TILI TILI BOM

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

TILI TILI BOM es un drama narrado a manera de thriller cargado de humorismo negro. Inspirada en notas periodísticas sobre algunos sucesos que llevaron a unos niños a asesinaron a sus padres. La obra se desarrolla en un mundo surrealista donde la soledad y el abuso son disfrazados por el juego y la inocencia . La obra nos cuenta la historia de Aron y Emily. Hermanos gemelos que planean la poción perfecta para asesinar a sus padres, influenciados por un amigo imaginario sin brazos. Durante la preparación descubrimos abusos a los que son sometidos hasta que el juego de la poción da un giro insospechado donde la vida y la muerte se enfrentan. (Párrafo textual de la Agencia de Prensa y Difusión de Artes Escénicas de SANDRA NARVÁEZ).

Bajo ésta tónica esta escrita la dramaturgia original de Alan Blasco cuyo título es TILI TILI BOM. Obra escrita a manera de comedia negra que su autor le infiere bajo su estilo peculiar que le ha ganado el título de ser un escritor arriesgado. 

Lo cierto es que Alan Blasco, quien por cierto también se ha dado a conocer como director escénico, tiene propuestas en la cuales suele ahondar en la parte psicológica de sus característicos personajes atormentados, ya sea ante un núcleo familiar o, ante una sociedad totalmente abrupta.

Entre sus puestas en escena se encuentran “Psicomanía”, “Tarde para arrepentirse”, “La última rebanada de pizza” y por supuesto TILI TILI BOM nuestra obra a tratar en ésta ocasión. 

Ayer, día martes 12 de noviembre se presentó en el teatro “La Capilla” ésta última obra, estando a cargo de la casa productora “El Círculo Teatral” bajo la dirección artística de uno de sus creativos, es decir el Señor Víctor Carpinteiro y, por supuesto, no podía faltar Alberto Estrella, su co-productor.

En la puesta en escena dirigida espléndidamente por Carpinteiro, le dan vida a los personajes protagónicos  la actriz Priscyla Esquerra en el rol de Emily y el actor, Alan Blasco quien caracteriza al personaje de Aron. 

TILI TILI BOM es una obra teatral de estilo surrealista, con tintes fársicos que narra la historia cruenta entre dos pequeños vulnerables ante el abuso de sus padres, justo aún en la etapa de la inocencia, la cual es arrancada por sus progenitores ante diferentes circunstancias que marcarán dentro de la trama, no tan sólo la personalidad de los infantes, sino además irremediablemente su acotadas futuras vidas.

Drama puesto en escena con una escenografía a cargo de Mónica Kubli quien tal vez inconscientemente guía al público a introducirse en un gran tablero de ajedrez, en donde cada pieza jugada puede quebrantar el juego del despertar al amor y a la sexualidad. 

Puesta en un solo acto y tiempo escénico de 65 minutos aproximados. Durante el desarrollo de la trama, los movimientos coreográficos a cargo de Gabriela Rosero, le dan cierto encanto a éste drama surrealista, en donde además no podía faltar un amigo imaginario y los ritos.  

Aunados a los más recónditos deseos de los dos pequeños gemelos expuestos sin tapujos, ello le infiere un contenido en el horror envuelto ante lo inconfesable de la condición humana.

Y parafraseando finalmente, acorde con la frase medular que aparece escrita en el programa de mano de éste drama: 

 

“Sobre cada niño, debería ponerse un cartel que dijera: tratar con cuidado, contiene sueños.”

 

BASHIR LAZAR

POR: Dalia María teresa de León Adams



Una historia triste, pero real, qué nos habla de gente que viven en la agonía de un régimen recalcitrante plagado de severas y despiadadas medidas. Y aún cuando éste caso es ficticio, retrata la realidad de algunas comunidades de hoy en día.

La obra BASHIR LAZAR es interpretada maravillosamente por el actor y director escénico, Boris Schoemann. La dramaturgia es de la escritora canadiense Évelyne  de la Chenelière nacida Quèbec, Canadá en el año de 1975. Le comentaré qué fue galardonada con el Premio “Gobernador Geneneral” como el mejor drama, en 2006. 

Puesta en escena que por demás esta decir qué resulta ser conmovedora, no tan sólo por el texto, sino además por la maravillosa ejecución actoral de Schoemann, quien interpreta con gran talento histriónico al personaje protagónico de BHASIR LAZAR; personaje de éste drama, al cual le infiriére gran emotividad y naturalidad, de tal modo qué hace llegar al público el mensaje de dolor y denuncia que el Boris Schoemann logra emitir. 

La trama en general denuncia de manera indirecta a algunos núcleos sociales carentes de valores e incluso humanidad, quienes promulgan y ponderan ideas y funciones totalmente superfluas e intranscendentales para la formación de la comunidad escolar.

El texto escrito con maestría mediante diálogos bien estructurados, hacen de éste melodrama un grito de dolor ante la injusticia, palabra que parece muy utilizada dándole en matiz de banalidad manipulable, pero qué en el texto de Évelyne De La Chenelière adquiere gran fuerza escénica, a manera de denuncia.

La obra BASHIR LAZAR es un monólogo que trata de un excelente profesor de primaria, sustituto. Así el Señor lazar intenta ser exiliado del país de Argelia, en donde los conflictos bélicos le hiciesen escapar de su pueblo original, tras la perdida brutal de toda su amada familia. 

Por ello buscará encontrar refugio en tierra musulmana, intentando suplir a una profesora cuyo nombre fuese Fátima; mujer atormentada quien decide suicidarse colgándose en un salón de clase, ante el constante dolor e incertidumbre.

BASHIR LAZAR es un drama interpretado en un solo cuadro escenográfico a media luz en donde aparece solamente un pequeño escritorio con su respectiva silla. montada en sólo un tiempo escénico, el actor Boris Schoemann deja entrever con algunos de sus diálogos, las reacciones y respuestas de algunos personajes secundarios a los cuales les da vida en esta historia cruenta. 

También utilizan como recurso escénico en ésta puesta en escena, con una “Voz en Off” a cargo de Gabriela Fernández, quien con su pequeño diálogo lograr dar vida al personaje secundario, de una alumna del salón de clase del profesor Lazar.

La obra teatral BASHIR LAZAR se presenta en corta temporada en el Foro del Teatro “La Capilla” de manera totalmente gratuita, bajo la producción del FONCA, CONACULTA y la Compañía Productora de Québec.

DE LOS SUEÑOS ESTA NOCHE

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Es un espectáculo unipersonal basado en “La Vida es Sueño”; obra del escritor

icónico del siglo de Oro Español, Pedro Calderón de la Barca (Madrid 1600-1681)

quien además escribiera, entre otras obras “El Alcalde de Zalamea”, “El Gran

Teatro del Mundo”, “La Dama Duende”, “El Príncipe Constante” y “El Médico de su

Honra”.

En LOS SUEÑOS DE ESTA NOCHE el actor Antonio Salinas caracteriza al personaje

de Pedro. Pedro es un personaje peculiar, quien actúa, recita poesías, baila y

ejecuta movimientos que asemejan a un combate con espada, a la usanza de la

época del Medioevo europeo.

Él actúa en distintos momentos escénicos conjuntamente con la “Voz en Off” de

Segismundo, es decir Rogelio, quien hace la voz de un locutor de la radio de un

Programa Popular denominado LOS SUEÑOS DE ESTA NOCHE al igual del título de

esta dramaturgia escrita por Ingrid Cebada y su mismo intérprete, el Señor

Antonio Sainas, como a-priori he mencionado.

