IVÁN Y LOS PERROS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Dramaturgia escrita por Hattie Naylor cuyo texto original es IVÁN AND THE DOGS. Obra teatral que sería presentada por primera ocasión, por la Compañía Teatral “El Balcón de Meursault” dirigida por Paul Dogson, quien además publicara ésta obra la cual fue  merecedora del premio “Tenniswood Award en la Gran Bretaña hacia el año 2009; suceso exitoso por el cual sería traducida en ocho idiomas diferentes.

El texto trata a manera de sinopsis de la siguiente historia:

Ante la pobreza surgida en Rusia, todo el dinero se había gastado, hasta el extremo de no tener algunas personas ni siquiera para comprar comida. Así muchos de los padres de familia salieron de entre los escombros para tratar de encontrar en la calle algo que comer y beber. Por otro lado también necesitaban calor para defenderse de las inclemencias del frío por lo cual al principio se cobijaron con la cercanía de sus perros.

En la trama aparece como personaje protagónico por supuesto Iván, personaje que además aparece como narrador de su propia historia con carácter omni ciente y omni presente dentro de la narrativa, en el sentido de que él mismo esta presente en todos los hechos y es sabedor de todo lo acontecido.

Pues bien, Iván es un niño que huye de la casa materna debido a los malos tratos sufridos por parte de la pareja de su madre, por lo que decide alejarse. Con el paso del tiempo habitará junto con cinco perros, los cuales terminarán convirtiéndose no solamente en su única compañía, sino en su nueva familia tras finalmente identificarse él mismo, como un perruno más dentro del grupo canino.

Así es como él se dará a la tarea de sacar del basurero perteneciente a un restaurante lujoso, los desechos de carne con los cuales él subsistirá y con parte de los cuales, alimentará además a sus animales.

Pero las cosas cada vez se irán convirtiendo más difíciles para lograr dicho modus vivendi por parte de Iván, a quienes algunos polizontes intentarán capturar ante tal hecho de parecerles esto un hecho delictivo.

En la puesta en escena el respaldo escenográfico poco a poco se va dando en base a la utilería que el joven actor lleva consigo, entre los que se encuentran una serie de globos que poco a poco él mismo actor va inflando para darles la forma de los amados perros en la historia de Iván, entre otros apoyos escenográficos,

Bajo un ambiente tenue creado con iluminación a media luz, el actor va dándole vida a su personaje. En algunas escenas surge a manera de “staff in off” las voces de varias personas hablando, quienes se expresan en el idioma ruso, para darle verosimilitud al referente de la obra teatral y, que es una localidad del país más grande del mundo, es decir en la Rusia contemporánea. Personajes que pese a no presentarse físicamente en escena a través de la presencia de algunos actores, toman gran importancia en el desarrollo de la trama. Voces a las cuales Iván contesta en español, haciendo con ello legible los diálogos de idioma extranjero.

 

IVÁN Y SUS PERROS se estrenará el próximo domingo en puerta, es decir el día 19 de mayo iniciando la temporada de las funciones teatrales de éste drama, en el Teatro “La Capilla” bajo la dirección Sixto Castro Santillán, teniendo como intérprete del monólogo, al actor Joan Santos quien además fue quien realizara la traducción del texto del inglés al español.

 

ESCORIAL.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Los perros y las campanas ladran. La muerte ronda el palacio real y con cada paso que avanza presagia la más terrible de las desgracias.”-

Es justamente un fragmento de la obra teatral ESCORIAL que encierra la parte medular de ésta trama emotiva original de Michael de Ghelderode, llevada a escena con actuaciones que incluyen malabares en un escenario en donde el trono es una silla inmensa que muestra que el poderío le queda grande al inminente jerarca, matizado con gran sufrimiento bajo su corona real.

Este drama, anteriormente fue representado por Roberto Sosa en el rol del rey y por Patricio Castillo en el papel del bufón, en el foro del Teatro Helénico. Por mas esta decir que son dos actores muy reconocidos en el medio del espectáculo, por sus participaciones tanto en cine, como en teatro y televisión, medios que les han dado ha conocer como grandes talentos.

Sin embargo Dan Alvarado y Diego Cárcamo, actuales interpretes en éste drama, no le piden nada al desempeñarse con gran talento histriónico en la nueva puesta en escena, pues muestran tener gran dotes y talento en la plástica actoral.

Cabe aquí menciones que los personajes de ESCORIAL interactúan bajo dos roles difíciles de interpretar; y decimos difíciles pues para ello se necesita además de un gran talento histriónico, una condición física que ambos poseen y, que en esta puesta en escena, hacen gala de ello ejecutando difíciles números como el de trepar una pared simulando ser un mico o el pararse en dos manos entre otros números más.

Amanera de sinopsis, la historia trata de un rey que intenta ahuyentar a los espectros que al parecer rondan en su mente, a través de la alegría que le proporciona su bufón, mientras la reina se encuentra en el ocaso de su existencia.

Este último personaje, es decir el de la reina, sólo aparece como apoyo para desarrollar la trama, pues nunca aparece personificado en escena, pese al peso escénico que le infiere el autor dentro de los diálogos, sin embargo es indispensable mencionarla constantemente, para el entendimiento de éste drama.

La trama nos introduce en una historia que se desarrolla en un corte en donde el ambiente adverso que se percibe, es parte del duelo ante advenimiento, de la muerte eminente de la reina. Así la atmósfera se torna triste e impenetrable.

El rey y su bufón son victimas de éste dolor que intenta el rey disminuir o disimular mediante las risas simuladas del bufón. La locura parece penetrar las inmensas paredes del castillo, junto con el presagio de la muerte.

Ante tal adversidad, el rey y su bufón deciden cambiar sus roles dentro de la corte, jugando  a ser cada uno de ellos, en el otro. Momento escénico matizado con una mezcla de gran gracia e infortunio, resultando dicha decisión en donde se expresan las vicisitudes entre ambos.

Dos personajes más entran en escena. Ambos con roles secundarios, pero que le dan coherencia a éste drama, el cual es presentado en un solo cuadro escénico a media luz, para lograr transferir al espectador esa atmósfera que pregona la desgracia en el reino. En el escenario aparece una enorme silla, a manera de trono y atrás se contempla a un personaje montado en dos altos zancos, a manera de juglar, quien permanece callado la mayor parte del tiempo escénico, pero quien lleva finalmente la nefasta noticia.

Atmósfera que esta acorde con la frase textual de la dramaturgia del autor de este drama, Michel de Ghelderode y que reza de la siguiente manera:

-“No se confíen. La muerte está en la escalera algo aturdida, me imagino, de escuchar tantas porquerías”-

 

ESCORIAL se presentará de 18 de mayo al 8 de junio solamente los días sábados a las 19:00 horas, en el Teatro La Capilla. De bajo la traducción de César Jaime R. la obra teatral ESCORIAL se presentará los días sábados en el Teatro “La Capilla” bajo la dirección escénica de Luis Barrera, con las actuaciones estelares de Dan Alvarado, Diego Cárcamo y César Nicolás.

 

¡SUERTUDOTAS!

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Como un homenaje a un ícono de la comedia en México, me refiero al actor Mauricio Garcés, ayer miércoles 15 de mayo se estrenó en el “Nuevo Teatro Manolo Fábregas” la divertida comedia escrita y dirigida por Joaquín Bissner ¡SUERTUDOTAS!

Dicha frase que como es bien sabido por muchos de sus seguidores, fuera un distintivo del ya fallido comediante, entre otras expresiones como ¡Arroooz!, ¡Las traigo muertas! o ¡Qué terrible ha de ser tenerme y después perderme!

Y como buen homenaje, no podía ser ésta puesta en escena otra cosa que una divertida comedia. Obra teatral de la casa productora Mejor Teatro y Morris Gilbert. La cual se dio a la tarea de retratar fielmente el perfil del actor Mauricio Garcés, tanto en voz, expresiones, e incluso con un gran parecido al actor, proponiendo como personaje protagónico al también actor Ulises de la Torre.

La puesta en escena fue en dos actos escénicos con una duración aproximada de dos horas, durante las cuales se muestra una casa habitación modelada a la usanza de la época en que vivió Mauricio Garcés.

Pero, ¿quien fue tan mencionado actor? Para los que no le conocieron o vieron actuar, les comentaré que su nombre verdadero fue Mauricio Férez Yásbek, lo cual nos corrobora su origen genético libanés.

Nació el día 16 de diciembre de 1926 en Tampico, Tamaulipas, pero sus padres le trasladaron desde los 7 años de edad al Distrito Federal en donde fijaron su residencia.

Fue considerado como el eterno gran galán del Cine Nacional Mexicano. Abandonó su carrera en Ciencias Químicas para desarrollarse en el medio artístico, iniciándose por el apoyo que le brindó su tío Tufic Yásbek, en la radiodifusora XEQ y en la XEW. Colaboró por primera vez como actor en la película “La muerte enamorada” protagonizada por Miroslava y Fernando Fernández en 1950, momento en el cual decidió ponerse como nombre artístico, el de Mauricio Garcés, por iniciarse con la letra “G” como  sus grandes ídolos del momento y que eran Cary Grant, Clark Gable, Gary Cooper, pensando que le traería ello suerte. También incursionaría en la televisión, iniciándose en la telenovela de “Gutierritos”. Pero su gran éxito dio inicio en 1959 cuando el productor Abel Salazar lo invitó como co-estelar de la trilogía “Los hermanos diablo”. Sin embargo sería hasta 1966 en que su imagen de galán otoñal, mundano y elegante prevalecería otorgándole la imagen que aún en la actualidad se tiene de él.

Y es precisamente esa la imagen que logra el actor Ulises de la Torre en la obra de Joaquín Bissner ¡SUERTUDOTAS! con aplomo de galán.  La historia trata de un hombre amado por las mujeres, quien ante la idea de casarse con una cantante, conoce casualmente en las vísperas de su boda, a otra mujer joven y hermosa, por lo que decidirá cancelar su compromiso, para comprometerse con la recién conocida joven. Algunos eventos inesperados surgirán, dándole un vuelco a la trama.

Muchos momentos chuscos se presentan en la obra ¡SUERTUDOTAS! en donde por supuesto surgen las frases inolvidables del actor Mauricio Garcés, así como el tono cómico que utilizara para tal efecto.  Su manera de vestirse no podían faltar, ni el auto-coqueteo que utilizara y que se muestran claramente en ésta puesta en escena, en donde comparte créditos con los actores Gerardo González Fuentes, Andy Frederics, Cecilia Gabriela, Jorge Ortin, José Montini, Lalo Palacios, Vanesa Montemayor y Violeta Isfel, todos infiriéndole a su personaje una gran dosis de comicidad.

 

¡SUERTUDOTAS! Se presenta en el NUEVO Teatro Manolo Fábregas ubicado en la calle Serapio Rendón 15 en la colonia San Rafael.

 

LA MATÉ POR UN PAÑUELO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Muy ad-hoc a la ocasión se presenta la puesta en escena de Andrea Salmerón y Alfonso Cárcamo LA MATÉ POR UN PAÑUELO basada en la obra de Williams Shakespeare de “Otelo” (escrita en el año 1603) en el teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro Cultural UNAM.

Digo muy ad-hoc, pues al parecer en la actualidad es ya casi moda entre la gente hacedora de teatro, utilizar textos de escritores clásico, siendo en su mayoría las obras del Shakespeare, trasmutándolas al representarlas, a la época actual. Por ende la propuesta escénica suele ser con el vestuario, la utilería, la escenografía e incluso, la utilización de un lenguaje coloquial, totalmente actual.

Aún cuando la esencia del texto se respeta, los dramaturgos contemporáneos se dan a la tarea de modernizar la trama original. Caso del que me refiero, por ejemplo, es la obra teatral clásica griega de Sófocles llamada “Edipo Rey” qué bajo la pluma de David Gaitán, retoma el título de “EDIPO, Nadie es ateo”. Puesta en escena que se presenta en el Teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque.

Otro ejemplo es la obra “QUE ARDA TEBAS” la cual bajo la autoría de Américo del Río esta adaptada bajo una versión posmoderna. La obra también se basa en la tragedia de “Edipo Rey”. Puesta en escena que por cierto va a ser representada el próximo jueves 16 de mayo, en el teatro Orientación en el mismo Centro.

Las tres puestas en escenas mantienen un buen peso histriónico, así como una interesante propuesta escénica. Pero volviendo a la obra que aquí deseo abordar y que evidentemente es LA MATÉ POR UN PAÑUELO, le diré que su mismo título encierra con gran precisión la parte medular que intenta poseer éste drama.

Así, toma como partida la época actual, retomando una temática que desgraciadamente ha sido y continúa prevaleciendo, como un grave problema social en nuestro país, y que es el feminicidio.

Por dicha razón Andrea Salmerón Sanginés presenta el siguiente cuestionamiento en el programa de mano de la obra, con respecto a lo que la motivó a adaptar y presentar la obra de Otelo al teatro a manera de teatro contemporáneo, por lo que expresa textualmente:

-“Este trabajo se inspiró en las muchas preguntas que me hago intentando entender cómo fue que llegamos a 9 feminicidios diarios.

Me pregunto dónde se gesta esta tragedia de la violencia en escalada, el acoso, el abuso y el hostigamiento normalizados; de la cosificación que lleva a pensar: es mía y puedo hacer lo que quiera, como mis juguetes. Desde el “inocente” chiste sexista hasta el feminicidio, todo abona a este caos con tantos finales trágicos.

¿Cómo llegamos a esto? ¿Qué hacemos para dejar de alimentar la misoginia? ¿Qué sociedad somos para las mujeres?”-

Como se podrá entender, ésta trama es totalmente de denuncia contra la mortandad y el abuso que muchas mujeres han sufrido a través del tiempo. Temática ya abordada desde la época de los clásicos griegos, quienes la presentaban sin tapujos con sus legendarios dramas.

El reparto estelar esta compuesto por Nicolás de Llaca, Sofía Sylwin, Leonardo Zamudio, Antonio Vega, José María Negri, Carlos Álvarez, Daniel Arroio, Alfonso Cárcamo, Erwin Veytia, Emma Sofía Peraza, Juan Cabello y María Sandoval. Todos ellos bajo la dirección escénica de su propia dramaturga.

 

MATÉ POR UN PAÑUELO se continuará presentando hasta el próximo día 30 de junio bajo la producción de Cultura UNAM a través de la Dirección de Teatro y, la empresa “Teatro en Fuga”.

 

REAPERTURA DEL TEATRO MARÍA TERESA MONTOYA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El teatro MARÍA TEREZA MONTOYA es un inmueble el cual fue inaugurado el siglo pasado en el año de 1959. Tres años más tarde se adaptó para fungir como Sala de Cine, cubriendose 30 años con esa actividad.

Fue remodelado para tener el uso nuevamente de foro teatral en el año de 1992, llevando el nombre de MARÍA TEREZA MONTOYA. Pero ¿por qué lleva dicho nombre?¿quien fue? Como es sabido por muchos de los amantes del teatro, María Teresa Montoya ha sido considerada como uno de los íconos de la actuación, tanto en nuestro país, como en el extranjero.

Nació en el barrio de Regina, en el Centro de la Ciudad de México, el entonces Distrito Federal en 1900(muere en 1970) en el Callejón de “La Buena Muerte”. Siendo hija del actor y director José Felipe Agustín Montoya Alarcón y de Dolores Pardavé Bernal (una artista de la tiple de zarzuela y opereta) su debut en los escenarios le fue fácil, siendo su inicio a los tan sólo 3 meses de nacida en la obra “El jorobado” (obra también conocida como Enrique de Lagardere).

Ello se debió a que al Señor responsable de la utilería de la obra teatral, olvidó el muñeco que debía de presentarse en algunas de las escenas de la obra, por lo que su padre ordenó que su hija, quien se encontraba entre el público con su madre, subiese al escenario.

Ahí fue el inicio de su larga y fructífera vida en los escenarios de donde cultivó constantes premios  y reconocimientos por su labor artística, volviéndose en una figura de talla internacional, además de crear su propia Compañía Teatral a los tan sólo17 años de edad.

Su nombre llevan tres de los teatro es nuestro país, uno se ubica en Michoacán, otro en un foro abierto en la ciudad de Monterrey, y el tercero en nuestra Ciudad de México, justo en el Eje Central Lázaro Cárdenas 912 en la colonia periodistas, lugar que además hoy en día funciona como recinto o “Casa de Cultura”; teatro qué el reciente el pasado sábado 11 de mayo, fue reinaugurado por el gran productor teatral de México, el Señor Morris Gilbert, así como por el actual director de la Compañía Nacional de Teatro, quien por cierto anteriormente fuese el titular de la dirección de teatro, UNAM el Señor Enrique Singer. Además asistió la maestra Julia Cabrera y una primera actriz del teatro nacional.

Tuvieron como invitados a algunas personalidades del medio actoral, entre los que se destacó el joven gran director escénico, Claudio Valdés Kuri, quien entre otros, acudió para brindar su apoyo a la conservación del teatro en nuestro país.

Posteriormente, tras dicho homenaje de reapertura, se dio inicio a la función de la obra teatral EL PADRE (“Fadren” en sueco) de August Strindberg, bajo la adaptación y dirección de Raúl Quintanilla.

Y como era de esperar para dicha ocasión, se tuvo como reparto estelar a un grupo selecto de maestros de la actuación, como lo son Marta Aura, Roberto Soto, Marco Antonio García, Óscar Narváez, Ana Ligia García y dos nuevas futuras promesas como son Fernando Huerta Zamacona y María del Mar Náder Riloba.

 

Drama en un acto y un solo cuadro escénico a media luz, que sirvió de referencia a la  época de referencia de su mismo autor August Strindberg (1849-1912) quien es considerado como uno de los iniciadores del “Teatro Moderno”. Su obra EL PADRE la escribiría en el año de 1887

 

LAST MAN STANDING

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Divertida obra teatral que pudiese considerarse como documental, en el sentido en que caracteriza, narra y testifica en base al uso del performance multimedia, y al arte escénico, tanto la historia del surgimiento del boxeo como deporte oficial, como la introducción de algunos de los momentos en el cuadrilátero de grandes baluartes internacionales y, sobre todo nacionales.

Tal vez además pueda ser una grata sorpresa para los amantes de ésta disciplina, pero lo que sí es cierto, es que a manera de farsa, resulta sumamente entretenida por su interesante información y peculiar manera de caracterizar a los personajes.

De ese modo la realidad es mezclada con la ficción, lo cual advierte uno de sus personajes con otras palabras, esperando que el público sea capaz de advertir la diferencia entre ambas.

Pero ¿cómo es considerado el “boxeo”? En una de las páginas Web, al respecto se puede leer textualmente lo siguiente, sobre éste deporte o disciplina que naciera en las calles:

Deporte de combate, conocido también como boxeo inglés o boxeo irlandés, y coloquialmente como box, es un deporte de contacto en el que dos contrincantes luchan utilizando los puños con guantes, golpeando al adversario de la cintura hacia arriba, dentro de un cuadrilátero en breves secuencias de lucha denominadas ...

Y sí, en esta trama de LAST MAN STANDING la temática medular a tratar es justamente el mundo del boxeo; apasionante para muchos sin duda alguna, deporte en el cual México ha logrado colocarse en segundo lugar, con grandes competidores que en su mayoría han salido del popular barrio de Tepito.

Entre los boxeadores de talla internacional que se encuentran aún en la memoria de sus aficionados están Sugar Ray Robinson, Muhhamed Alí, Mike Tayson, Henry Amstrong,  Julio César Chávez, Joe Louis, Roy Jones, Marvin Hagler, Archie Moor y Sugar Ray Leonard.

En la obra se escenifica de manera muy breve lo que se tiene como el inicio del boxeo, suceso que como le comentaré, sucediera en Etiopía en el año 6000 A.c. Fue practicado en la antigüedad en todos los continentes, con excepción del Americano. Sin embargo el termino de “Boxing” o “boxeo” fue introducido en Inglaterra, mediante la pelea que libraron el panadero contra el carnicero de un Señor aristócrata, quien los instó a pelearse con los puños en el siglo XVII.

Este suceso por supuesto es escenificado en LAST MAN STANDING. Empero a ello, el peso escénico se encuentra en la lucha en el ring librada por nuestros mexicanos Christian Diez “El Gallo de Oro” y  Rubén Olivares “El Chacal”.

El final, Usted junto con el resto del público lo podrá elegir, pues tratándose de una obra de ficción, como lo es, todo puede suceder, pues interactúan ocasionalmente con el espectador, el reparto estelar de esta obra teatral.

Durante el tiempo escénico (120 minutos) se encuentran interpretados además Gilberto Barraza, Miguel Ángel Barrera y Carmen Coronado, siendo ésta última uno de los logros de la mujer en el cuadrilátero mexicano.

Y como Usted sabe, es a partir del 2012, año en que oficialmente se hizo el reconocimiento en Inglaterra, empero a ya haber participado por primera vez el sexo femenino en 1954 y haber competido en las Olimpiadas celebradas en Inglaterra en 2004.

 

LAST MAN STANDING es una dramaturgia a cargo de Jorge Maldonado, bajo la dirección escénica de David Psalmon la cual se presenta los día lunes, en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico” hasta el día 15 de julio.

 

 

LA CEGUERA NO ES UN TRAMPOLÍN

POR. Dalia María Teresa de León Adams.

 

David Gaitán,autor de LA CEGUERA NO ES UN TRAMPOLÍN es un joven dramaturgo mexicano quien naciera en la Ciudad de México en 1984. Es actor, director escénico y traductor, además de ser el fundador de las Compañías teatrales  “Teatro Legeste” y “Ocho Metros Cúbicos”. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arte Teatral, a la vez que presentaba su licenciatura en psicología en la Universidad Iberoamericana.

Sus obras han sido publicadas en base a una selección denominada “Antología de Dramaturgia Mexicana Actual” publicada por la UNAM. Con la puesta en escena de “Antígona” recibió el premio como mejor director, por parte de La Asociación de Críticos y Periodistas de Teatro en el año 2016.

Una de sus últimas obras es precisamente LA CEGUERA NO ES UN TRAMPOLÍN presentada hoy en día en el Teatro “El Galeón”; puesta en escena en donde continúa demostrando ser poseedor de una gran pluma, como se le llama a los talentosos escritores, en el medio literario.

Con ésta obra teatral, en base a sus personajes construye cuestionamientos poco convencionales o comunes de formular. Es una dramaturgia construida con un gran dejo filosófico y psicológico en cuanto a la sociedad se refiere. Aunado a ello presenta una nueva perspectiva con respecto a la relación de pareja, alejada del machismo tradicional, También es tratado y con mayor peso escénico, el empoderamiento  que comúnmente el gobierno muestra con respecto al resto del pueblo.

La trama guía hacia la reflexión del futuro, en donde se contempla la difícil anulación de la victimización de la población local, en cualquier lugar que exista un gobierno. Por ello es que el mismo autor hace uso del título que encierra en sí, la parte medular de la trama y, que es LA CEGUERA NO ES UN TRAMPOLÍN contraponiendo al ideal del cambio, detenido por el miedo que nos detiene .

El peso escénico se apoya bajo la siguiente Sinopsis que la misma Compañía resumen de la siguiente manera textual:

-“Tres de los personajes temerosos de no poder cambiar de opinión y con pánico de tener una buena idea, están convencidos de que la parálisis les dará libertada, así que dedican su vida a escapar de todo lo que pueda ser un lugar definido, en La ceguera no es un trampolín.”-

LA CEGUERA NO ES UN TRAMPOLÍN es un espectáculo teatral a cargo de la Compañía “Cardinal” que tiene como eje escénico tanto el performance, como lo teatral.

LA CEGUERA NO ES UN TRAMPOLÍN se estrenó en la Ciudad de Berlín en el año 2014 y posteriormente formó parte de la Muestra Nacional de Teatro en su treinta y cinco presentación, en nuestro país.

 

Los actores que caracterizan a los personajes protagónicos, en esta ocasión son Harif Ovalle, Michelle Betancourt y Raúl Villegas. Todos ellos dirigidos por el mismo David Gaitán. La obra concluirá sus representaciones el día 19 de mayo en el Centro Cultural del Bosque.

 

LAS COSAS DE ANA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Te has preguntado ¿Cuántas cosas podrían decir acerca de ti, tus pertenencias materiales? Pregunta poco común, pues casi nunca nos la cuestionamos. Pero, si las cosas inanimadas pudiesen hablar y ser testigos de nuestros actos cotidianos, ¿qué dirían?

Justamente esta es la temática a tratar en la obra teatral LAS COSAS DE ANA. Es una puesta en escena de un grupo teatral independiente, quienes presentan los acontecimientos de un aparente día común y corriente de una chica, de quien sus COSAS atestiguan paso a paso sobre lo que parecía ser un día vivido por ANA que sería “normal”.

Los objetos surgen en esta trama como personajes protagónicos, y éstos son, un bolso de marca reconocida, un celular con altos gigabytes, unos lentes para leer, una cartera fina y una manzana. Todas éstas cosas se encuentra ubicadas dentro del bolso de ANA y parecen saber mucho, sobre los actos y sentimientos de la chica.

Aunado a éstos peculiares personajes protagónicos, se unirá también con propia voz, una arma de fuego, es decir una pistola, la cual vendrá a cambiar la vida que aparenta ser muy simple, de la joven.

ANA es un personaje quien solamente aparece casi al concluir la trama con la presencia de su novio presentándose ambos en esta historia en “talk in off”, es decir, en audio grabado.

LAS COSAS DE ANA es un drama y una obra de denuncia que habla de manera somera sobre la trata de blancas y sociedades al margen de la ley; trama hostil que sin embargo la mayor parte del tiempo escénico, se muestra a manera de comedia.

En LAS COSAS DE ANA los objetos retoman la caracterización de personajes. Éstos además adquieren cada una un simbolismo dentro de la trama a tratar, pues además vienen a explicar las acciones que finalmente ANA ejecuta ante la situación vivida una mañana, en función de su relación amorosa con un hombre sin escrúpulos.

Con respecto a que la obra presenta una temática social, como se puede leer de manera textual en la pagina WEB que promociona esta obra teatral, en donde además se redondea la sinopsis de la historia:

-“No es la primera vez que el dramaturgo y director, Javier Malpica, se ocupa de temas sociales, hace unos años lo hizo con su obra: Si un árbol cae en donde exponía el proceso de deshumanización que viven las víctimas de trata de personas.

  

 

Las cosas de Ana, es una farsa cómica de denuncia en cuya trama conocemos un día de la vida de Ana, una mujer que realiza funciones administrativas en las oficinas de un partido político y que se ve involucrada en un escándalo que muestra el ejercicio abusivo del poder.”-

 

En la obra actúan Yara Guerrero, Erika Pérez, Brenda Sánchez Viveros, Alejandra Villarruel, Gilberto Dávalos, Mario Heras y Armando Solares. Todos ellos actuando en un escenario que tiene como trasfondo la imagen gráfica de la pared del bolso, en su interior; propuesta escenográfica y de iluminación, a cargo de Patricia Gutiérrez que es suficiente para graficar la trama de la obra.

 

LAS COSAS DE ANA se ha estado presentando los días martes en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico bajo la dirección y dramaturgia a cargo de Javier Malpica y, concluirá su temporada el día 14 de mayo, lo que se traduce en tan sólo 2 funciones más en dicho foro.  

 

PRINCÍPE Y PRÍNCIPE un amor que sobrepasa estereotipos.

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

Texto escrito por Perla Graciela Szuchmacher Pallarolas (dramaturga, directora y actriz argentina) en el que se ventila el, repentino amor de una pareja homosexual, llamado comúnmente como “amor a primera vista”.

-“El amor la pasión y la felicidad no están condicionadas a cumplir esteriotipos sociales, e incluso trascienden sobre ellos. Es así como la trama revela a un joven heredero que podría terminar encontrando la felicidad en otro príncipe.”-

Este es el argumento que sustenta la parte medular de la obra teatral infantil “PRÍNCIPE Y PRÍNCIPE un amor que sobrepasa estereotipos” un amor que trasciende cualquier tipo de prejuicios. El título por supuesto sugiere de inmediato dicha idea de la autora, sin embargo, siendo una obra para el público infantil, surgió la pregunta del ¿cómo tomarían dicha propuesta o ideología, el público adulto que lleva a sus pequeñitos?

Pregunta por sí misma muy polémica, pese a estar sustentada, como explicó el director escénico, con una realidad social apoyada, incluso por las leyes de nuestro país, leyes las cuales apoyan hoy en día al matrimonio homo-sexual permitiéndoles unirse en matrimonio.

Pero más allá de los juicios personales al respecto, la trama resulta ser muy ingeniosa, conteniendo un lenguaje sencillo y argumentos creativos, hacen que la historia, resulte ser realmente divertida porque logran estructurar perfectamente el referente de la trama, es decir, construyen la sociedad de la época europea en su periodo barroco, perfectamente, de tal modo que nos remite a revivir los cuentos leídos o vistos en nuestra infancia.

Pero, ¿cómo lo logran? tal vez Usted se pregunte. Pues bien, ello es gracias a la estupenda y escenografía que pese a no ser movible ni cambiante, enmarca una estancia del palacio en donde se desarrolla toda la historia de amor; aunado a ello, los códigos sociales seculares que se entretejen perfectamente en los diálogos, el vestuario acorde a la época del medioevo en la cual se enmarca la historia, así como el maquillaje y uso de pelucas que nos recuerdan a la aristocracia inmersa en aquella época de los grandes reinados.

Finalmente la obra “PRÍNCIPE Y PRÍNCIPE un amor que sobrepasa estereotipos” cumple con su mayor cometido que es precisamente el remitir al público, a los cuentos de hadas en donde nunca pueden faltar los príncipes en búsqueda del amor.

La obra se encuentra dirigida por Artús Chávez, quien sugiere una reflexión en torno a las nuevas relaciones amorosas actuales “basadas en códigos y conductas socialmente aceptadas”, como según informó.

“PRÍNCIPE Y PRINCIPE un amor que sobrepasa estereotipos” es parte del proyecto escénico de La Compañía “Caja de Teatro” cuya finalidad es dirigirse al público joven, en aras de “buscar y transmitir problemáticas de distinta naturaleza y perspectivas diferentes”.

 

En la obra participan Anahí Allué en el rol de la Reina, quien se destaca con su actuación. Con ella actúan Eduardo Siqueiros, Miguel Romero, Christopher Aguilasocho, Andrea Biestro y Margarita Lozano. Se presenta en el teatro del Centro Cultural Helénico los sábados y los domingos a las 13:00 horas.

 

EL PICO DE LA BUITRERA

POR: Dalia María Teresa De León Adams



Con una trama interpretativa un tanto difícil de ejecutar, la danza-teatral EL PICO DE LA BUITRERA a cargo de la creación colectiva del departamento coreográfico, fue presentada a manera de única función, en el foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico el pasado día miércoles 24 de abril.

El montaje tuvo como elenco estelar a los bailarines Any Melissa Molina, Christian Fabián Cárdenas, Dana Elisa Rodríguez, Karol Bibiana Castillo, María Camila Nieto, Natalia Gómez Camacho y Wilmer Alberto Jiménez.

Ocho entusiastas bailarines quienes ejecutaron diversos números dancísticos musicalizados por diferentes géneros musicales, para darle cuerpo a la siguiente trama, que la misma compañía menciona en su programa de la manera siguiente:

-“Un grupo de persona son llevadas al límite por su falta de necesidades básicas, entonces deciden reunirse convocados por una vieja mujer de alcurnia, ella aprovecha la ocasión para revivir tiempos mejores, como buitres se disfrazarán para vivir una farsa, una pretensión donde la jerarquía se ve suplantada por su sed de poder.”-

Así transcurrieron los 45 minutos con los que contó este espectáculo dirigido por el mismo Departamento Coreográfico cuyos números se basaron en danza contemporánea, muy en voga en el medio artístico.

La propuesta escénica incluyó diversos cambios de vestuarios, los cuales se efectuaron en mayoría en el escenario, en momentos en los cuales se precisaba. Para su logro se contó con un vestuario fácil de colocar y de retirar, que se realizaron para darle continuidad a la trama.

