidos, maldiciones.   En ciertas fechas se queman judas, las piñatas representan los pecados capitales, nos encantan los alebrijes.  A mucha gente le complace que le lean las cartas, llevar un amuleto consigo, someterse a limpias o ser curados por brujos, incluso, viajan a Catemaco en busca de estos.  Desde pequeños, en los relatos fantásticos nos llamaban la atención los príncipes y princesas tanto como las brujas.  Además, en determinado momento todos hemos caído bajo el embrujo del amor. 
 
El misterio y el poder de las brujas ejercen una gran atracción sobre nosotros. Tal vez nos hemos disfrazado de bruja o deseado hacerlo.  En cuentos, caricaturas, novelas o películas las representan volando por los aires en escobas y con sombreros puntiagudos, pero también las hay hermosas.  Sus poderes son ilimitados y los activan mediante pócimas preparadas en el típico caldero, rituales, talismanes, palabras cabalísticas o conjuros.  Se dice que todas las mujeres tenemos algo de brujas, lo cierto es que la mayoría conocemos cuando menos un hechizo. 
 
A  lo largo de la historia en todo el mundo han existido brujas reales o mujeres poderosas que han sido señalado como tales.  En ciertos lugares era costumbre hacer cacerías de brujas.  El extremismo religioso las condenaba a morir quemadas en una hoguera con leña verde.  Muchas fueron sometidas a juicios por demanda popular, por la inquisición, por leyes o prejuicios.   En particular, una aldea se hizo famosa por los sonados juicios contra delitos de brujería que llevó a cabo el tribunal Over and Terminer (Concluyente y Condenatorio) en el año 1692.  Se trata de Salem, una población ubicada en el condado de Essex, en Massachusetts, Estados Unidos de América.
 
Desde entonces, Salem, también conocida como La ciudad de las Brujas, se convirtió en un sitio que la gente desea visitar.  Los gobernantes y los pobladores supieron capitalizar la fama del lugar y realizaron construcciones o hicieron adaptaciones para rendir culto a las brujas.  En todo el orbe, Salem es la ciudad con más sitios de interés relacionados con la brujería.  Allí se encuentran el mayor Museo de Brujas, la Casa de los Siete Tejados y muchos otros atractivos turísticos.  Según las estadísticas, Salem recibe anualmente más de un millón de visitantes provenientes de todas las latitudes.
 
Ahora, es momento de enterarnos de que NO TODAS VIVEN EN SALEM.   Jimena Eme Vázquez escribió el texto de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, con el propósito de "trazar un panorama general del fenómeno sociológico de la caza de brujas, así como de la construcción y eventual revaloración del arquetipo de la bruja como símbolo de diversos movimientos feministas (W.I.T.C.H- Nueva York, 1968-1970)".
 
La dramaturga mexicana Jimena Eme Vázquez es egresada de la carrera de Literatura Dramática y Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  Hace 4 años ganó el Primer Premio de Dramaturgia Joven Vicente Leñero con su obra "Antes".  Luego ha escrito:  "No queda más remedio que explotar",  "Piel de mariposa",  "Me sale bien estar triste",  "Aquello que parecemos #LaTragediaDelOso" y "Hambre", entre otras.  Jimena Eme Vázquez es una de las dramaturgas más destacadas de las nuevas generaciones.  Sus textos son brillantes, estructurados e interesantes.  Jimena tiene la virtud de imprimir con acierto planteamiento, desarrollo y conclusión en sus relatos.
 
NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, fue creada con el apoyo del programa de Co-producción y Residencia Artística 2018 del Teatro La Capilla.  Es la sexta creación de la compañía Caracola Producciones y con la cual culminan el ciclo "Perspectiva de género y el teatro de imagen".
 
Caracola Producciones es una empresa cultural dedicada a la producción, promoción y difusión de proyectos escénicos y multidisciplinarios, fundada por Gina Botello, Fabiola Núñez y Abigail Espíndola.
 
El montaje de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, por parte de Caracola Producciones, es creativo, estético e inmejorable para albergar el texto tan radiante de Jimena Eme Vázquez.   Gina Botello recurrió a distintas técnicas, como teatro objeto, títeres y animación multimedia para la puesta en escena.  Las participantes se inspiraron en documentos históricos y teoría de género para plasmar la cacería de brujas, que, para el grupo son los primeros feminicidios documentados históricamente.  Se construyeron las historias de tres mujeres provenientes de diferentes épocas, que vivieron en lugares distintos, pero que están hermanadas en esencia y prácticas.
 
"Tres veces maulló el gato, tres ..." y el espectador tiene ante sí un collage escénico conformado por relatos de las tres protagonistas:  Alice, una bruja niña ligada al fuego y que extraña a Charlotte, corresponde a los procesos de finales del siglo XV en Europa,  Tituba, bruja-esclava que se deja guiar por su corazón y quien fuera la primera acusada en los Juicios de Salem de 1692,  y  Katherine, bruja-escritora muy talentosa que divide su tiempo entre la escritura y el cuidado de su pequeña hija, y quien formara parte del gran movimiento feminista de 1968.  Las tres brujas cohabitan un universo mágico, atravesando tiempo y espacio para dar a conocer lo que vivieron y sintieron, así como su íntimo pensar.  Brujas que dicen:  "traemos la luna en la mirada" y que son  "siempre hermanas, siempre brujas".
 