De dicho modo el título encierra la parte nuclear de ésta obra semi-barroca, que

nos remite a la época de Pedro Calderón de la Barca con dejos de modernismo, que

la ubica como una dramaturgia contemporánea.

Antonio Salinas protagoniza a Pedro, nombre que quizás alude intencionalmente al

escritor peninsular Pedro Calderón de la Barca, pero qué en éste espectáculo

personalizado le otorga una dualidad al personaje convirtiéndolo de un simple

intendente de nuestros tiempos, al emblemático y exquisito escritor medieval.

En la escenografía se introduce un equipo movible compuesto de escaleras,

algunos peldaños y un poco de pequeños corredores o balcones que conducen

hacia un supuesto enorme telescopio ubicado, en el Observatorio Astrológico

Nacional, desde donde se pretende, siguiendo la historia de la obra, poder observar

el Eclipse Solar tan referenciado por la radio; suceso que enojará y trastornará al

personaje de Pedro en algunos actos escénicos DE LOS SUEÑOS DE ESTA NOCHE.

Misma escenografía que permite simular algunas retrospecciones temporales a la

época del medioevo que Pedro afirma ser en sus sueños, en aras de llegar a ser un

honorable rey y desde donde escala para declamar algunos hermosos versos de

estilo barroco, que por supuesto, comprenden el texto de “La Vida es Sueño”.

Paralelamente en la dramaturgia, Pedro es un hombre de origen humilde, quien

fuese rechazado ante el suceso del deceso de su madre justo el día de parirlo,

dejándolo huérfano, con un padre que por ende, le tratara de manera muy hostil.

 

Pedro es el interprete del Observatorio Astronómico Nacional, en su carrito de

limpieza lleva una radio que escucha en todo momento; incluso cuando en su

jornada laboral el sueño lo vence.

 

Esta es una noche fuera de lo común, el mundo se encuentra en la víspera de un

gran eclipse lunar que no acontecía hace décadas, ante tal evento Pedro

tomará una decisión que cambiará su vida.

¿Predominará el hombre sobre la predicción de las estrellas? Entre sueño y

realidad, este singular personaje comprenderá que todos estamos llamados a

ser reyes.

Con éstos párrafos ilustra su programa de mano la Compañía “Dientes de León,

Danza y Teatro” de su montaje escénico DE LOS SUEÑOS DE ESTA NOCHE . obra

teatral qué hasta hoy se ha estado presentando en el Teatro a Juan Ruiz de Alarcón

bajo la casa difusora TeatroUNAM.

El personaje protagónico de Pedro, recita algunos fragmentos de la obra “La vida

es Sueño, dándole un plus a la puesta escénica que introduce la idea que le

catapultara a Calderón de la Barca, respecto si “la vida es un sueño” o, “soñamos

que vivimos”. Y Usted ¿qué opina al respecto?

CONFUSIONARIO

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

CONFUSIONARIO es la obra unipersonal original de Jesús Díaz, , más conocido como “Chucho” en el medio actoral. Le recordaré que es el fundador de la denominada “Sensacional Orquesta Lavadero”. Chucho fue egresado de la escuela Nacional de Arte Teatral en el INBA como actor, especializándose en el género de la comedia.

 Hoy en día se presenta con su obra CONFUSIONARIO; un espectáculo en donde narra diversas vivencias que van desde su infancia, el despertar al gusto por el sexo opuesto, el encuentro por primera con el amor, la relación con su padre, ahora ya fallido y la manera de incursionar al medio artístico escénico. Todo ello con cierta gracia que arranca las risas y carcajadas del público, aún cuando toque de pronto temas que ventilan cierta desgracia.

Todo ello mediante un apoyo actoral y musical, en donde el actor utiliza varios instrumentos musicales que van desde un acordeón, una armónica y un instrumento de cuerdas, interpretando además en escena la canción denominada “Los ejes de mi carreta; una canción del género de milonga, que escribiera e interpretara el argentino Atahualpa Yupanqui y que le catapultara, dándolo a conocer mundialmente. 

CONFUSIONARIO además introduce cierta información acerca de las diferencias de expresiones que aún, cuando utiliza una sola palabra, en el contenido textual adquieren doble significante que hacen reír al público, haciéndolo pasar un grato momento.

 Además introduce de pronto, en breve, diferencias teóricas, tales como la que existe entre un espectáculo “clown” y un “payaso”, considerando utilizar él mismo la acepción de clown dentro de sus presentaciones, las cuales tienen como fundamento divertir al espectador. 

Chucho constantemente interactúa con el público haciendo de alguna manera cómplice de la función, en momentos en los cuales invita a pasar al escenario, al hacer que alguna persona presente le acompañe haciendo sonar algunos objetos extraños, para interpretar la fracción de una melodía o bien, al cuestionarlos acerca de la un fragmento de la afamada obra de Hamlet, de Williams Shakespeare.

Entre otras temáticas transcurre en breve la divertida puesta en escena de CONFUSIONARIO de la cual sus propio equipo creativo describe textualmente con las siguientes palabras:

-El espectáculo apuesta a hilar los diversos números que componen la obra relacionándolos entre sí tanto en temática, como rítmicamente. Se busca una vinculación intensa con el espectador al darle voz dialogando con él. En el clown tradicionalmente el propio intérprete es autor y director de su creación, y es él mismo quien en directo, ajusta su ejecución dado que el público es imprevisible en su respuesta. En su improvisación, el payaso recompone siguiendo un sentido de pertenencia. Ésta tensión entre la composición previa y la obligada  improvisación define a cada clown esta es la directriz de CONFUSIONARIO.-

 

La obra se presenta en el “Foro 4 Espacio Alternativo” del Centro Cultural Helénico los días domingos a las 20:00 horas, hasta el 22 de diciembre.

 

ANTROPOEXCÉNTRICAS

* Pintor

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-El texto de sala trata de dar un contexto interpretativo general para las obras que integran la muestra. Creo que lo más interesante es el modo en el que este contexto se articula en las obras a través de diversos elementos cargados de simbolismo-

Así se expresó el artista plástico Fernando Rodríguez tras la visita que le hicimos para conocer su obra pictórica y, tras preguntarle ¿qué ha significado para él su reciente exposición? contestó textualmente refiriéndose al texto que él mismo escribiera, para ser presentado en una de las salas principales de la Galería “Artspace México” en donde se presenta hoy en día gran parte de su obra

La galería “Artspace México” se encuentra ubicada en la calle de Campeche # 281, de la colonia Roma. Es ahí en donde justamente se está presentando la magnifica obra plástica del artista Fernando Rodríguez, quien desde hace unos años se encuentra viviendo en nuestro país, presentando alrededor de 15 lienzos que forman su obra artística.

Obra ingeniosa que consta de lienzos de forma circular que como según el pintor informara, significan para él el hecho de plasmar una “autototalidad contenida con sus propios ritmos y ciclos”. Característica que le otorga cierta peculiaridad a su cuadros pintados al óleo, en donde el color verde predomina en gran parte de su obra con tonos grisáceos. 

El autor continuó diciendo respecto a la forma circular de sus lienzos y el significante que lleva implícita sus pinturas: 

-La elección de este formato fue plenamente consciente y juega en paralelo con el concepto o idea de nuestro propio planeta, que es básicamente un sistema autorregulado..