Todo ello sucedía en un escenario cuya luz era en el mayor tiempo escénico de poca intensidad, para lograr el objetivo del oportunismo dado en la farsa de la representación, en donde la buitrera cobro finalmente gran fuerza ante la presencia soberbia e imperante de la longeva dama aristocrática.

 

Finalmente le comento qué EL PICO DE LA BUITRERA contiene un mensaje subliminal a manera de consigna, y el cual es, que no se puede mantener para siempre el sometimiento de un grupo social, aún cuando éste parezca muy vulnerable. Finalmente la fuerza de la unión es la que impera ante la aparente constante derrota.

 

BEAUTIFUL JULIA

POR: Dalia María Teresa de león Adams.

 

Obra teatral que dibuja la realidad qué desgraciadamente los jóvenes, hoy en día enfrentan en éste mundo lleno de violencia, la cual se infiltra en las grandes selvas de asfalto como se han ido convertido nuestras ciudades. En ellas sólo el más fuerte puede lograr sobrevivir al “bulling” ante la inclemencia de la agresividad, la injusticia y el constante abuso, que surge por parte de los victimarios quienes someten a sus múltiple víctimas. Ésta es precisamente la temática a tratar en la puesta en escena de BEAUTIFUL JULIA.

Le contaré que el Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo apoyó a facilitar el proyecto y la creación de este libreto, original de Maribel Carrasco. Obra que actualmente se presenta en el teatro Xavier Villaurrutia bajo el subsidio del INBA y cuyo programa de mano, expone textualmente respecto al contenido de la trama el siguiente párrafo:

-“Daniel lucha por sobrevivir, demostrando que puede defenderse porque es fuerte de la manera en que todos los demás creen que se es y se tiene que ser fuerte lastimando a otros, ejerciendo esa fuerza brutal para violentar, y así poder mantenerse al margen de la exclusión, con el temor de enfrentarse a sí mismo. Para ello tendrá que ser capaz de sofocar su instinto, ya que de no hacerlo puede ser realmente peligroso. Julia lo observa atenta.”

Con su obra BEAUTIFUL JULIA Maribel Carrasco logra conjugar un drama totalmente vigente en el cual dibuja la psiquis de una niña, quien por habitar el cuerpo de un joven, constantemente sufre de abusos por el sólo hecho de ser diferente al resto de sus compañeros. El rechazo de éstos jóvenes quienes sufren también en su núcleo familiar, así como la difícil tarea que ellos enfrentan al no poder reconocerse sin culpas y baja autoestima, aunado al sentimiento de vergüenza, toman cuerpo en algunos de los personajes de éste interesante drama.

El amor es otro de los tintes de la trama, el cual se presenta con la candidez de la primera vez, cuando se da el despertar de  la adolescencia con el maravilloso sentimiento que hacen vibrar por la persona amada, teniendo el alma a flor de piel.

Maribel Carrasco, como a-priori mencioné, es la autora de BEAUTIFULL JULIA. Nació en Cuautla, Morelos en el año de 1964 . Es escritora, actriz y diseñadora tanto de muñecos guiñol como de vestuario. Cuenta con un taller de dramaturgia para creadores artísticos. Sus dramaturgias has sido presentadas en Canadá, España, Italia y Colombia, además de participar en festivales y encuentros nacionales e internacionales de dramaturgia; hecho que la ha colocado en el gusto del público.

La dirección corre a cargo del maestro Boris Schoemann, director, actor y traductor francés (Paris 1964) quien actualmente funge como director general en el Teatro “La Capilla” y “Salvador Novo” y es quien logra con ésta puesta en escena un trabajo febril y sorprendente que adquiere tintes sutiles, empero a lo cruenta de la temática a tratar.

Esto lo logra con el apoyo escenográfico de Jesús Giles, quien utiliza el apoyo multimedia de una gran pantalla la cual muestra escenas alternas a la representación actoral; escenas que se acompañan con la musicalización oportuna  de Fede Schmucler.

 

En la obra teatral BEAUTIFUL JULIA actúan Fernanda Echeverría, Baruch Valdez/ Rodrigo Olguín, Alfredo Veldañez/ Miguel Jiménez y Ulises Galván.

 

TERAPIA DIVINA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Ana recibe una misteriosa llamada de un hombre que solicita una sesión de terapia urgente. En ese encuentro, ella descubrirá que tiene ante sí a un Dios en crisis, abatido por el mundo actual y dispuesto a terminar con toda su creación. Una extraordinaria comedia, cautiva y reflexiona.”-

Es el formato textual del montaje teatral de la obra TERAPIA DIVINA cuya temática es por sí misma, muy polémica, pues trata de la presencia Divina, personaje el cual bajo la pluma de la dramaturgia israelí  Anat Gov (Tel Aviv 1953-2012), adquiere un tono totalmente humano, presentándolo más allá de lo celestial.

Aunque en la religión tanto cristiana como en  la islámica, es bien sabido que NO es permitido cuestionarlo por sus hechos o palabras por parte de ninguno de sus feligreses, ni siquiera tan sólo en pensamiento sin correr el riesgo de ser condenada su alma eternamente.

En el caso de ésta trama, el personaje de DIOS caracterizado por cierto por el primer actor el Señor Eric del Castillo, toma un vuelco interesante, pues además de ser cuestionado, es criticado directamente por el personaje co-protagónico matizado como una inteligente y docta mujer psicóloga, rol que es ejecutado por la actriz Erika Buenfil.

Los diálogos retoman un cierto tono irreverente pero muy inteligente por su texto bien estructurados y elocuente que presenta constantes cuestionamientos que son emitidos por el personaje de la Doctora Ana hacia su tan importante visitante y paciente en la obra teatral de TERAPIA DIVINA.

La pregunta medular en torno a la cual gira ésta divertida trama de ficción, es ¿el por qué Dios dejó de hablar con el hombre? De este modo dicho cuestionamiento sirve de ocasión para introducir en la trama un breve recuento de algunos de los pasajes bíblicos, como lo es el de la génesis, en donde se habla del inicio del universo y de la vida; la creación del primer hombre llamado Adán, así como de los motivos por el cual Dios formó a Eva para unirlos como pareja en el paraíso. Todo ello para darle lógica y coherencia a la ésta historia de ficción.

Se habla del pecado capital, así como de la desobediencia al incitar Eva a Adán a probar el fruto prohibido, hecho que les hizo ser arrojados por Dios al mundo. También es mencionado el homicidio cometido entre sus hijos Abel y Caín.

Aunado al texto aparece un tercer personaje en la historia, que es el del hijo de Ana la psicóloga. Es un joven quien se encuentra discapacitado ante la enfermedad innata que padece y que es el síndrome de “autismo” en tercer grado. El actor se llama Sebastián Carpio y comentó el reto que para él significó ejecutar un personaje mucho más joven, con las características de un enfermo de ese tipo.

Éste es un personaje secundario en la comedia sirve de contrapeso para la reflexión entre Dios y Ana, suceso que hará que el Divino cambie su resolución de suicidarse y con ello, el de desaparecer toda su creación en ésta comedia.

 

Bajo la dirección escénica de Enrique Vega TERAPIA DIVINA se ha estado presentando en el Teatro “SAN JERÓNIMO Independencia” los fines de semana bajo un toque de comedia reflexiva.

 

BUENAS NOTICIAS!!!! 5º FESTIVAL MUSICAL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

¡Reciban una buena noticia¡ Esta Semana Santa, para todos aquellos que NO pudieron salir de la Ciudad de México podrán tener la oportunidad de asistir al 5º FESTIVAL MUSICAL y pasar en ésta época de buenos momentos de manera totalmente gratuita.

No siempre existe ésta oportunidad y ¿qué mejor que en estos tiempos de asueto, en que tenemos el tiempo libre y una gran disposición para asistir a un espectáculo de calidad, poder asistir al 5º FESTIVAL MUSICAL?.

Tal vez Usted le surja las preguntas de ¿pero en dónde? ¿cuándo? o ¿cómo hacerle? Pues bien, es muy simple, pues la “Fundación Hermes Music” que es la promotora del evento, tiene programada la presentación de la “Marimba Nandayapa”, “Marco Morel” y “Los Molotes” para el día sábado 20 de abril a las 17:00 horas.

Y para el siguiente día, el domingo 21 de abril se presentará a las 17:00 horas el Señor Víctor Patrón con artistas especiales.

Ambos eventos se darán cita en el Auditorio CTM “Fernando Amilpa” a un costado del Monumento a la Revolución, que se ubica en la Privada Vallarta de la colonia Tabacalera en la CDMX.

Los boletos estarán disponibles como a-priori mencioné de manera gratuita, teniendo cupo limitado, los cuales Usted podrá obtener navegando en la página Web en la siguiente dirección:

www.fundacionhermesmusic.org

Le comentaré qué la “Fundación Hermes Music” a través de la difusora a cargo del Señor Pedro Vallejo, envió a los medios la siguiente convocatoria, en donde se comunica que además como un plus, se llevará a cabo el sorteo de dos hermosos violines:

FUNDACIÓN HERMES MUSIC

¡Atención! Quienes asistan a nuestro 5º FESTIVAL MUSICAL tendrán la oportunidad de participar por el obsequio de dos violines decorados con el sagrado arte huichol y llevarse una pieza de arte con un diseño único. Se sortearán en un Facebook el miércoles 24 de abril a las 12 del medio día con los datos y el número de folio registrado en sus boletos.

¡Todavía no han ido por sus boletos gratis? No esperen más y pasen por ellos en nuestra sede de Naranjo 76, colonia Santa María la Ribera . Delegación Cuauhtémoc, CDMX. Teléfono 5002-2200 o sucursales del Centro Histórico, CDMX.

Podrán disfrutar el sábado 20 de abril a las 05:00 PM de Víctor Patrón y sus artistas invitados.

Auditorio de la CTM, Fernando Amilpa. A un costado del Monumento de la Revolución. Privada Vallarta, colonia Tabacalera CDMX.

#FundaciónHermesMusic #5ºFestivalMusical #artehuichol #MarimbaNandayapa #MarcoMorel #LosMolotes #VíctorPatrón #músicamexicana

https://www.facebook.com/317829531761196/pots/1033105993566876/

 

ENSUEÑO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

ENSUEÑO, termino que alude al acto de soñar, aunque comúnmente sea de mayor uso el termino coloquial de sueño. Empero a ello, en la puesta en escena ENSUEÑO retoma además otra característica y que es, el mantenerse sumido en un profundo “Estado de Coma”.

-“Ellos nunca se han visto, excepto en sueños, pero un día el destino propicia su inevitable encuentro en un mundo real:  el encuentro de dos completos desconocidos….

El comienza a reconocerla pero ella, victima de los trastornos del sueño, vive en la aparente imposibilidad de recordar a su compañero de sueños.“-  

Ésta es la Sinopsis de la trama de ENSUEÑO, dramaturgia a cargo de Ricardo Zárraga, quien presenta una peculiar historia de amor en donde dos seres se aman apasionadamente, sólo en el estado onírico. Así es que surge un profundo amor entre ambos, quienes se aman involucrando hasta el alma.

El estado de vigilia, es decir, el de la conciencia real, le sirve al personaje masculina para reconocer sus constantes encuentros de ENSUEÑO con ella. Una noche mediante la voz de la chica a la cual un día cualquiera de desavenencia, mientras la electricidad del edificio fallaba, el encuentro físico entre éstos dos seres se hace real. Ella al entrar casualmente se encuentra en el pasillo con él y comienza un breve diálogo tras el cual, él recuerda esa voz ya tan familiar.

Parece que la suerte estaba echada, a través de esos peculiares encuentros que les une con un gran lazo de amor, pero que la vida parece encargarse de romper. El mito surge con gran fuerza en este drama romántico, muy bien estructurado e interesante, que nos invita a reflexionar al respecto en su existencia.

Es una tierna y a la vez graciosa historia de amor y rechazo, en donde sus personajes hablan con la sinceridad que comúnmente las parejas no logran tener. El amor la ternura el reconocimiento, la perdida, así como el amor eterno, son los ingredientes fundamentales que sazonan ésta historia de amor.

En ella actúa su mismo autor Ricardo Zárraga, quien a final de la obra teatral, por cierto, comentara qué su compañera en escena, la joven actriz Nalleli Montero quien fuese en otro tiempo su pupila, con la puesta en escena de ENSUEÑOS comenzó su debut como actriz, dándole para tal efecto, su tradicional “patadita de la suerte”

 

Bajo la dirección escénica de Carlos Corona ENSUEÑOS se presentará hasta el próximo día 4 de mayo, los días jueves a domingos en el Teatro Orientación, del Centro Cultural del Bosque bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura en la Ciudad de México.      

 

EL TRAJE

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

Obra original de Peter Brook y Marie-Hélène Hestienne la obra intitulada en ingles “The Suit”, en español EL TRAJE esta siendo escenificada actualmente acorde con la adaptación escénica de Can Themba, Mothobi Mutloaste y Barney Simon.

Sobre la Sinopsis de la trama, la difusora el INBA a través de Raúl Medina expone en su programa mensual INBAL “Gente de Teatro” abril 2019, con respecto al drama de EL TRAJE:

-“Bajo el opresivo régimen del apartheid en Sudáfrica, el escritor Can Themba contó por vez primera esta historia en la que Philemon, ante la infidelidad de su esposa impone en su casa la presencia de un misterioso traje para provocar en ella una constante y dolorosa humillación, llevando su relación a los límites del amor y la crueldad.

Recordemos que su autor Peter Stephen Paul Brook es un longevo pero muy importante escritor y director escénico londinense, nacido en 1925 en Chiswick en el Reino Unido, cuyas obras destacadas son “Battiefield” y “The Prisioner”.

En el medio cinematográfico ha incursionado con rodajes de su autoría como son “El Señor de las moscas”, “El Mahabharatas” y “Encuentro con hombres notables” generando polémica.

Por su talento indiscutible Peter Brook ha recibido varios premios como lo son Praemium Imperiale, Tony Award por Mejor Dirección en Obra, Molière Award for Best Director Director.

Recientemente estrenada en nuestra ciudad de México bajo la adaptación y dirección por parte de Héctor Flores Komatsu, la obra EL TRAJE se ha estado presentando en el Teatro “El Granero, Xavier Rojas bajo la musicalización de Sebastián Espinosa Carrasco, quien introduce a tres músicos en escena, los cuales además sirven de personajes de apoyo durante todo el tiempo escénico.

La trama presenta a EL TRAJE, como un simbolismo del sometimiento de un hombre quien recientemente ha sufrido la traición de su joven y bella esposa, a quien encuentra en los brazos de su amante. El hombre decide utilizar EL TRAJE a manera de un invitado importante a quien hay que tenerle consideraciones siempre en la casa, e incluso en la cama.

La obra es un montaje en un solo acto escénico de aproximadamente 100 minutos, que muestra a una pareja de mulatos, cuya historia surge paralelamente con noticias del gobierno opresor en Sudáfrica entre canciones que ilustran las escenas. Ello hace que la trama adquiera ciertos matices del género costumbrista, aunque el peso escénico realmente recae en el drama romántico.

Con diálogos bien estructurados, la historia fallida surge entre un toque de humorismo negro y dejos de comedia fársica, que hace que el público pese a lo cruento de la historia, pase un agradable momento.

 

EL TRAJE es una producción del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Secretaría de Cultura. Solamente se presentarán algunas funciones en ésta semana, pero continuarán en otro foro de la Ciudad de México.

 

SERENDIPIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Farsa teatral que presenta a varios jóvenes quienes en aras del sufrimiento extremo, se reúnen por azares de la vida en lo alto de un inmueble, con una misma y exclusiva finalidad y, que es, la de suicidarse.

Todos coinciden en el momento en que intentaran ejecutar tal acto, pero de pronto, al verse rodeados por otros chicos que encumbran la misma pretensión, comienzan un diálogo que les llevará a cada uno a expresar sus problemas, carencias, angustias o traumas que les ha llevado a intentar dicho acto suicida.

Al respecto la producción ejecutiva de Berenice Solano y general, de Fátima Vela expresan

Textualmente:

-“Melodrama fársico en el que diez personas se presentan en una sola casualidad, en el momento y en el lugar más imprevisto… el techo del edificio más alto de la ciudad. Diez personas que en verdad observan girar el mundo, aprendieron a hacerlo y su diversos sufrimientos los unen también en una sola idea; el suicidio. La carga de sus suplicios se va revelando conforme avanza la historia y se presenta un inesperado final.”-

SERENDIPIA le comentaremos, es una palabra poco usual. Es un termino que manifiesta un hallazgo inesperado, pero benévolo, durante la búsqueda de algo definido. Y es acorde con el final, en que se produce justamente la SERENDIPIA de este melodrama.

¿Cual es? Eso usted mismo lo debe averiguar en esta puesta en escena de Carmen García Casales, autora de esta trama en donde cada unos de sus personajes pertenecen a diferentes mundos; es decir interactúan en campos económicos y sociales adversos que de alguna manera afectan la psiquis de cada uno de ellos, hasta el extremo de pretender recurrir al suicidio, como única solución.

Se podría decir qué el tema medular es el sufrimiento que se genera en la mente de diferentes individuos, sean hombres o mujeres en distintas clases sociales; problema que les lleva finalmente a una decisión extrema como única o probable fácil solución, y que es el de arrancarse la vida.            

La obra por supuesto esta dedicada a aquellas personas que NO creen encontrar solución alguna. En ella actúan Andrea Lara, Carmen García Casales, Helena Aparicio, Karen Basurto / Danna Muñiz, Mario González Solís, Frida Aranza, Marco Arturo Valencia, Ale Mora, Ana Piav e Israel Rodríguez.

 

SERENDIPIA se presenta en el Teatro “La Capilla” en Coyoacán.

 

HAMBRE VIEJA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Muy ad-hoc con la temática medular de ésta lectura dramatizada titulada HAMBRE VIEJA la trama es la búsqueda por aquello que es vital en nuestras vidas, es decir el amor. Ese amor maduro que no sabe de cadenas, sino de necesitar ceca a quien se ama. HAMBRE que no se sacia en el intento, VIEJA por ser perdurable.

HAMBRE VIEJA en suma es ese amor longevo que ha perdurado pese al paso del tiempo que nos deteriora y zanja nuestro rostro y nuestros cuerpos. Es ese amor a prueba de fuego que se infiltra en nuestras almas y que perdura mas allá de las vicisitudes de la vida. Es el gusto añejo que se mejora como un vino al cual hay que dejarlo madurar.

HAMBRE VIEJA es esa hambre que día a día necesita cerca el cuerpo del amado, es sufrir con la ausencia del otro, es finalmente el ser uno solo con el otro.  Mezcla de amor que va más allá de la pasión y que algunas parejas logran de manera triunfal, hasta llegado el ocaso de su existencia.

La obra es original del escritor y director holandés Peer Wittenbols (1965). Es un drama romántico, casi al estilo Shakesperiano, en donde el amor se pone a prueba hasta el límite de la muerte. Formó parte del primer festival de dramaturgia entre México y Holanda.

Acerca de ésta dramaturgia se puede leer textualmente en una página de Google:

-“Pasión y senectud es el divertido y conmovedor juego que plantea Hambre vieja. El dramaturgo Peer Wittenbols retoma a Ulenspiegel, el antiguo personaje popular de la región flamenca en la Edad Media, que había ya retomado Charles de Coster para una novela en la segunda mitad del siglo XIX. Como en la novela, La leyenda de Ulenspiegel, Peer confronta a Ulenspiegel con otros personajes de la historia y de la ficción: Felipe II y Nele. Pero a diferencia de Charles de Coster, los sitúa en otro momento de su vida: la vejez.

Tres héroes en la tercera edad buscan (en un lenguaje que de manera contemporánea y creativa evoca el estilo de los textos de la cultura flamenca del medioevo), el lugar que pueden darle a la pasión en sus últimos días de vida.”-

La lectura dramatizada ha estado dirigida por Ricardo Rodríguez, quien reuniera a tres baluartes del arte escénico, como lo son Fernesio Bernal, Ana Ofelia Murguía y Gastón Melo. Los tres modulando sus voces y sus rostros para darle vida a éste esplendido drama.

En el escenario aparecen en compañía de la joven actriz Cecilia Ramírez Romo quien hace las veces de un personaje de apoyo o “coro”, es decir, tiene una breve intervención en la lectura, además de hacer sonar una guitarra y un piano en el escenario justo a un lado de la mesa en donde se lleva a cabo la lectura.

 

La traducción corre a cargo de Ronald Brouwer. HAMBRE VIEJA desgraciadamente concluirá temporada en la Sala Héctor Mendoza de la sede de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y cuya difusión esta a cargo de Ana Gabriela Villasana, el próximo martes 16 de abril.

 

KAFKA y PESSOA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

KAFKA es una serie de testimonios y escritos de carácter filosófico en escena, presentados por la Compañía  “La máquina de Teatro”. bajo la creación artística de Clarissa Malheiros y Juliana Faesler. Es un espectáculo escénico creado para ser representado a una sola voz en presencia de tres personajes de apoyo. La técnica a utilizar son algunos objetos y fotografía de Franz que ayudan a delimitar su perfil profesional y personal.

Es un montaje escénico en donde se narra de manera breve la biografía de Franz Kakfa, quien como Usted bien sabe, fue un escritor de origen judío nacido en Praga, Chequia en el año de 1883; fallecería en Austria en 1924 sería considerado tiempo más tarde, como uno de los íconos de la literatura Universal. Sus obras son “El proceso” y “El guardián de la tumba”. Entre sus cuentos están los libros “Metamorfosis”, “La condena” y “Ante la ley”.

Pero volviendo a la puesta en escena KAFKA ésta además incluye a manera de sinopsis su biografía, así como parte de su obra, a manera de sinopsis, en donde los animales son los personajes protagónicos a los cuales caracteriza la actriz Clarissa Malheiros, interpretándolos con gran plástica actoral de manera magistral.

La obra Kafka y Pessoa, son dos puestas en escena diferentes las cuales son presentadas por supuesto de manera de manera separa, pero alternándolas; es decir, se presenta los jueves y los sábados KAFKA, en tanto que los viernes y domingos las funciones corresponden a Federico Pessoa. Y ¿quien era Pessoa? Si Usted se lo pregunta aún, le puedo decir qué al igual que Franz Kafka, Federico Pessoa es un baluarte de la literatura Universal.

Federico Pessoa fue un inminente y peculiar escritor, periodista filósofo y periodista portugués, nacido en Lisboa en 1888, región en donde también muriera hacia el año de 1935.

Comúnmente es reconocido por sus heterónimos, pues el partía del principio filosófico de que cada persona vivimos de la creación del personaje que deseamos ser en nuestra propia vida; es decir qué podemos escoger quien ser y cómo vivirlo. Ante ésta alegoría llegó a la conclusión de qué si se puede jugar el rol de ser un personaje seleccionado, porqué no habría de tomar diferentes caracterizaciones en su vida propia y, con ello, ser varios a la vez.

Con esta idea fue que Federico escribiría y asumiría, por lo cual fue considerado un demente. Él se comportaría retomando diferentes características y estilos de vida que le llevarían a ser totalmente un heterónimo incluso en sus escritos.

Y fue dicha peculiaridad de concebir la vida y de asumirse en este mundo, lo que le llevó a la Compañía “La máquina de Teatro” a presentarlos como “ejes de una serie de encarnaciones en escena”  tanto a Federico Pessoa, como a Franz Kafka, De éste modo se lee como propuesta escénica en el boletín de prensa, el objetivo que les ha llevado al montaje teatral de ambos escritores, justificándolo bajo la siguiente premisa que fluyó así:

-“ A partir de la necesidad de abrir un espacio que permita generar nuevas ideas de la humanidad surge Serie de encarnaciones filosóficas, propuesta escénica en la que dos autores, dos textos y dos espectáculos teatrales actualizan las resonancias de los escritos de Kafka y Fernando Pessoa en la vida cotidiana y asumen el riesgo de un contacto en primer grado entre sus relatos y una voz femenina contemporánea…

Polinizados por otros, poetas y científicos que transportarán e invitarán a un diálogo acerca de la ética, la imaginación, el humor y la forma en que se construye la visión del mundo, Kafka y Pessoa releídos y transportados a escena, provocarán la reflexión en torno a lo humano y lo visceral de la relación con la vida y el papel que jugamos en ella.”-    

 

KAFKA Y PESSOA puestas en escena que Usted las podrá presenciar en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque, bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes  (INBA) y la Secretaría de Cultura en México.

 

TESTOSTERONA: Una discusión sobre el poder y como acceder a él.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Como un reto surge la dramaturgia original de Sabina Berman TESTOSTERONA con una temática actual y en sí muy interesante, pues nos atañe de alguna manera a todos en nuestra sociedad mexicana.

Se trata del juego del poder surgido bajo el reto del empoderamiento laboral entre dos sexos. Ello ocurre dentro de la sociedad machista la cual generalmente brinda más poderío a los hombres. También retoma la temática respecto a la disputa entre el amor y la guerra callada engendrada en el pasado que se gestara en el ámbito escolar, decodificándose en la relación jefe y empleada.

Es una obra teatral que podría tomarse como un parte-aguas para cuestionarnos el problema del poder, si realmente se intenta acceder a él. Se parte de la idea de hacer todo en aras por competir en el sector laboral.

Es la guerra sin aparente tregua entre los sexos opuestos, el femenino y el masculino, e incluso entre uno sólo, con el artífice de la seducción o bien del beneficio propio que lleva al extremo de la manipulación, oportunismo y corrupción.

El sexo en diversas connotaciones según se sugiere el texto de Ingrid Berman su dramaturga, va más allá y podría influir en la manera de la competitividad, ante la pretensión de obtener un mejor nivel económico-laboral dentro de una empresa.

TESTOSTERORA ya se había presentado en el Teatro “El Granero, Xavier Rojas” del Centro Cultural del Bosque teniendo como actores protagónicos a la actriz Cecilia Suárez y Enrique Arreola como actores protagónicos. Es una puesta en escena con gran calidad tanto en el aspecto histriónico, con la presentación éstos dos actores con grandes tablas, así como por su dirección escénica a cargo de la talentosa Ana Francis Mor, y por su puesto, por la dramaturgia redonda y bien estructurada.

-“La idea central de la obra fluye en una discusión sobre el poder y cómo acceder a él. La historia parte de la siguiente premisa ¿Son los méritos, el conocimiento y  la experiencia elementos suficientes para subir en la escala social o son las intrigas, los juegos sucios y el chantaje los mejores instrumentos para conseguir el poder.”-    

Este párrafo textual que aparece en el boletín de prensa que otorgara el departamento de Difusión INBA, enfoca la tónica mediante la cual se pretende  que el público advierta algunos de los matices que encierra el poder y, por supuesto con la intrínseca intención de poner en escena que haga reaccionar al público.

De alguna manera puede ser un granito de arena para concientizar al espectador de qué la problemática que se aborda, no es la gestora del conflicto entre los dos sexos, como algunas dramaturgias)  sino que éste más bien es gestador de poderío, dando como resultado una sociedad en donde las mujeres tenemos menos oportunidades generalmente, problemática qué por demás esta decirlo, precisa de un reajuste social en torno a cómo se mira y qué se espera de cada sexo.

La temática del texto no esta tratado a la ligera. Recordemos que la escritora mexicana Sabina Berman Golberg ante la idea de escribir cualquiera de sus obras teatrales, suele dar un salto entre libros y medios de información para lograr darle coherencia, subjetividad y sobretodo credibilidad a sus obras,; hecho que le han dado gran reconocimiento dentro del medio teatral, además por su indiscutible talento y sensible creatividad.

Sabina Berman nació en la Ciudad de México en el año de 1955. Ha sido reconocida por su labor como escritora y periodista, logrando acumular gran éxito con varias de sus obras como lo son “Entre Villa y una mujer desnuda” (la cual logró presentarse en cines), “Molière”, “Extras”, “Feliz nuevo siglo Señor Freud” y “Ejercicios fantásticos del Yo”.

Son obras con las cuales también se ha presentado en Latinoamérica, Los Estados Unidos, Canadá y en algunas regiones europeas. Ha sido además galardonada con los Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón  y El Premio Nacional de Periodismo.

 

“TESTOSTERONA: una discusión sobre el poder y cómo acceder a él” hoy en día se presenta en el Foro “La Gruta” en el Centro Cultural Helénico bajo la producción de Isabelle Tardan.

 

  

 

UN CUERPO EN TRAVESÍA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“UN CUERPO EN TRAVESÍA es un espectáculo sobre la identidad. Es el viaje de nuestros genes cruzando las frontera, migrando a través del tiempo. En esta propuesta escénica dos fábulas se conjugan para contra la historia de una mujer anónima, de una migrante que se pregunta por el origen de su clan. En el sistema actual en donde se nos dicta qué hacer, qué sentir y como debemos vernos ¿podemos dejar de huir de lo que no podemos escapar y recordar las historias antiguas que celebran el milagro de nuestra existencia.”-

Esta es la aseveración textual de la dramaturga y directora teatral Alejandra Chacón quien inspirada en la problemática que generalmente padecen los migrantes de distintas partes del mundo, intenta graficar en parte, los padecimientos y dificultades que enfrenta una mujer qué huyendo de las inclemencias de la Guerra, buscará refugio en otra tierra en donde finalmente la situación se torna más injusta e inhóspita para ella.

La escena inicial hace referencia a la fábula denominada “Ojos de cazador” en donde una tribu cazadora de bisontes enfrenta el reto de atraparlos con la seguridad que da el efectuar habitualmente el oficio que se lega de generación a generación dentro de un clan. Suceso que surge ante el conocimiento adquirido de la especie que les ha llevado a diferenciar a simple vista a los animales hembras de los machos y las aptitudes de las bestias. La ocasión no será tan fortuita como comúnmente suele ser. El rito mortuorio estará presente en la manera de honrar y enterrar al hombre caído en el afán de conseguir su rudimental tarea.

La segunda fábula presenta a un clan de mujeres brujas quienes tienen a bien celebrar cada año un baile en donde una joven nieta de la anciana bruja integrante del clan, será violentada hasta el extremo de llevarla a muerte; este hecho desencadenará una situación inesperada dentro del grupo tribal.

Ambas fábulas finalmente se entrelazarán dando pie a la unión de la región del norte y el sur de un lugar cualquiera imaginado, por el talento histriónico de su autora Alejandra Chacón, quien explicó los pormenores y razones que le hicieron escribir sus fábulas empero, con una gran dosis de credibilidad.

Es una obra llena de matices míticos-mágicos ancestrales que hace que las fábulas de ésta ficción se estime como ancestral.

Aunado a la histriónica representación actoral a cargo de la actriz española Amala Mujica, se presenta el apoyo multimedia de imágenes en donde aparecen escenas complementarias de los dramas; ello a cargo de Lama El Amine quien matiza las fotografías con colores marrones que le otorgan un toque de antigüedad a las escenas.

UN CUERPO EN TRAVESÍA se presenta bajo el patrocinio del FONCA, La Secretaría de Cultura y el auspicio del Teatro La Capilla en donde se presenta todos los días sábados.  

          

 

Se presentó finalmente EL TITIRITERO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Curiosamente No es un montaje para público infantil EL TITIRITERO, es mucho más que un

divertimento. Es una puesta en escena emotiva en donde sin perder la objetividad que da

una buena interpretación al conmovernos y hacernos partícipe de la trama, nos va alejando

de la realidad y guiando de la mano al mundo maravilloso de la actuación.

La puesta en escena del Señor Carlos Converso, su escritor, creativo y director, nos lleva

hacia la reflexión de momentos que pareciera serán inevitables al final de nuestro camino y

que son, la ancianidad, una salud minada y finalmente, la muerte.

Carlos Converso en su mundo de títeres gigantes lo logra. Al decir gigantes me refiero al

tamaño que éstos tienen, equiparable a la de una persona normal. Con ellos, nos engancha

al mostrar su gran maestría y desenvolvimiento en cuanto al manipulea de sus muñecos,

los cuales parecen cobrar vida, de tal manera qué llega un momento en el cual Usted siente

como si el títere realmente gozara y sufriera en la escena, así como el mejor de los actores

vive cuando su personaje recobra vida.