En la representación el público igual verá un artístico vitral de los instalados en iglesias que una cara de cartón fragmentada, un vestidito que representa a una niña, un televisor antiguo. velas, fuego, una enorme luna, jeroglíficos, cadenas, baúles, subsuelos, conjuros, máscaras y muchas sorpresas más.
 
La labor de dirección por parte de Gina Botello es maravillosa.  Su trazo escénico es pulcro y fluido.  Coordina y sincroniza numerosos componentes con tal precisión que logra un concepto integral extraordinario. La manera en que se suceden y entrelazan las historias es formidable.  Hasta el más mínimo detalle está cuidado.  Las coreografías son originales, la corporalidad es ingeniosa.   El ritmo exacto.
 
En el elenco participan las actrices titiriteras  Rebe Roa,  Elvira Cervantes,  Karina Miranda  y  Daniela Rodríguez, quienes ofrecen un espléndido desempeño histriónico, corporal, vocal, de expresión y de manipulación de objetos.
 
La producción está a cargo de Aurora Gómez Meza.
 
El equipo creativo de NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos que logra la escenografía idónea y los entornos adecuados para cada una de las protagonistas, incorporando las imágenes multimedia y la iluminación precisa para destacar determinados momentos está integrado por:  Leonardo Otero, Daniela Villaseñor y Alejandra Flores Alonso en diseño y realización,  Gabriela Gómez Meza en diseño de multimedia y diseño de imagen,  Sebastián Solórzano en diseño de iluminación,  Luis Ángel Pimienta en edición sonora,  e  Iliana Carolina López en realización de vestuario.
 
NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, es una coproducción de Caracola Producciones  y  Teatro La Capilla, con la colaboración de Down The Rabbit Hole - cafetería y crepería.
 
Sumérgete en la brujería, acompañando a tres bellas brujas en un montaje lúdico, estético, ingenioso y sorprendente, donde cada objeto está bien diseñado, materializado y colocado en el lugar y momento oportunos, sin dejar de lado el elemento humano que realiza un trabajo impresionante.  Sin lugar a dudas, en esta propuesta el teatro objeto alcanza su máxima expresión.  Un proyecto de alta calidad concebido por mujeres creativas, talentosas y comprometidas.  No pierdas la oportunidad de ver NO TODAS VIVEN EN SALEM - Teatro de brujas para conjurar objetos, te aseguro que la disfrutarás y quedarás hechizado, pero apresúrate porque su temporada está por concluir.  Así mismo, llega temprano porque la recomendación se ha corrido de boca en boca y las localidades se agotan.
 

NO TODAS VIVEN EN SALEM
Teatro de brujas para conjurar objetos
se presenta los domingos a las 18:00 horas en el
TEATRO LA CAPILLA
ubicado en la calle Madrid número 13
(casi esquina con Centenario)
Coyoacán,  Ciudad de México 

Duración aproximada:  60 minutos
 
El costo de la localidad es de $200
Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,
así como para vecinos de  Coyoacán,  Iztapalapa  y  Benito Juárez
 