Todos los mundos que represento están rodeados de formas de vida, algunas actuales, otras ya extintas, algunas otras hipotéticos habitantes de otros mundos. Manifiesto de este modo mi interés esencial en la vida y la biosfera del planeta en el que vivimos, y que constituye sin duda su parte más singular y valiosa.

 

Además, en todos las obras aparecen elementos pertenecientes a nuestra experiencia más cotidiana y que funcionan a modo de cortocircuito entre lo macro y lo micro. De este modo trato de eliminar la carga de solemnidad que pudiera revestir la idea de lo cósmico-planetario. Es algo completamente  intencionado que busca plasmar esa falta de importancia, esa indistinguibilidad entre lo importante y lo trivial que caracteriza al mundo natural (tal y como expliqué en el texto de sala).-

 

En sus lienzos se refleja claramente al amante de la naturaleza, quien juega con la figura retórica de la muerte postrada en cráneos humanos, los cuales aparecen trazados, junto con la naturaleza viva que consta de algunos crustáceos, plantas carnívoras, insectos y armas entre las que se encuentran cuchillos y fusiles. 

Así es como Fernando Ramírez expresa su obra incluyéndole elementos estéticos expresados de manera figurativa, con tonos plasmados en sus lienzos con cierto deje de claro-oscuros.

Fernando Rodríguez es originario de Madrid España en donde naciera y estudiara artes plásticas conjuntamente con su carrera de Físico en la Universidad Nacional de Madrid e incluyendo un año en Bellas Artes y otras academias en su ciudad natal. 

Tal vez Usted se pregunte ¿A qué se refiere la palabra ANTROPOEXCÉNTRICAS? La respuesta es fácil de advertir, pues tras la inquietud del pintor Fernando Rodríguez se movía entre el arte y la ciencia, de forma inconciente quedó gravado en su pincel, llevándolo a realizar su obra artística, plasmada de naturaleza viva y muerta.

 

 

PADRE NUESTRO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Sinopsis 

-Seis hijos se reúnen en un particular sepelio e intentan armar la imagen total de su padre a partir de los restos y los recuerdos. Una reconstrucción de múltiples miradas para explicar la ausencia. Hablamos de un padre ausente, de un Dios ausente, de un Gobernador ausente; un cadáver al que vale la pena analizar. ¿Quiénes son ellos ahora que no tienen a un papá a quien culpar? Papá ha muerto. “Dichosos los invitados a la mesa del señor"-

Entre dejos de soledad, complicidad, carencia y desafíos, la trama de la obra cuyo autor es Alejandro Iglesia Mendizábal, transcurrió en el escenario del foro teatral del Centro Cultural “El Hormiguero”. 

PADRE NUESTRO es la segunda ocasión que se presenta. Ésta obra contiene una trama interesante dotada totalmente de un fino humorismo negro. En la historia retoman vida seis medios hermanos incapacitados físicamente en su mayoría, quienes ven la vida desde una perspectiva diferente a los demás, debido a la carencia de afecto de la figura paterna; éste les ha marcado y dotado de una gran incertidumbre durante sus vidas.  

Cinco hermanos se conocen  y se concentran, tras del sepelio de su propio Padre, a quien admiran, aman, y pretendieron seguir, sin darse cuenta qué también lo odian. Ellos conversan sobre sus vidas de vagos recuerdos y vívidas vivencias en donde la felicidad, el dolor y la fatalidad se mezclan. 

Su progenitor, se suma efímeramente a la memoria de esos jóvenes a quienes con su inevitable ausencia ha marcado. Ellos son el Primogénito, los gemelos Ben y Kai, Tommy el parapléjico y Viktor, el hijo abusado sexual y sentimentalmente por su Padre.

En la espera presienten la llegada de un desconocido, es su sexto hermano llamado por su Padre bajo el apelativo de NO, quien desde el inicio ha estado presente escuchándolos con atención; empero a ello ha pasado inadvertido con su silencio y apariencia apagada.

Es el hermano llamado por su padre con el apelativo de NO por su constante uso. Nombre peculiar que dará doble sentido a las afirmaciones y preguntas por parte del resto de la familia singular.

La parte religiosa en la dramaturgia nos lleva una doble lectura, con la utilización de diálogos muy bien estructurados que permiten que la conversación entre los personajes, sea atípica. La atmósfera escénica a medias luces albergas las escenas con ciertos rasgos de religiosidad, que se insinúan a manera de réplica y crítica, presentando a seres alejados de la mano de Dios, de su Padre y del mundo en general. Así es como la obra toma un matiz de denuncia y crítica a un sector de la población hundida en la pobreza y desprotegidos, quienes ante la ignorancia y el olvido ahogan sus propias tragedias existenciales.

El párrafo inicial es con el que hace referencia textual acerca del contenido medular de la trama que la propia compañía “Maquina Beckett” cuyos integrantes son egresados del CNT,  presentan.

La obra PADRE NUESTRO es el resultado de una investigación escénica, presentada en su episodio1º denominado “El Padre” a partir del texto “Ocaso” de Alejandro Iglesias Mendizábal (como a-priori mencioné).

 La idea original es de Alan Uribe Villarruel y Meraqui Pradis; todo ello con la producción de Alejandra Roble. Ésta joven al final de la función apareció en el escenario dando pormenores de ésta puesta escénica, cuya dirección artística es de Alan Uribe Villarruel; momento en el cual aprovechó para presentando a cada uno de los actores que participan en éste drama y, quienes son, Luis Arturo Rodríguez, Pablo Gálvez, Benjamín Palafox, Roy Valdés, Nick Angiuly, e Iván Mondragón.

 

¡En hora buena!

 

LIBROSVIVOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



El día de ayer miércoles 30 de octubre se dio inicio en el Centro Cultural Helénico a la representación escénica de LIBROSVIVOS. Puesta en escena compuesta por dos monólogos de diferentes autor afamados. En éste caso se trataron de una dramaturgia inspirada en la obra literaria póstuma de Alfonso Reyes Ochoa (Monterrey, México 1889-1959) intitulada “La cena, hay una mujer que me habla en sueños” la cual fue escrita en el año de 1912, formando parte con otras 10 narraciones en un libro titulado “El plano oblicuo”, obra magnánime perteneciente al genero literario del realismo mágico y surrealismo. Libro editado por cierto por primera vez  en España hasta el año de 1920.

Fue escenificada por el gran actor, Emilio Guerrero, quien hizo propio el personaje de, Reyes autor y, Reyes personaje (monólogo escrito por Alejandro Ricaño quien se basa en la trama en “La cena” de Alfonso Reyes); monólogo que está dirigido por José Manuel López Velarde. 

Caracterización peculiar que se desarrolla con una historia en donde lo onírico se confunde con lo real. Tal vez un poco haciendo alusión a la obra “La vida es sueño”, la obra barroca de Pedro Calderón de la Barca (Madrid, España 1600-1681) que fuera estrenada en su tierra en 1635.

Durante el monólogo aparece la “Voz en off” de la primera actriz Diana Bracho, quien por supuesto asistió a la función de estreno para ser también ovacionada al final de la función, junto con José María Arreola, el fundador de LIBROSVIVOS y su co-fundadora Nelly Rosales Plascencia quienes obviamente también recibieron el aplauso de los espectadores, quienes llenaron totalmente el foro.