La historia plantea el ocaso de un longevo actor de teatro, quien en su juventud gozara de

las mieles que ofrece el éxito en extremo. El hombre ya casi anegado de salud, de pronto se

encuentra en una sala de un hospital en donde hace participe a su médico de sus recuerdos,

los cuales comparte narrando con detalles, bromas, cantos y llanto, así como con sus

anécdotas y humorismo que caracterizan al artista en su peculiar manera de vivir y ver las

cosas con más sensibilidad de lo que comúnmente se sienten.

Su mujer y un personaje demoniaco son otros de los muñecos que reviven en escena en

compañía de dos actores de apoyo, quien se presenta en determinados momentos

escénicos para darle elocuencia a esta trama peculiar donde el actor protagónico actúa,

representando a su vez a otro artista en el montaje.

La Compañía “Mano y contramano” es la encargada de llevar a cabo todos los pormenores

que han hecho posible la puesta en escena de EL TITIRITERO del creativo dramaturgo,

actor, director y catedrático argentino y hoy mexicano Carlos Converso.

Su creatividad se evidencia en ésta obra híbrida en donde alternan tanto los títeres como

los actores Rubén Reyes, Jaime Mendoza y por supuesto, el maestro Carlos Converso, en un

cuadro escenográfico a media luz en donde se simula a la vez, otro escenario y la sala de un

hospital.

Con respecto a sus montajes, pudimos leer en el boletín de prensa: -“Sus puestas en escena, tanto en obras clásicas como de autores contemporáneos y creaciones propias, se caracterizan por ser una fusión de diverso lenguajes y recursos escénicos tales como actuación, títeres y máscaras. También ha publicado obras de teatro y textos didácticos entre los que destacan Barbacoa, historia de piratas;

Entretenimiento del titiritero; Pandemóniun; ¿Qué cuento es este?; y Ficciones breves

para títeres.”-

EL TITIRITERO se ha estado presentando de jueves a domingos en la Sala Xavier

Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, a partir del pasado 28 de marzo y concluirá sus

funciones el día 21 de abril.

DIME ABUELITA ¿POR QUÉ?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Show de Cri-Cri “El Grillito cantor”. Para los que aún no lo conocen les diré qué Don

Francisco Gabilondo Soler fue un importante cantautor, quien dedicó su vida imaginando

cuentos que escribió con gran talento, para convertirlos con su música en canciones

dedicada a todos los pequeñitos del momento, llegando a crear 240 las cuales se

convirtieron en clásicos infantiles en toda Latinoamérica.

Don Francisco Gabilondo Soler nació el 6 de octubre en Orizaba, México, en el año de 1906.

De niño vivió en cerros, montes y manantiales, situación geográfica que le sirvió de

referente para ilustrar sus letras; frecuentemente tratan de animalitos a los cuales

convirtió en los personajes protagónicos de gran parte de sus melodías, las cuales solía

interpretar con su piano.

Él mismo fue quien creó al querido “Grillito Cantor”, como él mismo se denominó y fue

mediante la radio en la estación de la XEW en donde tuvo un programa al aire, contando

con tan sólo15 minutos. Poco a poco se sumaron más niños radio-escuchas, quienes

esperaban impacientes el momento de sintonizar su estación.

Es por ello que la Productora Ortiz de Pinedo se ha dado a la tarea de presentar la música

en vivo del Señor Francisco Gabilondo Soler, cuyo nombre real fuese Tiburcio Gabilondo,

convirtiendo el colage musical, en una obra teatral infantil bajo la adaptación y dirección

escénica de Gabriel Sánchez Hinojosa, quien introdujo los arreglos musicales a cargo de

Magdalena Alarcó, así como los números coreográficos de Alejandro Caravantes.

DIME ABUELITA ¿POR QUÉ? Se presenta hoy en día en el Teatro Royal Pedregal. Es un

Show que en realidad gusta tanto a padres como a niños, pues mueve el interés de los

pequeñitos y despierta los recuerdos de infancia de algunos padres y abuelos que crecieron

escuchando las canciones del inolvidable Cri-Cri.

La obra consta aproximadamente de diez canciones entre las cuales se interpretan “Dime

abuelita”, “La patita” “Los tres cochinitos”, “Caminito de la escuela”, “El negrito bailarín”, “El

comal le dijo a la olla” “Las canicas” y “Las cinco vocales”.

Todas éstas cantadas y representadas en su mayoría por pequeñitos actores entusiastas,

quienes lograron que el público ocasionalmente participara con cantos, aplausos y una

pequeña marcha en el escenario en donde muchos de los niños fueron invitados a subirse y

participar.

También se incorporaron algunas grandes pelotas con poco peso que fueron arrojadas al

público, quien respondía gustoso, regresándolas al escenario mientras se interpretaba la

canción de “las canicas”.

 

Fue una puesta en escena en dos tiempos muy colorida, lo cual se logró con el apoyo y

manejo de imágenes multimedia, ambientando perfectamente la escenografía de cada

número musical.

Al final de esta puesta en escena se hizo mención del cumpleaños del Señor Jorge Ortiz de

Pinedo y Ruiz Tello Cano (Pallás) su productor, quien anteriormente en vísperas de su

cumpleaños surgido el día 26 de marzo, mencionara que no habría mejor festejo para él,

que el de pasarla haciendo lo que él más ama y que es, trabajando en el teatro.

Al finalizar la función, el Señor Jorge Ortiz de Pinedo, quien como es de todos bien sabido es

un reconocido comediante, escritor, director y productor, tuvo el gusto de presentar a su

pequeña nietecita quien ya se encontraba en el escenario y quien al parecer, en el futuro

será parte de la gran familia teatral, pues ya lleva la vena actoral de sus destacados

antecesores Oscar Ortíz de Pinedo, Lupita Pallás y Jorge Ortíz de Pinedo.

LA EXAGERACIÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

LA EXAGERACIÓN es un texto y una puesta en escena a cargo de David Olguín, dramaturgo,

ensayista, narrador y director mexicano nacido en la Ciudad de México en 1963. Su obra

EXAGERACIÓN se estrenó el 18 de Julio del año pasado.

Le recordaremos como Usted sabe qué la palabra EXAGERACIÓN expresa un comentario o

un acontecimiento vertido o concretado; es un término que se caracteriza por sobrepasar

los límites de aquello socialmente establecido y, justo de eso trata la parte medular de la

obra teatral.

En la obra teatral EXAGERACIÓN a través de dos personajes en escena surgen de pronto

sentimientos que salen a flor de piel, para convertirse en una expresión exagerada, si así se

le pueden llamar a los sentimientos reprimidos y entremezclados, que el arte escénico

aflora con precisión.

Dos grandes actores comparten el escenario del Teatro “El Milagro” el cual alberga ésta

obra llena de matices y coloridos histriónicos. Mauricio Davison, un actor destacado en el

medio actoral del teatro “serio” conjuga la pasión en el escenario junto con Mar Adoko, una

joven actriz quien por cierto apunta a ser toda una promesa en el escenario.

Ambos con técnicas actorales generacionalmente totalmente distintas, dan vida a un

profesor de teatro junto a su ya nueva colega y ex-alumna a la cual intenta mostrar todo su

talento histriónico. Usa un el juego repetitivo de algunas frases y expresiones que aunadas

a afamados párrafos de obras clásicas y poesía, intenta con ello cautivar a la joven.

Por otro lado, la pupila transita en el difícil comienzo de ser una actriz, quien desea

colocarse en el difícil y competitivo medio de dicho medio. Tras de fluir una larga

conversación, ella liberará sus pensamientos ante el inminente gran actor.

LA EXAGERACIÓN es una obra difícil de descifrar en cuanto a contenido o consigna qué

comúnmente lleva cada obra de manera explícita; pero no hay mucho que entender o saber

para advertir la calidad que lleva implícita, pues el teatro no es cuestión de entender, sino

de alguna manera de sentir y vivir junto con sus personajes, quienes con su talento nos

hacen soñar, reír, gozar e incluso sufrir, cuando existe una real conexión entre él o los

actores, con el público. Relación secreta y silenciosa que se reconoce al final de la función,

con el aplauso que les brindan.

La trama de la obra inicia con la presencia de un actor muy maduro y su pupila, quienes

son los únicos en presentarse al ensayo de la obra ya próxima a ser estrenada. Tras la

espera, surgirá una larga y emotiva conversación entre ambos.

 

El acoso sexual es uno de los varios temas que ventila la obra, solamente que en esta obra

tan sólo descrita de manera temperamental por la joven actriz, quien desnuda su alma ante

su viejo colega y profesor, quien tan solo intentará impresionarla. El hablar sin tapujos será

la consigna de dos generaciones que conversan ante la espera.

El texto de David Olguín esta acompañado por la música de Alfred Gariévich (1934-1998)

piezas que se titulan “La historia de un actor desconocido: IV vals de despedida, Agonía:

Tango IV y “El maestro y Margarita”. Música que da un plus a la obra en donde se puede

advertir al dramaturgo culto.

LA EXAGERACIÓN cuenta con una duración de 85 minutos y se presenta solamente los días

lunes a las 20:30 horas en el Teatro “El Milagro”.

¡EL DOCTOR PANZA ATACA DE NUEVO A RITMO DE SURF!

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Bajo la autoría de Ángel Luna y la dirección artística de Roam León, la obra teatral infantil LAS TERRIBLES AVENTURAS DEL DOCTOR PANZA reinició temporada el día de hoy, sábado 30 de marzo, en el Teatro “El Galeón”.

La productora esta a cargo de Eduardo Romo y la co-producción de Sandra Narváez y Jengibre Teatro. Es una divertidísima puesta en escena en la que disfrutan tanto los pequeñitos como sus padres o acompañantes, con las ocurrencias del Doctor Panza.

La dramaturgia le contaremos, fue la ganadora del Programa Nacional de Teatro Escolar, efectuada el año pasado, es decir en 2017 tras la convocatoria que la Secretaría de Cultura del Gobierno Federal, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes, lanzara.

La trama farsica abarca la temática que actualmente, desgraciadamente esta en boga y que es “el bullying” que con frecuencia sufren los niños ante sus compañeros de escuela, debido a sus defectos físicos muy notorios. Y como se muestra en la obra, los gorditos tienden frecuentemente a ser victimizadas por el sobrepeso infantil padecido.

La falta de información familiar es una constante para que los padres no posean una educación gastronómica en aras de una vida saludable que brinde a sus hijos. Tema que por supuesto, se logra esbozar en ésta puesta en escena divertidísima, por cierto, en donde se tratan algunos de los grandes problemas de salud, que son ocasionados por la mala alimentación y el sobrepeso.

LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA es una obra teatral con música en vivo y canciones acorde a la historieta del “Doctor Panza”, quien como el mismo argumenta intentará “Hacer el mal, sin mirar a cual” en la Ciudad Venenito, en la Villa Pozole, Villa Pastelito y Villa Refresquito.

-“¡Cuidado cierren la boca y abran los ojos! El Doctor Panza ataca de nuevo a ritmo de surf! Junto a sus achichincles, Chicharrón y mueganito, se encargarán de que niñas y niños, padres y madres coman y coman hasta reventar!”-   Es la paráfrasis textual de la obra infantil.

En la trama de manera paralela surge el personaje protagónico del “Manitas” un niño quien naciera carente de una mano, en el seno de una familia sobre-protectora que incurre sin darse cuenta constantemente, en fomentar el bullying psicológico de su hijo Julito, a quien con una sobreprotección, lo sumen en un mundo de inseguridad e insatisfacción.

La obra esta musicalizada por Hazael Rivera, bajo la dirección de Roam León, quien además también es músico, razón por lo cual logra formar un elenco especial, medido bajo el parámetro de incurrir como requisito, tanto como actor, que como músico para lograr presentar esta agradable comedia, la cual por cierto esta llena de moralejas y consignas para los pequeñitos, en aras de que logren disfrutar y tener un mejor lugar como las personitas que hoy habitan el mundo.

En LAS TERRIBLES AVENTURAS DEL DOCTOR PANZA participan como ya mencionamos, el mismo Ángel Luna, Roam León y Hazael Rivera; éstos junto con Hugo Rocha, Andrés Torres, Hernán Romo, Bruno Salvador y Gerson Martínez.

Ya anteriormente en el mes de mayo del año pasado se había presentado en el teatro Benito Juárez y ahora, ¡El Doctor Panza ataca de nuevo a ritmo de surf!  como reza la nueva consigna de ésta obra infantil, la cual por cierto, ha tenido algunos pequeños cambios que la han transformado aún más agradable para el público asistente quien no dejó de reír y colaborar ocasionalmente, guiados por el reparto el cual fue ovacionado al final de la función, con un caluroso aplauso.

 

Las funciones tendrán lugar en los días sábados y domingos a las 13:00 en el Teatro “El Galeón, del Centro Cultural del Bosque.

 

GODÍNEZ EL MUSICAL.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Algunos de los pormenores que suelen pasar en una oficina, serán recreados en la divertida comedia denominada GODÍNEZ EL MUSICAL. Esto a partir del día 17 de abril, cuando se estrene la obra en el Teatro Royal. Será una puesta en escena que se presentará únicamente los días miércoles en horario de las 20:00 horas; horario que según se comentó será cómodo para aquellos que trabajan y desean divertirse un poco entre semana para relajarse.

El reparto estelar estará compuesto por Carlos Bonavides, también conocido por su personaje de Güicho Domínguez junto con Adrián Cué (el exintegrantes del grupo musical Mercurio y hoy en día conductor del programa televisivo “Enamorándonos” y el joven actor Emmanuel, quien ha participado en diversas puestas en escena de musicales, convirtiéndose en el personaje protagónico en ésta ocasión.

Los tres junto con muchos más jóvenes valores interpretarán a unos empleados de oficina, quienes un día su jefe les convocará para que le ayuden a ser galardonado por el gran Premio “The Great Boss”.

Una oficina en donde todo pude pasar como, llegar a trabajar en un día de puente, el tener un jefe un poco “candente”, trabajar entre chismes que generan tanto hombres como mujeres, competir entre ello, o bien,  el surgimiento de halagos innecesarios.

La musicalización corre a cargo de su mismo dramaturgo José Jorge Marín, quien compuso la letra de las canciones que serán interpretadas y bailadas por el reparto estelar, caracterizando con ello las escenas que comprenden ésta comedia divertida denominada  GODÍNEZ EL MUSICAL dirigida por Miguel Huerta y cuyo objetivo es, el hacer pasar un momento muy agradable al público asistente.

El Señor Jorge Ortiz de Pinedo hizo hincapié en los grandes cambios que han ido surgiendo en la industria teatral, la cual se ha ido transformando con el paso del tiempo debido a la tecnología y el apoyo multimedia que ha dado un vuelco a muchas puestas en escena, al igual que los requerimientos y disciplinas con los que los actores hoy en día deben contar para lograr colocarse en el medio artístico, mediante el estudio de disciplinas que van desde las clases de canto, actuación, baile e incluso muchas veces de algunos malabares que las obras actuales incorporan algunas veces en sus escenas.

De manera velada también se habló en la conferencia de prensa, sobre el desalojo del inmueble del Teatro Ignacio López Tarso, que según la apreciación del Señor Carlos Benavides fue un acto injusto por parte de la alcaldesa.

Pero volviendo a la temática de la próxima presentación del MUSICAL GODÍNEZ, al respecto el Señor Jorge Ortiz comentó qué dicho apelativo de “Godínez” anteriormente era utilizado para nombrar a los oficinistas, cuya característica además incluía a los  considerados “Señores ” Gutierritos” carentes de personalidad y dominio de autoridad ; termino que en mi parecer, tal vez hoy en día se pudiera comparar un poco, con la figura de nuestros “mandilones”.

 

La función tentativamente esta planeada para ser representada en corta temporada, pero la decisión final será del público, si logra colocarse en popularidad alargando la temporada como se espera. Por mi parte sólo me queda desearles ¡MUY BUENA SUERTE!

 

LA LOCA DE BOUCHOT

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

A manera de “Martes Culturales” el SOGEM presentó el día de ayer martes 26 de marzo, la función de estreno de la obra teatral “LA LOCA DE BOUCHOT Carlota Emperatriz de México” basada en la novela llamada “Noticias del Imperio” del escritor fallido Fernando del Paso (1935-2015).

La dramaturgia, actuación y dirección corre a cargo de la Señora Teresa Selma, quien adaptó su obra en base a los capítulos intitulados “Castillo de Bouchout. Es interesante aquí hacer hincapié qué justo fue ese el lugar, en donde la Emperatriz Carlota de Hamburgo perdiese la vida en el año de 1927, tras sufrir de un largo encierro al ser acusada abiertamente de sufrir de demencia.

De ahí el título de la obra LA LOCA DE BOUCHOUT que su dramaturga, Teresa Selma, le pusiera. Recordemos qué según narra la historia mexicana, la Emperatriz Carlota tras la muerte de su marido, quien fuera fusilado en el Cerro de las Campanas 60 años atrás por el batallón de la armada que le arrancó la vida por orden del entonces presidente en turno Don Benito Juárez, arrancando con ello también la cordura a su amante esposa.

La puesta en escena consiste en un monólogo brillante y bien estructurado por parte de su escritora, quien actuó con gran talento histriónico, infiriéndole al personaje gran emotividad,  durante todo el tiempo escénico. La trama de la obra narra parte de su vida de Carlota, la muerte de Maximiliano, su apreciación ante la sociedad y su tortuosa locura de la emperatriz durante su largo encierro.

La actriz protagónica estuvo acompañada en diversos momentos escénicos por la voz y la guitarra  del cantante Agustín Pradillo; musicalización por cierto, muy ad-hoc a la temática de la obra, pues se interpreta un fragmento del corrido “Elegía de Axayacatl, el cual cuenta algunos de los pormenores de la trágica muerte del emperador europeo Maximiliano de Habsburgo.   

Teresa Ramos Aponte, conocida en el medio artístico como Teresa Selma es una actriz venezolana (Puerto Píritu 1930) quien regresa al escenario mexicano, contando con un poco más de 40 años como profesional.

Le comentaré qué ésta puesta en escena ya había sido presentada en el teatro Helénico. Teresa Selma  realizó sus estudios en la Escuela de Arte Teatral en la INBA. Trabajo con grandes íconos del teatro mexicano como lo fueran Ludwik Margules Julio Castillo y Juan José Gurrola, entre otros grandes directores. Fue galardonada con el premio María Douglas de la APT en México y el Premio Águila de San Martín, en Caracas, siendo en ambas ocasiones reconocida por su labor como la mejor actriz de reparto.

Pero volviendo a la obra LA LOCA DE BOUCHOT en la página WEB podemos leer de manera textual:

Se trata de un monólogo creado con textos de Noticias del imperio, la novela de Fernando del Paso, y dirigido por la propia actriz La figura de la emperatriz Carlota siempre ha interesado a los dramaturgos Usigli retoma este pasaje de la historia de México en Corona de sombra, el historiador y escritor chihuahuense José Fuentes Mares estrena en 1967 en Chihuahua su monólogo en tres actos, La emperatriz o desvarío de amor, y hasta Salvador Novo dedica uno de sus famosos diálogos a Carlota y a la Malinche Y no hace muchos años, Susana Alexander y Roberto D’amico presentaron en el Castillo de Chapultepec un espectáculo basado también en textos de Noticias del imperio

 

Todo ello es un gran motivo para asistir a ver la función en “el Martes Cultural” a las 20:30 horas en la Sala Víctor Hugo Rascón Banda ubicado en la calle de Héroes del 47#122 bajo la producción del SOGEM.

 

EL ENSAYO DEL TITIRITERO.

POR Dalia María Teresa De León Adams.



Próximamente se presentará la función de EL ENSAYO DEL TITRITERO. La obra esta planeada para el día 28 marzo en la Sala Xavier Villaurrutia  en el Centro Cultural del Bosque , con funciones que serán de jueves a domingos.

La trama ha sido escrita en ésta ocasión para público adolescente y adulto. Será presentada por la Compañía “Mano y Contramano”. Compañía que se ha dado a la tarea de representar tanto obras clásicas, como contemporáneas, incluyendo algunas de la autoría de Carlos Converso Prato, escritor de EL ENSAYO DEL TITIRITERO.

Carlos Converso Prato es actor, dramaturgo y director. Él mismo se considera un titiritero mexicano, tras de haber obtenido la nacionalidad en nuestro país, hace cerca de 40 años, en donde ya tiene muchos años radicando y dedicándose al teatro.

Original de Córdoba Argentina, lugar en donde cursó los estudios de arte dramático, para posteriormente residir en Venezuela, país en el que cursaría algunos Seminarios de Dirección Escénica y Estructura Dramática en la Universidad de Caracas. Hoy en día funge como catedrático en la Facultad de Teatro, en México impartiendo cátedras sobre Títeres I y II, siendo algunos de los muñecos, diseñados por él.

Respecto al contenido temático de su obra teatral, Carlos Converso Prato opina:

-“El montaje en el que el actor interpreta a un titiritero que anima a un títere –muñeco que a la vez representa a un actor- es un juego de espejos y contrapuntos desde el que tendrán que confrontar sus fantasmas y temores, ensayo que resultará en la medida de su propia existencia…

La relación entre ambos personajes desembocará en una espiral que los sumergirá en un análisis de tópicos como la vejez, la muerte y el sentido de la vida. Desde ese punto se demostrará que el proceso creativo del arte de los títeres no solo es un arte menor, sino que es capaz expresar el rango completo de la experiencia humana.”-

Palabras qué el autor y director expresa de manera textual, pues considera que son temas que inquietan a la mayoría de las personas (enfermedad, vejez y muerte), por lo cual las presenta como el contenido temático de su dramaturgia.

Junto a él aparecerán en escena Rubén Reyes y Jaime Mendoza, introduciéndose al mundo fascinante de los títeres o muñecos móviles. Pero ¿qué es un títere?  Como es bien sabido, un títere es un muñeco que se mueve mediante distintos procedimientos. Existen tres tipos comúnmente conocidos, siendo tal vez el más identificado por el público el que se maneja a través de hilos y que el actor manipula desde arriba; puede estar fabricado con trapo, madera o cualquier otro material. El segundo es el títere de guante, el cual es colocado en la mano del actor, quien lo maneja frecuentemente en un espacio oscuro.  El tercero es el títere que contiene una varilla de metal o de madera mediante la cual se mueve, y es conocido como títere de “peana”. Los títeres permite representar obras de teatro en general dirigidas al público infantil. Etimológicamente hablando el vocablo qué lengua provienen, tiene solamente un significado onomatopéyico.     

Pero ¿qué tipo de títere se utilizará en la puesta en escena de EL ENSAYO DEL TITIRITERO? Descubrámoslo juntos en ésta puesta en escena  que además esta llena de experiencias de vida. La producción estará a cargo del INBA y la Secretaría de Cultura en México.

 

Dalia D´León Adams

EJERCICIOS FANTÁSTICOS del YO

POR: Dalia María Teresa De León Adams



Y ¿quién fue Fernando Pessoa? Tal vez Usted pueda preguntarse. Pues bien Fernando António Nogueira Pessoa fue un poeta y escritor portugués (Lisboa 1888-1953) con dejos de filósofo, quien fuese considerado en su época como un loco, como comúnmente suelen ser vistas las personas poseedoras de alta inteligencia, a quien frecuentemente denominan como “adelantados a su época”.

Entre sus obras más notables se encuentra “El desasosiego” en donde nos podemos percatar de su talento peculiar. Personaje literario que nuestro también ilustre Octavio Paz, retomara, ante la notable conciencia de su profundo arte.

Su vida peculiar, con aparentes desequilibrios y rotundos fracasos, son presentados, en ésta genial puesta en escena por parte de la periodista y escritora Sabina Berman Goldberg (Ciudad de México 1955) quien interesada desde muy joven en Pessoa a quien conociera siendo alumna de Paz, se interesó de tal modo qué se prometió a sí misma, que algún día escribiría algo con respecto a Fernando Pessoa.

Pues bien, ese día llegó y, con el talento que le caracteriza, hoy en día ha presentado la puesta en escena de EJERCICIOS FANTÁSTICOS del YO.  ¿Por qué dicho título? La respuesta es fácil, si Usted se adentra a conocer la obra de Pessoa, o bien, se hace presente para ver ésta fantástica obra teatral, en donde su autora como siempre, suele ahondar en la investigación de la temática a tratar.

A través de EJERCICIOS FANTÁSTICOS del YO Usted puede de algún modo conocer lo esencial de la obra poética del escritor Fernando Pessoa, pues Berman logra plegar su idiosincrasia y sapiencia en su puesta en escena que presenta hoy en día en el Teatro Helénico.

Bajo el género biográfico la obra presenta tanto la vida como modo vivendus de Pessoa, el hombre que llegara a la conclusión de qué en ésta vida, cada quien es libre de jugar el personaje que quiere protagonizar. Con el tiempo llegaría a la conclusión que por ende, ¿porqué no podría vivir auto-representando más de un personaje real?

Su filosofía no es tan burda como al intentar graficarla con palabras, la he intentado precisar, pues en realidad la generalidad es difícil de explicar, y mucho más, de escenificar. Sin embargo Sabina Berman lo logra maravillosamente con su espíritu creativo y cognitivo que siempre le caracteriza y que plasma en cada una de sus puestas en escena y, por supuesto, ésta no es la excepción.

EJERCICIOS FANTÁSTICOS del YO, es una obra teatral muy bien estructurada y dirigida, actuada con gran talento histriónico. Contiene diálogos claros que permiten que el públicos asimile y conozca la parte medular de la obra de Fernando Pessoa, logrando que además la disfrute. Contiene escenas que tal vez puedan parecer chuscas, pero que en realidad están plagadas de conceptos filosóficos profundos, más entendibles en éste siglo que estamos presenciando, que en el siglo XX, en el cual viviese el autor portugués.

Es interesante saber que nuestra gran escritora Sabina Berman es en la actualidad una de las dramaturgas más prestigiadas en nuestro país, por lo cual ha ido acumulando grandes éxitos, que le han permitido atravesar fronteras para colocarse en el gusto de otros países como en el Canadá, los Estados Unidos y algunos países tanto europeos como latinos.

 

EN HORA BUENA Sabina Berman!!!!

 

CLEOPATRA METIÓ LA PATA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Nuevamente regresó la obra teatral tan comentada, tanto por su reparto estelar, como por el mismo texto y las vicisitudes que el reparto estelar y la Compañía han tenido. Tal es el caso en su última gira, del robo sufrido en Tamaulipas, del vestuario, escenografía y equipo durante el trayecto en un trailer; percance qué al parecer les hizo regresar a la Ciudad de México.

Por otro lado, la vida amorosa del actor Gabriel Soto, quien es parte del reparto estelar, ha sido uno de los motivos por los cuales la prensa amarillista se ha ido presentando a las funciones de CLEOPATRA METIÓ LA PATA.

Pero más allá del escándalo, la realidad es que el reparto cuenta con afamadas figuras del espectáculo  como son Maribel Guardia, Lisardo y Gabriel Soto, además grandes comediantes, como lo son Edgar Vivar, Luis de Alba, Carlos Espejel, La Chupitos, Excelsa y Rosa Concha.

Por supuesto, no podía faltar Alejandro Suárez, quien nos sorprendió apareciendo en el rol estelar de Cleopatra. Así es como entre constantes risas y carcajadas la historia de la Barahona Cleopatra, Thea Filopátor, la última gobernante de la dinastía Ptolemáica pisa el escenario en el teatro Silvia Pinal.

La temática a tratar es de manera muy peculiar, pues presenta muchos cambios en torno a la historia real. Ello debido a la adaptación del texto, qué lo que pretende no es precisamente el ilustrar al espectador, con una puesta en escena de tipo biográfico, sino que la finalidad de la producción es el de presentar una comedia que divierta a los espectadores.

La obra esta montada en dos tiempos escénicos con un intermedio y un cuadro escenográfico muy colorido, que enmarca perfectamente la época a la cual la obra se remonta y que es, en Alejandría, Egipto siendo el siglo I antes de nuestra Era (a.C.).

La historia de CLEOPATRA ha sido llevada constantemente tanto en escenarios teatrales como en el medio cinematográfico, siendo tal vez, el más recordado en éste último arte, el interpretado por Elizabeth Taylor y Richard Burton, drama histórico de Joseph L. Mankiewics presentado en 1965.

CLEOPATRA METIÓ LA PATA le da un giro a la historia, para hacer el personaje de las suyas en el escenario. En ésta ocasión, descubra Usted mismo quienes actúan como Julio César y Marco Antonio.     

 

CLEOPATRA METIÓ LA PATA se presenta en el teatro Silvia Pinal de la Ciudad de México, bajo la producción de Omar Suárez.

 

¿QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

¿Who’s afraid of Virginia Woolf? Es el título original en inglés de la obra del autor norteamericano Edward Albee, quien siempre sería reconocido por ser la obra prototípica de su autoría, suceso que le causara cierta sensación, por lo que afirmaría:

“La obra”, escribió en una nota al programa de la producción de 1996, “me cuelga del cuello como una especie de  medalla reluciente”.

En México fue representada en diversas ocasiones, siendo tal vez la más recordada la que estelarizó la actriz Silvia Pasquel, junto con el ya fallido actor Rogelio Guerra. Puesta en escena qué desgraciadamente mantuvo una corta temporada, debido a problemas que se suscitaron en cuanto a arreglos con los derechos de la autoría.

Actualmente se acaba de estrenar ¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF? cubriendo el rol estelar la actriz Laura Almela (en el papel de Martha) junto con el también gran actor Daniel Jiménez Cacho, quien protagoniza el personaje de George (marido de Martha) logrando como siempre, una magnífica actuación.

Obra polémica que habla sobre la relación enfermiza que mantiene una pareja estadounidense de diferente estrato social. Ella es una mujer irreverente, quien actúa con dejes de vulgaridad, ante el desparpajo abierto de su manejo libre en cuanto a la sexualidad.  A la vez es un personaje totalmente cuadrado. Representa a la clásica burguesa pretenciosa y sumamente consentida al saberse hija del multimillonario y pudiente rector de una Universidad. Hecho que le hace manipular a su cónyuge al cual le humilla constantemente.   

El nombre completo del autor de ¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF es Edward Franklin Albee III, quien naciera en el estado de Virginia, Estados Unidos en 1928, ocurriendo su deceso hace ya dos años 2016. Fue un escritor polémico, a quien además se le debe que introdujese nuevas tendencias dramáticas europeas en su país, a partir de la segunda mitad del siglo XX. Otras de sus obras fueron, aunque mucho menos exitosas fueron “Three tall women”, “Seascape”, “The zoo story” y “A delicate Balace”.

Y ¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF? fue representada el día de ayer viernes 1º de marzo, bajo la autoría del proyecto aprobado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Los actores protagónicos a-priori mencionados compartieron el escenario con Pedro de Tavira Egurrola quien representara el personaje de Nick, un joven y apuesto, profesor de la Universidad de Biológía, quien aún cuando se presenta en compañía de su esposa Honey (estelarizado por Ana Clara Castañón  K.) es seducido abiertamente por Martha, quien les invitara a tomar un trago en una pequeña reunión en su casa.

Ciertos conflictos por supuesto surgirán entre las dos parejas, quienes tras ingerir varias copas de alcohol, sacan a relucir sus intimidades, las cuales serán utilizadas como armas al verse desnudadas sus almas.

Obra dramática que es presentada bajo la traducción de Víctor Weinstock. Fue montada para ser representada en dos actos escénicos, debido a su larga duración de tres horas aproximadas, las cuales y, pese a lo cruento de la trama, mantiene al espectador atento ante lo que pudiese pasar en el dramático desenlace.

 

¡QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF se presta de miércoles a domingos hasta el día 5 de mayo, en el Teatro el Milagro.

 

DE CAMA EN CAMA

POR: Dalia María Teresa De león Adams.

 

Mauricio Castillo, Silvia Lomelí, Raquel Solves y Roberto Romano, son los artistas protagónicos de la reciente puesta en escena de la obra teatral DE CAMA EN CAMA original de Marco Villafán que se presenta en el Teatro Centenario Coyoacán.