La temporada concluye el domingo 12 de mayo de 2019
 
EL CANTAR DE ROLANDO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Mayo  2019
En las últimas décadas el mundo ha sufrido muchos cambios, algunos positivos, otros negativos.  La ciencia y la tecnología han avanzado a grandes pasos.  En varios sentidos se nos ha facilitado la vida, pero no podemos olvidar que también ha habido devastación.  La deforestación, los experimentos nucleares, los plásticos y otras tantas cosas han derivado en el calentamiento global y en la extinción de algunas especies. 
En particular, todos disfrutamos de la comunicación instantánea.  Es sorprendente cómo podemos comunicarnos con alguien al instante aunque esté a  kilómetros de distancia.  Lo malo es que hay quienes se enajenan en el vasto entorno de las redes sociales.  En lugar de visitar a alguien o ir a tomar un café con un amigo, sus conversaciones han quedado restringidas a las aplicaciones y sólo lo hacen a través de éstas, perdiéndose del calor humano que implica estar frente a frente.
Así mismo, los niños han cambiado sus hábitos en forma drástica.  Antes se les leían cuentos para dormir, hoy prefieren ver programas de televisión.  En lugar de ir al parque, a los columpios o salir a pasear con la familia, prefieren los videojuegos y el internet.  Se han perdido los juegos rudimentarios, como las canicas, el trompo, la rayuela y mucho más, así como distracciones importantes que eran alimento para el alma.  Por ejemplo, los circos que poco a poco han ido desapareciendo y cada vez son menos.  Recuerdo que cuando era niña ir al circo era todo un acontecimiento familiar.  No era algo que pudiéramos hacer en cualquier momento, porque teníamos que esperar a que llegaran en ciertas temporadas.  Entrar a un circo era como sentirse en otra dimensión.  Bajo una enorme carpa, nos llamaban la atención los aromas, las texturas, los colores, las golosinas y las tremendas destrezas de sorprendentes artistas que dedicaban horas y horas a lograr sus objetivos.  Desde luego, la mayor atracción eran los animales, mientras que en el zoológico los veíamos en jaulas y de lejos, en el circo los teníamos cerca y gozábamos con todas sus gracias y peripecias.
Si quieren volver a sentir la sensación de entrar a un circo, en estos días se está presentando EL CANTAR DE ROLANDO de la autoría de Isaac Pérez Calzada, una obra que recrea muchas de las particularidades circenses. 
La acción comienza cuando un hombre está en busca de una gasolinera o un taller para que revisen su auto que se le ha detenido en plena carretera.  Luego de caminar encuentra un circo en medio del desierto.  Tiene la esperanza de que alguien de allí le ayude con su problema.  La verdad es que él no sabe nada de autos.  Se dedica a la contabilidad, desde pequeño supo que esa era su vocación porque le encantaba contar todo lo que veía -los atardeceres, las manchas de los perros, las pecas en las manos de su abuelita-.  Lo peor es que tiene mucha prisa, ha perdido tiempo tratando de que le arreglen su auto, tiene una cita muy importante con el señor Rabindranath, un hombre tan exigente que habría que cuadrarse ante él, y la fecha límite de su declaración de impuestos está por vencerse. 
En el circo lo recibe Rolando, quien se presenta como el dueño de la CARPA ROLANDI.  Tanto el contador como Rolando tienen sus propias preocupaciones.  La comunicación es difícil, pues cada quien sólo piensa en lo suyo.  Al final, Rolando acepta ayudar al contador, pero con una condición:  tendrá que ver el espectáculo que está por comenzar y ayudarle si fuera necesario.  Es así como el contador se convierte en espectador y tiene que participar en todos los actos circenses, que, por cierto, son muy variados:  Hay magia, malabares, el hombre bala, un payaso, un ilusionista, una contorsionista, un oso amaestrado, un piano que no es piano, pero suena como tal, sombreros traviesos y hasta aros con fuego. 
El texto creado por Isaac Pérez Calzada capta el interés de principio a fin, es muy divertido, todos los personajes están bien delineados y la acción es infinita.  La mayoría de los actos circenses no salen como se espera, pero el mensaje es que lo importante es esforzarse e intentar, aun cuando no siempre se alcance la meta.  Interesante la confrontación de dos seres tan distintos un cirquero y un hombre que pasa horas frente a un escritorio -uno de mente libre, otro que sólo piensa en números-.  Los dos protagonistas se complementan el uno al otro y no sólo comparten diversión sino que aprenden mucho.
Paola Izquierdo realiza una labor de dirección extraordinaria, su trazo escénico es muy fluido.  El montaje está pleno de dinamismo y comicidad.  Los actos circenses los va hilvanando en tal forma que la acción es constante.  Aprovecha a fondo el espacio.  El desplazamiento de los intérpretes es variado.  El ritmo preciso.
El elenco está conformado por Juan Acosta y por el propio autor, Isaac Pérez Calzada.   Juan Acosta despliega gran versatilidad al interpretar a todos los que trabajan en el circo, puesto que no sólo da vida a Rolando, dueño, administrador y maestro de ceremonias del circo, sino a la taquillera y a todos los artistas que participan en el espectáculo.  Isaac Pérez Calzada es el Contador, personaje que está en medio de la responsabilidad de llegar a tiempo a su compromiso de trabajo y el despertar de sus sueños y recuperar todo aquello que ha perdido.  Ambos ofrecen una estupenda labor histriónica y corporal.
El concepto visual, la producción general y la ejecutiva, también están a cargo de Paola Izquierdo, quien invade el escenario con diversos elementos imprescindibles en un circo, bancas de madera, carpas, focos, escaleras, cajas, cubetas, pelotas, etcétera, logrando que el espectador se sienta realmente ante a un circo.  La producción de escenografía es del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-.
El diseño sonoro está bien armado y es idóneo para dar a EL CANTAR DE ROLANDO la atmósfera de un circo foráneo.  La música incluye aquella que se acostumbra en películas para niños o en caricaturas y temas tan populares como los de Los Beatles, sin dejar de lado los típicos redobles que se escuchan en el circo para proveer de cierto suspenso a los actos que requieren de valor.  El audio es de Gear Show.
Complementan el equipo creativo:  Regina Morales Ramos en diseño de iluminación,  Talía Loaria en coreografía,  Javier Rendón Tovar (Mago Javy Poker)  y  Edrian Ilusionista en asesoría en magia,  Ranni Garcés,  Alberto Cerz  y  Jennifer Zamora Mápula en asistencia de producción,  Sergio Carazo Cardona en atrezzo,  asistencia de dirección  y  producción,  y  Pamela Rendón Echeverría en difusión y relaciones públicas.
Los productores asociados de  EL CANTAR DE ROLANDO son:  Arte Nuevo de México,  Emireth Rivera  y  Género Menor.
Es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.
Despéjate de tus problemas cotidianos, abre bien tus ojos y tu imaginación y acude a EL CANTAR DE ROLANDO, donde encontrarás un mundo de ilusión.  Te aseguro que disfrutarás todos y cada uno de los actos circenses y te encantarán sus personajes.  Igual y aprendes algo de magia o de prestidigitación.  Un fabuloso montaje pleno de dinamismo y colorido diseñado para que chicos y grandes se diviertan.
EL CANTAR DE ROLANDO
se presenta  sábados  y  domingos a las 13:00 horas  en el
TEATRO SERGIO MAGAÑA
ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114
colonia Santa María la Ribera
-cerca de la Estación San Cosme del Metro-
Ciudad de México