El segundo monólogo que se representó se llama “50 de Cien, reflexiones de un libro en soledad”. Título muy ad-hoc debido ha haberse escrito ya hace más de 50 años (53) la internacionalmente reconocida obra de Gabriel José de la Concordia García Márquez (Aracataca, Colombia1927-2014) “Cien años de soledad” 

Monólogo de la autoría de Nicolás Melini interpretado y dirigido por Rodrigo Murray, quien caracteriza a un peculiar personaje; es decir qué se presenta el actor en el escenario dándole vida al  libro póstumo del “Gabo”.

 Por cierto, recordemos que Gabriel García Márquez justamente fue con su obra “Cien años de soledad” con la cual recibiese el máximo galardón literario y que por supuesto es el Premio Nobel de Literatura que se le otorgó en 1982.

Finalmente le informaré que en caso de que aún no he sido lo suficientemente explícita y le quedó claro ¿qué es? LIBROSVIVOS, le responderé con los párrafos textuales de su creativos:

-LIBROSVIVOS es una plataforma de literatura extendida que promueve y celebra la lectura a través de espectáculos de alto impacto: música, teatro, artes plásticas, etc., para liberar a los libros de sus estantes y que éstos nos hablen de frente, experiencias novedosas que permiten su lectura desde otros ángulos y perspectivas.-

 

DE ESPALDAS AL VOLCÁN

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

Asistir a una función en el Teatro Héctor Mendoza del CNT, es casi una promesa por presenciar un montaje escénico de gran calidad teatral. Le diré qué no fue la excepción, la puesta en escena DE ESPALDAS AL VOLCÁN llevada a cabo bajo la producción general de Magdalena Moreno.

La obra constituye un grito en silencio en contra de la injusticia, el abuso, la marginalidad y el oportunismo “humano”. Con tintes de religiosidad, la trama transcurre con una historia que toca la llaga que llevan a cuesta muchos seres quien han padecido de grandes infortunios por dichas razones.

DE ESPALDAS AL VOLCÁN por su tratamiento escénico pertenece al género dramático e incluso, naturalista en cuanto a que muestra sin tapujos sucesos terribles que suelen ocurrir en nuestra sociedad y, en específico en la ciudad de Puebla. 

Aún cuando los sucesos son producto de la ficción, Teresa Rábago con su pluma no deja gotas en el tintero, dibujando las miserias humanas, convirtiéndola con ello, en una obra de denuncia.

Le comento que el proyecto de escenificar ésta obra teatral, surgió de la inquietud de todo su equipo creativo, quienes expusieron en el mismo programa de mano de la obra, las razones que les llevó a ser parte de dicho proyecto. Palabras textuales que son las siguientes.   

-Queremos hablar de nosotros, de Puebla, de México, del mundo, de todo lo que duele como sociedad y como individuos, me dijeron los actores de la Compañía de Teatro de la BUAP cuando iniciamos este proyecto.

Dimos inicio a un laboratorio comprometido, honesto, laborioso y, evidentemente, doloroso también.

A lo largo de casi seis meses atravesamos crisis personales y artísticas y revelaciones que cambiarían nuestra forma de ver el mundo y el teatro, mientras cada uno de los participantes íbamos desnudando nuestras sombras y luces y encontrando, por fin, el material escénico.-

Así es como se expresó la Compañía de Teatro de la BUAP con el montaje de la dramaturgia de Teresa Rábago DE ESPALDAS AL VOLCÁN. En ella actúan Rocío Gilbón, Olaff Herrera, Erik Josafat, Karla Muñoz de Cote, Gabriela Núñez, Izhac Sagan, Joshua Sánchez, Alberto Sangabriel, Baruk Serna y Male Villegas.

La dirección escénica corre a cargo de José Acosta, con el diseño de escenas de la compañía titular del CCU-BUAP y la coproducción del Complejo Titular Universitario de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. 

La obra es una puesta en escena que se ha realizado ante la propuesta de ser escenificada en diversos lugares de la República Mexicana que aún no se han fechado, según aseguró el director de la Compañía Nacional de Teatro, es decir, el Señor Enrique Singer.

Fue en aras de ello que el montaje escénico se llevó a cabo en unas pocas funciones que se dio cita del 17 al 20 de octubre en la sede de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) es decir, en el Foro Teatral “Héctor Mendosa”; ocasión en la cual fue ovacionada con un merecido largo y muy caluroso aplauso por parte del público asistente. 

 

Por ello y aunado a la calidad escénica del montaje, la CNT ha acordado reiniciar funciones nuevamente en ésta Ciudad de México, que serán representadas del 14 al 17 de noviembre 2019 en la misma sede de la Compañía Nacional de Teatro.

 

CORAZÓN GORDITO

POR: Dalia María Teresa de León Adams. 

 

Obra infantil que muestra los lazos de amor indisolubles entre una familia, quienes viven la falta de la figura paterna; empero a ello, la vida les enseña a sobrellevar la ausencia sin problema aparente. 

CORAZÓN GORDITO es un título que por tanto termina siendo totalmente ad-hoc a la trama, en donde por supuesto no podía faltar los conflictos que llevan en sí mismo un gran aprendizaje a manera de consigna, y que son los fuertes lazos de amor.

CORAZÓN GORDITO es una obra teatral infantil que bien podría ser más comprendida por el público adolescente, pues aunque de manera velada presenta algunos temas difíciles de abordar, para el público infantil. Y aunque éstas problemáticas las trata con cierta mesura y discreción (temas tales como el abuso sexual del profesor hacia una pequeña alumna quien la que enamora con sus palabras retóricas, la huída del hogar por malos entendidos en busca del amor, el 

aparente rechazo maternal, traducido en la preferencia por otro integrante de la familia o bien, el abandono de la pareja) no dejan de ser cruentos.

Empero a ello, las problemáticas tratadas dentro de ésta trama, no llevan gran peso escénico, pues tan sólo son mencionadas de manera superficial, mediante algunos diálogo ocasionales expuestos en la historia. 

La trama transcurre mediante la introducción de una narración emitida por un Yo narrador omnisciente y omnipresente, que diferentes personajes van utilizando como recurso actoral durante distintos momentos escénicos. 

Y empero al comentario que he emitido, la historia transcurre constantemente con un dejo de humorismo y con un colorido escenario (del mismo Matías Gorlero y Félix Arroyo) al que se suma el vestuario de Giselle Sandiel.

Escenografía movible por parte de los mismos actores, en donde se asemeja el interior  (las recámaras de las niñas) y exterior de la casa familiar, un parque, una choza y una calle.

A las escenas las acompaña música en vivo originales de Sebastián Lavaniegos. 

En CORAZÓN GORDITO actúan Maraqui Pradis, alternando con Grecia Ricart. Ellas aparecen como la niña bella e inteligente que la madre ama y sobreprotege. En el rol de la niña poco agraciada a quien su madre pareciera desdeñar, aparece en escena Dano Ramírez. La madre, entre otros personajes más es estelarizada por Yulleni Vertti quien representa a una madre, sotera en vísperas de vivir con una nueva pareja sentimental. 

Finalmente en el rol del vecino quien, el personaje que viene un poco a trastocar la vida familiar de las dos hermanas y su madre, es interpretado por el actor Alejandro Morales, quien además protagoniza al profesor, y a un niño que juega fut-ball, entre otros personajes.

 

La obra es original del dramaturgo Saúl Enríquez y se presenta bajo la dirección escénica de Angélica Rogel en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, los días sábados y domingos en horario matutino, bajo la producción del INBAL.