El actor Mauricio Castillo se ha destacado en la comedia donde ha incursionando tanto en teatro como en televisión, tras de haber estudiado artes escénicas en la UNAM, a la par de graduarse como arquitecto. Su amor por el arte le ha hecho participar como productor, director, escritor, escenógrafo y actor teatral.

Su participación en diferentes de las historietas que comprenden la trama de la obra teatral DE CAMA EN CAMA es de gran calidad actoral, pues a sus personajes les infiere una gran dosis de autenticidad y comicidad. Al actuar los caracteriza con la naturalidad que se precisa para que un personaje sea creíble.

De ese modo, al igual que el resto del reparto estelar su trabajo escénico es interpretado con gran versatilidad, pues lo mismo hacen de heterosexuales, como de homosexuales, inapetentes sexuales, parejas promiscuas, beatas,  o bien, parejas swingers.

Bajo la producción ejecutiva del Señor Oscar Rubí, DE CAMA EN CAMA inició temporada el pasado martes 26 de febrero en el Teatro 2 CENTENARIO COYOACÁN, bajo la producción del Ingeniero José Luis Quintanar, nacido en Hidalgo.

José Luis Quintanar es un gran aficionado a las artes escénicas, hecho por el cual se vio motivado a presentar ésta su primer puesta en escena. Obra teatral la cual produjo al considerarla de gran calidad y peso escénico el texto, así como muy divertido.

Siete historia breves cuya temática gira en torno a “las relaciones sexuales” son presentadas como parte DE CAMA EN CAMA. Siete diferentes casos en torno a diferentes preferencias o prácticas sexuales qué sin embargo, no se entrelazan unas con otras, es decir, los personajes caracterizados por los cuatro actores protagónicos adquieren diferentes nombres y características en cada historia, las cuales sin embargo, no se entretejen al final, como suele pasar en la mayoría de las comedias teatrales.

Las escenas se presentan siempre con una cama presente. En la escenografía, éstas son movibles con cambios del material escénico, que los tramoyistas logran rápidamente de manera efectiva, mover y organizar, dando la apariencia de presentarse en el escenario, distintas recámaras.

La obra tiene como referente la época actual con personajes que pertenecen a diversos estratos socio-económicos. Así aparece al inicio una joven pareja, quienes entre ambos no existe un buen diálogo. Comunicación fallida que mata el amor y el deseo sexual,

llevándolos al engaño y la ruptura matrimonial.

La segunda historia presenta a un hombre con poder, quien en aras de su narcisismo  y empoderamiento laboral, descuida su relación conyugal. La tercera historia presenta a dos beatas. Ellas ante la ingenuidad y castidad, casualmente se enfrentan a la exposición porno de un video en la Internet, que les hará reaccionar al estímulo sexual de su naturaleza humana.

La cuarta exposición es de una pareja que viven en extremos de agresividad. Ésta impera  sus temperamentos y modo vivendus, lo cual les llevará a situaciones extremas que deberán enfrentar y resolver.

La quinta escena presenta a dos hombre quienes terminan en una misma cama de hotel, tras de beber en extremo copas de alcohol. Uno de ellos es un hombre declarado abiertamente homosexual; el otro ha contratado su servicio y se reusa a caer en la cuenta de que es otro homosexual en potencia.

En la sexta representación aparece un stage de televisión en donde una pareja heterosexual participa practicando abiertamente su sexualidad, ante la vista de todo el público. Ello en aras de obtener un premio millonario.

Como última mini-historia aparecen dos parejas, las cuales se engañan mutuamente. Los pormenores les harán conscientes de la situación desleal que viven entre los cuatro, sin remordimiento alguno.

En resumen, son siete divertidas historias las que forman la dramaturgia DE CAMA EN CAMA presentada a manera de comedia por parte de Marco Villafán su escritor quien la presenta, tras de una brillante trayectoria, pues él además de dramaturgo es guionista, crítico, editor, publicista, traductor y adaptador. DE CAMA EN CAMA como a-priori mencioné, se presenta bajo la dirección escénica de Ricardo Díaz los días martes a las 20:30 horas en el Teatro Centenario Coyoacán.

 

      

 

LA LENGUA EN PEDAZOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Tras de haber recibido el Premio Nacional de Literatura como mejor obra dramática, la dramaturgia intitulada LA LENGUA EN PEDAZOS fue seleccionada para ser puesta en escena en el Teatro “El Galeón Abrahán Oceransky”del Centro Cultural del Bosque a partir del pasado día 8 de marzo.

Obra cuya autoría es del español Juan Antonio Mayorga Ruano, quien naciera en Madrid en el año de 1965. Al respecto le comentaré qué es un escritor contemporáneo muy destacado, quien recibió el Premio Nacional de Literatura dramática en su país. Es el autor de  los libros “Cartas de amor a Stalin”, “Hamelin”, “Juana Mayorga”, “La Paz perpetua y Himmelweg. También incurrió en el medio cinematográfico con el guión “En la casa”.

La dramaturgia de Juan Mayorga que aquí nos interesa tratar y que es LA LENGUA EN PEDAZOS, esta inspirada en el libro autobiográfico de Santa Teresa de Ávila, intitulado “Libro de Vida”.

Comienza en la cocina de un pequeño convento cuyo nombre fuera “San José”. Recinto religioso el cual, como es bien sabido, fue construido por la misma Santa Teresa y es  justamente ahí en donde comienza la trama, sirviendo de referente a la conversación del implacable y ortodoxo inquisidor.

Ambos personajes enfrentan un interesante debate, al poner en juicio los actos religiosos tan refutados secularmente por el alto monasterio católico; debate que pondrá en peligro a  la Santa, de ser excluida por la iglesia y de ser enjuiciada para arrancarle la vida por los argumentos acusatorios en contra de la beata. Debate ideológico llevado hasta los extremos de la lógica clerical en contra de la pasión de Santa Teresa de Ávila quien abrazara en extremo su fe.

Santa Teresa de Ávila o Santa Teresa de Jesús en la vida real en realidad se llamaba Teresa Ali Fatin  Corella Sánchez de Cepeda y Almada. Nació en la provincia de Gotarrendura, Ávila en España en el año de 1515. Se le conoce como la monja fundadora de la Orden de “Las Carmelitas descalzas”. Ha sido la religiosa con mayor influencia y arraigo y de las primeras mujeres en ser reconocidas por sus altos estudios, como Doctora en Poesía y Filosofía. Murió en 1582. En opinión del CNT:

-“El montaje no solo brinda la oportunidad de asomarse al complejo pensamiento y carácter de la Santa Teresa, sino que abre una ventana a su lado más humano y vulnerable.”-

En la obra actúan dos grandes actores quienes forman parte del repertorio permanente de la Compañía Nacional de Teatro (CNT). Ellos son Mariana Giménez (en el papel protagónico de Santa Teresa) y Diego Álvarez Robledo (caracterizándo al inquisidor).

Le comentaremos qué Mariana además funge como directora y maestra de teatro. En cuanto a Diego, es quien forma parte del equipo en éste montaje y es el director de esta esplendida puesta en escena.

 

Sin más concluiré informando qué LA LENGUA EN PEDAZOS se presentará hasta el día 14 de abril en el Teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque, bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

 

PAPEL QUE NACIMOS PARA LLENAR.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Texto de Alan Blasco nacido en Xalapa Veracruz en 1992 teatrero y adaptador de textos, además de dramaturgo mexicano quien trata en su obra PAPEL QUE NACIMOS PARA LLENAR eL papel que dos jóvenes actrices juegan en la sociedad. El tema es tratado bajo un trasfondo psicológico que muestra con claridad la baja autoestima que a veces se crean  ante diversas situaciones en la vida, que no sabemos cómo manejar en el momento vivido.

La presencia de las falsas amistades, carentes de valores que abordan nuestro ambiente así como la inseguridad que ello genera con la trampa del oportunismo, son la temática medular de la trama de la obra teatral del PAPEL QUE NACIMOS PARA LLENAR.

La bellaza, el oportunismo, el amante que soluciona la falta de capacidad para desenvolverse en el ambiente laboral, cuando se adolece de aptitudes o de la incapacidad de poder obtener un puesto por los propios medios, también son tratados en ésta historia teatral bajo un dejo de humorismo negro.

Todo ello es interpretado mediante el personaje narrador de Sara, quien funge además como personaje protagónico al narrar la relación con su amiga Julia,  quien comparte su departamento en calidad de roomy, además de unirlas su modus vivendus.

Su relación nace ante la necesidad de compartir gastos que les permita sostenerse. Sin embargo Sara constantemente se verá opacada ante la sensualidad y belleza de su compañera de departamento produciéndole grandes  frustraciones ante el abuso de confianza y comunicación que hacen que Julia siempre obtenga los papeles protagónicos en los castings. De pronto la Amistad entre ambas se ve desquebrajada ante el daño colateral que ocasiona la relación a Sara.

Ambas son dos jóvenes actrices quienes en busca de éxito, se enfrentarán verbal, física y de manera laboral, compitiendo constantemente por obtener un buen empleo artístico, así como reconocimiento. Puesta en escena en un solo cuadro y tiempo escénico de 90 minutos, en donde se simula estar en un pasillo y dentro de la estancia del departamento.

La casa productora es del Circulo Teatral de los Señores Víctor Carpinteiro y Alberto Estrella cuya dirección se ubica en la calle de Veracruz 107. Compañía que además funciona  como escuela teatral, galería y promotora de puestas en escena. Ambos actores productores por cierto, estuvieron presentes durante el evento del estreno, fungieron como padrinos de la obra del PAPEL QUE NACIMOS PARA LLENAR.  

 

La dirección escénica corre a cargo del  Señor Alan Blasco. En las actuaciones estelares se encuentran alternando Lariza Juárez/Tania Noriega y Arlet Gamino; el juego de la iluminación es de Arturo Vega y el diseño sonoro de Iván Mondragón. “Un Teatro” en la colonia Condesa y se presentará hasta el día 24 de abril.

 

PEDRO Y EL LOBO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El Auditorio Nacional se vestirá de fiesta para la celebración de la puesta en escena de PEDRO Y EL LOBO. La obra es una composición sinfónica de Serguéi Prokófiev la cual fue escrita en 1936.

PEDRO Y EL LOBO como es de todos ya bien sabido, es una historia para niños con música y texto adaptado por el compositor, pianista y director de orquesta ruso, Sergei Prokofiev (Ucrania 1891-1953).  

La puesta en escena de PEDRO Y EL LOBO fue creada para contar con un narrador; cuento que será acompañado por la orquesta de las Américas y la representación del texto por bailarines.

En este caso “Las producciones Escenarte Internacional” eligieron como narrador al actor y musicólogo, Mario Iván Martínez por su gran trayectoria como creador artístico de eventos infantiles, en donde se ha dado a la tarea de presentar y contar cuentos que han marcado época en la discursiva de historietas, que han quedado en la memoria de tanto niños como adultos.  

Por su parte, Mario Iván Martínez comentó qué su interés por PEDRO Y EL LOBO surgió desde muy niño, cuando a los nueve años de edad, su padre, el locutor radiofónico Mario Iván Martínez Ortega, le obsequiara dicho cuento, introduciéndolo al mundo mágico de la narrativa, al igual que su madre la fallida primera actriz Margarita Isabel, quien desde pequeñito lo hizo partícipe en el escenario, curiosamente en el mismo cuento de PEDRO Y EL LOBO.

Es el cuento clásico de Sergei Prokofiev, como antes menciono, que según narra la historia…Pedro era un pastorcillo quien acostumbraba a cuidar ovejas y era amigo de un pájaro, se divertía engañando a sus vecinos del pueblo, hasta que un día la mentira que ...

 

PEDRO Y EL LOBO tras de haber cumplido mil doscientas representaciones por parte de la Compañía de Danza Nacional, en el lapso de veinticinco años, vuelve nuevamente al escenario por su calidad creativa en ésta ocasión al recinto del Auditorio Nacional el próximo día 28 de abril, para festejar también a los pequeñitos en su día (30 de abril); dos días antes por consideración de la misma empresa productora.

La presentación de PEDRO Y EL LOBO contará con una Orquesta en vivo, la “Orquesta de las Américas” la cual estará dirigida por el maestro Enrique Diemecke (director y violinista mexicano, de origen alemán) y, acompañada por el “Ballet de la Ciudad de México”.

 

Y que mejor manera de celebrar a los pequeñitos y ayudarles a despertar su imaginación creativa y el gusto por las artes, que llevándolos a disfrutar de la función de PEDRO Y EL LOBO.

 

ALGO EN FUENTEOVEJUNA.

POR: Dalia María Teresa DE León Adams.

 

Como es bien sabido, la obra FUENTEOVEJUNA es la obra cumbre del escritor español Lope Félix de Vega Carpio escrita en 1616. Obra la cual en su momento causó gran polémica por la manera tan abierta de mostrar en su texto la denuncia a las autoridades corruptas y retratar el sinnúmero de víctimas o afectados secularmente, por la arbitrariedad brutal de las autoridades, el pueblo padeciera de manera ficcionalizada en FUENTEOVEJUNA

Esta obra de Lope de Vega ( Madrid, España, 1562-1635) junto con  “Castigo sin venganza” y “ El perro del hortelano, ha servido de parte-aguas para mostrar el lado oscuro de muchas sociedades; de tal modo que pareciese que el escenario puede ser el mismo en diversos lugares y tiempos que la historia ha ido registrado.

-“Fuenteovejuna es una obra teatral del Siglo de Oro español del dramaturgo Lope de Vega. Está considerada, con Peribáñez y el Comendador de Ocaña y El mejor alcalde, el rey, uno de los tres dramas "municipales" que constituyen lo mejor de su vasta..-

El anterior párrafo es la aseveración con respecto a los personajes protagónicos de la obra original de FUENTEOVEJUNA que aparece en la página WEB en Google, con respecto a la obra clásica de Lope de Vega.

Pero volviendo a la versión libre de Fernando Bonilla de ALGO EN FUENTEOVEJUNA la trama dramática de la obra de Lope de Vega, presenta las  situaciones extremas que el autor imaginara en una provincia española, sólo qué en ésta ocasión bajo la pluma de Bonilla, se traslada la ficción al territorio mexicano.

Y digo qué la versión de Fernando Bonilla se ubica en un poblado mexicano, por lo sugerido en su puesta en escena en cuanto a la ambientación de la escenografía que sugiere suceder los acontecimientos en un rancho; por otro lado el vestuario con sombreros, chalecos y botines que portan los hombres, así como pistolas y la manera de expresarse como suelen ser los localismos norteños de la lengua en nuestro país, cargados con  un amplio lenguaje altisonante, nos bosqueja perfectamente a una provincia mexicana.

Sin embargo, la trama en diversos momentos respeta la estructura versificada que fuese el estilo secular de presentar una dramaturgia teatral en la España de entre los siglos XVI y XVII, así como el cargo del comendador, inusual hoy en día.

La tragedia se desdobla desde el siguiente contexto, para el Señor Fernando Bonilla, quien como he mencionado es el autor y director de ésta  novedosa versión en donde el pasado y el presente se entretejen:

-“Miles de muertos sobre nuestro lomo, periodistas incómodos silenciados a balazos, niños sicarios, feminicidios, levantones. La normalización del terror, la farsa costumbrista Mexicana de las primeras décadas del siglo XXI…. Y tantas veces que hemos gritado ¡Ya basta! ¡Estamos hasta la madre! ¿Ni una más! ¡Hay que contagiar la rabia! Para después al difuminarse nuestra indignación, volver a hacer filas en el banco, a celebrar la navidad, a pagar impuestos.         

 

ALGO EN FUENTE OVEJUNA se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón en el Centro Cultural UNAM, de jueves a domingos.

 

Revive “TOC TOC”

POR : Dalia María Teresa De León Adams.



Por fin el día de ayer jueves 7 de marzo se estrenó la obra teatral TOC TOC del dramaturgo francés Laurent Baffie. Obra que inicialmente se presentó en la Ciudad de las Luces lográndose ubicar en el  gusto del público parisino.

Dramaturgia que ante tal éxito se fue representando en diversos lugares de la Francia, para posteriormente atravesar fronteras, llegando por supuesto hasta nuestro país, en donde fue presentada hace más de diez años por el Señor Morris Gilber junto con la empresa OCESA-Teatro. En ese entonces se contó con de las actuaciones estelares de Héctor Suárez y Macaria.

Ésta vez “Revive TOC TOC” bajo la misma casa productora y por supuesto, por el Señor Morris Gilbert; pero en ésta ocasión, se unieron esfuerzos con el empresario Claudio Carrera.

Ahora cuentan con la presencia en el escenario de los actores Ricardo Fastlicht, Silvia Mariscal, Lolita Cortés y Faisy. Ellos dan vida a los personajes protagónicos junto con otros jóvenes actores,  quienes son Faisy, Pedro Prieto, Dari Romo y Sandra Quiroz.

Lía Jelín es la encargada de dirigir ésta nueva puesta en escena representada en un solo cuadro escenográfico, de Claudia Sabina, en donde aparece el salón de espera de un consultorio médico.

Es un montaje en donde la trama es expresada bajo un lenguaje totalmente coloquial qué en el caso concreto de un personaje, llega a ser de un uso constante palabras altisonantes qué empero a ello, hacen reír a la gente por el dejo de simpatía y ocurrencia que lleva la trama.

En la historia poco a poco los pacientes van llegando y, tras la espera del eminente Doctor, quien por cierto, debería llegar a la cita médica tras de un vuelo aéreo en retraso. Así entre los pacientes va surgiendo una especie de camaradería, hecho por el que cada uno va expresándose y manifestando su propia fobia y manías. La espera, sin embargo, resulta ser muy larga, por lo cual deciden entre ellos enfrentar sus miedos con ayuda de los demás…. Todo esto surge entre charlas, críticas, demostraciones de fobia y un juego.

La traducción del texto al español corrió a cargo de Julián Quintanilla, mexicanizando el texto en cuanto al uso tanto del léxico, como de algunos lugares a los que se hacen mención, y que son parte de nuestra Ciudad de México; todo esto para darle un toque de verosimilitud y mayor entendimiento al texto en español.

En resumen le diremos qué TOC TOC es una comedia hilarante e irreverente totalmente divertida, la cual presenta como temática a tratar distintas fobias y manías que en la actualidad, se presentan en muchas personas; sintomatologías que por supuesto se llevan a extremos y situaciones que producen entre el público, presente una explosión de carcajadas.  

 

La obra esta planeada para ser representada en una corta temporada que va del 7 de marzo al 12 de mayo, en el Teatro Libanés ubicado en el Sur de nuestra Ciudad. Todo ello en  colaboración de la Compañía Mejor Teatro.

 

PERDERLO TODO, Menos la soledad.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Obra experimental en cuanto al tratamiento de la temática, con un trasfondo altamente filosófico. La historia presenta a dos seres de diferente generación y creencias, quienes llegarán a conocerse casualmente, estando al filo de la muerte.

Dos seres se miran sin verse, se hablan sin hablar, se presienten, se buscan y se encuentran. Tal vez Usted crea que esta dramaturgia sea un tratado sobre el amor, como comúnmente suelen ser la mayoría de las tramas teatrales, en donde por lo menos el amor sirve de trasfondo en la obra, sino es la parte medular de la trama.

Pero en éste caso no es así. Es un texto que va más allá de lo que puede ser la percepción y los sentimientos humanos. Es un acercamiento que brota de la mutual necesidad de encontrarse con alguien en momentos de perdida y profunda soledad. Es la inconsciencia que permite el hastío, es la catarsis que resulta de la búsqueda extrema y el dejarse llevar. Aún sin ojos, ni cuerpo, ni sentidos terrenales se comunican.

Es ver con el alma, con el corazón, con la sinrazón. Tal vez todo esto le resulte a Usted totalmente incomprensible y, ciertamente casi lo es, si pretendemos una trama con lógica existencial. PERDERLO TODO Menos la soledad, es un pretendido acercamiento que su joven escritora Valeria Fabbi presenta ante la adversidad que podría guiar a un ser hacia la muerte.

Sin embargo retoma también una temática muy real y actual, como es el hecho de viajar o desplazarse hoy en día en la ciudad mediante un metro. Presenta de manera velada la inseguridad que se esconde en cada rincón de nuestro país, es el hecho de la posibilidad de no volver a casa, ante la violencia real y psicológica que acecha día a día a cada víctima de la violencia.

La trama no tiene una temporalidad lineal, es decir qué los hechos transcurren en desorden. La retrospección temporal es el medio para darle cabida y comprensión a los hecho de la trama teatral, la cual podría parecer simple de ser escenificada, pero no lo es.

La historia de PERDERLO TODO, Menos la soledad, inicia en un vagón del metro, de la estación del Zócalo en la ciudad. El vagón continua su ruta.  Lo extraño es qué solamente aloja a un pasajero, quien constantemente trasmite sus pensamientos y sus miedos. Una frase repetida es ¿Porqué cuando siento miedo, viene siempre a mi mente la frase ¡DIOS MÍO! Si yo no creo en él? El pasajero es una mujer joven atea. Se llama Macarena.

Ella sin mirar, mantiene contacto con otra persona. Esa persona es un hombre demasiado maduro. Es un sacerdote. Él menciona: ¿Porqué cuando estoy inmerso en algún conflicto menciono, menciono la palabra CULE…..? Él se llama Florencio.

La mujer usa cotidianamente un lenguaje altisonante. El cura se expresa con propiedad y recurre constantemente a la definición correcta de las palabras.  De ese modo, dos personas totalmente distintas se encuentran de pronto sin cuerpo. Pero ¿qué las une?

PERDERLO TODO. Menos la soledad, se presenta con la autoría de Valeria Fabbri El reparto estelar es parte del repertorio fijo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT); ellos son, Miguel Flores, Paulina Méndez y Valeria Fabbri,  siendo de ésta última, como a-priori mencioné, la autoría de la obra.

 

PERDERLO TODO, menos la soledad esta bajo la dirección escénica de Cecilia Ramírez. Se presentará todos los días lunes a las 20 horas, hasta el día 29 de abril,  en el Teatro “La Capilla” en Coyoacán.

 

LA ROMPE HOGARES

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Una mujer exuberante revela su verdad: es amante de un hombre casado. Pero lejos de sentir vergüenza , expone sus motivos y revindica ese rol que siempre ha existido pero que la sociedad condena. ¿Por qué una mujer se involucra con un casado? ¿Quien esta rompiendo a quien? ¿A quien hay qué señalar por la traición? ¿Quien es culpable y quien es inocente? La Rompehogares, protagonista de la historia, rompe el silencio y confiesa lo que toda amante vive. Y no solo cuenta la parte de la historia que siempre se mantiene en la oscuridad. La rompehogares se da el lujo de establecer un reglamento y regalárselo a toda mujer que esté en su misma situación, para que sepa muy bien que reglas debe aplicar para salí ganando en ese juego tan peligroso: Ser la amante de un hombre casado.”-

Esta es precisamente la Sinopsis de la obra teatral LA ROMPEHOGARES expuesta en el boletín de prensa y, como también explica a manera de resumen la compañía difusora de la obra, -“Es una comedia exquisita que nos mostrará el otro lado de la moneda, porque todo mundo odia a las amantes… pero todo mundo tiene una.”_

LA ROMPEHOGARES va más allá de lo establecido socialmente, practicado en un cuarto a oscuras. Y digo “a oscuras” porque es una relación clandestina que comúnmente se esconde a toda costa para no ser señalado (a).

El monólogo de LA ROMPEHOGARES resulta ser como texto, la palabra franca visto desde la perspectiva de una mujer acerca de las relaciones que se mantiene únicamente entre cuatro paredes, con falsas promesas y engaños, por lo menos, de una de las dos partes.

La actriz protagónica Sugey Abrego explicó a la prensa que ésta obra teatral manifiesta abiertamentre los desavenires de “Ser la Amante”. Argumentó con otras palabras qué ninguna mujer debería permitir una relación a medias, ya sea como esposa o como la amante. Y como reza una parte de la dramaturgia teatral: Si los hombres fuesen censurados, maltratados por la sociedad y dejados por su mujer, como son lo son, hoy en día las amantes, ya se les habría quitado la maña. Y según sostiene el texto, para ser engañada, sólo se necesita ser mujer y, comprometerse.

La trama pertenece al género de la comedia. Lleva una gran dosis de suspicacia, irreverencia y sinceridad, en cuanto al tratamiento del tema a tratar, y que es la infidelidad. Temática que como todo lo serio, tratado con abierta sinceridad, nos causa risa.

La dramaturgia es un monólogo escrito por Abril Mayett puesto en escena bajo su autoría, quien tras la escenificación da la obra explicó los motivos que la condujeron a escribir y dirigir una trama tan polémica.  Según dio a conocer, LA ROMPEHOGARES ya tiene concesiones para ser representada también en la Argentina, lo cual mencionó con gran entusiasmo.

 

Y así fue como de éste modo el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde, bajo la producción de “Shake & Falstaff” y S-Art abrió sus puertas el día de ayer sábado 2 de marzo, siendo el evento de apertura galardonado con la presencia de varias estrellas, quienes asistieron para apoyar a la actriz protagónica, fungiendo como padrinos de gala, la Señora Olivia Collins, Ivonne Montero y Charly, el ex-Garibaldi.  

 

ANIMALIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Obra teatral escrita y dirigida por Diego Álvarez Robledo quien con su puesta en escena nos lleva de la mano a un viaje que da comienzo con el origen del universo. Tras él está inmersa la presentación de la evolución de la materia, así como el inicio de nuestro planeta. Lo presenta como hilo causal y gestador de vida microscópica, la cual fue albergando a través del tiempo vida unicelular, la cual se iría dividiendo para dar paso a la pluralidad.

Así mismo aparece la transformación qué con el paso de millares de años, daría como consecuencia las primeras vidas animales, y con ello, el paso del mono a la subsecuente raza pensante o humanidad.

Durante todo el tiempo escénico, la parte animal del Hombre como especie, es tratada; con ello, tanto la guerra como los conflictos humanos, la destrucción, la contaminación, la deshumanización, las divisiones de clases y el racismo. Por supuesto no podía faltar de mencionarse el maltrato irracional con respecto a los animales tanto de caza, como de granja, o de compañía.

El paso de la vida por la mortandad y la selección natural de la supervivencia del más fuerte, es parte del juego. Las decisiones en pos y en aras del confort y el dinero que han gestado el deterioro de la naturaleza, también forma parte de la trama teatral.

Si me pidiera Usted una sinopsis sobre esta puesta en escena, tal vez aludiría al título de la obra como lo hiciera su autor, pues resume de manera mucho más eficaz la parte medular de la trama; así Diego Álvarez Robledo redujo con el título de la dramaturgia, la parte medular de la obra, título qué por supuesto es ANIMALIA.

Y en este respecto, indagando sobre la obra en cuestión, podemos leer como promocional de ésta, a manera de programa que se encuentra publicado en la Internet:   

-“Cinco actores dan vida a la puesta, mediante en un dispositivo tecnológico de audio y video, ejecutado en vivo, y sin uso de las palabras guían al espectador en un recorrido por la historia de la vida… Se trata de una pieza de teatro de imagen, que aleja al actor de la palabra, para explorar otros sistemas de expresión e interpretación, buscando la animalidad dentro del hombre, a partir de la biomecánica... Con el fin de entablar un vínculo cercano con el espectador y provocar un diálogo sobre la condición humana y su relación con el mundo en el que vive.”-  

La obra cuenta con un juego de iluminación a media luz y, con la actuación de jóvenes entusiastas, quienes utilizando el recurso de la mímica para enmarcar y representar perfectamente durante todo el tiempo escénico, la difícil trama casi a oscuras. Esto lo logran los actores mediante movimientos corporales, gesticulaciones faciales, brincos, baile e incluso una canción que introducen en la obra, la cual está narrada de manera documental, gracias a una pantalla gigante la cual se encuentra colocada en el centro y fondo de foro teatral.

En dicha pantalla aparece un video el cual es manipulado en vivo por tres jóvenes personas, quienes se ubican frente al escenario y quienes hacen interactuar las representaciones escénicas conjuntamente con algunas piezas musicales que pertenecen a diversos géneros, como el rap, el rock, la música clásica o la balada o el mambo.

En el reparto estelar se encuentran Josué Cabrera, Gerardo del Razo, Isaí Flores Navarrete, Cut López y Miguel Pérez Enciso. A cargo de la escenografía y la iluminación están tanto su mismo autor como director escénico Diego Álvarez Robledo, así como de Daniel Ruiz Primo y, finalmente en el diseño esta bajo la creatividad a cargo de Fernando Montes de Oca.

 

ANIMALIA se presenta en el foro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque, los días lunes y martes a las 20:00 horas, bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura, con un mensaje implícito que invita a la reflexión.

 

INNOVACIÓN 2019-2024 EN EL CENTRO CULTURAL HELÉNICO

-Antonio Zúñiga nuevo director del Centro Cultural

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Tras del cambio de posesión de cargo por el ahora Director General del Centro Cultural Helénico, es decir, el Señor Antonio Zúñiga, el Centro Cultural Helénico aunado en acuerdos con la Secretaría de Cultura, el pasado viernes 1º de marzo se dio a conocer a la prensa, los pormenores de lo que será la nueva estrategia del “Programa de Residencias Artísticas Escenario de lo Real” que permitan una escenificación eficaz y atractiva para el público que asista a dicho recinto.

Por otro lado, también se planteó la necesidad de recurrir a lo que denominaron las “Nuevas Convergencias Creativas”. Éstas consistirán en reuniones de especialistas de diversos ámbitos, para conversar y tomar decisiones acerca de la posibilidad de la gestación de nuevos jóvenes artistas.

Otra de las tareas que se propusieron lograr será, el “Impulso a la descentralización y la Redistribución de la Riqueza Cultural”; de tal modo qué se celebraran algunos festivales cuyas cedes invitadas serán en los estados de Tlaxcala, Ciudad Juárez y San Luis Potosí, razón por la cual fueron invitados algunos de sus representantes para hablar acerca del  proyecto en puerta.

El Centro Cultural Helénico además propuso organizar e instalar “Tres Nuevos Talleres” en línea, asistiendo para dicho efecto uno de los profesores, quien planteó a groso modo, la técnica así como los objetivos pedagógicos a seguir, durante lo que será la implementación de los talleres en dicho recinto cultural.

Y no podía por supuesto faltar el relanzamiento de la página WEB con respecto a las nuevas creaciones de “Dramaturgias Mexicanas en Línea” en donde se darán a conocer los pormenores  de las mismas, así como el reconocimiento de los escritores de teatro nacional, cuyo resultados se darán a conocer mediante dicho medio.

De este modo, tratando de unir esfuerzos, se dieron cita dichos representantes. Por su parte especificó de manera textual mediante el boletín de prensa, el Señor Antonio Zúñiga, quien como a-priori he mencionado, es el actual Director General del Centro Cultural Helénico:

-“Queremos hacer del Helénico un espacio para jóvenes creadores, donde la imaginación no tenga límites; con la implementación del Programa de Residencias Artísticas Escenario de lo Real, buscamos encontrarnos para dialogar, cuestionar, y renovar los modos de producción escénica…    Pretendemos estar a la vanguardia y no quedarnos estáticos, descentralizarnos y movernos en vinculación con los estados y con grupos independientes, apostar por el teatro emergente para llenar nuestros espacios, abrir la puerta a la reflexión y crítica de la realidad, todo en un ambiente de plena libertad para el ejercicio creativo de los participantes.”-

 

Ejes de trabajo que se tiene planeado ejecutar durante el periodo 2019-2024 que tienen por objeto tanto modernizar los diversos programas planteados, así como el mantenerse en la vanguardia.

 

¿QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

¿Who’s afraid of Virginia Woolf? Es el título original en inglés de la obra del autor norteamericano Edward Albee, quien siempre sería reconocido por ser la obra prototípica de su autoría, suceso que le causara cierta sensación, por lo que afirmaría:

“La obra”, escribió en una nota al programa de la producción de 1996, “me cuelga del cuello como una especie de  medalla reluciente”.