Duración aproximada:  70 minutos

Costo de la localidad:  $149
Descuentos acostumbradas a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno
e  INAPAM  con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 12 de mayo de 2019

 

 

SOMBRAS EN EL PARAÍSO
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Se dice que uno es el arquitecto de su propio destino.  Esto aplica sólo en cierta medida.  Pocos son los que logran labrar su destino tal y como lo soñaron.  Unos cuantos no saben definir exactamente lo que desean.  La gran mayoría no puede alcanzar sus objetivos, sea por falta de recursos económicos, por no poner el suficiente empeño o por falta de oportunidades.  Algunos toman responsabilidades antes de tiempo como casarse muy jóvenes o tener hijos y esto altera sus prioridades, siendo la primera solventar los gastos de la familia.  A otros la vida les hace una mala jugada y los coloca ante obstáculos insalvables a causa de enfermedades, accidentes, desastres naturales, o bien, porque les cae una responsabilidad imprevisible como tener que hacerse cargo de alguien.  Alma, de quien hoy les comentaré, se encuentra en este caso. 
Alberto Estrella es uno de los actores más reconocidos, cuenta con una amplia trayectoria en cine, teatro y televisión.  En forma paralela, ha ejercido la docencia y es formador de actores.  Además, también se le conoce por haber colocado a EL CÍRCULO TEATRAL entre los foros más visitados de la Ciudad de México.  Fue hace 15 años cuando Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro recibieron EL CÍRCULO TEATRAL en muy mal estado y a base de dedicación, esfuerzo, trabajo e inversiones fue que lograron transformarlo integralmente.  Como sabemos, el sismo ocurrido en 2016 dejó inhabilitado el inmueble, pero Alberto y Víctor no han dejado de luchar por restaurarlo.  Su trabajo no se detuvo, han presentado obras en otros foros y plazas de la República Mexicana, incluso, en casas.  Gracias a su loable e intensa labor, falta poco tiempo para la reapertura de este foro tan significativo para todos los citadinos.
Alberto Estrella incursionó en la dramaturgia escribiendo para sus alumnos.  Luego ha escrito algunas obras en el poco tiempo que le queda disponible.  Una de las primeras es SOMBRAS EN EL PARAÍSO, la cual precisamente surgió en una de las clases que impartía.  Como parte de los ejercicios cotidianos, Alberto solía pedir a sus alumnos que llevaran algún objeto, a fin de "escuchar" sus vibraciones.  Un día, una de sus alumnas llevó una cofia y justo al verla a Alberto le surgió la inspiración de desarrollar un relato al respecto.  Fue así como decidió escribir SOMBRAS EN EL PARAÍSO, un monólogo de excelente factura que llega al corazón.
Las personas que tienen el privilegio de que sus padres lleguen a la ancianidad, saben que en algún momento ellos requerirán de cuidados especiales, pues la edad va mermando las habilidades del ser humano.  Más desafortunado es que padezcan alguna enfermedad discapacitante, pues, en este caso, la edad no tiene nada que ver y los cuidados son imperativos.   Sólo quienes han cuidado a enfermos o ancianos saben cuán pesado es.  Sin importar él amor que les profese, el cuidador se desgasta física, emocional y psicológicamente.  Esto es lo que ocurre a Alma, la protagonista de SOMBRAS EN EL PARAÍSO
Alma es una mujer de corazón noble y bondadosa.  El destino se ha ensañado con ella y su vida es bastante difícil.  Su economía es deplorable, tiene un sueldo bajo aun cuando trabaja incansablemente como enfermera en un hospital.  Llega rendida a casa, pero, en lugar de descansar, tiene que atender a doña Jose, una mujer que le abrió las puertas de su casa y le brindó cariño.  La quiere y le está muy agradecida, de hecho, la llama mamá.  El mundo de ambas se derrumbó cuando doña Jose quedó cuadripléjica.  Alma pidió ayuda a los hijos de doña Jose, pero ellos se desentendieron, continuaron con sus vidas y la dejaron con toda la responsabilidad a cuestas.
Desde entonces, sin queja alguna, Alma se ha esforzado por brindar a doña Jose una vida lo más digna posible.  La alimenta, la asea, le da terapia, le platica, para luego limpiar la casa y encargarse de los periquitos Pancho, Perla y Pedro y su jaula.  De pronto, Alma se da cuenta que el tiempo se le ha ido entre las manos.  El espejo ya no le devuelve la imagen de la jovencita bella y agraciada que era.  Recuerda todos los anhelos que no ha podido concretar. Se siente triste, desesperada.  Está en un punto crucial.  Piensa "tengo derecho a vivir, a tener la ilusión de saber que el mañana será diferente al hoy".  Quisiera poder caminar por una "vereda tropical", enamorarse, que alguien "le llenara la boca y las entrañas".   La fatiga y el hartazgo han hecho mella en la mente de Alma cuando ella sólo ansía libertad.
El texto escrito por Alberto Estrella capta el interés de principio a fin.  La psicología de la protagonista está bien delineada y Alberto la lleva a un largo recorrido por muchas de las emociones que invaden al ser humano en un relato profundamente conmovedor. 
Víctor Carpinteiro realiza un trabajo de dirección impecable.  Comprende a fondo el texto de su amigo y colaborador Alberto Estrella y lo traslada al lenguaje teatral con fluidez.  Su trazo escénico es pulcro y bien diseñado.  Aprovecha a fondo el escenario.  El ritmo es muy preciso.
Ángeles Marín se transforma en Alma, dando vida a esta atribulada mujer y dotándola de una vasta gama de matices.  Es sorprendente la forma en que Ángeles pasa de un estado anímico a otro.  La bella y experimentada primera actriz ofrece un trabajo fuera de serie en cuanto a histrionismo, corporalidad, manejo de voz y expresión.   
La escenografía e iluminación son diseños de Mónica Kubli.  Mónica optó por la sobriedad para ambientar el departamento de Alma.  Preside el espacio casi vacío una silla, donde pasa sus días doña Jose.  En la iluminación apuesta por la penumbra para reflejar lo sombrío, para lo cual le bastan unas cuantas lámparas led en color rojo.
El vestuario es de Alonso Quijano, quien apuesta por lo realista, uniforme de enfermera, un sweater modesto y lencería sencilla pero elegante, todo de fina confección y telas de buena caída.  La realización del vestuario es de Leticia Meleza.
El diseño sonoro es idóneo para la narrativa.
La fotografía es de Leticia Olvera. 
RP & Difusión están a cargo de Alicia Garzón / Lado A.
Jazmín Maceda es asistente de producción.
Alma necesita desahogar sus penas, si vas a visitarla te platicará lo que la agobia y compartirá contigo sus más íntimos anhelos.   Si pensáramos en el teatro como un templo de arte, SOMBRAS EN EL PARAÍSO está oficiada por tres ministros.  Tres seres sensibles, con talento y creatividad que ofrecen un trabajo excepcional en sus respectivas áreas -dramaturgia, dirección y actuación-, con el apoyo de un comprometido equipo de colaboradores.  No dudes en ir a escuchar un relato inquietante que te conmoverá y te hará reflexionar. 
SOMBRAS EN EL PARAÍSO
se presenta  domingos  a las  19:00 horas  en
LA TEATRERÍA
ubicada en Tabasco número 152,
Colonia Roma,  Ciudad de México
 