 

ÁNGELES EN AMÉRICA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-A finales del siglo XX, un grupo de huérfanos de Dios se enfrenta a los miedos y cambios que trae el nuevo milenio, en una épica trayectoria que los lleva a mirar a las diversas realidades de las que forman parte.-

Tony Kushner, (Anthony Robert, USA 1956) su autor, nos lleva a un mundo en donde a los que denomina “Huérfanos de Dios” son personajes que ventilan tanto sus ilusiones como las miserias que carcomen sus almas sin filtro humano; y menciono “sin filtro humano” queriendo convertirlo en el sinónimo que muestre con un poco más de exactitud con que esta frase hecha, que aún siendo metafórica simplifique el hecho de que algunas personas cohabitan en sufrimiento con el resto de la gente, ante su ojo inquisitorio.

Éstos “Huérfanos de Dios” que sucumben ante la incomprensión del mundo, quien les juzga al considerarlos diferentes. En la trama de ÁNGELES EN AMÉRICA se encarna aquel judío antisemita y homosexual, que repudia a la gente que es como él, convirtiéndolo en otro inquisidor, como suele suceder con la frase popular que reza así: “Todos vemos tan sólo la paja ajena, menos la nuestra”.

Dicho personaje es caracterizado por el actor Diego Jáuregui, quien por cierto considera ser el más difícil de los personajes que ha interpretado,  debido a que éste personaje se aleja totalmente de su propia identidad, discriminando su propia esencia. 

Esto dicho por supuesto con otras palabras, que hacen recordarnos el tabú que a “Los huérfanos de Dios” les suele importarles sobre manera, ahogando sus más íntimos deseos en aras del ¿qué dirán?

Por supuesto que de entre la trama no podían faltar los enfermos de SIDA ni los esquizofrénicos. Siendo los primeros aislados por la ignorancia de la gente sobre el tema y, los segundos tratados como locos, tanto en la realidad como en la ficción de ésta obra teatral. 

ANGELES EN AMÉRICA fue montada bajo las actuaciones estelares de Georgina Tábora, Fernando Álvarez Rebeil, Fabián Corres, Mario Eduardo de León, Nacho Tahhan, Tanya Gómez Andrade y Diana Sedano, todos ellos bajo la magnífica dirección escénica de Martín Acosta y el diseño escenográfico de Matías Gorlero.

Le comentaré qué como es bien sabido por el público que ama éste arte, ÁNGELES EN AMÉRICA de Tony Kushner ya había sido puesto en escena tiempo atrás en mayo del 2018 con el mismo equipo creativo en el Centro Cultural Helénico, manteniendo una gran audiencia. 

 

Actualmente ofreció su última función el pasado domingo 27 de octubre en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

 

LOS CAMINANTES

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-En una sierra perdida, en un mundo desvastado por la violencia, donde los caminos están llenos de delincuentes y donde México colapsa, dos indígenas salen a cazar un venado. Uno de ellos, Román, es mordido por un alacrán y entra en un delirio; cree que viene otra nueva “conquista” y se dispone a preparar las armas para el combate.-

Éste es el párrafo de la sinopsis que ofrece la compañía  creativa de la obra teatral LOS CAMINANTES escrita y dirigida por Verónica Matusalem; Son frases que resumen perfectamente la parte nuclear con la cual se fundamenta ésta trama llena de magia y sensualidad, que la lleva a situar por su tratamiento escénico, dentro del género del realismo mágico, en cuanto a que todo es posible en un mundo derrumbándose en las entrañas de la soledad.

Escrita con una historia sin linealidad cronológica debido a las constantes retrospecciones que presentan las escenas, en donde lo mítico es un juego retórico de la realidad, dentro de ésta historia de ficción en donde una joven mujer empodera ante su sexualidad, en un núcleo social decadente.

 El amor infortunado la glorifica ante la mirada de un hombre que la ama sin medida, como el amor suele ser cuando se mete hasta el fondo de la piel. También se expone el deseo homosexual acaecido en la trampa del juego de la soledad y del amor fortuito.

LOS CAMINANTES es una dramaturgia contemporánea, puesta en un cuadro escénico que tiene cabida en el sótano del teatro Julio Castillo; lugar peculiar que sin embargo acoge la trama con la atmósfera que precisa su autora y directora teatral, para ejecutar éste texto difícil de contar de manera lineal o lógica, debido a que los delirios que presenta el personaje de Román, dejan sin respuesta lo que el espectador pueda considerar que es real o irreal dentro de la misma trama.

Por supuesto que al texto de la obra puede atribuírsele diferentes lecturas o significantes; caso muy común en las dramaturgias contemporáneas en que la razón lleva implícita, la sin razón.

Musicalizada y cantada en vivo, la obra transcurre incluyendo un poco de baile adicional entre los mismos actores quienes son los ejecutantes tanto de todo esto, como de sus respectivas caracterizaciones que le dan vida a los personajes entre los que se recrea con fuerza escénica la mujer tarántula o araña, perseguida y deseada por los demás personajes.

 

LOS CAMINANTES es una producción del INBAL que se presenta los días lunes y martes en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

 

XVII SEMANA INTERNACIONAL DE LA DRAMATURGIA.

POR Dalia María Teresa de León Adams.

 

En el marco de la VII SEMANA INTERNACIONAL DE LA DRAMATURGIA que se está llevando a cabo a partir del día 21 hasta el 25 de octubre 2019 en Tijuana y del 25 al 29 de octubre en nuestra Ciudad de México, países como Brasil, Colombia, Cuba, Uruguay, Canadá, España y, por supuesto México, se han estado dando a la tarea de compartir escenarios en la Ciudad de Tijuana y en CDMX con entradas libres en general, para asistir a las conferencias que se ofrecen, así como a los talleres y algunas de las lecturas dramatizadas contemporáneas, cuyos autores han estado presentes para impartir todo ello.  

CONFERENCIAS/TALLERES/LECTURAS DRAMATIZADAS se han estado presentando gracias a la Compañía “Los Endebles” en colaboración con la facultad de artes de la Universidad Autónoma de Baja California, para llevarse acabo por cuarta ocasión, “La Semana Internacional” en su XVII presentación, en la ciudad de Tijuana.

Le comentaré qué su sede original es el “Teatro La Capilla” ubicado en la Ciudad de México en la calle de Madrid 13, colonia Coyoacán. Recinto cultural que inició su labor en el año 2002 en colaboración con el Centro Cultural Helénico, en donde también se realizaron las siete ediciones iniciales.

Posteriormente se ubicaron en la Ciudad de Monterrey con el apoyo del CONARTE; tiempo después pasaron al “Larva” en la ciudad de Guadalajara, gracias al apoyo del Ayuntamiento de la Ciudad. Y no fue sino hasta partir de hace cuatro años que se llevaría acabo en La Facultad de Artes en la UABC en la ciudad de Tijuana.

Todo ello lo dio a conocer el directivo del Teatro “La Capilla; es decir, el Señor franco-mexicano Boris Schoemann, quien convocó a una conferencia de prensa el pasado viernes 25 de octubre, para hablar de algunos de los pormenores, así como para presentar a la mayor parte de los integrantes del XVII INTERNACIONAL DE LA DRAMATURGIA CONTEMPORÁNEA.

Y es justamente qué a partir de dicho día viernes 25 de octubre que se dio inicio en la Ciudad de México, inaugurándose con la conferencia magistral del franco-uruguayo Sergio Blanco, quien abordara la temática intitulada “Realidad y Ficción”;  tema que abordaría apoyándose con un recurso multimedia.