En México fue representada en diversas ocasiones, siendo tal vez la más recordada la que estelarizó la actriz Silvia Pasquel, junto con el ya fallecido actor Rogelio Guerra. Puesta en escena que desgraciadamente mantuvo una corta temporada, debido a problemas que se suscitaron en cuanto a arreglos con los derechos de la autoría.

Actualmente se acaba de estrenar ¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF? cubriendo el rol estelar la actriz Laura Almela (en el papel de Martha) junto con el también gran actor Daniel Giménez Cacho, quien protagoniza el personaje de George (marido de Martha) logrando como siempre, una magnífica actuación.

Obra polémica que habla sobre la relación enfermiza que mantiene una pareja estadounidense de diferente estrato social. Ella es una mujer irreverente, quien actúa con dejes de vulgaridad, ante el desparpajo abierto de su manejo libre en cuanto a la sexualidad.  A la vez es un personaje totalmente cuadrado. Representa a la clásica burguesa pretenciosa y sumamente consentida al saberse hija del multimillonario y pudiente rector de una Universidad. Hecho que le hace manipular a su cónyuge al cual le humilla constantemente.   

El nombre completo del autor de ¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF es Edward Franklin Albee III, quien naciera en el estado de Virginia, Estados Unidos en 1928, ocurriendo su deceso hace ya dos años 2016. Fue un escritor polémico, a quien además se le debe que introdujese nuevas tendencias dramáticas europeas en su país, a partir de la segunda mitad del siglo XX. Otras de sus obras fueron, aunque mucho menos exitosas fueron “Three tall women”, “Seascape”, “The zoo story” y “A delicate Balace”.

Y ¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF? fue representada el día de ayer viernes 1º de marzo, bajo la autoría del proyecto aprobado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Los actores protagónicos a-priori mencionados compartieron el escenario con Pedro de Tavira Egurrola quien representara el personaje de Nick, un joven y apuesto, profesor de la Universidad de Biológía, quien aún cuando se presenta en compañía de su esposa Honey (estelarizado por Ana Clara Castañón  K.) es seducido abiertamente por Martha, quien les invitara a tomar un trago en una pequeña reunión en su casa.

Ciertos conflictos por supuesto surgirán entre las dos parejas, quienes tras ingerir varias copas de alcohol, sacan a relucir sus intimidades, las cuales serán utilizadas como armas al verse desnudadas sus almas.

Obra dramática que es presentada bajo la traducción de Víctor Weinstock. Fue montada para ser representada en dos actos escénicos, debido a su larga duración de tres horas aproximadas, las cuales y, pese a lo cruento de la trama, mantiene al espectador atento ante lo que pudiese pasar en el dramático desenlace.

 

¡QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF se presenta de miércoles a domingos hasta el día 5 de mayo, en el Teatro el Milagro.

 

DE CAMA EN CAMA

POR: Dalia María Teresa De león Adams.

 

Mauricio Castillo, Silvia Lomelí, Raquel Solves y Roberto Romano, son los artistas protagónicos de la reciente puesta en escena de la obra teatral DE CAMA EN CAMA original de Marco Villafán que se presenta en el Teatro Centenario Coyoacán.

El actor Mauricio Castillo se ha destacado en la comedia donde ha incursionando tanto en teatro como en televisión, tras de haber estudiado artes escénicas en la UNAM, a la par de graduarse como arquitecto. Su amor por el arte le ha hecho participar como productor, director, escritor, escenógrafo y actor teatral.

Su participación en diferentes de las historietas que comprenden la trama de la obra teatral DE CAMA EN CAMA es de gran calidad actoral, pues a sus personajes les infiere una gran dosis de autenticidad y comicidad. Al actuar los caracteriza con la naturalidad que se precisa para que un personaje sea creíble.

De ese modo, al igual que el resto del reparto estelar su trabajo escénico es interpretado con gran versatilidad, pues lo mismo hacen de heterosexuales, como de homosexuales, inapetentes sexuales, parejas promiscuas, beatas,  o bien, parejas swingers.

Bajo la producción ejecutiva del Señor Oscar Rubí, DE CAMA EN CAMA inició temporada el pasado martes 26 de febrero en el Teatro 2 CENTENARIO COYOACÁN, bajo la producción del Ingeniero José Luis Quintanar, nacido en Hidalgo.

José Luis Quintanar es un gran aficionado a las artes escénicas, hecho por el cual se vio motivado a presentar ésta su primer puesta en escena. Obra teatral la cual produjo al considerarla de gran calidad y peso escénico el texto, así como muy divertido.

Siete historia breves cuya temática gira en torno a “las relaciones sexuales” son presentadas como parte DE CAMA EN CAMA. Siete diferentes casos en torno a diferentes preferencias o prácticas sexuales qué sin embargo, no se entrelazan unas con otras, es decir, los personajes caracterizados por los cuatro actores protagónicos adquieren diferentes nombres y características en cada historia, las cuales sin embargo, no se entretejen al final, como suele pasar en la mayoría de las comedias teatrales.

Las escenas se presentan siempre con una cama presente. En la escenografía, éstas son movibles con cambios del material escénico, que los tramoyistas logran rápidamente de manera efectiva, mover y organizar, dando la apariencia de presentarse en el escenario, distintas recámaras.

La obra tiene como referente la época actual con personajes que pertenecen a diversos estratos socio-económicos. Así aparece al inicio una joven pareja, quienes entre ambos no existe un buen diálogo. Comunicación fallida que mata el amor y el deseo sexual,

llevándolos al engaño y la ruptura matrimonial.

La segunda historia presenta a un hombre con poder, quien en aras de su narcisismo  y empoderamiento laboral, descuida su relación conyugal. La tercera historia presenta a dos beatas. Ellas ante la ingenuidad y castidad, casualmente se enfrentan a la exposición porno de un video en la Internet, que les hará reaccionar al estímulo sexual de su naturaleza humana.

La cuarta exposición es de una pareja que viven en extremos de agresividad. Ésta impera  sus temperamentos y modus vivendi, lo cual les llevará a situaciones extremas que deberán enfrentar y resolver.

La quinta escena presenta a dos hombre quienes terminan en una misma cama de hotel, tras de beber en extremo copas de alcohol. Uno de ellos es un hombre declarado abiertamente homosexual; el otro ha contratado su servicio y se reusa a caer en la cuenta de que es otro homosexual en potencia.

En la sexta representación aparece un stage de televisión en donde una pareja heterosexual participa practicando abiertamente su sexualidad, ante la vista de todo el público. Ello en aras de obtener un premio millonario.

Como última mini-historia aparecen dos parejas, las cuales se engañan mutuamente. Los pormenores les harán conscientes de la situación desleal que viven entre los cuatro, sin remordimiento alguno.

 

En resumen, son siete divertidas historias las que forman la dramaturgia DE CAMA EN CAMA presentada a manera de comedia por parte de Marco Villafán su escritor quien la presenta, tras de una brillante trayectoria, pues él además de dramaturgo es guionista, crítico, editor, publicista, traductor y adaptador. DE CAMA EN CAMA como a-priori mencioné, se presenta bajo la dirección escénica de Ricardo Díaz los días martes a las 20:30 horas en el Teatro Centenario Coyoacán.

 

LABORATORIO AUDIO DIGITAL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Un espacio dedicado al desarrollo y la investigación musical en base a herramientas tecnológicas y espacio multimedia, se inauguró el día de ayer en el “Music Club” ubicado en la calle de Bolivar # 86, en el Centro de la ciudad de México, a eso del filo de las cinco horas del medio día.

La inauguración tuvo como padrinos de lujo a grandes integrantes del género musical y artístico en general, como lo son el Señor Alex Lora, Kalimba, Playa Limbo, Gerardo Quiroz, Fato, Jorge Ortiz de Pinedo, el Dr. Elías, Ángeles Azules, Merenglas, La autentica Santanera de Zarate, Víctor Guzmán, Natalia Sosa, Pato Cabezut y Armando Báez Pinal.

Personalidades que asistieron para apoyar el proyecto que se fijo “Music Club” en la presentación del LABORATORIO AUDIO DIGITAL. Ellos, quienes entre otros, asistieron a la inauguración para apoyar y hacer posible el evento.

Todos ellos fueron entrevistados por abundante gente de prensa, quienes esperamos que pasaran por la alfombra roja para tal cometido, lugar el cual según se nos hizo saber de manera breve y textual, es:

-“Un espacio único e innovador, en donde se podrá interactuar con una gran variedad de productos de las marcas líderes dedicadas a la producción musical.”-    

Mismos productos que fueron expuestos, tras de una breve información expuesta mediante una pantalla que mostró la potencialidad del uso de los mismos, en el campo musical. De dicho modo fue como se inauguró el LABORATORIO MÚSICO DIGITAL de gran interés tanto para los artistas, como para los amantes del género musical en general.     

 

 

TENORIO CÓMICO 4ª Transformación.

-“ Acompañada de una sobrecarga de risas y carcajadas a partir del 3 de Mayo en el TEATRO ALDAMA.”-

Por Dalia D´Leon Adams

Así es como la casa productora del Señor Alejandro Gou y el Señor Daniel Bisogno dieron a conocer el día de ayer ésta nueva temporada del TENORIO CÓMICO, el cual a lo largo de 19 largos años se ha mantenido en el gusto del público que ama asistir a presenciar un espectáculo divertido y creativo.

Así, un gran número de comediantes se han dado cita para la representación de lo que llaman “La 4ª Transformación”, del TENORIO CÓMICO. Siempre de una manera hilarante, creativa y divertida que intenta hacer pasar al espectador, un agradable momento con ésta puesta en escena del gran clásico de Zorrilla, bajo una nueva adaptación en el libreto que parte de la premisa que partirá, según nos informaron:

-“Usando como transporte el avión presidencial de José Zorrilla nos embarcamos en una historia sin igual.”-

De ese modo ésta comedia teatral contendrá parodias de algunos de los principales personajes políticos que gobiernan en la actualidad, “caricaturizándolos por así decirlo de alguna manera” para con ello, solamente el hacer reír al público que este presente en ésta nueva temporada.

Por cierto, tendrá la actuación especial de la Señora Carmelita Salinas, quien recordó que muchos años atrás, ella compartió escenario en la puesta de “El Tenorio” con grandes comediantes como lo fueron Tin Tán, Capulina, Palillo y Piporro.

La conductora y reciente actriz, Yanet García será parte del nuevo elenco, compartiendo créditos junto con Daniel Bisogno, Germán y Freddy Ortega, María Elena Saldaña, Pierre Ángelo, Pedro Sola, Claudio Herrera, Chistrian Ahumada, Hugo Alcántara y Herson Andrade.  Respecto a quien caracterizará a Don Juan Tenorio, el Señor Alejandro Gou su productor, mencionó que se reservarían el nombre del actor protagónico, al cual darán a conocer posteriormente de manera formal.

 

La fecha del reestreno del TENORIO CÓMICO esta planeada para el  día 3 de mayo del 2019 aún cuando originalmente se reiniciaban funciones en el mes de noviembre. Hoy en día ello cambia con planes para continuar las representaciones en el Teatro Aldama en la Ciudad de México; ello nuevamente de viernes a domingos.

 

FEDERICO, GRANADA Y PRIMAVERA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Puesta en escena de Pablo Cueto que formara parte del “Ciclo de Teatro Documental”. Es un espectáculo de Teatro en Miniatura” en donde se incluyen títeres, dibujos, música y poesía, bajo la dirección escénica Vladimir Bojórquez.

Aquí es interesante el comentar qué Pablo Cueto forma parte de toda familia o generación de titiriteros; profesión que ha ido abrazando a lo largo de treinta años. También es el fundador del Teatro “Tinglado” y participante en diversos Festivales nacionales e internacionales, en donde le han homenajeado por su labor en quince diferentes países.

La dramaturgia FEDERICO, GRANADA Y PRIMAVERA por supuesto, tiene gran peso escénico en base al memorial histórico sobre la vida de éste gran poeta y dramaturgo. Como dato añadiremos qué Federico García Lorca (1898-19369) quien como es de todos sabido, naciera y muriese en Granada, España bajo el régimen fascista del General Francisco Franco, fue un escritor quien, pese a morir prematuramente, legó un importante repertorio de obras poéticas y dramaturgias.     

Entre sus creaciones teatrales se encuentran “Bodas de Sangre”, “Doña Rosita la Soltera o el Lenguaje de las flores”, “El público”, “Mariana Pineda”; además de los libros “Romance gitano”, “Poeta en Nueva York” y “La casa de Bernarda Alba”, siendo ésta la última que escribiese.

Pero volviendo a la puesta en escena de FEDERICO, GRANADA Y PRIMAVERA ésta contiene  un texto muy bien documentado acerca de la vida de Lorca vista desde una perspectiva biográfica. Su autor, Pablo Cueto, inquieto por la vida del poeta, a quien conociese por boca de su madre quien de niño le arrullase con anécdotas de la vida. Momentos que quedaron gravados en la mente de Pablo Cueto, llevándolo a crear e interpretar dicha obra FEDERICO, GRANADA Y PRIMAVERA.

La trama muestra los momentos más trascendentales de tan importante valuarte de la literatura española, Federico García Lorca. Él es graficando mediante un títere presentado junto con algunas láminas colorido inmerso en un mini-escenario. Así Lorca aparece, al igual que imágenes de su pueblo y de algunas de las personalidades conocidas más cercanos, que le influyeron y abrigaron.

En escena parece una de las piezas musicales del mexicano Silvestre Revueltas presentada junto con una fotografía de su rostro, al igual que la del poeta chileno Pablo Neruda, quienes aparecen entre otros grandes personajes, haciendo gala de su idiosincrasia, bajo una retórica poética.

La biografía de Lorca en ésta puesta en escena se apoya en el recurso literario de prospecciones y retros

Ésta no linealidad, permite enfatizar la escenificación del drama vivido en el ocaso de la vida del poeta granadino. La muerte, por ende es uno de los personajes constantes que ilustran su muerte trágica, a manos de las fuerzas armadas franquistas mediante una máscara y un títere, que aparecen constantemente anunciando la muerte del poeta.

FEDERICO, GRANADA Y PRIMAVERA se presenta en la Sala CCB de Centro Cultural del Bosque, de jueves a domingos bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura en la Ciudad de México.  

 

Grupo Musical PANDORA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Las Compañías Sony Music y Westwood Entertainment se han dado a la tarea de presentar el nuevo repertorio interpretado por el grupo musical PANDORA. Su nuevo disco salió el pasado 22 de febrero a la venta al público, en formato físico musical y digital.

Esta  agrupación femenina, interpretaron al lado de nuevos íconos musicales del momento algunos de sus éxitos más solicitados por los fans. Cantantes como son Reik, Natalia Jiménez, Joss Favela y Sin Banderas, fueron invitados para la grabación al lado de PANDORA.

Las integrantes de este trío de voces, como es de todos bien sabido, son las hermanas Isabel y Mayte, quienes junto con su prima Fernanda a lo largo del tiempo se han presentado en importantes escenarios en nuestro país, trascendiendo fronteras en Centro y Sudamérica, así como en la Unión Americana.

En el Nuevo disco se incluyen éxitos recientes que han marcado época. El disco lleva por título “MÁS PANDORA QUE NÚNCA. Pero ¿cómo se ideó ese título para el disco? Al respecto, las mismas interpretes durante la rueda de prensa argumentaron:

-“Le llamamos MÁS PANDORA QUE NUNCA porque es el material en el que cada una de nosotras tiene su propio liderazgo, pues cada quien tiene su participación como solistas y en los coros invariablemente están las tres armonías. Así fue como nosotras iniciamos cantando antes de darnos a conocer. Este disco maneja absolutamente nuestra esencia musical.”- comentó PANDORA.

También hablaron sobre la manera y el momento en que surgió la idea de unir sus talentos.  Así formaron el grupo musical PANDORA gracias a lo que llamaron con otras palabras “ la vena familiar que comparten” o talento heredado por parte de sus propios padres, quienes por supuesto eran músicos, aún cuando ellos no se dieron a conocer el mundo artístico.

Tras de estudiar canto y vocalización Mayte e Isabel se reunían con su prima Fernanda durante el tiempo de su adolescencia. Posteriormente tocaron varias puertas en la industria disquera. Hoy en día, tras de 38 años de haberse lanzado como cantantes, el grupo presentó su disco en el cual se incluyen temas, bajo su peculiar toque interpretativo que les ha dado a conocerse.

MÁS PANDORA QUE NUNCA comprende el siguiente repertorio: como Tracklist están “Corre”(DVD), “Me vas a extrañar”, “El amor de su vida” (DVD), “Cuando me enamoro” (DVD), “Me muero”, “Donde esta el amor”, “Mientes tan bien”, Todo cambió (DVD), “Darte un beso “,  Adiós amor” (DVD), “Creo en ti”, “Me dediqué a perderte” (DVD) y “Te dejo en libertad”.

A manera de Bonus Tracks: “Me vas a extrañar” interpretación al lado de Joss Favela (DVD). “Mientes tan bien” con  el grupo musical Sin banderas (DVD). “Me muero” junto con Natalia Jiménez (DVD). “Creo en ti” interpretada con Reik (DVD).   

 

El objetivo del nuevo disco MÁS PANDORA QUE NUNCA según nos informaron, es el poder darse a conocer y, por supuesto, acomodarse en el gusto del audio-escucha juvenil, quien ha estado gozando en los últimos años con los cantantes con los cuales unieron esfuerzos, (como a-priori comenté) así como sus voces, y talentos interpretativos para hacer posible este nuevo logro de MÁS PANDORA QUE NUNCA. ¡En hora buena para ellas y sus seguidores!

 

OHTLI/CAMINO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Tal vez Usted se pregunte ¿qué es OHTLI/CAMINO? Pues bien, le contaré qué OHTLI significa en español CAMINO. Pues bien, OHTLI/CAMINO es el nombre que lleva el trabajo lingüístico, que de manera escénica fue presentado con el fin de exponer los testimonios dados por parte del nahuatini Santos de la Cruz.  Esto fue el pasado día jueves 21 de febrero. La temática a tratar se fundamentó en base a la indagación interétnica sobre la educación. Mismo día qué dicho sea de paso, se conmemora el Día Internacional de la Lengua Materna.

El trabajo se concretó bajo la premisa de qué los grupos poli-lingüísticos y pluriculturales, como los que existen en nuestro país (Chamula, otomíes, lacandones, menonita, etcétera)han podido sobrevivir y mantenerse  gracias a la existencia de su lengua.

Por ello se presentó al margen de las 18:00 en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque el trabajo escénico OHTLI/CAMINO, escenificándose el resultado que arrojará dicha investigación.

Otro dato importante por conocer y el cual se retomará en la investigación, es qué, según la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (La UNESCO) aproximadamente cada dos semanas, desgraciadamente va desapareciendo una lengua autóctona en nuestro planeta. Caso en sí sumamente preocupante, si tomamos consciencia de qué con su desaparición de una lengua, se extingue con ella el legado étnico-cultural e intelectual que se poseía respecto a las étnias-minoritarias, de una determinada región.

En base a todo esto fue que la Compañía “La Paradoja del Gato”, a través de la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y Literatura, sumaron esfuerzos motivados por la UNESCO, para la representación escénica de la dramaturgia de Jennifer Moreno, su creadora y directora escénica.   

OHTLI/CAMINO fue un espectáculo escénico que entrelazó la poética con el testimonial documental para con ello, mostrar a la audiencia un poco de cómo los niños, las niñas y los jóvenes viven pertenecientes a dichos grupos marginales, enfrentan la integración con respecto al resto de la educación imperante en el resto del país, que en caso de México consiste en hacer a un lado tanto su lengua, como su cultura, religión e idiosincrasia, para integrarlos al conglomerado del resto de los habitantes de habla española.

Para la puesta en escena se presentó el reparto estelar integrado por César René Pérez, Adriana Reséndiz, Gherardo Uscanga, al lado de su misma creativa artística y escénica, Jennifer Moreno, caracterizaciones que se llevaron a cabo junto con los diferentes cuadros escénicos, en donde se contó con el apoyo multimedia.

Finalmente comentaré qué el objetivo de la Compañía “La Paradoja del Gato” junto con el INBA y la UNESCO claramente quedó expuesto, y que es el que mediante esta puesta en escena, se logre concientizar  y por ende intentar de alguna manera atesorar, las huellas de ese CAMINO (OHTLI), en vías de extinguirse”.

 

BAJO TIERRA.   

POR : Dalia María Teresa de León Adams.

 

El grupo creativo teatral llamado “Colectivo desde los Huesos” la semana pasada comenzó la tercera temporada de la obra BAJO TIERRA. Obra la cual fue el resultado del programa denominado “Incubadoras de Obras teatrales” en la UNAM en el año 2017.

Tras de haberse presentado con gran éxito en el teatro “El Milagro”, se tiene planeado hoy en día cubrir 9 representaciones en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico solamente los días miércoles a las 20:30 horas.

BAJO TIERRA es una farsa con gran contenido de humorismo negro que tiene como peso escénico, mucho sentido crítico; ello partido desde la perspectiva de que la trama incurre en la realidad histórica de uno de los pasajes del México antiguo, como lo fuera La Revolución Mexicana de 1910.

Sin embargo, la trama toma mayor peso escénico en torno a la vida del talentoso grabador, ilustrador y caricaturista mexicano Don José Guadalupe posada. El artista nació en Aguascalientes en el día 2 de febrero del año de 1852 y moriría en 1913, momento en el cual nuestro país enfrentaba el movimiento armado de la revolución. Hecho que le hizo tener un contacto más cercano con la muerte, la cual frecuentemente fuese la protagónica en muchos de sus grabados. Sus grabados se encuentran en mayoría en la Galería Nacional de Arte y en el Museo y de las Bellas Artes en Houston

A él se le debe por su puesto, la obra intitulada  “La catrina” la cual retomara Diego Rivera en uno de sus murales, aludiendo precisamente a Posada. “La Catrina” desde entones es el nombre con el cual ha sido denominada la muerte en nuestra tierra. Personaje que menciono porque viene precisamente a colación en la obra BAJO TIERRA.

DE este modo tanto José Guadalupe Posada como La Catrina, son los personajes protagónicos de la trama, los cuales interactúan con los personajes protagónicos de, Pancho Villa y Victoriano Huerta, los que cuales entre otros personajes de la revolución, son caracterizados de una maneras chuscas.

Bajo tierra es una dramaturgia que transcurre entre cantos e interpretaciones musicales de sones jarochos en vivo, así como entre bailes regionales y un vestuario muy ad-doc con la época que se tiene en la obra teatral, como referente.

En el reparto estelar aparecen Fernanda Albarrán, Omar B: Betancourt, Uriel García Mendiola, Phany Molina, Yahir Rodríguez, Federico Zapata y Nora Márquez. Todos ellos bajo la dirección escénica de Gabriela Betancout Aragón.

La dramaturgia BAJO TIERRA corre a cargo de David Olguín quien tiene otras obras como “Dolores o la felicidad”, “Belice”, además de algunos cuentos como “Los habladores” y  la novela “Amarillo fúnebre”.

 

      

 

Homenaje a ROSA MARÍ BIANCHI.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La actriz argentina ROSA MARÍA BIANCHI nació en Buenos Aires en el año de 1948 y, como Usted sabe, ha sido merecedora de dos galardones como son  “El Ariel” y “TV y novelas” como mejor actriz en México.

Le diré qué además el día de ayer domingo 17 de febrero se dio cita en el Teatro “El Milagro” a varias luminarias del medio teatral para celebrar la brillante trayectoria artística de ROSA MARÍA BIANCHI.

Estando en presencia de todos sus amigos e hijos,  la actriz fue homenajeada ante varios compañeros y de algunos jóvenes actores, quienes asistieron al evento para apoyarla y reconocer su larga labor artística. Algunos fueron sus alumnos tiempo atrás en el CUT de la UNAM y, en el CEA en Televisa, en donde además se desempeñó ROSA MARÍA BIANCHI como profesora de voz y actuación.

Ha participado en series televisivas y películas como “Amores perros”, “Sabrás que hacer conmigo”, “Mujeres asesinas”, “Cuna de lobos”, “La mentira”, “Amor mío” y “Alegrijes y rebujos”, además de haber trabajado en un cuantioso número de obras teatrales junto a grandes directores escénicos, como Ludwik Margules Coben,  Juan José Gurrola, Héctor Mendoza, Héctor Azar y Luis de Tavira.

En el evento estuvieron presentes tanto el Señor Pascal como David Olguín, organizadores del evento quienes además ofrecieron unas bellas palabras a la actriz ROSA MARÍA BIANCHI, tras de lo cual se develó una placa en donde participaron para dicho efecto sus dos hijos, José María y Julián de Tavira.

Por supuesto que no podía faltar una breve semblanza de su vida en donde todos los asistentes pudimos apreciar a través de un video, la entrevista que se realizó a la actriz ROSA MARÍA BIANCHI sobre su vida. Ella misma aparece haciendo comentarios sobre parte de su vida.

Varios de sus amigos y compañeros del medio manifestaron su admiración por el talento y templanza de la actriz, a la cual curiosamente recuerdan con su abundante cabellera de rizos semi- dorados.  Se le describió como una mujer y madre ejemplar, así como una gran amiga y compañera, cuya sinceridad y valentía siempre le han caracterizado.

 

En el video apareció ROSA MARÍA BIANCHI dando algunos de los pormenores de su vida, como su llegada a México, país que inmediatamente abrazó como su segundo y permanente hogar.

 

Versión de Adriana Enríquez de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Últimamente la obra infantil de Manuel Hinojosa LA PEOR MUJER DEL MUNDO ha estado exhibiendo en tres foros teatrales diferentes. Esto nos hace pensar qué como dijo el maestro Benjamín Bernal, presidente de la Asociación de Periodistas Teatrales (APT) se esta convirtiendo en un cuento clásico.    

Francisco Hinojosa, autor de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO es un editor y escritor mexicano, nacido en el entonces Distrito Federal un 28 de febrero de 1954. Autor de “A golpe de calcetín”, Informe negro”, “Poesía eras tú” “Repugnante pajarraco y otros regalos” “Yanka, Yanka”, “Léperas contra mocosos” “Hectis hethis”y por supuesto de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO, también ha incursionado en el medio cinematográfico con el guión “El jefe y el carpintero”.

En su cuento LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO escribe de manera descriptiva su historieta sobre una mujer malvada e intolerante, quien goza de hacer sufrir a toda la gente del pueblo. La obra bajo la versión libre de Adriana Enríquez, la actriz protagónica y directora de la puesta en escena del foro teatral Reina Barrera, quien adaptara el cuento añadiéndole diálogos, los cuales comparte en escena con la pequeña Tea Amaro, la jovencita quien el día de ayer sábado 16 de febrero, debutó como actriz co-protagónica, caracterizando a los diversos personajes secundarios en LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO, demostrando que tiene tablas para con el tiempo convertirse en una gran actriz.

Benjamín Bernal fue invitado por la casa productora, con efecto de “Dar la patadita de la suerte a la nueva actriz Tea Amaro”. Y si Usted no sabe aún quien es el Señor Benjamín Bernal le diré en breve que es escritor, periodista, médico acupunturista, presidente del APT, conductor en un espacio de radio en “Teatrikando”, como en la televisión ubicándose como director de Área en Canal “www.astl.tv”  en Internet. Es abogado e ingeniero graduado en la UNAM y en el colegio La Salle. Autor de “Méxodo, ópera rock”, “Retrato hablado” ¡Torero, valiente! “Comala.com”, "La Crítica de Teatro en México, pasado, presente y futuro" y un libro de cuentos.

En la sinopsis de la trama de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO se resume así la obra original: La peor señora del mundo es  una vieja mujer peluda con dos grandes colmillos que fuma puro y usa botas puntiagudas y, con sus largas uñas, goza de rasguñar a la gente. Tenía cinco hijos a los cuales siempre castigaba sin importar si se portaban bien o mal. También maltrataba a toda la gente y animales del pueblo, hasta un día en que todos decidieron huir, la dejaron sola. Una paloma que quedó atrapada en una jaula fue su única compañía, sin embargo le daba de comer migajas con picante y agua con vinagre, además de arrancarle algunas plumas y lastimarle sus patitas…..

Cuento qué como mencionara, protagonizó el día de ayer con ahínco, Adriana Enríquez en el foro Reina Barrera, en donde invitó a participar en el escenario, a varios de los pequeñitos que se encontraban entre el público, quienes reían y se divertían y, a los cuales además convidó monedas de dulce y un poco de cereal, en un momento determinado como parte de la divertida trama.

 

Tras de finalizar la obra, las dos actrices con el resto de la producción ofrecieron un convivió al público y sus invitados con quienes compartieron bocadillos, dulces y palomitas, en el Hall del Teatro Off Spring. ¡LES DESEO MUCHO ÉXITO!

 

Ana Cecilia Anzaldúa es invitada en CONFESIONES.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



CONFESIONES DE MUJERES DE 30 tiene como invitada especial a la actriz Ana Cecilia Anzaldúa, teniendo como padrinos de lujo a la conductora y comentarista de televisión, la Señora Fernanda Tapia, quien se presentó junto con el periodista Álvaro Cuevas y el actor Alejandro Calva, todo con la finalidad de homenajear el evento.

Le contaré qué Ana Cecilia Anzaldúa recibió su primera oportunidad tiempo atrás con la empresa Mejor Teatro en la puesta en escena de “El violinista en el tejado” al lado del ya fallido primer actor, Don Pedro Armendáriz.

Ana Cecilia egresó del Centro Cultural Manolo Fábregas y del CEA de Televisa tras de haber estudiado TAP y jazz. De ese modo se colocaría como finalista en el reality show “Pop Stars”. También a sido una de las protagonista de la obra teatral “La Bella y La Bestia”, “Mamma Mia” y en “Los Monólogos de la Vagina”.

Ana Cecilia Anzaldúa, actualmente es parte del reparto estelar de la obra teatral de “Mentiras” en donde canta interpretaciones éxitos de Yuri y Lupita D’Alesio. Ahora ha sido invitada especial, como mencioné, para formar parte del reparto estelar en la puesta en escena de CONFESIONES DE MUJERES DE 30.

Esta es una comedia exitosa, divertida y totalmente irreverente, la cual logró acumular anteriormente 4 000 representaciones en dos de sus presentaciones.  Ahora esta es la tercera ocasión en que se presenta al público mexicano por ser una obra teatral qué además a la casa productora OCESA y en especial al Señor Morris Gilbert, le ha dejado muy satisfecho. Curiosamente fue la primera puesta que logró Morris al lado de tan importante empresa en el año de 1997.

En uno de sus viajes a la Argentina, el Señor Morris Gilbert logró presenciarla.  De inmediato se contactó con la gente adecuada para de ese modo poder traerla a escenario mexicano. Para tal efecto, contrataron a la Señora Lía Jelín, quien desde entonces ha sido la directora escénica de ésta magnífica obra teatral.

CONFESIONES DE MUJERES DE 30 es una dramaturgia original de Domingos de Oliveira; autor nacido en Río de Janeiro, Brasil en el año de 1936, cuyo nombre completo es Domingos José Soares de Oliveira. Escritor quien además a lo largo del tiempo, ha fungido como actor, director y además escultor.

En su obra presenta algunas de las vivencia, frustraciones y reacciones qué comúnmente las mujeres hemos vivido al llegar a los 30 años de edad y, que suelen ser, de manera sintomática.

La trama de testimonio de algunos miedos que enfrentamos las mujeres tras de haber cumplido los 30, como es el creer que a esa edad 30 la juventud se va y, con ella las oportunidades, tanto laborales como amorosas, y otras tantas como la posibilidad de procrear si no se toma en el momento la oportunidad, así como la angustia que puede provocar el  hacer frente a la vida en soledad. Y de pronto se detona en la mente de muchas mujeres de 30: ¡Ahora o Nunca! Sin embargo, con el paso del tiempo, como textualmente la casa productora sostiene: -“Cumplir 30 años es un enorme privilegio.”-

Todo esto forma parte de la puesta en escena de CONFESIONES DE MUJERES DE 30, pero por supuesto, con un constante deje de humorismo. Así es como se cuentan diversas anécdotas que fueron verídicas, que el autor logró reunir para presentarlas en formato teatral junto con algunas frases famosas acerca de la mujer, por parte varios hombres ilustres como “La mujer es un animal de cabello largo e ideas cortas” (Arthur Schopenhauer)  entre otras, que los personajes femeninos de esta obra transforman, dándoles un toque de risibilidad. Personajes caracterizados por las actrices María Gonllegos, Paola Arrioja, Patricia Gallo y Ana Cecilia Andalzúa.