Duración aproximada:  75 minutos
 
Costo de la localidad:  $300
 
La temporada concluye el domingo 26 de mayo de 2019
¡PULSO!
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019

Está por concluir la primera residencia de MONOSABIO en el TEATRO EL MILAGRO.  Abrieron su residencia con la obra TENGO MIERDA EN LA CABEZA, de Bárbara Perrín Rivemar, bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas, luego presentaron SEGUIR MOVIÉNDOSE HASTA QUE ALGUIEN NOS VEA de la autoría y bajo la dirección de Manuel Cruz Vivas  y  ahora toca el turno a ¡PULSO! de Manuel Cruz Vivas, bajo la dirección de Alejandra Escobedo.

En la sinopsis los jóvenes de MONOSABIO indican:  "¡PULSO! es un proyecto orientado hacia el teatro físico que tiene como punto de partida la exposición corporal de la información sensorial almacenada en el cuerpo a partir de ciertas conclusiones sobre las relaciones humanas. El proyecto busca la relación de los cuerpos, el espacio, la música, la iluminación y cómo estos elementos componen y afectan en su totalidad al ser humano".

La tercera propuesta de MONOSABIO es la más ligera, el breve texto escrito por Manuel Cruz Vivas está conformado por pequeños cuadros aislados que hablan sobre sensaciones en la relación de pareja, dejando de lado el género, la intensidad del amor o el compromiso entre ellos.  Entre otras, incluye las siguientes situaciones:  una novia determinada a llevar al novio al altar,  el que se siente artista y cree que recita como nadie,  quienes a base de alabanzas manipulan,  un joven algo hipocondriaco que lo único que busca es consentimiento,  los que gozan hasta de los quehaceres hogareños,  aquellos que van a algún lugar sin ganas y, por supuesto, no lo disfrutan,  los que se mueven, bailan, corren,  la que sueña a alguien en el cuerpo de otro.   ¡PULSO! se refiere a todo aquello que nos vibra o nos pulsa, sin importar si es algo sencillo o relevante, como bañarse, salir a comprar esquites, amar, besar, abrazar, aceptarse, llorar, reír, salir a correr, ir al mercado, ejercitarse, poner mayonesa y jamón sobre el pan, oler un jabón, en fin, cualquier cosa.

Alejandra Escobedo realiza una formidable labor de dirección en su ópera prima.  Adorna las situaciones con distintas coreografías, ya sea grupales o individuales, con lo cual hace lucir el montaje y le imprime un sello dinámico.  Articula bien los segmentos, dando continuidad a la acción, a pesar de que cada cuadro es independiente y no se interrelaciona con los demás.   Incorpora música y se apoya en la iluminación también diseñada por ella, para dar mayor realce a la escenificación.  Dimensiona el espacio doblando la acción en algunos cuadros, por ejemplo, otra pareja situada fuera del foco escénico está presente al mismo tiempo que se desarrolla la acción principal, a manera de reflejo.  El ritmo es preciso.

Al igual que en las anteriores propuestas de MONOSABIO, el montaje es sencillo.  Para ¡PULSO! los elementos escenográficos están colocados al fondo del escenario, cual si fuera una pequeña habitación con una silla, muchos cuadros en la pared y un gran reloj digital.  Esto deja mayor espacio libre tanto para las coreografías como para el desplazamiento de los intérpretes.  El diseño escenográfico es del propio autor, Manuel Cruz Vivas.