Al finalizar su exposición Sergio Blanco invitó a la audiencia y al todo el público a presenciar al día siguiente, sábado 26 de octubre, en el foro La Capilla, el monólogo de su autoría escrito en 2018 con el título de “Las flores del mal o la celebración de la violencia”, basado en una de las obras icónicas de los denominados “Poetas malditos”. Ello en base a la exposición de textos acerca de la violencia y su literatura que  expondría a manera de lectura y conferencia.

Los demás participantes de LA XVII SEMANA INTERNACIONAL DE LA DRAMATURGIA CONTEMPORÁNEA han sido Maribel Carrasco (México), Gracia Morales (España), Silvia Gómez (Brasil), Carlos Satizabal (Colombia), Edeberto “Pilo” Galindo (México), Itzel Lara (México), Abel González (Cuba), Luis Eduardo Yee (México), Yoal Morales (México), David Gaitán (México), Daniel Danis (Canadá) y Jimena Escalante (México).

ARTAUD ¿Cuánto pesa una nube?

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

La Compañía “La Máquina de Teatro” a través de Cultura UNAM presentan la obra teatral “Serie de encarnaciones filosóficas”, en ésta ocasión de  ARTUAD ¿Cuánto pesa una nube?  Y digo en ésta ocasión, pues dicha compañía se ha dado a la tarea de encarnar a personajes que han dejado huella con su talento filosófico que ha ido más allá de lo artístico.

Así es como “La Máquina de Tiempo” ya ha presentado anteriormente, la obra de  Franz KAFKA (Praga Chequia 1883-1924) y de Fernando PESSOA ( Lisboa, Portugal 1888-1935).  Dos grandes de la literatura Universal que además, por su peculiar forma de contemplar al mundo, dejaron aunada a su obra artística, un pensamiento profundo sobre la existencia, como es también el caso de Antonin ARTAUD cuya puesta en escena actualmente se monta en el Teatro Santa Catarina, bajo el título de ARTAUD ¿Cuanto pesa una nube?

En la obra actúa y dirige Clarissa Malheiros quien junto con Juliana Faesler son las escritoras de la dramaturgia y encargadas del espacio escénico, además de las fundadoras de la Compañía “La Máquina del Tiempo” que crearon a partir del año de 1996, bajo una retórica que ha intentado ser No convencional.

Clarissa Malheiros ha caracterizado a los tres personajes cuyo estilo literario tienen en común, un estilo espontáneo y sumamente expresivo volcado en metáforas filosóficas.

Sus caracterizaciones permiten conocer al espectador parte de la obra esencial de cada una de dichos autores. En el caso de Antoinen Marie Joseph ARTAUD que es el que cabe mencionar en ésta nota, fue un poeta, actor, dramaturgo, director, ensayista y novelista que incursionó en diversos géneros literarios. 

Antonin Artaud, bajo cuyo nombre como es reconocido internacionalmente, nació en Marsella, Francia en 1896 y murió en un hospital de Ivry-sur-Sein, Francia en el año de 1948.  Fue el creador de obras como son La pasión de Juana de Arco, El clérigo y la caracola, Napoleón visto por Abel Gance, El teatro y su doble, entre muchas obras más.

En la puesta en escena compuesto de un solo tiempo y cuadro escenográfico, la dramaturgia trata de su vida llena de padecimientos y vicisitudes a causa de su frágil salud que le llevara a la muerte. Empero a ello, el montaje tiene mayor soporte escénico en su obra filosófica; es decir qué gira en torno a la manera peculiar pero profunda y dolorosa, que ARTAUD analizara mediante algunos cuestionamientos filosóficos como lo son, el problema de lo finito e infinito, el sufrimiento constante del cuerpo, la crueldad de existir, o bien, del espíritu, entre otros cuestionamientos más.

 Finalmente le diré qué para “La Maquina del Tiempo” ARTAUD es:

-Un Big Bang, un principio sin final. No se detiene nunca a pensar de arrastrarse por la vida cargando con su cuerpo quebrado por la enfermedad y un espíritu indomable e infinito. Él es un modelo cosmológico. Su palabra es Arte y su conducta locura, en energía desbordada de la vida misma. Un ser de su época, que hoy sigue marcando la pauta de nuestros contemporáneos: teatreros, artistas y poetas. Él eligió el Arte como patria y, en él, el poeta, el actor y el torrencial pensamiento están, sin piedad resguardados en su obra escrita, dibujada y actuada. Películas, grabaciones radiofónicas, poesía, cartas, muchas cartas, obras de teatro y manifiestos son n su conjunto un admirable proyecto artístico, un proyecto de sí mismo, un vórtice, un choque eléctrico, un proyecto acerca de los límites del cuerpo y las posibilidades del lenguaje.- 

“Serie de encarnaciones filosóficas ARTAUD ¿Cuánto pesa una nube?” Obra teatral basada en los textos de Antonin Artaud, Florence de Mèredieu, Gonçalo de Tavares y Wittgenstein, que se presenta en el Teatro Santa Catarina hasta el día 6 de diciembre bajo la producción de Teatro UNAM.

KIINALIK

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

KIINALIK es no solamente una palabra, sino la descripción que se hace respecto a cuando un cuchillo está desafilado. Expresión propia, perteneciente al grupo étnico minoritario del pueblo inuit, que se localiza al noreste de Canadá. 

A manera de información complementaria le diré que el cuchillo es una herramienta qué aún hoy en día, continúa siendo vital para la sobrevivencia de dicho pueblo. 

Y como un grito casi desesperado para evidenciar las vicisitudes padecidas por el grupo inuit es que la Compañía Canadiense denominada “Buddies in Bad Times Theatre” presentó el día de ayer martes 22 de octubre, la obra intitulada KIINALIK. 

Como única función se representó en el Teatro “El Galeón” de nuestra Ciudad de México en coproducción con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL)a través de la Dirección de Asuntos Internacionales.

En la obra se habla en la lengua originaria de dicho pueblo pre-ánglico llamada inuktitut, cuya trama trata de algunas de sus costumbres, cultura e historia, descrita de manera muy somera, pero que fue información suficiente para dar a conocer al público asistente de algunas de las raíces del pueblo inuit, así como de algunos de los padecimientos que aún hoy en día enfrentan, al continuar estando inmersos en el territorio y gobierno anglo-canadiense; circunstancias que nos hicieron recordar de inmediato a nuestro pueblos autóctonos marginales (chamulas, lacandones, otomíes, yaquis, mazahuas, etc).

Dos actrices se presentaron en el escenario para representar la obra teatral de “KIINALIK: These Sharp Tools”. Ella son la canadiense Evaly Parry y inuit Laakkuluk  Williamson Bathory. 

KIINALIK es una puesta en escena a cargo de Erin Brubacher en la que se contó con el equipo multimedia compuestos por dos mega pantallas colocadas al centro del escenario y con música en vivo (dos guitarras eléctricas y un contrabajo) interpretada por una de las actrices protagónicas, es decir, con la voz de Evalyn Parry quien interpretara canciones tradicionales. 

Ella por su parte se expresó durante todo el tiempo escénico de 120 minutos aproximados en su lengua materna, es decir en inglés, compartiendo diálogos en el mismo idioma con su compañera protagónica Laakkulk .