Es una puesta en escena que por su temática presenta situaciones que aún son vigentes, como concuerda su productor, porque es un texto en donde la psique femenina sale a flor de piel con diversas narraciones que sin embargo, se van hilando y, que cada actriz narra casi a manera de monólogo con sus compañeras.

 

CONFESIONES DE MUJERES DE 30 AÑOS continua manteniéndose en el gusto del público y se presenta en el Foro Fernando Soler, en el Centro Cultural Manolo Fábregas, ofreciendo funciones dobles de viernes a domingos.   

 

ANDY ZUNO Nos sorprende.

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

No hay duda de que existen grandes potencialidades y talentos en México. Desgraciadamente muchos de ellos no pueden llevar a buen Puerto sus sueños largamente acariciados. Con estas palabras lo que deseo comentar es qué vivimos en un país con una cultura y una sociedad que impide “Poder Brillar” a gran parte de los talentos mexicanos; esto se da en aras de una mentalidad a veces competitiva, o bien, malinchista .

No es fácil destacar y mucho menos mantenerse en el medio artístico. Sin embargo, más allá del talento, se necesita el temple para no dejarse caer por las puertas que constantemente les cierran a esas personas, e intentar permanecer con la fuerza que da el tener realmente lo que denominamos “Madera de Artista”.

Sin duda ANDY ZUNO es un joven talento. Ya le hemos conocido en varias ocasiones como escritor y como actor, en series y novelas como “Papá a toda madre”, “Al diablo con los guapos”, Señora Acero” o “La doble vida de Estela Carrillo”.

También ha incursionado en el medio cinematográfico en “Machos”, “Emisario del Odio”, “Treintona, soltera y fantástica” y “Decisiones extremas”. Por supuesto que en el teatro no podían faltar sus participaciones, siendo su última contribución en “Mentiras”; una revista musical en donde llegó a ser una de las voces que además fueron coronadas logrando incluirse en el disco gravado por la productora teatral.

El talentoso ANDY ZUNO nació en la Ciudad de México. Con sus 36 años ha logrado irse colocando en el gusto del público. Ahora además suma su talento presentando un show que se llevará a cabo el próximo 2 de marzo en el Foro “Total Play” ubicado en Ejercito Nacional 843.

Ese día piensa interpretar canciones que en anteriormente fueron grandes éxitos como “Ay Amor” del grupo Flans o Rueda mi mente, interpretado por Sasha Sokol, las cuales entre otras de las que en su mayoría fueran éxitos de interpretes femeninas, él incluirá en su Show. Ésto con la finalidad de demostrar que la música no tiene género, qué más allá de todo, lo importante como lo hizo saber ANDY ZUNO es el cantar con el placer que amerita interpretar una melodía, que le llegue al alma.  

Tras de haber grabado con la Compañía Discográfica Red Music sus discos sencillos “Más de una vida” y “sueños para compartir” hoy en día ANDY ZUNO contempla la posibilidad de continuar con su carrera como cantante, la cual siente que no desmerece su talento histriónico, sino qué por el contrario, lo complementa.

 

Pues ¡SUERTE Y EN HORABUENA ANDY ZUNO!

 

SE DESPIDIÓ VASELINA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Ayer, día 14 de febrero el Teatro San Rafael se mantuvo repleto de público adolescente. Gente en mayoría muy joven acudió para festejar el día del amor y la amistad. Y que mejor que haciéndolo con el musical de VASELINA, en donde la casa productora planeó un divertido recorrido contratando un Turibús que llevó al reparto estelar, junto con varios de sus fans, para pasar un gran momento, así como un divertido recorrido que partió desde la Fuente de Cibeles hasta el mismo foro teatral de donde se dieron cita para descender.

Ahí les esperaban otros muchos fans entusiasta por conocer a sus jóvenes ídolos y tomarse fotografías dentro del recinto cultural. Ello transcurrió entre coloridos adornos, juegos y una especie de juzgado que se montó en el Lobby del Teatro San Rafael, sitio en donde se llevó a cabo al filo de las 18:30 horas, una Kermés en donde todos participaron.

No cabe duda del gran ingenio de los creativos del evento Y, qué lastima que este gran musical se despidió cerrando con más de doscientas representaciones, sin embargo, el costoso montaje no pudo alargar la temporada.

Le contaré qué VASELINA fue puesto en escena con una espectacular escenografía, así como con un buen reparto coreográfico, música en vivo y nuevos talentos artísticos, entre otras muchas cosas más. Ellos contaban como el atractivo vestuario, maquillaje, algunas pelucas y vasta tramoya que hicieron del montaje un verdadero deleite. Eso sin mencionar qué al inicio se presentaba un joven conductor, quien con gracia y habilidad hacía posible varias de las complacencias de canciones de los años 70’s que se colocaron en el gusto del público juvenil, de la época del musical VASELINA.

Para tal efecto aparecía en uno de los extremos del foro, un teléfono con el cual, la persona del público que quisiese, lo utilizaba para pedir al conductor una canción.  Esto sucedía frente al público, quien se divertía del peculiar detalle, y además disfrutaba de viejos éxitos de Enrique Guzmán, Cesar, Costa, Angélica María, Arturo Vázquez, Los Locos del Ritmo, etcétera. Momento tras del cual iniciaba la obra teatral de VASELINA.

Muy colorida, se hacía posible la puesta en escena de uno de las obras de revista musical más representadas y exitosas, como lo ha sido VASELINA, tanto en formato cinematográfico (con sus estelares John Travolta y Olivia Newton Johns) como en foros teatrales.

Como es de todos ya bien sabido la puesta en escena de VASELINA corría a cargo del importante productor Morris Gilbert junto con OCESA Teatro. Compañía qué junto con el Señor Morris Gilbert, tras aproximadamente dos décadas se han estado dedicado a producir obras de gran triunfo internacional, hecho que las ha colocando en el gusto del público teatral, el cual ha presenciado montajes realmente espectacular, que ellos han ofrecido, y que no le pide nada a los montajes de Broadway, ni a otras exitosas puestas en escena, de otros países del mundo.

VASELINA es una obra que ha recibido comúnmente gran audiencia, por ser un texto divertido, el cual continúa siendo fresco y vigente pese a los años que lleva de haber sido escenificado. Sin embargo, la situación económica difícil que ha estado cruzando nuestra ciudad, al igual que el aumento masivo de nuevos recintos y centros culturales, ha hecho que si antes era un tanto difícil mantener una obra teatral, ahora lo es mucho más. Ello sin tomar en consideración de que mucha gente no esta acostumbrada a asistir a los teatros, prefiriendo divertirse en bares, en donde comúnmente se gasta más dinero.

VASELINA inicialmente fue escrito para ser presentado en formato de película, sin saber que dicho filme marcaría la época en los años 70’s.  Su título original fue Greasse, (VASELINA) un texto original de Jim Jacobs & Warren Casey.

El largometraje se estrenó el día 2 de noviembre de 1978 en la Unión Americana bajo la dirección de Randal Kleiser. Fue una producción de Allan Kerr en donde actuaron dos jóvenes nuevos valores de entonces. El éxito los catapultó dándoles la oportunidad de darse a conocer además en los países de otras latitudes. Ellos fueron Olivia Newton Jhons, quien interpretó a una joven ingenua y candida australiana. Su pareja protagónica fue John Travolta, en el rol protagónico de Danny, el líder de una pandilla juvenil.

El éxito obtenido colocó al musical de VASELINA inmediatamente en los escenarios teatrales. Los foros de México no fueron la excepción, pues ha habido diversas puestas en escena, siendo anteriormente conocidas en nuestro la país las realizadas por la actriz y directora teatral Julissa, a quien se debe aún la traducción y adaptación del texto.

Actualmente la mejor y, más reconocida producción de la obra teatral de VASELINA ha sido sin duda alguna la del productor Morris Gilbert y la empresa denominada Mejor Teatro OCESA y “Bobo”, quienes junto con el grupo juvenil denominado “Lemongrass” compuesto por 27 integrantes adolescentes, se dieron a la tarea de preparar no una, sino DOS puestas en escena de VASELINA para ser representada los fines de semana.

Se arrancó a finales del mes de octubre del año que acaba de concluir, en el Teatro San Rafael de ésta Ciudad, en donde desgraciadamente el día de ayer jueves 14 de febrero, cerraron temporada. ¡Unamos esfuerzos y asistamos al teatro!

 

LA CASA DE BERNARDA ALBA

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

Una de las obra teatrales más emblemáticas de la literatura española de principios de siglo

XX es sin duda LA CASA DE BERNARDA ALBA. Ésta sería la última novela que su actor,

Federico García Lorca escribiría y que no llegaría a ver puesta en escena jamás, debido a

haberle arrancado la vida, las fuerzas armadas de Franco, el entonces dictador de España,

como es de todos bien sabido.

Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca nació en Fuente Vaqueros el día 5 de

junio España, en el año de 1898. Perteneció a la generación del 27 destacándose como un

gran poeta y dramaturgo. Su condición homosexual, además de sus escritos subversivos lo

llevaron a la muerte el 16 de agosto de 1936, tras de haber sido detenido por las fuerzas

franquistas y baleado.

LA CASA DE BERNARDA ALBA Por primera vez sería puesta en escena en Chile con una

amiga cercana de su escritor a quien le hicieron llegar la obra de LA CASA DE BERNARDA

ALBA. Dicha actriz escenifico la obra tras de decidir nunca volver a España. Ello durante la

Guerra Civil que sufría su país.

Posteriormente la dramaturgia LA CASA DE BERNARDA ALBA de Federico García Lorca,

trascendería fronteras, ubicándose también en nuestro país, en donde se escenificó con una

de las grandes actrices que vinieron para quedarse en nuestra tierra haciéndola suya. Me

refiero por supuesto a quien sería un valuarte del género de la tragedia en México, es decir,

Doña Ofelia Guilmáin.

Aún se le recuerda actualmente caracterizando el drama de LA CASA DE BERNARDA ALBA,

en donde obtuvo el rol protagónico en el papel de Bernarda. Quien diría que actualmente

su también talentosa hija, la actriz Lucía Guilmáin ,hoy en día esta a punto de escenificar el

mismo personaje protagónico de Bernarda.

Ella compartirá el escenario con otras dos talentosas artistas, como lo son Martínez y

Beatriz Moreno. Las tres compartirán el escenario junto a cinco jóvenes talentos, las cuales

son Jacquelíne Bribiesca, Jessica Gámez, Judith Serrano, Karla Sáinz y Vanessa Marroquín.

Le recordaremos qué el texto de la obra LA CASA DE BERNARDA ALBA ESTA se encuentra

escrito a manera de drama. La historia habla sobre el papel totalmente subordinado e

inflexible que sufriera la mujer española en la época de la República Española. De ese modo

en la trama se ventilan los prejuicios y deshumanizados valores sociales, ante un inflexible

sistema plagado de fanatismos religiosos, que coartaba el desempeño y la libertad

femenina de manera secular.

Obra interesante que su joven productor y director soñó en montar, tras de una larga

estancia en España, en donde conoció a flor de piel la obra de García Lorca, lo cual lo

 

motivó a traer de vuelta esta puesta en escena. LA CASA DE BERNARDA ALBA esta

planeada para ser presentada el próximo domingo 18 de febrero, en el Teatro Venustiano

Carranza a las 18:00 horas por la Compañía Alonso Producciones.

CONCIERTO DONDE SE UNEN TALENTOS. Todo por una buena causa.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Por vez primera se reunirán tres de los grupos que han gozado de mayor ratings en nuestro país, por la preferencia que el público ha mostrado a través del tiempo, ovacionado con sus aplausos,  así como asistiendo a sus eventos, al igual que comprado y escuchando sus producciones musicales.

Me refiero al grupo Elefante, quienes junto con la Banda Playa Limbo y las Ex-integrantes del grupo Flans, unirán esfuerzos para recaudar fondos en ayuda de los niños desprotegidos en nuestro país, los cuales desgraciadamente aún continúan siendo el blanco de abusos, malos tratos y perversiones por parte de algunos adultos, como lo hizo saber el dirigente de la Asociación “Aldeas Infantiles SOS” conocido con el mote de “El holandés más mexicano”.  

“Aldeas Infantiles SOS” es una organización internacional sin fines de lucro que lucha por los derechos de los infantes, a los cuales intenta integrar familiarmente; núcleo social de donde, en muchas ocasiones son victimas de violenci o/y de abusos.

En México, “Aldeas Infantiles SOS ya tiene 48 años trabajando para ir sumando esfuerzos denuncia y apoyo a los niños, adolescentes y jóvenes, a quienes intenta asegurar su integridad y protección. Es por ello que dicha asociación invita a la sociedad para unir esfuerzos.

Por ello “Aldeas Infantiles SOS” cuenta con programas de alto profesionalismo, para la integración y concientización familiar. Sin embargo tan titánico objetivo necesita del apoyo de otros sectores, siendo en esta ocasión, del sector cultural-recreativo.

Es una asociación que se creó internacionalmente hace 70 años y que ha ido buscando el apoyo de asociaciones y grupos en PRO de la defensa a los menores de edad y, cuya dirección electrónica es #aldeasinfantilesSOSMéxico    #DefensoresDeLaInfancia

Por ello los reconocidos e importantes grupos musicales ELEFANTE y PLAYA LIMBO, junto con las vocalistas o cantantes Ilse, Ivonne y Mimi, se presentarán en uno de los recintos culturales más importantes de la Ciudad de México. Me refiero por supuesto al Auditorio Nacional, en donde ofrecerán una sola función el próximo miércoles 24 de abril, a las 20:30 horas.

Dicho de otro modo, los tres grupos musicales interpretarán varios de sus éxitos con el objetivo de que sus fans les apoyen asistiendo al encuentro en el Auditorio Nacional en donde además de pasar un inolvidable momento, contribuirán a hacer posible la ayuda y bienestar de los pequeñitos violentados, y que así, uniendo esfuerzos, una de las grandes problemática en nuestro país y  del mundo entero, vaya poco a poco disminuyendo.

 

De acuerdo a lo que expresó Marcos Rojas, quien convocó a la prensa para brindar los pormenores y objetivo del evento en puerta, el concierto podrá repetirse para el mes de noviembre, aún cuando todavía no existe una fecha convenida. NO DEJES DE ASISTIR.

 

OPERA PRIMA ROCK Presenta ¡Homenaje a QUEEN!

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

OPERA PRIMA es un talentoso grupo creativo el cual se formó en la Argentina en el año de 1997 con la premisa de interpretar los grandes éxitos de la inolvidable banda inglesa de QUEENS.

No fue sino hasta el año 2003 en que el grupo OPERA PRIMA ROCK concreta esfuerzos en México, al integrar a cantantes y músicos de alto nivel artístico pertenecientes a diversos géneros como lo es el jazz, la música clásica y el pop rock.

Al obtener gran éxito fue que OPERA PRIMA comenzaría sus giras por distintos estados de nuestro país y más allá, obteniendo como resultado salas y foros llenos por la audiencia. En ésta ocasión tienen programado presentarse en el Teatro Parque Interlomas, el próximo jueves 14 de febrero, para seguir prestando tributo al grande ícono del rock QUEEN los siguientes jueves 21 y 28 de febrero.

Así la música original de la que fuese la banda QUEEN integrada por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, serán interpretadas por la OPERA PRIMA ROCK sin arreglo alguno.

OPERA PRIMA ROCK ofrecerá un show colorido con voces y músicos altamente calificados, como ya a-priori mencionamos. Ello con ciertos dejos de tintes teatrales al utilizar una vestimenta acorde al siglo XV, así como la introducción de una partitura musical de Wolfgang Amadeus Mozart (Austria 1756-1791) como ensamble musical, pues las canciones de QUEEN serán interpretadas de manera fiel, sin ningún arreglo.

Los espectáculos introducen en cada concierto, diversos números de la cuantiosa producción musical de QUEEN, por lo qué según se comentó en rueda de prensa, Usted podrá asistir a todos y cada uno de ellos, con el gusto de presenciar repertorios diferentes de los éxitos de QUEEN.

El espectáculo por su colorido y performance, así como por su elocuencia y peculiaridad le ha parecido a algunos de los espectadores como una escenificación teatral; sin embargo, como lo afirmara el director de la OPERA PRIMA ROCK, éste es un show, espectáculo o concierto musical.

OPERA PRIMA ROCK esta integrado por Federico Di Lorenzo, su productor cantante, interprete del ukulele y guitarrista; Diego Fainguersch coproductor,  guitarrista y director; Lorena Vignau, Emilia Badaracco, Ana Regina Cuarón, Majo Cornejo, Hugo Serrano, Mario Heras, Ale Rojas Marco Antonio y Ricardo Díaz cantantes; Julio Moran baterista; Gonzalo Rosado bajista; Joselo Santander y Mario Carrillo guitarristas; y Emmanuel Viera pianista;

 

Todos ellos lo esperan en el Teatro del Parque Interlomas. La cita tendrá lugar en la calle Jesús del Monte # 41, 3er. Piso, en Huixquilucan, Estado de México a las 20:30 horas.    

 

LA CALAVERA DE CRISTAL.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Novela totalmente divertida, con un dejo de sapiencia es la obra teatral infantil LA CALAVERA DE CRISTAL del escritor y periodista Juan Villoro Ruiz, quien fuese ganador del “Premio Herralde” en el año 2004 por su obra “El testigo”.

La puesta en escena ha sido considerado como “un cómic viviente”. También podemos ubicarla como una obra farsica, por el tratamiento de la adaptación del texto y la manera en que ha sido escenificada.

LA CALAVERA DE CRISTAL esta adaptada por los dramaturgos Helena y Mario Rendón, bajo la dirección escénicamente del talento de Enrique Aguilar, quien con diversos cuadros y utilería qué en mayoría los mismo actores mueven a amanera de tramoyistas en el escenario, logran hacer un buen espectáculo visual, acompañados de diferente bisutería que va desde pelucas, trajes llamativos, manipuleo de un títere casi de tamaño natural de un hombre enano o chaparrito, además de un acto acrobático entre telares por parte de dos de los actores y, el uso multimedia en donde aparece un supuesto Dios Maya parlante.

También puede considerarse como una historieta de acción, por el gran dinamismo y creatividad que le infieren al texto y, por supuesto, por la manera de escenificar la obra a cargo de su director artístico, su escenógrafo e iluminador, y por supuesto también, por la música en vivo de dos interpretes que acompaña toda la puesta escénica, en los momentos indicados para avivar la trama.

Le diremos qué ésta es la cuarta ocasión en que ésta obra se representa, de hecho en el mismo Teatro La Capilla en la calle Madrid 13 en Coyoacán en horario por supuesto matutino. Esto debido a que ha logrado capturar la atención del público de distintas edades, quienes nos divertimos del gran humorismo que los diálogos ofrecen, llenos de ocurrencias, que los adaptadores del texto le otorgaron a la obra de Juan Villoro Ruiz, al utilizar un lenguaje totalmente coloquial y una chispa de creatividad, que hicieron de la dramaturgia una obra también muy accesible a los pequeñitos y, por supuesto, muy ingeniosa y divertida para todos.

En un momento determinado, los actores interactúan con el público, con el cual dialogan brevemente, haciéndolo participe de la trama. LA CALAVERA DE CRISTAL como se expresa textualmente a manera de Sinopsis en el programa, narra la aventura fantástica de un par de jóvenes quienes junto con el cuidador de un museo vivirán ante la incógnita e inquietud por saber los pormenores de una leyenda, que les llevará rumbo al encuentro de LA CALABERA DE CRISTAL:

-“Amelia es una apasionada de la historia y trabaja en el museo de antropología, como vendedora de souvenirs, Chencho es el  vigilante nocturno del museo y Gos es un chavo de 12 años que se halla en medio de un turbulento misterio que rodea a su padre y a la Calavera de Cristal.

Después de una frustrante jornada laboral, Amelia se encentra atrapada en el museo con la sola compañía de Gos y Checo, los 3 incursionan en aventuras acompañadas de Música en vivo, marionetas, teatro de sombras, uso de telas acrobáticas, zapping y una excelente interpretación de más de 10 personajes, así recorren toda  la Zona Maya del museo y revelan los secretos que guarda “La Calavera de Cristal.”-

En e reparto estelar se encuentran tanto Helena Tinoco como Mario Rendón los arreglistas del texto de Villoro, junto con Alejandro Piedras. Y en la interpretación y arreglos musicales se presenta en el piano Alejandro Andonaegui y en la percusión, Bruno García Garduño.

 

La producción en general corre a cargo de “Lab Teatro” y “Producciones Escénicas S.E. bajo la Difusión de Sandra Narváez. LA CALAVERA DE CRISTAL se presenta los días sábados y los domingos a las 12:30 del día, en el Teatro “La Capilla”.      

 

CAMILLE CLAUDEL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Camille Anastacia Kendal Maria Nicola Claudel nació en Fère-en-Tardenois, Francia el 8 de diciembre de 1864. Fue una escultora muy reconocida post-mortem. Su vida fue difícil por comportarse libremente ante sus inquietudes y deseos, lo que la llevó a ser rechazada tanto por su familia como por la sociedad en que vivió.

Sus obras maestras hoy en día se encuentran en la Galería de Arte en Bremen y en el Museo Nacional de las Mujeres. Entre las más famosas se encuentran “Joven con una gaviota”, “Las hambrientas”, “El gran vals”,”La edad madura” y “La pequeña castellana”. Murió en Montfavet, Avignón, en 1943 en el hospital psiquiátrico Ville-Evrard.

El encuentro con el desde entonces destacado escultor August Rodin de 43 años con Camille Claudel a la edad de los 19, terminó siendo una relación amorosa y contundente que duraría 15 años. De él fue de quien recibió gran influencia tanto en técnicas como en temática artística. Otro de sus amantes sería el también destacado compositor, Claude Debussy.

Todos estos pormenores y más, son expresados de manera artística en la puesta en escena por la actriz protagónica Yuriria Fanjul en la obra teatral CAMILLE CLAUDEL bajo la dirección escénica del joven director Diego Vázquez. Obra teatral que presentan bajo un interesante monólogo biográfico, aún cuando mantiene la técnica de un drama con un doble final.

La talentosa actriz Yuriria Fanjul interpreta a Camille Claudel expresándose en diversos momentos escénicos en un perfecto francés, lo cual le infiere a la obra mayor credibilidad en cuanto a la interpretación del personaje protagónico de CAMILLE CLAUDEL.

Ésta puesta en escena, aún cuando es un monólogo, como comúnmente suele suceder, la actriz caracteriza a diferentes personajes secundarios, dándoles vida al modular tanto su voz como sus movimientos corporales, en las escenas en que se precisan.

De dicho modo deja claro al público asistente, las críticas de las que constantemente fue victima, así como las relaciones con otras personas que CAMILLE CLAUDEL tuvo y, que fueron de trascendental importancia en su vida, como lo fue con su amoroso padre, su madre inflexible y la osca relación que sostuvo con su hermano Paul Claudel, quien por cierto, trascendería en la historia, como un gran escritor francés.  

La obra también tiene un dejo de modernidad que se observa en la dirección artística de Diego Vázquez, al introducir, por ejemplo un micrófono a mitad de la obra en el cual la actriz habla simulando las voces del Rodin y Camille, o el artístico desnudo del torso de la protagonista, a media luz.

También la actriz Yuriria Fanjul interactúa en algunas ocasiones con el público, rasgo vanguardista que rompe la estructura clásica de la interpretación de una obra, para sacudir al espectador, quien comúnmente se mete en la temática, al cual hace consciente de que tan sólo se encuentra presenciando una interpretación artística en el teatro.

 

La puesta en escena es en un acto y un cuadro escenográfico a cargo de Edita Rzewuska, en el cual se observan grandes telares blancos que con el efecto de la iluminación cambian de tonalidad. La obra CAMILLE CLAUDEL se presentará hasta el día 8 de mayo en el Teatro “La Capilla en el sur de la Ciudad de México, los días viernes de cada semana a las 20:00 horas.

 

ARTAUD EN MIL PEDAZOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

No hay duda que uno de los mejores directores teatrales en México, es el Señor Claudio Valdés Kuri. Él es reconocido como uno de los artistas latinoamericanos con mayor presencia internacional, es un joven director creativo, que siempre nos impresiona por su indiscutible talento y sus novedosas propuestas escénicas. El día de ayer, jueves 7 de febrero, no podía ser la excepción, con su representación a la prensa de su obra ARTAUD EN MIL PEDAZOS.

Puesta en escena que se presenta en uno de los recintos teatrales más bellos de la Ciudad de México, como lo es el Teatro Esperanza Iris. Su creatividad nos llevó a recorrer gran parte del lujoso edificio, construido el siglo pasado por la actriz cuyo nombre hoy en día lleva también el teatro de la Ciudad de México.

Esperanza Iris actriz, vedette y cantante nacida en Villahermosa, Tabasco (888-1964) como es de todos bien sabido, a falta de familia legaría el lugar al gobierno de México, con la finalidad de que se presentaran en él diversos eventos culturales, como ha sucedido a partir de su deceso ocurrido en la década de los 60’s del siglo XX

Pero volviendo a la puesta escénica del maestro Claudio Valdés Kuri, quien con su obra ARTAUD EN MIL PEDAZOS hizo gala de su gran creatividad a la prensa presente, inspirado en uno de los íconos del teatro, como lo fuese el francés Antonin Artaud.

Antoine Marie Joseph Artaud, actor, director, novelista, ensayista y poeta francés nacido en Marsella 1896 y muerto en1948 Ivry-sur-Sein, Francia, quien fuese considerado un loco, pero lo cierto es, que logró innovar el teatro no sólo en México con su visita a nuestro país, sino qué con su obra dramática, le dio un gran giro al teatro trasformándolo nivel internacional.

Entre sus obras más conocidas se encuentran “El chorro de sangre”, “La pasión de Juana de Arco”, “El clérigo y la caracola”, Napoleón visto por Abel Gance, y “El teatro y su doble”, además de importantes ensayos sobre la conquista de México y algunos de sus pueblos autóctonos.

La obra teatral ARTAUD EN MIL PEDAZOS es un espectáculo que fue creado originalmente para formar parte de la exposición “Artaud 1936” el cual se llevó a cabo en el Museo Tamayo el año que acaba de concluir. En el evento los presentes dieron un giro dentro del inmueble, visitando seis salas al ser guiados entre ensayos y poesía recitado del ilustre Antonin Artaud.

El éxito obtenido, motivo al Señor Claudio Valdés Kuri a retomar la caracterización del tan afamado escritor francés, para mostrar tanto su vida como su obra, pero en ésta ocasión en el Teatro Esperanza Iris como antes mencionara. La obra se representa mediante un recorrido en diversos lugares estratégicos del recinto cultural, para recrear su peculiar y original puesta en escena.

El recorrido comenzó en el lobby del teatro, en donde el actor Rodrigo Carrillo Tripp continuó y guió el recorrido rumbo a las escaleras en forma de caracol, a partir donde lleva a la audiencia hacia distintas partes del edificio, siendo las escaleras en donde se planeó a manera de segundo cuadro escenográfico, la siguiente escena en donde apreciamos al actor caracterizando a Antonin Artaud, desde arriba.

Junto a él actúa como enfermera y biógrafa una joven actriz, quien entre algunas peripecias y malabares, cuenta los pormenores de su vida de Artaud, comenzando desde el momento en que fue engendrado hasta su dramática muerte.

Así fue como uno de los palcos, así como un vestidor y otros lugares tras bambalina, sirvieron de escenario al actor; distintos lugares desde donde pudimos observar otras de las secuencia de la puesta en escena que dio continuidad a “la reflexión y su amplia gama de ideas de Antonin Artaud”,  mismas palabras que utilizaron los creativos de la trama (Valdés Kuri y Carrillo Tripp) para definir a tan controvertido personaje; así la compañía se dio a la tarea de exponer parte de sus ideas, ensayos y obra poética, con gran plástica artística y actoral.

Continuamos el recorrido escénico, en donde el actor Rodrigo Carrillo mostró gran talento, modulando su voz, gesticulando y encorvando ocasionalmente el cuerpo, para darle vida a la figura de Artaud, luciendo además, un looks muy parecido y, ataviado con una bata blanca. Ello para escenificar los encierros que el autor francés sufriera tanto en hospitales como en clínicas psiquiátricas en los que fuera recluido en diversas ocasiones.

 

Claudio Valdés Kuri  ha participado en Festivales Internacionales, así como en diversas organizaciones, estando a cargo de distintos espectáculos como de óperas. Además, le diremos qué el talentoso director escénico, dirige su propia Compañía Teatral, la cual se denomina “Teatro de Ciertos Habitantes”, la cual por cierto, acaba de celebrar sus veinte años de iniciarse, impulsando a nuevas propuestas teatrales en las que ha introducido algunos filmes, documentales, series radiofónicas y televisivas, enriqueciendo con sus propuestas, la cultura en México. ¡EN HORA BUENA CLAUDIO VALDÉS KURI!

 

TE VERÉ EL AÑO QUE ENTRA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El pasado martes 5 de febrero, dio inicio la temporada de la puesta en escena de la obra teatral TE VERÉ EL AÑO QUE ENTRA del dramaturgo canadiense  Bernard Slade (cuyo título original en inglés es “Same time, next year) en el Foro 2 del Teatro Centenario Coyoacán,”.

Bernard Slade nació en St. Catharines, Canadá en 1930 y sería premiado con el premio “Drama Desk” por la mejor comedia. Otras de sus obras teatrales son : “Una vez al año”, “Homenaje y La chica del asiento de atrás”. En tanto que en formato de libros físicos, Bernard Slade tiene en su haber “You say tomatoes” y “Special Ocassions”.

TE VERÉ EL AÑO QUE ENTRA ha sido una comedia romántica que se ha escenificado numerosas veces en nuestra ciudad, siendo una de ella bajo la actuación estelar de Silvia Pinal y Héctor Bonilla, según recordó el talentoso actor Pato Castillo, quien asistió a la reciente puesta en escena junto con el actor Pablo Valentino, para dar apoyo y brillo al inicio de ésta temporada, en donde los actores en escena son José Razo y Jimena Merodio.

Ellos infirieron a los personajes protagónicos gran entusiasmo y plástica actoral, caracterizando a Doris y George, una pareja que se encuentran casualmente en un restaurante, en donde él inicia un romance con Doris, relación según piensa, será eventual, pero que pasará la prueba de los años, con encuentros que cada año realizan ambos, como una secreta promesa de amor.

A manera de Sinopsis se lee en el programa de mano:

-“GEORGE ES EL AMANTE DE DORIS, ELLA AMA DE CASA Y ÉL CONTADOR. LOS DOS ENREDADOS EN UNA AVENTURA EXTRAMARITAL BASADA EN LA PROMESA DE VERSE UNA VEZ AL AÑO. SUS ENCUENTROS, A LO LARGO DE 24 AÑOS, EXPLORAN DE MANERAS DISTINTAS EL CONCEPTO DEL POLIAMOR Y SUS CONFLICTOS.”-

La obra transcurrió en un solo acto escénico, en donde se podía observar un cuadro escénico que simula el cuarto de un hotel, con mobiliario a la usanza de la década de los 50’s del siglo XX.

Por supuesto que el vestuario, maquillaje y la apariencia de los dos actores, se asemejaba a la época que la obra mantiene como referente, es decir, a partir de los años 50’s momentos que se simulan que van transcurriendo poco a poco en el escenario, recreando dos décadas y media, con diferentes looks.