Curiosamente, en la residencia de MONOSABIO, la obra de menor duración es la de mayor elenco.  Participan en ¡PULSO!  Mauricio Rico,  Ana Vértiz,  Belén Mercado  y  Edgar Landa,  quienes ofrecen un acertado trabajo histriónico y corporal.

El lucidor vestuario fue diseñado por Alejandra Escobedo, quien eligió uniformar al elenco.  Para ellas un llamativo vestido rojo, de tirantes, confeccionado en tela vaporosa, en tanto que ellos van con camisa y pantalón en color negro, logrando un fuerte contraste con el rojo.  La realización del vestido de novia y ajustes al vestuario estuvieron a cargo de Melisa Olivares.

La asesoría corporal fue impartida por Edgar Landa.   El diseño gráfico es de Daniel Loyola.

 

TEATRO EL MILAGRO -- Coordinación técnica:  Aída Escobar.  Planta técnica:  Celso Martínez Flores  y  Rodolfo Mora González.

 

La producción es de MONOSABIO.

 

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

El grupo teatral MONOSABIO ha tenido una buena recepción a lo largo de su residencia en el TEATRO EL MILAGRO, presentando al público una variada selección de sus obras.  Son jóvenes comprometidos con su labor y con el teatro que se intercambian roles en su búsqueda de aprendizaje.  Sus propuestas son producto de investigación, creatividad y labor en equipo.   Acude a ver ¡PULSO!, te encontrarás con la fresca mirada de los jóvenes de hoy en día, disfrutarás de su dinamismo, sus ideas, sus bailables y quizás te sorprenda que casi todo lo que les vibra a ellos, es lo mismo que te vibra a ti.

 

 

 

¡PULSO!
se presenta  miércoles,  jueves  y  viernes a las 18:00 horas en el
TEATRO EL MILAGRO
Nuevo Espacio Escénico

ubicado en Calle Milán número 24
Colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  55 minutos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Costo de la localidad:   $250

Para Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente:  $160

Vecinos de la colonia Juárez y maestros o estudiantes de teatro con credencial vigente:   $80