La obra tuvo gran peso escénico en la interacción con el público, con el que dialogaran y entre el cual la actriz Laakkuluk hizo un recorrido entre las butacas, maquillando antes su rostro enfrente del público con tonos negro, rojo y blanco, que cubrieron su rostro a manera de máscara; significado que finalmente expresó a la audiencia, quien les ovacionó con un largo y caluroso aplauso al concluir la obra.

LA NOCHE DE LOS SECRETOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Divertida comedia compuesta por cuatro diferentes dramaturgias o breves historias que tienen como núcleo medular supuestamente, a la comunidad judía. Éstas se subtitulan “La caja indiscreta” escrita por Adela Faena Hap, “Reunión” de Jacobo Levy , “LILIM” original de Raúl Solís y finalmente, “Embarrados” por José Appo.

Entre cada historia, se presenta un pequeño y entretenido número peculiar, que distrae la atención de una manera muy creativa, para que el mobiliario y utilería de la escenografía (de Carolina Jiménez) que integran cada uno de los cuatro actos, pasen un tanto por desapercibidos, en éstas divertidas mini-historietas presentadas cada una tan sólo en cerca de 25 minutos.

LA NOCHE DE LOS SECRETOS bajo la dirección artística de Ginés Cruz es una puesta en escena que trata justamente del destape en la noche de secretos que algunos personajes logran indagar y desentrañar; esto mediante recursos poco comunes, en donde la magia, el pasado que regresa y sucesos inesperados, hacen posible los esclarecimientos.

LA NOCHE DE LOS SECRETOS resulta ser muy ad-hoc con el contenido medular de cada una de las cuatro tramas de la obra; puesta en escena qué por cierto, por séptima vez es presentada bajo un tono de humorismo negro ,que hace que el tiempo escénico vuele para todo el público.

Obras escritas por cuatro talentosos mexicanos que como a-priori mencioné son Adela faena Jacobo Levy, Raúl Solís y José Appo. Éstas están caracterizadas por cuatro actores, quienes son:  Paola Izquierdo, Gabriela Betancourt, Sergio Rüed y Emiliano Yáñez, quienes interpretan a los diversos personajes que se caracterizan por tener una doble moral y falso pudor.

LA NOCHE DE LOS SECRETOS es una Producción de Fundación Teatral Davar A.C. la cual tiene como tónica a seguir, el siguiente fundamento textual que gira en torno al siguiente parámetro:

-Cualquier familia tiene secretos, pero cuando éstos se destapan, traen consecuencias que difícilmente podríamos advertir. Sin importar la religión que profesemos, la postura política que practiquemos o a lo que nos dediquemos, nuestros secretos finalmente liberarán demonios.-

 

LA NOCHE DE LOS SECRETOS es una obra que también aborda temas como la sexualidad, el machismo, la frivolidad, la melancolía por el pasado y, el engaño. Finalmente le comento qué Usted la puede disfrutar en el “Foro A” de La Teatrería todos los jueves a las 20:30 horas.

 

LA REUNIÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-Escrita originalmente para la compañía Teatro en Blanco en 2012. LA REUNIÓN pone el dedo en la llaga en una de las heridas más dolorosas de América Latina y que todavía no termina de sanar: el abuso del poder. De esa manera, cuestiona y conmueve al espectador para que se reinterpreten problemáticas históricas de la región, como la injusticia social, el racismo y rezago de los pueblos originales.-

LA REUNIÓN es una cita secreta entre la Reina Isabel I de Castilla, conocida y registrada por la historia como la Reina Católica (Madrigal de las Altas 1451-1504) con el navegante italiano Cristoforo Colombo (Génova 1450-1506 Valladolid).  Nombre original del descubridor de las Américas, es decir, el inminente Cristóbal Colón, quien como es bien sabido, zarparía en busca de nuevas rutas para llegar a Oriente sin saber que sería el descubridor de un nuevo continente, el cual transformaría no solo las rutas, sino el destino del mundo entero.

Y justamente este encuentro entre los dos mundos es recreado por éstos dos importantes personajes de nuestra historia Universal, quienes con dicho hallazgo le darían un gran vuelco a los territorios por conquistar y por supuesto, al mismo antiguo continente.

LA REUNIÓN es el diálogo ficcionalizado entre éstos icónicos personajes quienes bajo la pluma de su autora chilena, tratara de imaginar lo que sería LA REUNIÓN entre la reina y descubridor ya pasados los años del descubrimiento, tras la conquista de las tierras indígenas, bajo el yugo español.

Para dramatizar ésta texto tan emotivo, también tuvieron que documentarse al respecto para caracterizar de los personajes protagónicos, para lo cual tuvieron que recurrir a indagar en notas biográficas, detalles sobre la psicología de sus personajes que les permitiera actuar en consecuencia con el comportamiento que podrían ser utilizadas durante la puesta en escena.

 Tarea que resultó difícil en cuanto al personaje de Cristóbal Colon, pues como explicara su interprete, es un personaje que pese a ser trascendental en la historia mundial y en especial en la historia de los pueblos latinoamericanos, no se conoce lo suficiente sobre él. De tal modo qué algunos autores le dignifican, en tanto que en los pueblos sometidos, le satanizan.

La obra pertenece por supuesto al género histórico, con ciertos dejes de drama que le infieren perfectamente sus interpretes en cada escena; me refiero al primer actor Juan Carlos Beyer (Cristóbal Colón) y a su co-protagonista (La Reina Isabel) caracterizado por Ana Karina Guevara. 

Ambos actúan con gran plástica escénica. Junto con ellos comparte el escenario la joven actriz Sara Juárez en el rol de un personaje peculiar, quien da fin a éste drama de corte histórico a la obra teatral.

LA REUNIÓN es un texto que impactó a la productora y actriz, Ana Karina Guevara, quien junto con Pilar Boliver (directora escénica de la puesta en escena) se dieron a la tarea de montar ésta dramaturgia. 

Ya ambas habían trabajado juntas en la casi reciente puesta en escena intitulada “Kalho” que se estrenó en  mayo en el 4º Espacio Alternativo del Centro Cultural Helénico.

Actualmente la puesta en escena de LA REUNIÓN se ha estado presentando a partir del pasado 11 de octubre en el Foro “La Gruta” con funciones de viernes a domingos en el mismo recinto cultural, teniendo planeado concluir la temporada de representaciones, el día 1º de diciembre.

 DOS NOTICIAS EN EL MEDIO TEATRAL DEL INBAL

 

TÍTERES EN NUESTRA CIUDAD.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El Festival Internacional de Títeres “La nave espacial”  se presentará a partir del 12 al 27 de octubre en los teatros del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL)  en el Centro Cultural del Bosque, llegando por primera ocasión a al foro CCB a través de la Coordinación Nacional de Teatro.

Dicho festival de corte internacional fue iniciado en el año 2016 en Taxco con el trabajo del dramaturgo y actor Yolothi Castañeda y Frida Islas Suárez. Ésta última es una docente, bailarina y actriz. Ambos se han dado a la tarea desde hace 18 años de cubrir espectáculos en comunidades, barrios en diferentes ciudades del Estado de Guerrero, con un grupo que denominaron “Chitic Producción Teatral”.  

Próximamente el Festival Internacional de Títeres “La nave espacial” (FIIT), contando con cinco montajes diferentes, tienen contemplado representar obras teatrales para niños de la autoría de cada participante, grupos de titiriteros que fueron seleccionados al azar y que cuentan con algunas grupos extranjeros en los que Cuba y Guatemala son participantes.