 

En la dirección escénica se encuentra el mismo actor José Razo, quien por cierto, comparte créditos en escena con el actor Oz de la Ro, en el rol protagónico de George. Todo ello bajo la producción de Televiteatro y, la Compañía “Mucha Mierda”.

 

LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Bajo la adaptación del texto a cargo de Doris Dörrie y la dirección escénica de Martha Torres Valdés la dramaturgia de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO trata de Helena (caracterizada por la actriz Claudia Yolanda) una joven alumna de la carrera de actuación, y su inseparable amiga Amparo, Con Izchel Palafox y/o Mario Rendón) quienes deciden poner una obra de teatro infantil, contando únicamente con una vieja maleta roja heredada por la abuela Helena, y que para sorpresa de ellas está llena de cosas maravillosas que son propias de una reconocida actriz de su época, entre tantas cosas se topan con el cuento que creen, es el idóneo para su representación, asombradas por su descubrimiento, serán sorprendidas por “LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO”.

En la obra original LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO se presenta a una vieja mujer peluda con dos grandes colmillos que fuma puro y usa botas puntiagudas y, con sus largas uñas, goza de rasguñar a la gente. Tenía cinco hijos a los cuales siempre castigaba sin importar si se portaban bien o mal. También maltrataba a toda la gente y animales del pueblo, hasta un día en que todos decidieron huir, la dejaron sola. Una paloma que quedó atrapada en una jaula fue su única compañía, sin embargo le daba de comer migajas con picante y agua con vinagre, además de arrancarle algunas plumas y lastimarle sus patitas…..

Con la presentación por parte de LabTeatro Niñ@s LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO se presentan algunos arreglos dentro de la dramaturgia, con la variante por ejemplo de que las victimas son las dos jóvenes estudiantes con un baúl, y por lo tanto, la historia cambia de giro tanto en la narrativa, como en el desenlace.

La trama  presenta a personajes totalmente maniqueístas, como comúnmente se estila en los cuentos, es decir, a personajes extremadamente buenos y malos. Empero a ello, el texto rompe con los esquemas tradicionalmente establecidos ya que muestra tanto el lado bueno como malo que comúnmente todos tenemos.

La trama tiene por consigna el demostrar lo relevante que es la lectura para toda la gente y, en especial para los pequeñitos, a los cuales tratan de persuadir al mundo de la lectura con éste tipo de obras divertidísimas que pueden servir de parte-aguas para iniciar a los infantes, en el apasionante mundo de los libros y del teatro.

Finalmente le comentaré qué la admiración por Francisco Hinojosa su escritor, fue entre otras cosas lo que motivó a la Compañía a hacer posible la puesta en escena de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO, sin embargo ésta dramaturgia pese ha respetar la parte medular de la obra de Francisco Hinojosa, termina siendo un poco diferente, pero igualmente muy agradable.

Anteriormente ya había sido presentada en uno de los teatros del ya a desaparecido Foro Shakespeare y en La Teatrería, bajo la adaptación de Döris Dorrie. El cuento infantil LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO es del escritor y editor mexicano nacido en el entonces Distrito Federal en 1954,  Francisco Hinojosa. Sus obras más representativas son “A golpe de calcetín”, “Informe Negro”, Poesía eras tú” y por supuesto LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO.

 

En función matutina de las 12:30 horas, la obra teatral LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO regresó al escenario en la Ciudad de México, nos referimos al Foro de los teatros de la Capilla“ , en el foro Salvador Novo bajo la Producción ejecutiva de Enrique Aguilar, en Madrid 13 colonia Coyoacán.

ATRACCIÓN FATAL.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Desgraciadamente el día de ayer concluyó la obra teatral ATRACCIÓN FATAL del afamado escritor estadounidense James Dearden en el Foro Teatral “López Tarso” producida por Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo. El evento se llevó acabo  con la revelación debido al fin de la temporada.

Y qué mejor galardón no podría tener ésta puesta en escena, sino es el contar con la presencia del mismísimo autor, el Señor James Dearden, quien fue invitado por la productora y, quien por cierto comentó que “era la mejor puesta en escena de su obra” que él mismo había podido presenciar.

Pues así fue como en presencia de la numerosa prensa como de abundantes espectadores, que la función se llevó a cabo en el Foro Teatral López Tarso qué el Señor Jorge Ortiz de Pinedo mucho tiempo atrás, rescatara y remodelara para hacer posible la presentación de diversos eventos culturales.

Desgraciadamente hubo que desalojar el recinto del Centro Cultural López Tarso, nombre que por cierto le diese el Señor Jorge Ortiz de Pinedo. Ello a manera de reconocimiento de la magnífica labor de nuestro primer actor, el Señor Ignacio López Tarso.

ATRACCIÓN FATAL desde su inicio había tenido gran audiencia, llenando frecuentemente el foro por la calidad tanto de la obra, como de la actuación de Itatí Cantoral, quien junto con Juan Diego Covarrubias y Fabiola Guajardo, también actores protagónicos, desempeñaron un magnifico papel estelar.

¡Y qué decir de la dirección de Antonio Castro!  La magnífica y costosa escenografía en donde se incluían diez diferentes cuadros, entre los que aparecían dos casas habitaciones, un bar, un cuarto, la calle, una oficina, un estacionamiento, un jardín, el hospital y la delegación.

Así fue como entre numerosos montajes escenográficos, la elegante vestimenta del personaje de Itatí Cantoral y su co-protagónico, una adecuada iluminación y, por supuesto un texto muy interesante, que se despidió con cierta tristeza todo el equipo creativo, mencionando al final que se irían de gira por algunos Estados de la República Mexicana.     

ATRACCIÓN FATAL Inicialmente fue escrita para ser llevada en formato cinematográfico, lo cual sucedió en 1994, dirigida por Adrian Lyne. Tal fue el éxito obtenido, que se convertiría en un clásico de la última década del siglo pasado, llevándose a diversos escenarios teatrales y, atravesando fronteras.

La obra ATRACCIÓN FATAL es una comedia que pertenece al género policial, en cuanto a la temática que aborda; y psicológica en cuanto al matiz que cobra cada uno de los personajes.  Pasión obsesión y venganza son los ingredientes medulares de la trama en donde un joven felizmente casado, al encontrarse unos días sólo, decide asistir con su mejor amigo recién divorciado, a un bar de la ciudad que habita. Ahí es en donde conoce casualmente a una hermosa, sexi y elegante mujer, con la cual, tras de una conversación casual, deciden cenar y tomar algunas copas. Él por caballerosidad acompaña a la mujer a su departamento y de ese modo, se da la oportunidad de tener relaciones sexuales. Encuentro que el joven considera que serían por sólo ese fin de semana. La relación llevará al hombre a padecer consecuencias realmente inesperadas.

 

En miras a que aún pueda resolverse el desalojo del foro teatral, esperamos que vuelvan para que Usted y mucha gente más puedan disfrutar del maravilloso mundo del teatro en la sala López Tarso del Centro Cultural San Ángel, en el sur de la Ciudad de México.

 

FUIMOS HÉROES.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Escrita por Alfonso Cárcamo, FUIMOS HÉROES es una deliciosa puesta en escena, tanto por su contenido textual, como por su sutil presentación de humorismo negro, que le infiere el autor a ésta comedia totalmente ad-hoc a la época actual, dirigida por Antonio Castro.

De este modo, sus compañías productoras  (CC Helénico, Cacumen teatro, La secretaría de Cultura y Asur) convergen en los comentarios sobre la puesta en escena en cuanto a su contenido temático:

-“Fuimos héroes de Alfonso Cárcamo es una comedia moderna, plantea la idea de una masculinidad actual, donde se ha roto el antiguo paradigma del machismo; es un manifiesto hilarante de costumbres no asumidas, ni instaladas en el inconsciente colectivo masculino; una explicación rebosante de ironía acerca de la tragedia que viven los hombres heterosexuales al no atinarle a las conductas con perspectiva de género que las mujeres esperan de ellos.”-

La obra de Camargo tiene un formato costumbrista totalmente citadino, en cuanto a la idiosincrasia que hoy en día practica gran parte de la población entre madura y joven en nuestra capital practican, en donde los valores se han ido transformado de manera radical en comparación con la sociedad ortodoxa, conservadora del resto del país y que imperó casi todo el siglo XX.

De ese modo se aborda el tema de la homosexualidad, la libertad sexual entre parejas heterosexuales entre las cuales ya no causa mella la infidelidad y la ruptura con el machismo. Así las conductas del buen vivir, propuestas por la sociedad machista del siglo pasado se dan por anuladas en el análisis conceptual de los personajes

Escrita para ser actuada por solo tres actores, Leonardo Ortigris, Tizoc Arroyo y Mauricio Isaac, caracterizan los personajes de tres grandes amigos quienes en la ficción son Emilio, Vicente y Pedro. Los tres, tras del advenimiento de una posible boda de uno de ellos, se reúnen a-priori, conversando de los Pro y contras de las ataduras de la unión conyugal, en donde las cualidades y los defectos salen totalmente a flote, sin ningún tapujo.

Como sinopsis de la obra teatral de FUIMOS HÉROES se puede leer en el programa de mano de manera textual:

-“Faltan cuatro horas para que Emilio se case, pero no está seguro de querer hacerlo. Pedro y Vicente, sus mejores amigos creen que Emilio es el hombre más hombre del mundo, ellos hacen lo que pueden para convencerlo; a lo largo de la obra revisan su historia de amistad, desnudando las razones que tuvieron en su momento para tomar las decisiones más importantes de su vida. Entonces descubren que ya no está en sus manos elegir. Que ellas, todas las mujeres, aprovechando que los hombres se durmieron en sus laureles, dominan el mundo y poco o nada queda de aquellos héroes inconmovibles que hicieron la historia.”-

Todo ello a manera de sinopsis sucede en un escenario movible, en donde los mismos actores sirven de tramoyistas moviendo los artefactos y muros que componen la escenografía, dando con ello la apariencia de dos distintos departamentos y un hotel, en donde en base a retrospecciones temporales en la historia, se graficas escenas del pasado, vividas por los tres amigos en momentos trascendentales en sus vidas. Diseño escenográfico de iluminación y de vestuario muy creativo, a cargo de Ingrid Sac.

 

FUIMOS HÉROES se presenta en el foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico de viernes a domingos.

 

HOMENAJE A MICHAEL JACKSON.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

“FOREVER the best show about the King of Pop” Traducido al español como “Por Siempre el mejor Show del Rey del Pop” es el próximo evento que se llevará a cabo en el Centro Cultural Telmex 1. Como pudimos ver en la rueda de prensa, es una importante y prometedora puesta en escena, en la que se incluirán imágenes audiovisual en formato de mega-video. También aparecerán grandes actores, bailarines de hip.-hop y cantantes con voces espectaculares, que harán del evento un reto inolvidable.

El equipo creativo tras de gran experiencia escénica planean traer a nuestro país la puesta en escena FOREVER The Best Show About the King of the Pop el próximo día 10 de marzo a través de las compañías productoras SUMMUN, TYCOON GOU y FIESTA AMERICANA.

El evento ya había sido presentado en territorio europeo. En España cerró temporada con grandes comentarios por medio de la prensa y la ovación del público que la presenció. Tal éxito y calidad del evento hizo qué La Toya Jackson, hermana como es bien sabido del fallido cantante, bailarín autor y  productor Michael Jackson, avalara el evento junto con sus familiares Joseph y Jermaine Jackson.

Al respecto La Toya Comentó: “No solo es un gran espectáculo, sino que está el corazón de mi hermano sobre el escenario. Me gustaría ver éste show en Broadway”. Por su parte, Joseph Jackson opinó: “Es demasiado bueno para ser real. Me pareció ver a Michael ahí; finalmente Jermaine Jackson concluyó: “El show es excelente, todo el mundo hace un trabajo extraordinario”.

El evento es por supuesto, recordando al inigualable Michael Jackson, ícono musical quien no solamente introdujo un nuevo ritmo dentro la música POP, sino que además, fue un innovador de la moda con su estilo antes inusual y¿ qué decir de su manera sofisticada y altamente rítmica de bailar?

Recordemos que Michael Joseph Jackson nació un día 29 de agosto en 1958 en la provincia de Gary, Indiana, en la Unión Americana. Desde pequeño mostró grandes dotes como cantante al pertenecer al grupo musical “The Jackson Five”. Grupo al que integró con sus hermanos barones mayores. Con el tiempo se convertiría en solista y cantautor , llegando a colocarse en un lugar privilegiado en el gusto del público internacional.

Algunos rumores en los cuales se vio envuelto le forzaron a dejar por un tiempo el escenario, al cual tenía planeado volver con nuevas producciones tanto discográficas como coreográficas, las cuales no pudieron concretarse, debido a la repentina muerte de Michael Jackson acontecida el 25 de junio de 2009. Sólo poco antes de cumplir sus 51 años de edad, en los Ángeles California.

 

Sin embargo, con esta puesta en escena de gran calidad que se ofrecerá a manera de homenaje a través de la presentación de FOREVER The Best Show About The King of Pop” se hace patente al público qué Michael Jackson, está y seguirá vivo en el corazón de sus múltiples fans, gracias a su magnífico legado que le ha trascendido a través del tiempo.

FOREVER se presentará en el Centro Cultural Telmex 1 (CCT1) el próximo
10 de marzo 2019 a las 20:00 horas.

 

Regresa al escenario la obra EL BESO DE LA MUJER ARAÑA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

De todos es bien sabido el éxito que genera hacer la puesta en escena del gran musical EL BESO DE LA MUJER ARAÑA el cual se ha convertido en un clásico del teatro. Y no fue la excepción en el caso de la pasada Primera Temporada a  cargo de Juan Torres.

Desgraciadamente, tras de haberse firmado un contrato con tiempo limitado en cuanto a sus representaciones, en el momento en que se había consolidado más el grupo creativo, colocándose además ésta obra teatral en el gusto de la audiencia con gran éxito, llenando el foro del teatro Hidalgo, se tuvo que cerrar la temporada de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA. Empero a ello, regresan en ésta ocasión cubriendo temporada en los meses de febrero y marzo.

Ésta revista musical como Usted sabe, es del dramaturgo Terrence Mcnallay, escritor nacido en la provincia de General Villegas, Argentina, en el año de 1932, quien falleció en 1990.

Escribió su obra en base al texto de Manuel Puig quien ya había recolectado grandes éxitos con sus obras “Boquitas pintadas”, “El lugar sin límites”, “La última cena” y EL BESO DE LA MUJER ARAÑA.

Fue llevada al medio cinematográfico por su calidad artística, además de haber sido representada en foros teatrales en Buenos Aires, en Broadway, entre otras ciudades más, como es la Ciudad de México, en donde ya había sido interpretada en el rol protagónico por las actrices Chita Rivera, Vanessa Williams, María Conchita Alonso, Valeria Lynch y Christian Bach.

En la segunda reciente temporada de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA, la actriz protagónica Chantal Andere, quien canta, baila y actúa espléndidamente, portando un vestuario sumamente suntuoso el cual da colorido y refinamiento a la puesta en escena, como ya nos lo hizo ver en la primera temporada, continuará siendo Aurora, la enigmática y hermosa mujer del rol estelar.

Ella ya nos había sorprendido cantando con un gran colorido de voz, los números musicales que ambientan a ésta puesta en escena. Así continuará interpretando las letras de Fred Ebb bajo la musicalización de John Kander, bajo la adaptación del libreto a cargo de McNally quien realiza una magnifica adaptación del texto original, añadiéndole un toque de creatividad.

Bajo la dirección de Miguel Septién Chantal Andere se presenta en escena con el actor Luis Gatica, Olivia Bucio, Rogelio Suárez, Jorge Gallegos, Crisanta Gómez, Jimena Parés, Jair Campos, Eduardo Partida, Fer Soberanes y Josué Ahued; acompañados de Andrea Biestro, Pablo Rodríguez, Claudio González, Gilberto Recoder, Francisco Huacuja, Orville Alvarado, Oliver Kenay, Gerry Pérez, Gerardo García y Julio Montejano.    

Un gran número de actores en escena (23) quienes bailan estupendamente son encabezados por Chantal Andere, en compañía de una orquesta en vivo, integrada por diez músicos bajo la batuta del maestro Eduardo Soto.

 

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA se presentará tan sólo por ocho semanas, en los meses de febrero y marzo en el Teatro Hidalgo.

 

CATS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Obra teatral basada en “Old Possum’ s Book Of Pacifical Cats” (El libro de pócimas de los gatos tranquilos) del escritor Thomas Stearns  (TS) Eliot, quien naciera en Missouri en el año de 1888. Moriría en la ciudad de Londres, Inglaterra (en donde se nacionalizó) en el año de 1965 contando ya con una gran fama internacional, tras de haber obtenido dos Premios Tony, además de haber sido distinguido con el importante Premio Nobel de Literatura.  

Actualmente, en México se presenta la revista musical de CATS cuyo texto fue traducido y adaptado por el dramaturgo Marco Villafán. El director general y productor de CATS  es el Señor Gerardo Quiroz, quien la presenta hoy en día en uno de los teatros más bonitos y modernos de la Ciudad de México, es decir en el Teatro Centenario Coyoacán, en el sur de la capital.

CATS en ésta ocasión cuenta nada menos que con la presencia de la gran cantante Yuri, quien ha sido reconocida internacionalmente y galardonada con certificaciones de Oro y Platino, además de con el Premio Latin Grammy 2018 y la Gaviota de Plata en Viña del Mar, por su importante labor artística.

Su personaje caracteriza a una gatita vieja quien según el libreto fuese en sus tiempos de juventud una sexi belleza, convirtiéndose más tarde en una vieja gatita prostituta. Yuri con ayuda del maquillaje, el vestuario y por supuesto, con modulaciones del rostro y del cuerpo encorvándolo, al igual que al ejecutar pasos lerdos, logra inferirle a su personaje la apariencia longeva, que se precisa para el personaje.

Aún cuando su presencia en el escenario es un poco breve, el público sale muy contento ovacionando su trabajo con un caluroso aplauso, al igual por supuesto, que a todo el reparto estelar integrado por jóvenes pero muy talentosos valores, quienes a demás de actuar, bailan y cantan maravillosamente  ejecutan algunos actos malabares en el escenario.

La trama es un collage de breves historias gatunas, que van desde el relato de un gato que habitara en un tres Express , como un jefe maduro pero inolvidable gato, así como un gran gato cantante quien, en sus mejores tiempos se ubicara como un artista de gran cartel, o bien, el gato asesino,  o la pareja de gatos siameses malabaristas, así como el gato más longevo llamado “Gatusalém”, o el gato líder narcisista.

Historias breves que son presentadas una a una mediante el canto y la actuación de la mayoría de los actores que forman este gran reparto y que hacen ser una dramaturgia peculiar, en el sentido en que no es una sola historia, con algunos o muchos personajes y un final común, como suelen ser la mayor parte de las obras teatrales.

 

Con bellos y laboriosos maquillajes, un vestuario llamativo pero elegante, de felinos de diverso índole que ilustran el mundo gatuno reflejado entre juegos de luces, cantos, bailes y malabares, lo que hace que la esta función de CATS, sea de un gran regocijo visual. ¡Usted no debería perdérsela!!!!

 

CAST & CREW FILM SCHOOL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El 25 de febrero se dio apertura a un medio creativo para incentivar el arte escénico. Me refiero al evento de apertura que tuvo lugar en el inmueble que permitirá el profesionalismo encaminado a potencializar el arte escénico en sus diversas manifestaciones.

Ante esta necesidad los Señores Carlos Dellapegna, Santiago Michel, David Ocaña y Gad Romero inauguraron el instituto CAST & CREW FILM SCHOOL cortando para tal efecto el cordón la actriz Angélica Aragón y el actor Víctor Hugo Martín.

Por ello se reunió a algunos medios periodísticos, televisivos y de radio, ofreciéndose un brindis por la ovacionar la apertura.

El objetivo de dicha industria es el potencializar la creatividad y el desarrollo constante, por lo cual se impartirán curso especializados como son el de Conducción para medios audiovisuales, Cursos de actuación, Cursos de PhotoShop, Adobe Premier y After Effects, Grabación, Lenguaje cinematográfico, Corrientes cinematográficas, Cursos de Corrección del Color, Canto, Ritmos musicales, Uso de instrumentos, Ballet, Yoga y Acondicionamiento físico entre otros.

El inmueble, situado en la calle de Extremadura 53, en la colonia Insurgentes Mixcoac, en la Ciudad de México, fue creado pensando en una educación personalizada, por lo cual los cupos serán muy reducidos y, los estudiantes podrán tener mayor apoyo del profesorado, en las diversas aulas que permitirán la especialización de cada disciplina, sin estar sujetos a un horario concreto, sino en el momento en que lo requieran.

 

EL DONADOR DE ALMAS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Un delicioso texto constituye la dramaturgia EL DONADOR DE ALMAS basado en la novela del escritor y gran poeta, Amado Nervo. Texto difícil de escenificar por su contenido altamente filosófico. Empero a ello, finalmente se concretó el proyecto, estrenándose el día de ayer martes 29 de enero en el Teatro “La Capilla” con foro totalmente lleno.

La obra transcurrió en un escenario lleno de foquitos de colores qué en un momento específico, logró el ambiente un tanto mágico-científico que de manera metafórica, envuelve a la historia de amor, entre dos seres que se aman desde el alma. Y aún cuando suena trillada la frase, en este texto No lo es, e incluso es textual. Recordemos que el mudo del teatro, “Hasta lo imposible es posible”.

EL DONADOR DE ALMAS no es una obra de consigna, ni una novela romántica. Es algo más, es una historia en donde dos almas habitan un solo cuerpo, con la ayuda de la ciencia y el mundo etéreo al cual, un científico puede tener la opción de accede; aspecto el cual la ubica a la novela dentro del género de la ficción.

Tanto el amor, como el problema de la soledad y el desentendimiento entre las parejas, son temas a tratar; recordemos qué son los ingredientes que siempre están vigentes en toda época y espacio en que se ha ubicado la humanidad y por supuesto, le dan colorido a la ficción.

La obra EL DONADOR DE ALMAS esta escrita bajo un parámetro tanto filosófico, como psicológico y, existencial; además del dejo de poesía que le añade, para lo cual Amado Nervo era evidentemente muy diestro.

Tal vez le interesa a Usted recordar qué el poeta, ensayista y narrador mexicano Amado Nervo (nacido en Tepic Nayarit en 1870, moriría en Montevideo, Uruguay en el año 1919) escribió su novela titulada EL DONADOR DE ALMAS en el año de 1899. Ésta obra fue editada por “Tipografía de El Mundo” la cual se componía de 6 capítulos, tras de ya ser un destacado poeta.

En el paso del tiempo, su novela ha cautivado e inspirado a varios de sus lectores, siendo uno de ellos el dramaturgo Adrián Chávez, quien seducido por el texto escribió su propia obra teatral en base a dicho texto.

Bajo este parámetro fue que tanto Chávez como “La Productora Serebroz” decidieran arrancar con EL DONADOR DE ALMAS presentándola además, a manera de conmemoración por los 100 del deceso del poeta Amado Nervo.

El reparto estelar esta a cargo de Miguel Conde, en el papel del Doctor Rafael Antiga; Conchi León como Doña Corpus; Olivia Lagunas estelarizando a Alda y alternando funciones con Natalia Sosa y, Santiago Stephens en el rol de Andrés Esteves.

A manera de resumen de la obra teatral EL DONADOR DE ALMAS “La Compañía Serebroz” ofreció semanas atrás el siguiente párrafo por escrito a la prensa: -“SINOPSIS: Rafael Antiga es un médico sobresaliente y solitario, sin más afecto que el de Doña Corpus, su ama de llaves. Un día Andrés Esteves, poeta protegido del Doctor Antiga, lo visita para hacerle un regalo muy particular: el alma de una muchacha encerrada en un convento, la cual se hace llamar Alda. Al hacer uso de ella, Rafael se da cuenta que responde a su voluntad y la utiliza para aumentar sus talentos en el diagnóstico médico, lo cual lo hace convertirse en un prodigioso doctor de alta talla internacional. Pero eso no es todo, no solo tiene una relación “profesional”,  sino que empiezan a relacionarse más allá de su mística conexión y desarrollan un deseo, el cual no puede materializarse.”-

 

Obra interesante y divertida que es mezcla de ficción, género fantástico y novela psicológica. Se presenta bajo la dirección escénica a cargo de Ro Banda, uno de los creativos de “La Compañía Serebroz” quien junto con Sergio Zermann, la tienen programada para cubrir temporada tan sólo hasta el día 2 de abril 2019.

 

JARRY Y LA MÁQUINA DEL TIEMPO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Dramaturgia que tratara de la historia ficticia del grandioso científico Alfred Jerry creador de su propia disciplina llamada “Patafísica” concebida como la ciencia de lo excepcional. Le denomina Patafísica debido a ser concebida mediante el pedaleo de su especial bicicleta.

Por otro lado JERRY Y SU MÁQUINA DEL TIEMPO presenta a un hombre hilarante y mal poeta; el dramaturgo y divertido Alfred Jerry aparece desde el inicio de su infancia, intentando provocar el encuentro en entre sus abuelos, para poder ser concebido y con ello comenzar su historia.

Gran amante de la poesía que inicialmente fuera inspirada ante el amor eterno que le profesa a José, su compañera de escuela, luego amiga, luego novia, luego….etcétera, JERRY Y SU MÁQUINA DEL TIEMPO son presentados en diferentes fases tanto de la inventiva de la construcción del artefacto, hasta los diversos periodos de  su procreación, de su infancia adolescencia, juventud, madurez y vejez de Jerry.

Así va viajando en el tiempo de manera No lineal, pues la trama es presentada mediante retrospecciones y prospecciones temporales que le hacen vivir su historia, con diferentes finales, los cuales intentará enmendar o mejorar, para con ello tener un mejor futuro.

Jerry, incansable soñador, busca constantemente piezas para crear su aparato que le permita viajar en el tiempo, lo cual logrará con su peculiar vehículo, la bicicleta vieja de su abuelo que repara, incorporándole piezas secretas que le harán viajar por el tiempo, de manera exhaustiva.

Su dramaturgo Hugo Alfredo Hinojosa imaginó con su texto la manera de resolver los problemas que por error a casi todos nos traen nefastas consecuencias. Y así soñando es como se vive en el teatro haciendo agradables muchos momentos en nuestras vidas.

Con el reparto estelar de Aarón Zamora, Ana “Mandarina”, Lorena montemayor, Noel Díaz, Pablo Iván Viveros y Stéfanie Izquierdo, Jerry y la máquina del Tiempo, la obra teatral escrita a manera de farsa, divirtió al público familiar presentándose en la Explanada del Centro Cultural de la UNAM, como siempre, de manera gratuita.

 

Bajo la dirección escénica de Emiliano Cárdenas, la obra divertida teatral JERRY Y SU MÁQUINA DEL TIEMPO ya había sido presentada en el mismo espacio cultural el pasado 14 de abril hasta el mes de julio, tras lo cual continuó sus representaciones tras las vacaciones de verano, reanudando funciones en los meses de agosto-noviembre del 2018 y, en este reciente año 2019 cerró su ciclo de temporadas el pasado domingo 20 de enero, tras larga temporada, finalmente cerró temporada exactamente el domingo pasado, las cuales fueron puestas en escena a cargo del Carro de Comedias, con la cual periódicamente presenta la Difusora y Productora Compañía de la UNAM diversas comedias.

 

PIXAR EN CONCIERTO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Tras de no haberse presentado en nuestro país durante cuatro años, finalmente regresa PIXAR EN CONCIERTO con música interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la batuta del gran maestro Rodrigo Cadet.

El evento es de gran magnitud. Trata de llevar al público los éxitos de las películas que han consagrado al Mundo de Disney*Pixar como la reciente canción de Coco, Ratatouille, Up: una aventura de altura, Monsters Incs, Monsters University, Toy Story I y II, Bichos: una historia en miniatura, Valinte, Los Increíbles, Wall E, o Intensa Mente.

Estos bellos musicales serán interpretados por La Orquesta Sinfónica Nacional con arreglos a manera de sonetos y suits de las melodías galardonadas de grandes compositores como son Randy Newman, Michael Giacchino, y Thomas Newman.

Dichos éxitos musicales se acompañarán a la vez con algunos cortometrajes que muestran las escenas más emblemáticas de dichas películas, las cuales han dado vuelta al mundo, convirtiéndose en los grandes clásicos infantiles del mundo de Disney.

ORT México I.A.P. (Fundación Sin Fines de Lucro) a lo largo de cinco décadas se ha convertido en una empresa cuyo lema es “Educar Para la Vida”, apoyando a algunos sectores vulnerables del país en las zonas marginales, con miras de educar, fortalecer y profesionalizar a sus pobladores.

 

Es así como ORT MÉXICO IAP, con miras de ofrecer un evento de gran calidad que guste tanto a niños como a adultos presentará el Concierto PIXAR EN CONCIERTO el sábado 13 del mes de abril, en el Auditorio Nacional.

 

KATSUMI Y EL DRAGÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La esperanza es la guía en éste viaje”. Ésta frase es la consigna de la obra KATSUMI Y EL DRAGÓN cuyo trasfondo es totalmente filosófico japonés. En el texto se muestran valores de dicha cultura en donde el Samurai, con su fuerza fortaleza dignidad y ética, nos transporta al mudo mágico milenario del Japón.

“Incubadoras de grupos teatrales” es el equipo creativo encargada de ésta peculiar puesta en escena, la cual, no cuenta con diálogos hablados. Es una especie de teatro mudo en donde el simbolismo retoma un gran peso escénico.

Obra qué con movimientos tanto corporales como con visajes, nos habla de una leyenda nipona bajo la idea original de Dafne Itzammá Fuentes y Nydia Parra, quienes nos introducen al mundo mágico orienta, tan seductor para nuestra sociedad, tanto por su sabiduría milenaria, como por su forma de vida legendaria.

-“Katsumi emprende un viaje con su amigo dragón para recuperar el sable que mantiene el equilibrio en su mundo. A través de su viaje se enfrentará a diferentes pruebas y obstáculos que la ayudarán a reforzar los valores adquiridos durante los entrenamientos cos su abuelo samurai. Al final, Katsumi descubrirá si se convertirá o no en una gran guerrera samurai.”-

Dafne Itzammá

KATSUMI Y EL DRAGÓN tiene la peculiaridad de tener como imagen protagónica a una mujer samurai, extraño si recordamos que la imagen de la mujer sumisa en su hogar, no fue sólo un sometimiento occidental hasta mediados del siglo pasado, sin embargo, es un plus con la actualización del texto, con respecto a la imagen y empoderamiento de la mujer.

La pintura escénica nos acerca el mundo mítico oriental, diseño que esta a cargo de Frida Tovar y la misma Dafne Itzammá Fuentes; al igual sucede con el vestuario y maquillaje de Shanat Cortés, el diseño sonoro y musicalización de Nydia Parra y, por supuesto, a la coreografía de Mari Sano, las cuales son totalmente oriundas.

Todo ello hace que nos acerquen a la manera peculiar de la usanza secular del mundo oriental, en donde también se da cabida a la maldad, caracterizada en escena por un pájaro negro, quien intentará obstaculizar el camino de KATSUMI Y SU DRAGÓN.

La puesta en escena cuenta con la introducción de títeres, los cuales son personajes secundarios en su mayoría, con excepción del dragón, quien acompaña a Katsumi en su odisea, cubriendo un papel también protagónico junto con ella.

Bajo la dirección escénica de Andrea Salgado actúan los creativos de “Incubadoras de Grupos Teatrales, Dafné Itzamma Fuentes como Katsumi, Nydia Parra caracterizando al dragón, como un Ninja Mario Esteban Martínez Delgado y Jorge Pablo Saldaña Santamaría, siendo es Sensei y quien manipula el títere del zorro, los peces koi y la grúa, además de actuar en el rol de Sensei.

 

La obra se presenta para toda la familia en el teatro Sor Juana Inés de la Cruz, en horario matutino, bajo la producción y difusión UNAM.

 

LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

“The Rape of Lucrece” es el título original en inglés del poema del afamado escritor Williams Shakespeare, quien lo escribió en 1594 estando en su época de juventud. La violación también fue un tema que trató en parte, en su obra de Macbeht y en Obellino.