Viernes del espectador:   $80

La temporada concluye el viernes 3 de mayo de 2019

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

VILLA DOLOROSA
Tres cumpleaños frustrados
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
Pocos son los seres privilegiados que se sienten satisfechos de lo que son, de su vida, de su físico, de lo que han hecho y logrado.  En general, las personas padecen frustraciones, se arrepienten de algo, o bien, anhelan o requieren de un cambio.  Este tipo de necesidades del ser humano es una fuente inagotable para la creación de personajes atribulados por parte de autores de todas las épocas.  Por ejemplo, uno de los escritores más relevantes en la historia de la literatura, Antón Chéjov (1869.1904), originario de Rusia, se distinguía no sólo por su gran escritura y el talento con el que retrató la vida en la Rusia de su época, sino también por su impresionante habilidad para delinear la psicología de sus personajes y para dejar ver su forma de pensar, angustias, ilusiones y esperanzas.  Varias de sus obras, como "La Gaviota", "El Jardín de los Cerezos", "Las Tres Hermanas", son consideradas joyas de la literatura universal.  Además de que las obras de Chéjov están entre las más representadas en todo el mundo, también han servido de inspiración para que otros autores creen sus propias versiones.
En México se han presentado incontables montajes de "Las Tres Hermanas", tanto de la versión escrita por Chéjov como de adaptaciones.  Ahora toca el turno a VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados de la autoría de Rebekka Kricheldorf, joven alemana egresada de la carrera de Filología Románica en la Universidad Humboldt de Berlín, así como de Redacción Escénica en Escuela Superior de Bellas Artes en Berlín, cuyas obras la han llevado a ocupar un destacado lugar entre los dramaturgos alemanes contemporáneos.
Rebekka Kricheldorf se inspira en "Las Tres Hermanas" de Chéjov para escribir VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados.  Se trata de una versión libre. Tanto en el texto original como en el nuevo, los personajes se encuentran en decadencia física, económica y emocional.  Todos ellos están inconformes con sus vidas, el hastío de la cotidianeidad los domina, quisieran estar en otro lugar, tener otras actividades, quizás hasta ser otros.  Lo incongruente es que ninguno se esfuerza por lograr algo distinto, cual si no tuvieran voluntad y sólo se dejaran llevar.   La obra de Chéjov está ubicada en una provincia de la Rusia de finales del siglo XIX y el anhelo más preciado de las hermanas Prozorov es volver a Moscú, como si con esto todos sus problemas se solucionarían.  En cambio, la obra de Kricheldorf sucede en los años 80, no se indica donde reside la familia, así que podría ser en cualquier lugar del mundo.  A pesar de sus frustraciones, ninguno de ellos tiene una aspiración concreta.   Existen ciertas similitudes entre las dos visiones, los nombres de los protagonistas se conservan, si bien aclaran que el padre de las jóvenes eligió llamarlas así porque era amante de la lectura y admirador de Chéjov.  El número de hijos es el mismo -tres hermanas y un hermano- y también son parecidos algunos aspectos de la forma en que viven y las circunstancias.
El texto de Rebekka Kricheldorf es de buena factura, capta el interés de principio a fin.  Es un drama salpicado de comedia, con algo de ironía y farsa
Es así como en VILLA DOLOROSA, el público tiene oportunidad de conocer a Olga, Masha e Irina en su vida cotidiana, dentro de la pequeña villa que habitan.  La casa es muy sencilla, pero tiene un bello jardín que ellas ven desde su ventana.  Olga es la única que tiene un trabajo fijo, del cual reniega todo el tiempo.  Masha está casada con un hombre al que no ama.  Irina, la menor, aún tiene algunas ilusiones.  Por lo pronto, quiere que su festejo de cumpleaños sea grandioso.  Está dispuesta a sacar del desván el viejo tocadiscos para que haya música.   Andréi, el hermano se la pasa planeando qué hará, pero en realidad no hace nada.  Está por conocer a Janine, una joven a la que embarazará.  Georg, amigo de Andréi gusta ir a visitarlos, es un hombre pusilánime al que domina su esposa, pero no se le ve intención alguna de dejarla.  Con tantas visitas, surge un amor platónico entre Georg y Masha.  En el transcurso de la función, saldrán a la luz los conflictos individuales de cada uno, así como las dificultades para interrelacionarse entre ellos y los problemas económicos que afrontan.
Silvia Ortega Vettoretti es una directora escénica que siempre ofrece trabajos escrupulosos, pero en esta ocasión su labor es verdaderamente brillante.  Su trazo escénico es preciso.  Se guía por el teatro naturalista, mediante el cual lo primordial es mostrar la naturaleza humana.  Comprende a fondo el texto y su traducción a lenguaje teatral es estupenda.  Realizó una muy atinada selección de elenco con actores de trayectoria y probadas capacidades histriónicas.  A través de ellos, Silvia Ortega Vettoretti plasma en escena la esencia de cada uno de los personajes y logra que la complejidad de la mente de estos se vea totalmente natural.
No es de extrañar que por su trabajo en VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados Silvia Ortega Vettoretti ya haya recibido dos premios a mejor dirección escénica del 2018, uno por parte del Pez de Oro  y  otro por parte de la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro -ACPT-.
De hecho, VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados fue nominada en varias categorías tanto del Pez de Oro como de la ACPT, resultando absoluta ganadora del Pez de Oro como mejor obra del 2018  y también fue galardonada en los Jimenitos Aguords.
El elenco está conformado por:  Renata Wimer (Irina),  Daniela Zavala / Paula Watson (Olga),  Mahalat Sánchez (Masha),  José Carriedo (Andréi),  Sheila Flores (Janine)  y  Salvador Hurtado (Georg).  Cada uno de ellos ofrece un admirable desempeño histriónico, corporal, vocal y expresivo, denotando un arduo trabajo de creación de personaje.
La escenografía, iluminación y vestuario son diseño de Carolina Jiménez, quien hace un excelente trabajo en los tres rubros a su cargo.  El espacio escénico crea el entorno ideal, modesto y reducido, la iluminación está bien administrada y el vestuario es idóneo para cada personaje.
Pablo Mondragón coadyuva en la ambientación mediante su diseño sonoro.
Desconozco quien hizo la traducción, pero realizó una gran labor para que pudiéramos comprender el complejo texto con todos los vericuetos mentales de lo protagonistas.
Sheila Flores tiene a su cargo el diseño de producción y la producción ejecutiva.
La producción de VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados se es de:  Perra Justa, Caja Negra, Alquimia Arte y Cultura y Teatro del Mundo.
Sin lugar a dudas VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados es un montaje digno de verse.  Se revisita un clásico de la literatura universal, bajo la mirada de una sobresaliente dramaturga alemana contemporánea, llevado a escena por Silvia Ortega Vettoretti, quien realiza un trabajo bordado en filigrana, al lado de un gran equipo de actores que construyen y encarnan a personajes entrañables.  Disfrutarás de cada uno de los tres actos, en tanto que estás invitado a tres festejos cumpleañeros.  ¡No te la pierdas! 

 

VILLA DOLOROSA
Tres cumpleaños frustrados
se presenta jueves a las 20:30 horas en el
FORO LA GRUTA
del CENTRO CULTURAL HELÉNICO
ubicado en Avenida Revolución número 1500
-cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-
Colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México
Duración aproximada:  120 minutos
Costo de la localidad:   $250
Los boletos se adquieren en taquilla o
en la página de internet www.helenico.gob.mx
La temporada concluye el jueves 9 de mayo de 2019
CASI NORMALES
Por:  Eugenia Galeano Inclán
Abril 2019
¿Te consideras completamente normal?  En mi opinión. cada vez nos alejamos más de la normalidad.  La inseguridad, la violencia y la impunidad nos provocan miedo.  Los caos viales, los problemas de transporte, las marchas y manifestaciones hacen que no lleguemos a tiempo a nuestro destino y vivimos en tensión constante.  Las dificultades personales y las económicas derivan en estrés. La combinación de lo mencionado deriva en estrés constante y esto desquicia a cualquiera.  Las desgracias más serias como desastres naturales, pérdidas importantes, duelos o tragedias pueden generar desequilibrios más severos.  Hoy en día los psicoterapeutas tienen mucho más pacientes que antes.  Nadie está exento a padecer una enfermedad mental.
Brian Yorkey es dramaturgo y letrista, nacido en Omaha, Nebraska, E.U.A. y Tom Kitt es músico, compositor, director y orquestador y músico  Brian Yorkey y Tom Kitt se conocieron mientras estudiaban en la Universidad de Columbia, luego, a finales de los años 90, los recién graduados participaron en el Taller de Teatro Musical BMI Lehman Engel y, para su trabajo final en este taller, se aliaron para crear juntos su trabajo final.  Mientras planeaban qué tema abordarían, Brian Yorkey propuso que se inspiraran en un segmento que vio de la Serie Fecha Límite (Dateline) de la NBC -National Broadcasting Company- sobre terapia electroconvulsiva que le había parecido muy interesante.  Fue así como surgió la mini-obra "Sintiéndote Eléctrico" (Feeling Electric), cuya duración era de 10 minutos.   Desde luego, tuvo una excelente acogida.  Lo que ni Yorkey ni Kitt sabían en ese momento es que era la semilla de una de sus obras más relevantes.
En su vida profesional Brian Yorkey y Tom Kitt trabajaron tanto individual como conjuntamente, lograron varios éxitos, así como nominaciones y premios importantes.  En 2008 retomaron aquel trabajo que habían presentado en el Taller de Teatro Musical y lo desarrollaron.  El resultado fue CASI NORMALES (NEXT TO NORMAL), en la que como lo hicieran en su proyecto original Brian Yorkey escribió el texto y las letras de las canciones y Tom Kitt creó la música. 
La columna vertebral de CASI NORMALES es la enfermedad mental, pero se abordan varias temáticas como la unión familiar, el amor, el suicidio, el entorno, la prescripción indiscriminada de medicamentos, la ética en la psiquiatría contemporánea y sus consecuencias, entre otras.  Todo esto está contenido en el estructurado texto de Brian Yorkey que capta la atención de principio a fin.  Retrata a la perfección el drama íntimo de una familia. Los personajes están bien delineados y la psicología de cada uno queda plasmada.  A manera de rompecabezas se ofrecen al espectador segmentos para ser colocados en el lugar preciso.   Encierra una fuerte crítica hacia aquellos psicoterapeutas que ejercen su profesión a su leal saber y entender, pero que no siempre piensan en sus pacientes como personas.
En cuanto a la parte musical, el género es rock y tanto las melodías como los acordes escritos por Tom Kitt como parte integral de la obra crean el entorno ideal, dan realce a la acción y sensibilizan al público. 
 
CASI NORMALES fue estrenada en el Second Stage Theatre en la zona conocida como Off-Broadway, pero al año siguiente fue exhibida en el Booth Theatre en pleno Broadway, donde asombró teniendo localidades agotadas por todo el tiempo de sus representaciones.  El éxito fue tan rotundo que comenzaron las nominaciones, premios, reconocimientos y galardones.   El Círculo de Críticos Externos otorgó a Tom Kitt el Premio de Mejor Música Original.   Diversas nominaciones tanto por Libreto como por Música.  En cuanto a los Premios Tony, CASI NORMALES ha sido nominada en once ocasiones en varias categorías como:  Mejor Música Original compuesta para Teatro,  Mejor Libreto de un Musical  y  Mejor Orquestación en un Espectáculo, llevándose  varios premios.  En el año 2009 Tom Kitt recibió el Premio Tony por Mejor Música Original.  En 2010 Brian Yorkey y Tom Kitt compartieron uno de los galardones más importantes y codiciados, cuando el Premio Pulitzer al Mejor Drama fue otorgado a CASI NORMALES.  Los integrantes del Consejo de los Premios Pulitzer definieron a CASI NORMALES como "un poderoso musical de rock que confronta una enfermedad mental en una familia suburbana y va mucho más allá de lo que usualmente abordan los musicales".
 
El multi-premiado musical de Broadway CASI NORMALES ha sido traído a México por TOCA Teatro, productora que comandan Alberto Alva y Sergio Mingramm.  Para la dirección escénica se designó al prestigiado director Diego del Río.
 
En CASI NORMALES el público tiene la oportunidad de observar la vida en casa de la familia Bueno desde el interior de su hogar.  El amor está presente.  Diana y Daniel se casaron muy enamorados y continúan amándose, incluso, mantienen viva la llama de la pasión.  Procrearon dos hijos:  Gabriel y Natalia.  Desde que nació Gabriel, Diana se sintió particularmente apegada a él y ese vínculo nada lo podrá romper.  Tanto así que Natalia se siente un poquito "relegada" de vez en cuando y a fin de hacerse más notoria se esfuerza en sus estudios y su  comportamiento.  Si aparentemente todo está bien, ¿por qué es que se consideran CASI NORMALES?  El problema es que a raíz de una tragedia, Diana ha sido diagnosticada como bipolar y depresión con tendencias suicidas.  Diana hace todo lo posible por combatir sus padecimientos, si un médico no le funciona, acude a ver a otro, pero la verdad, no alcanza a ver mejoría y cada vez se le hace más difícil tomar las dosis prescritas de tantas cápsulas que ella distingue por colores.  Así mismo, los efectos en la familia son devastadores.  Les es imposible predecir las reacciones de Diana y viven desconcertados.  A lo lejos brilla la luz de la esperanza y todos confían en que Diana habrá de recuperar su salud mental algún día.