Williams Shakespeare escritor considerado como uno de los pilares  de la literatura Universal (1564-1616) tomó el personaje de Lucrecia, inspirándose en el personaje histórico de una de las reinas de la Antigua Roma.

Lucrecia ha sido un personaje retomado por muchos escritores, y no, tan solo por Shakespeare. Esto por lo conmovedor de la trama, aún cuando ficcionalizara tanto las circunstancias, como el referente de la obra y por supuesto, a los involucrados.

LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA fue reestructurado por el inminente escritor inglés, bajo un lenguaje versificado qué la autora de la reciente puesta en escena, la actriz y creativa escénica  Mónica Maffía también le infirió.

Ella utilizó como recurso un monólogo bajo el rublo de la poesía y, aún cuando sus vestimentas no se muestren acorde con la época secular de su autor, como comúnmente suelen hacer en los montajes shakesperianos, la trama esta puesta bajo el toque secular shakesperiano tanto en la manera de expresarse, y en cuanto a la ideología imperante de la valía de una mujer por su virginidad.

Le contaremos qué ésta representación fue auspiciada por el Instituto Interdisciplinario de Estudios de Género (U.B.A.) y el Instituto de Formación Política y Cultural Hannah Arent para ser representada en México.

A manera de anclaje, la versión lírica de Mónica Maffía en la puesta en escena fue mediante “la lectura” como anclaje en la estructura originaria de la obra”, como hizo saber y se observó en el escenario, en algunos de los tiempos de la trama en donde ella aparece sentada en un sofá simulando la época actual, leyendo algunos párrafos de la obra.

Mediante el recurso del monólogo logró escenificar el drama aún con la complejidad que éste implicaba, simulando los otros personajes masculinos, mediante la modulación de la voz y movimientos corporales.

El drama a manera de Sinopsis trata de los pormenores que llevaron a la casta Lucrecia a ser violada por su victimario, cuyo nombre era Colatio. Éste tras de esconderse tras de las cenizas de un mal fuego, surgió ciñéndole por la fuerza la cintura a mujer, a la cual forzara tras de amenazarla qué de no permitirlo, ensuciaría su nombre con difamaciones. en la cual inculparía a la doncella casada tachándola de lisonjera.

La puesta en escena tuvo como apoyo la música original de Ricardo Vergani, bajo la voz solista de Natalia Simoncini y la asistencia en la dirección de Elizabet Casado. Así fue como Mónica Maffia logró una magnífica interpretación de LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA, conmoviendo a los espectador, quienes le aplaudimos reconociendo su labor actoral.

 

La puesta en escena fue de una sola función, la cual se llevó a cabo el pasado lunes 21 de enero en el Teatro “La Capilla” de la Ciudad de México, contando con el apoyo del Instituto Nacional de Teatro (INT)

EL DONADOR DE ALMAS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El poeta, ensayista y narrador mexicano Amado Nervo, nacido en Tepic Nayarit en 1870, moriría en Montevideo, Uruguay en el año 1919. Escribiría su novela titulada EL DONADOR DE ALMAS en el año de 1899. Ésta obra fue editada por “Tipografía de El Mundo” la cual se componía de 6 capítulos, tras de ya ser un destacado poeta.

La obra EL DONADOR DE ALMAS la escribió bajo un parámetro tanto filosófico, como psicológico y existencial, además del dejo de poesía que le añade, para lo cual Amado Nervo era evidentemente muy diestro.

En el paso del tiempo, su novela ha cautivado e inspirado a varios de sus lectores, siendo uno de ellos el dramaturgo Adrián Chávez, quien seducido por el texto escribió su propia obra teatral en base a dicho texto.

De dicho modo tanto Chávez como “La Productora Serebroz” decidieron arrancar con EL DONADOR DE ALMAS presentándola además a manera de conmemoración por los 100 del deceso del poeta Amado Nervo, motivo por el cual convocaron a la prensa para dar a conocer el arranque de la temporada en días martes, a partir del próximo 29 de enero en el foro de La Capilla en Coyoacán.

En ella actuaran Miguel Conde, en el papel del Doctor Rafael Antiga; Conchi León como Doña Corpus; Olivia Lagunas estelarizando a Alda y alternando funciones con Natalia Sosa y, Santiago Stephens en el rol de Andrés Esteves.

A manera de resumen de la obra teatral EL DONADOR DE ALMAS “La Compañía Serebroz” ofreció el siguiente párrafo por escrito a la prensa, en calidad de boletín para informar sobre la misma:

-“SINOPSIS: Rafael Antiga es un médico sobresaliente y solitario, sin más afecto que el de Doña Corpus, su ama de llaves. Un día Andrés Esteves, poeta protegido del Doctor Antiga, lo visita para hacerle un regalo muy particular: el alma de una muchacha encerrada en un convento, la cual se hace llamar Alda. Al hacer uso de ella, Rafael se da cuenta que responde a su voluntad y la utiliza para aumentar sus talentos en el diagnóstico médico, lo cual lo hace convertirse en un prodigioso doctor de alta talla internacional. Pero eso no es todo, no solo tiene una relación “profesional”,  sino que empiezan a relacionarse más allá de su mística conexión y desarrollan un deseo, el cual no puede materializarse.”-

Un breve fragmento de la obra fue representada inicialmente, lo cual persuadió y atrapó el interés por presenciar dicha puesta en escena, que al parecer, será muy prometedora, puesta que esta adaptada bajo un toque de gran contemporaneidad. Ello tal vez se deba  porque tanto el amor, como el problema de la soledad y el desentendimiento entre las parejas, siempre han sido temas vigentes en toda época y espacio en que se ha ubicado la humanidad.

Por ello, ésta obra que es una mezcla de ficción, género fantástico y novela psicológica, atrapó la atención de la prensa invitada. La dirección escénica estará a cargo de Ro Banda, uno de los creativos de “La Compañía Serebroz” junto con Sergio Zermann, quienes la tienen programada para cubrir temporada tan sólo hasta el día 2 de abril 2019.

 

MENTIRAS, 2019, en el Auditorio Nacional.

Por: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Tras la titánica labor de Morris Gilbert junto con OCESA Teatro, la revista musical de MENTIRAS se ha logrado mantener en cartelera cumpliendo ya nada menos qué10 años consecutivos. De dicho modo cubriendo funciones durantes las cuales fueron incursionando tras el paso del tiempo, 65 jóvenes actores entusiastas quienes han hecho gala de sus grandes dotes de cantantes, interpretando grandes éxitos de los años 80’s.

Suceso que mediante a tantas representaciones escénicas han ido sumado más de un millón de espectadores, quienes han disfrutados de los talentos histriónicos y artísticos de importantes figuras del espectáculo, como son Kika Edgar, Lolita Cortéz, Angélica Vale, Dalílah Polanco, Lorena Garza, Tatiana, Gloria Aura, Marta Fernanda, quienes junto con Lety López, Ana Cecilia Anzaldúa, Majo Pérez, Paola Gómez, María Chacón, Georgina Levín, Alicia Paola, Reyna López, Gaby Albo, Majo Medellín y Mary Francis Reyes.

Le comentaremos qué como se hizo saber en la rueda de prensa efectuado el día de ayer miércoles 23 de enero, todas ellas aparecerán el próximo 6 de febrero en el Auditorio Nacional, actuando y cantando en la representación de la obra de MENTIRAS junto con Lenny de la Rosa, Efraín Berry, Carlos Gatica, Daniel Elbittar, Kike Montaño y Andrés Zuno.

Usted tal vez se preguntará porqué en tan importante recinto cultural, a lo cual le responderemos qué debido a la importancia del evento, el cual a manera de celebrar los 10 años de ser representada la obra de MENTIRAS, la Compañía Productora así como todo el equipo creativo convinieron en hacerlo en tan importante espacio Cultural, como lo es el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. En esa ocasión no habrá ningún padrino o madrina de lujo, pues como comentó el Señor Morris Gilbert con otras palabras, la misma obra será quien le dé brillo al evento.

Todo ello es por cumplir más de 3500 funciones ininterrumpidas, lo cual se traduce en 500 semanas que suman los 10 años. Más de 300 funciones se llevaron acabo en 50 ciudades diferentes de nuestro país. En dichas temporadas se contó temporalmente con un reparto estelar en donde se incluyeron a artistas colombianos, peruanos y panameños.

MENTIRAS tras de tanto éxito en taquilla, también sorprendió con la presentación de 3  discos grabados en versión karaoke, disco de platino y en versión sinfónica, siendo el único musical que lo ha hecho en éste ultimo formato.

Por supuesto que en escena fueron acompañando en las debelaciones un sin número de figuras de gran talla, siendo el ultimo de ellos el cantautor Napoleón. El musical de MENTIRAS en ésta ocasión, esta planeando una única, pero prometedora función en el Auditorio Nacional, el próximo miércoles 6 de febrero del año en curso.

 

Después tienen planeado viajar a los Estados Unidos de Norteamérica, en donde acrecentarán el grandioso numero de representaciones que ya llevan en su haber. ¡Les deseamos muchísima suerte al igual que en nuestro país!!!!!!

 

PIEZA INCONCLUSA PARA SOFÁ Y DOS CUERPOS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

De pronto, tras unas miradas, dos cuerpos se encuentran quedando atrapados en el juego de la pasión y la sexualidad, aparentemente abierta y divertida; tras de avecinarse los celos que aprisionan junto a la rutina compartida, dos cuerpos fundidos se separan eclipsando el amor antes prometido sin palabras. Y ¿qué es el amor? ¿Qué lo provoca y que lo agota condenándolo al desapego brutal? Esa es la consigna que se intenta descifrar sin disimulo.

Esto y más son los ingredientes que sazonan la parte medular de la obra teatral PIEZA INCONCLUSA PARA SOFÁ Y DOS CUERPOS; título por demás ad-hoc a la sustancia y esencia de ésta trama, en donde dos cuerpos vibran a través de un sofá. Sofá que aparece como artefacto escénico o de utilería, durante todo el tiempo escénico de la obra mostrándose como fetiche.

El sofá se podría decir, también sirve como apuntador en los distintos cuadros escénicos en los momento en que los mismos actores acomodan, dándole con movimientos diferentes usos al mueble que a la vez de marcan los momentos de amor y desamor de ésta historia ligada a un sofá, sirve para marcar diversos cuadros escenográficos.

Así el sofá cobija en todo momento a los personajes, haciendo que el espectador se dé claramente cuenta de cuando cada escena comienza o concluye en esta comedia dramática, sirviendo en todo momento como una especie de apuntador, si nos referimos de él de manera totalmente metafórica.

PIEZA INCONCLUSA PARA SOFÁ Y DOS CUERPOS es el libro cuyo autor es Mariano Rochman, el cual fue publicado en el año 2015. Dicha obra ha sido puesta en escena en varias ocasiones, siendo una de ella el año pasado en el Teatro La Capilla. Hoy en día tras las buenas críticas que recibiera la obra por parte de la prensa y, ante todo por la buena aceptación del público, se continúa presentando en un de los foros de “La Teatrería” en la ciudad de México.

Con una excelente dirección del joven maestro Emmanuel Morales, la obra ha logrado atrapar el interés del espectador, quien la ha podido apreciar con cambio de reparto estelar, presentando parejas tanto heterosexuales, como homosexuales, pues finalmente “el juego del amor” sigue siendo el mismo para todos los amantes que sufren y gozan con su pareja, los desasosiegos y aciertos que llevan implícitos la pasión.

Es una dramaturgia que presenta la realidad de las diferentes caras que oculta el amor, de manera actualizada.

 

En ella actúan María del Carmen Félix, Alfredo Gatica y Luz Ramos, alternando en funciones con otro actor más.     

 

VASELINA. 200 Representaciones

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Con un foro lleno, así fue como se llevaron acabo el día de ayer sábado 19 de enero 2019, las 200 temporadas del gran musical  VASELINA. Y digo del gran musical, por su espectacular escenografía, coreografía, música en vivo y prometedores nuevos talentos artísticos, entre otras muchas cosas más, como el atractivo vestuario, maquillaje tramoya etcétera que hacen del montaje todo un deleite.

Como es de todos ya bien sabido, el importante productor Morris Gilbert junto con OCESA Teatro, tras aproximadamente dos décadas se han estado dedicado a producir obras de gran triunfo internacional, hecho que las ha ido colocando en el gusto del público teatral, quien acude para presenciar un montaje realmente espectacular, que no le pide nada a otras puestas en escena en otros países del mundo.

VASELINA es una obra que ha recibido comúnmente gran audiencia, por ser un texto divertido, el cual continúa siendo fresco y vigente pese a los años que lleva de haber sido montado y caracterizado.

VASELINA inicialmente fue escrito para ser presentado en formato de película, sin saber que dicho filme marcaría la época en los años 70’s.  Su título original fue Grease, (VASELINA) un texto original de Jim Jacobs & Warren Casey.

El largometraje se estrenó el día 2 de noviembre de 1978 en la Unión Americana bajo la dirección de Randal Kleiser. Fue una producción de Allan Kerr en donde actuaron dos jóvenes nuevos valores de entonces. El éxito los catapultó dándoles la oportunidad de darse a conocer además en los países de otras latitudes. Ellos fueron Olivia Newton Jhons, quien interpretó a una joven ingenua y candida australiana. Su pareja protagónica fue John Travolta, en el rol protagónico de Danny, el líder de una pandilla juvenil.

El éxito obtenido colocó al musical de VASELINA inmediatamente en los escenarios teatrales. Los foros de México no fueron la excepción, pues ha habido diversas puestas en escena, siendo anteriormente conocidas en nuestro la país las realizadas por la actriz y directora teatral Julissa, a quien se debe aún la traducción y adaptación del texto.

Hoy en día la mejor y, más reconocida producción de la obra teatral de VASELINA es sin duda alguna la del productor Morris Gilbert y la empresa denominada Mejor Teatro OCESA y “Bobo”, quienes junto con el grupo juvenil denominado “Lemongrass” compuesto por 27 integrantes adolescentes, se dieron a la tarea de preparar no una, sino DOS puestas en escena de VASELINA para ser representada los fines de semana.

Se arrancó a finales del mes de octubre del año que acaba de concluir, en el Teatro San Rafael de ésta Ciudad, en donde aún continúan tras de haber ya cumplido exactamente las 207 representaciones. Los padrinos fueron Paulina Goto, Alexander Acha y Caro Miranda.

Y como explicó el Señor Morris Gilbert durante la develación de la placa ¡se dicen fácil llegar a esa cifra, pero dada la situación que impera hoy en día en cuanto a llenar un foro teatral, lograrlo es  verdaderamente toda una odisea!

 

Sin embargo continúan colocándose en el gusto del público y es de Usted la decisión, de que obras tan valiosas continúen durante largo tiempo en cartelera, con el gusto de su presencia Morris y su equipo creativo le esperan. ¡EN HORA BUENA MORRIS!

 

PIAF. Voz y delirio.

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

-“Un musical que recorre la fascinante vida de una mujer que se convirtió en el símbolo de u país. Un viaje al fondo del alma de Edith Piaf, el “pequeño gorrión” que se ganaba la vida cantando en la calles de Paris y terminó convertida en una leyenda universal. Sus canciones más emblemáticas adquieren protagonismo para conocer y recordar una vida marcada por la intensidad, el temperamento y el desgarramiento.”-      (Gou Producción)

Leonardo Padrón, venezolano autor de “Amar a muerte” es decir, el texto de una afamada telenovela que hoy en día se transmite en horario nocturno en uno de los canales nacionales de nuestro país, tras de montar la obra teatral “PIAF. Voz y delirio” (título que le va muy bien por cierto, pues resumen de manera simbólica el carácter delirante de la cantautora francesa) se propuso llevar su obra, más allá de las fronteras de su país, logrando incursionar en escenario new yorkino, así como en España y recientemente se encuentra su equipo creativo en México.  Musical digno de ser presenciado por su contenido Biográfico y sobre todo, por el repertorio de las 18 canciones deliciosamente interpretadas, que fueran autoría de la cantante Edith PIAF.

Para lograr dar el tono, tesitura y colorido de la voz, así como la adecuada dicción de las canciones en francés, la actriz venezolana Mariaca Semprún, quien por cierto se ha convertido en un ícono de la revista musical en Venezuela, se sometió a un estudio con profesores que le hicieron llegar al tono, y sobre todo, a la postura rígida de la PIAF así como por supuesto, a la manera en que movía la interprete francesa sus manos y sus movimientos corporales en su momento.

Edith PIAF nació el 19 de diciembre de1915 en Belleville, Paris en circunstancias muy adversas, en una condición económica bastante precaria. Tras el abandono de sus padres, de niña terminó siendo cuidada en un burdel por mujeres de la vida galante. Desde niña comenzó a cantar en las calles, interpretando algunas canciones populares y el himno nacional francés. Pero la vida le llevó al reconocimiento artístico, convirtiéndola en la mujer más popular de su época incluso en el extranjero.

Amante de todos, como ella misma se auto-reconocía, amó con la misma intensidad con la que interpretaba sus canciones, siendo tal vez las más populares “La vie en rose” y “Je ne regrette rien”.

Todo ello y mucho más su autor Leonardo Patrón nos hace vivir con su obra “PIAF. Voz y delirio”, la cual según hizo saber, tiene la intención de mostrar qué el arte, rebasa todo conflicto y toda frontera.

La obra, tiene la peculiaridad de estar presentada prácticamente en formato de monologo, pese a compartir la actriz Mariaca Semprún el escenario con varios actores venezolanos más, pues el único narrador escénico, es el personaje de Edith PIAF. Todo ello con interesantes y breves diálogos, pues el peso escénico impera en la musicalización, la cual por cierto, es interpretada en vivo con la conducción del Señor Hidelmaro Álvaro, el director escénico también.

Pese a que hubo una pequeña falla en el audio de la actriz protagónica, quien por cierto demostró tener un gran talento al continuar cantando; hecho que le hizo ganar el reconocimiento del público, quien la ovacionó con constantes calurosos aplausos.

 

Finalmente le diré qué la puesta en escena de la obra teatral del dramaturgo venezolano Leonardo Padrón “PIAF. Voz y delirio” es una más de las prometedoras producción del exitoso Señor Alejandro Gou y de la Comedia Producciones. Se presenta en el CCT1 del Centro Cultural Telmex de jueves a domingos en donde Usted la podrá disfrutar.

 

AUSENTES

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

Un grito de desesperanza, un duelo a voces y el dolor más vívido; todo ello, si intentamos graficar la frustración, angustia y desasosiego que es perder a un ser querido, e incluso, solamente a un conocido.

AUSENTES es el portavoz de algunos de los testimonios ante la desaparición de una persona amada.  Constituye la realidad que se padece en muchos hogares del mundo entero, destrozando sus vidas y su alma dolida.

Testimonios incompletos, palabras rotas, frases a medias, son los diálogos que se expresan de 11 casos diferentes que fueron parte de una investigación continua, realizada por integrantes del grupo colectivo “Campo de Ruinas”. Y digo incompletos, sin quitar méritos a la investigación, pues sólo hablan mediante el uso de la plástica actoral y el medio escénico, de relatos por parte de algún familiar que desconocen el paradero así como los hechos totalmente fehacientes de tales tragedias que ciñen su existencia.

Pero la realidad es qué es una obra de denuncia que mediante elementos plásticos crearon un ambiente de intimidad, en donde acudieron algunos de los dolientes, tras años de búsqueda infortuitas.

A manera de obra documental DUELO se presenta en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, los días lunes y martes contando en suma 11 de los casos testimoniales, para dar paso a la reflexión.

De este modo, tras bambalinas y con cupo limitado, el público espectador se mueve a través de luces intermedias en un espacio en donde van siguiendo a cada uno de los actores participantes, acompañados todo el tiempo escénico por dos jóvenes músicos, quienes adecuan el ambiente hostil y triste, haciendo sonar sus instrumentos musicales. Siendo uno de ellos un contrabajo y, el otro, un bongo en el cual su interprete le incorporó platillos y otros instrumentos de percusión haciéndolo único.

-“La realidad actual de las sociedades exige una indagación por parte de la escena contemporánea que rebase sus fronteras y se dé a la tarea de crear un acto ético-estético. Este proyecto entiende el testimonio como una posibilidad de reapropiación de la memoria colectiva, oponiéndose a reatos hegemónicos y así (re)construir espacios reflexivos de una comunidad posible.-  

 

Estas son las palabras que la Compañía “Colectivo en vivo” nos comparte de manera textual y cuyos integrantes son Eréndira Córdova, Alicia Jiménez, Erandi Pacho, Jorge González Dergal y Luis Manuel Pantoja y quienes junto con la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, han hecho posible esta puesta en escena, que pretende que no exista ni una victima más a quien llorar.

 

PRECIOSAS RIDÍCULAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Obra teatral de uno de los grandes clásicos de la literatura universal, me refiero por supuesto al escritor y actor parisino Jean Baptiste Poquelin, conocido en el medio artístico como Moliere (1622-1673).

PRECIOSAS RIDÍCULAS es una dramaturgia escrita a manera de farsa en la que el escritor muestra los extremos extravagantes de su época, así como la falsedad y el interés por lograr acomodarse en una familia con linaje y holgadse económica a cualquier precio.

Bajo la adaptación y dirección artística de Octavio Michel, LAS PRECIOSAS RIDÍCULAS se presentan en el Teatro Julio Castillo desde el año que acaba de concluir y, el día de ayer jueves 10 de enero, reanudaron temporada para ser presentada de jueves a domingos.

En ella actúan Fernando Bueno, Rodrigo Alonso, Karla Camarillo, Marco Antonio García, Ana Ligia García Jorge León David Lynn, Carlos  Ordóñez, Misha Arias de la Cantolla, Cecilia Ramírez Romo y Pedro Ramírez. Todos ellos ataviados con vestuarios a la usanza secular, es decir, acorde con el siglo XVII, el momento en que fue escrita y escenificada en la corte del rey.

-“ LAS PRECIOSAS RIDÍCULAS es un montaje con un fondo totalmente crítico, que busca una lectura distinta, menos superficial que la acostumbrada; es la obra de un autor referente del teatro universal que el público debe conocer y disfrutar –gracias a su universalidad y contemporaneidad-, que rompe con el estigma de que el teatro clásico es “ inalcanzable, incomprensible, formal o aburrido”, lo que permite sea accesible y cercano a cada ser humano, através de un diálogo directo con el espectador.-“     

Opinión de la Compañía Nacional de Teatro (la CNT), acorde con el criterio de su adaptador y director escénico Octavio Michel, como lo muestra en el escenario. Presenta ésta obra crítica, que va más allá de lo divertida

La extravagancia tanto en el comportamiento, como en el atavío y la forma arquitectónica que imperaba en el siglo de Moliere, en esta puesta en escena se muestra a flor de piel, siendo además ésta, una puesta en escena divertidísima, que cae en el ridículo, como a bien tuvo intitular su mismo afamado autor.

Traducida bajo un lenguaje coloquial, hace que la obra sea más digerible para el público quien reía a risotadas con ésta obra farsita; dramaturgia que muestra las semblanzas de la época que Moliere supo retratar con su pluma a través de la comedia.

 

Tal vez la desobediencia y falta de rectitud, moralidad y honestidad, que Moliere le infiriera sobre todo a sus personajes femeninos para dar una consigna o mensaje crítico a la audiencia, ya estén actualmente en desuso, pero lo que es cierto es que aún hoy en día continúan siendo totalmente vigente la falta de honradez al extremo de la falsedad en el actuar de la sociedad, la cual deja mucho que desear.

 

EL DONADOR DE ALMAS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El poeta, ensayista y narrador mexicano Amado Nervo, nacido en Tepic Nayarit en 1870, moriría en Montevideo, Uruguay en el año 1919. Escribiría su novela titulada EL DONADOR DE ALMAS en el año de 1899. Ésta obra fue editada por “Tipografía de El Mundo” la cual se componía de 6 capítulos, tras de ya ser un destacado poeta.

La obra EL DONADOR DE ALMAS la escribió bajo un parámetro tanto filosófico, como psicológico y existencial, además del dejo de poesía que le añade, para lo cual Amado Nervo era evidentemente muy diestro.

En el paso del tiempo, su novela ha cautivado e inspirado a varios de sus lectores, siendo uno de ellos el dramaturgo Adrián Chávez, quien seducido por el texto escribió su propia obra teatral en base a dicho texto.

De dicho modo tanto Chávez como “La Productora Serebroz” decidieron arrancar con EL DONADOR DE ALMAS presentándola además a manera de conmemoración por los 100 del deceso del poeta Amado Nervo, motivo por el cual convocaron a la prensa para dar a conocer el arranque de la temporada en días martes, a partir del próximo 29 de enero en el foro de La Capilla en Coyoacán.

En ella achuran Miguel Conde, en el papel del Doctor Rafael Antiga; Conchi León como Doña Corpus; Olivia Lagunas estelarizando a Alda y alternando funciones con Natalia Sosa y, Santiago Stephens en el rol de Andrés Esteves.

A manera de resumen de la obra teatral EL DONADOR DE ALMAS “La Compañía Serebroz” ofreció el siguiente párrafo por escrito a la prensa, en calidad de boletín para informar sobre la misma:

-“SINOPSIS: Rafael Antiga es un médico sobresaliente y solitario, sin más afecto que el de Doña Corpus, su ama de llaves. Un día Andrés Esteves, poeta protegido del Doctor Antiga, lo visita para hacerle un regalo muy particular: el alma de una muchacha encerrada en un convento, la cual se hace llamar Alda. Al hacer uso de ella, Rafael se da cuenta que responde a su voluntad y la utiliza para aumentar sus talentos en el diagnóstico médico, lo cual lo hace convertirse en un prodigioso doctor de alta talla internacional. Pero eso no es todo, no solo tiene una relación “profesional”,  sino que empiezan a relacionarse más allá de su mística conexión y desarrollan un deseo, el cual no puede materializarse.”-

Un breve fragmento de la obra fue representada inicialmente, lo cual persuadió y atrapó el interés por presenciar dicha puesta en escena, que al parecer, será muy prometedora, puesta que esta adaptada bajo un toque de gran contemporaneidad. Ello tal vez se deba  porque tanto el amor, como el problema de la soledad y el desentendimiento entre las parejas, siempre han sido temas vigentes en toda época y espacio en que se ha ubicado la humanidad.

Por ello, ésta obra que es una mezcla de ficción, género fantástico y novela psicológica, atrapó la atención de la prensa invitada. La dirección escénica estará a cargo de Ro Banda, uno de los creativos de “La Compañía Serebroz” junto con Sergio Zermann, quienes la tienen programada para cubrir temporada tan sólo hasta el día 2 de abril 2019.

 

MADURAS, SOLTERAS & DESESPERADAS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

“.SRM Ent” y Oscar Rubí actualmente presentan la obra teatral MADURA, SOLTERSA Y DESESPERADAS en el foro teatral Julio Prieto, que antes fuera el Teatro Xola en la Ciudad de México. Ésta puesta en escena tras de haber ya incursionado en otras ciudades de la República Mexicana, como son Puebla, Cancún, Estado de México, Tijuana y Monterrey, ahora nuevamente regresan a la capital.

Le comentaré qué para Oscar Rubí, su director general y presentador ejecutivo de la obra, ésta ha constituido un reto difícil, el cual ha vencido logrando continuar con más representaciones debido a que MADURAS, SOLTERSA Y DESESPERADAS ha continuado colocarse en cartelera, ubicando en la preferencia del público, el cual no ha dejado de asistir.

Inicialmente comenzó la obra con la actuación del actor Pedro Prieto, quien tras de encontrarse de vacaciones en su tierra natal, es decir, en España, ha sido sustituido por el atractivo actor invitado Arturo Carmona, quien luce su escultural cuerpo en varios momentos escénicos, como lo requiere la obra, aspecto que le da un Plus Ultra a su actuación y a la puesta en escena en general.     

MADURAS, SOLTERAS Y DESESPERADAS antecede a la función de Los Tres mosqueteros del Rey, la irreverente pero divertidísima puesta en escena  de Alexander Dumas, con la adaptación del dramaturgo Manuel González Gil, y bajo la misma producción del “.SRM Ent” y Oscar Rubí.

MADURAS, SOLTERAS Y DESESPERADAS es una comedia de enredos que trata de tres mujeres quienes conviven en calidad de roomies al estilo millenia. Ellas han estado compartiendo el departamento con diferentes inquilinas a las cuales les habían hecho la vida desagradable, con la mira de que desocupen el lugar lo más pronto posible.

Sin embargo de pronto deberán compartirán el espacio con un joven muy atractivo al cual no esperaban y que tras de conocerle, harán todo lo posible para conquistar su corazón, al precio que fuere.

De dicho modo, situaciones chuscas e inesperadas surgirán, las cuales enfrentarán estos cuatro arrendatarios del departamento de Antonia, la simpática y ocurrente casera. Rol que estelariza la comediante Maribel Fernández, más conocida en el medio como “La pelangocha” .

Con la dirección artística Oscar Rubí, el espacio escénico original de Javier Montes de Oca, Víctor Ramírez y Mario Gómez y el vestuario de Andrea Bernal,  aparecen en escena comparten créditos las actrices y comediantes Luz María Aguilar, Norma Lazareno y Raquel Pankowky.

 

En resume le podemos decir qué MADURAS, SOLTERAS Y DESESPERADAS es una propuesta escénica realizada en dos actos y un solo cuadro escenográfico, en donde durante todo el tiempo, el humorismo esta a flor de piel.

 

LOS MOSQUETEROS DEL REY

POR DALIA D´LEON

Deliciosa parodia sobre la obra clásica del francés Alexander Dumas intitulada LOS TRES MOSQUETEROS. Y ¿quien no ha leído, visto en formato de película, o por los menos escuchado mencionar a tan afamada obra?  En realidad al inicio de su creación en el año de 1844, fue publicada en un folletín parisino llamado “Le Siècle”.

Las hazañas de Athos, Aramis y Phortos, junto con el joven escudero del rey de Francia Luis XII D’Artagnan, en el mismo año posteriormente fueron impresas por la editorial Baudry en calidad de volumen, dado por su gran éxito la vuela al mundo entero.

En el publicado de “Hislibris”por parte de la editorial Koein, el cual he retomado en la Internet, se puede leer el siguiente testimonio al respecto de ésta obra literaria:

La de los tres mosqueteros es, sin duda alguna, una de las novelas históricas mas conocidas hoy en día. Las versiones cinematográficas han sido muchas. Así en 1921 era Fred Niblo, quien dirigía una primera versión, con Douglas Fairbanks como actor principal. Tal vez el film clásico mas conocido sea el de George Sydney, de 1948, con Gene Kelly y Lana Turner; y mas modernamente la película de 1973 de Richard Lester, con Richard Chamberlain, o la mas reciente producción para la televisión canadiense del año 2005. Si a esto le sumamos los dibujos animados, la teleserie de Dartacan y las novelas juveniles, todos conocemos la historia.

¡Así es, ciertamente! Hecho que ha inspirado a muchos cineastas, literatos y gente de teatro, como es el caso de Manuel González Gil, autor y director de la reciente obra teatral que se presenta en el Teatro Julio Prieto (antes Xola) LOS MOSQUETEROS DEL REY. Y nada menos que se encuentra estelarizada por grandes actores mexicanos como son Héctor Bonilla Patricio Castillo, Alejandro Camacho y Pablo Valentín.

Es una espléndida puesta en escena la cual, como su mismo adaptador menciona, “es irreverentemente divertida”. Elegantemente ataviados, los cuatro actores se presentan en una escenografía en donde se pueden observar cuatro asientos, los cuales posteriormente son extraídos para dar paso a una figura muy parecida al Ángel de la Independencia y una pantalla multimedia.

Suficiente utilería y cuadro escenográfico que logran el cometido de ésta puesta en escena   que es el enmarcar un supuesto ensayo de dicha novela clásica, haciéndola muy divertida al mostrar tan sólo la esencia de la trama propia del género de aventuras y novela histórica (por su tratamiento literario) para transformarla en una obra fársica y cómica.