Fin de la temporada de EL CANTO DE ROLANDO

 

Justo la semana pasada en día domingo 6 de octubre, se dio fin a la temporada de la obra infantil EL CANTO DE ROLANDO  original de Isaac Pérez Calzada en el teatro “El Granero, Xavier Rojas” del Centro Cultural del Bosque 

En EL CANTO DE ROLANDO actuaron Juan Acosta y su mismo autor, el Seños Isaac Pérez Calzada bajo la dirección artística de Paola Izquierdo. La trama aborda una historia en donde dos personajes, construyen un enigmático circo en pleno desierto. Ahí brota la nostalgia junto con las remembranzas de un pasado, inmerso en el mítico y maravilloso mundo circense, en donde los sueños infantiles son abrigados, fluyendo grandes ejecutantes como lo son el domador, el trapecista, el mago, el payaso, etc.

Al finalizar la función se develó una placa, teniendo como invitado al Señor Lomnitz quien asistió para tal efecto leyéndola y clausurándose la funcione con el emotivo aplauso del público familiar presente.

Felicitaciones  todo el equipo creativo!!!!!

 

 TARDE PARA ARREPENTIRSE

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


-¿Cuál es en valor que le damos a la amistad, cundo esta se basa en acuerdos tácitos y caóticos?

TARDE PARA ARREPENTIRSE es la burguesía sin buenos modales.-

Son éstas las premisas en las que se basa la trama de la obra teatral TARDE PARA ARREPENTIRSE. Un texto escrito y dirigido por el mexicano Alan Blasco, autor conocido por su comedia negra Psicomanía; una obra que como tónica tuvo una severa crítica hacia los medios sociales en 1918.

Y justo la dramaturgia de TARDE PARA ARREPENTIRSE es también una crítica social, pero en ésta ocasión hacia una clase venida a más, que logra colocarse como burguesa con despliegues de cierto poderío económico. 

Bajo la producción de “El Círculo Teatral”  que como es bien sabido en el medio teatral, es la compañía integrada por los actores, directores y productores Víctor Carpinteiro  y Alberto Estrella, en ésta ocasión ellos junto con la actriz y también productora Cynthia Kitbo, presentan la obra TARDE PARA ARREPENTIRSE.

Obra teatral cuya puesta en escena cuenta con el reparto estelar integrado por Ana Corti, Anahí Dávila y Estefanía Ahumada, quienes a partir del día de ayer, sábado 5 de octubre se están presentando en el Foro B de “La Teatrería”; cuyas funciones que están programadas concluirse el día 21 de diciembre.

TARDE PARA ARREPENTIRSE es una comedia ácida que presenta a tres chicas quienes tras de una larga amistad, se reúnen para hablar en torno a un singular vestido de novia, el cual detonará un largo confrontamiento entre ellas.

Al respecto de la obra, sus creativos exponen por escrito el siguiente párrafo:

Tras de un gran éxito en temporadas anteriores, TARDE PARA ARREPENTIRSE regresa a los escenarios de la Ciudad de México y durante 75 minutos veremos una comedia donde un acto aparentemente superficial se vuelve tan complejo que detonará una despiadada guerra entre estas mujeres –que han cultivado su amistad por más de 17 años- desatando en ellas la ironía, euforia, odio y desconfianza, poniendo en tela de juicio su relación y encontrándose a la vez consigo mismas. Una obra que consigue dar una mirada mordaz e interesante a las relaciones humanas y un lado más oscuro y radical a la sociedad que se mueve entre la hipocresía y cinismo por procurar mantener sus intereses evitando el bochorno y la vergüenza.- 

Entre los personajes se encuentra Antonela, una joven viuda quien vive de escribir cómics, y quien aparentemente esta ajena a todo. Ángela es una joven mujer nueva rica, aparentemente muy exitosa, quien vive en aras de las marcas de moda y calidad en un mundo totalmente superfluo. Finalmente Abby es el personaje quien, con la noticia sorpresiva de sus próximas nupcias, sin imaginarlo hará una compra que traerá controversias y desacuerdos entre las tres chicas, poniendo en jaque la amistad que éstas han conservado durante largos años.

La puesta en escena de TARDE PARA ARREPENTIRSE consta de un solo acto escénico, en donde se ambienta el cuadro escenográfico conformado por un taburete alojado al extremo del sitio en donde se encuentra un pequeño escritorio, con su respectiva silla. Utilería que enmarca perfectamente la trama de ésta historia.

Respecto al reparto estelar, éstas portan un lujoso vestuario, con maquillaje y peinados a la moda, que resalta la belleza de las chicas, propuesto por el estilista Corrado Pacheco.

Finalmente le comentaré qué esta trama inteligentemente escrita, hace que el espectador se inmiscuya en la historia que se va representado bajo un ritmo de humorismo negro, que le hará divertirse durante todo el tiempo escénico propuesto en un solo acto que presenta una magnífica actuación y dirección artística que pretende hacernos reflexionar ante la “ridiculez humana” .

EN HORA BUENA CÍRCULO TEATRAL Y EQUIPO CREATIVO!!!!

 

 CELEBRAN 150 REPRESENTACIONES: LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Bajo éste rubro es que la Compañía Jengibre Teatro celebró el día de hoy, sábado 5 de octubre, las 150 representaciones de ésta obra teatral infantil LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL SEÑOR PANZA en el Centro Cultural Helénico.

Para tal efecto fueron invitados a develar la placa el Director General de la Compañía “Mejor Teatro”, es decir, el Señor Morris Gilber junto con la dramaturga Maribel Carrasco y Gerardo Gustavo Suárez, el presidente de la ACPT (Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro. 

También se dieron cita el representante de la productora a cargo de Eduardo Romo y la co-productora, es decir, la Señorita Sandra Narváez.

Hace dos años LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA fue la ganadora del Programa Nacional de Teatro Escolar, efectuada en 2017, tras la convocatoria que la Secretaría de Cultura del Gobierno Federal a través del Instituto Nacional de Bellas Artes, lanzara.

La obra se ha presentado en el teatro “Benito Juárez” y en el “Teatro el Galeón” del Instituto Nacional de Bellas Artes y Letras INBAL). LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA es un divertidísimo musical que ha cautivado a cerca de 16,000 espectadores. 

Por su tratamiento escénico, la trama pertenece al género de la comedia fársica; ésta tiene como consigna el concientizar a los pequeñitos y, por supuesto a sus padre a cuidar su dieta y no ingestar comida chatarra ni alta en grasas azúcares o harinas. 

Por otro lado, su historia también abarca la temática qué desgraciadamente hoy en día esta en voga y, que es, “el bullying”. La historia lo remarca desde un punto de vista físico, por lo que los niños suelen victimizar y ser victimizados frecuentemente por parte de sus compañeritos. 

Temática a tratar en la dramaturgia que se logra esbozar bajo una tónica de humorismo negro que se logra mediante los diálogos bien estructurados y las caracterizaciones vistosas, coloridas y bien actuadas, que suelen arrancar rizas y carcajadas del público tanto infantil, como adulto.

LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA es una obra teatral con música en vivo y canciones acorde a la historieta del “Doctor Panza”, quien tiene como lema “hacer el mal, sin mirar a cual”.

Con respecto al contenido temático de la obra infantil, la compañía difusora a través de su boletín de prensa expresó de manera textual el objetivo que les llevó a producirla ésta divertida comedia:

-Se trata de una obra musical que nace por la necesidad de comunicarse con los niños de manera efectiva con respecto a los problemas de sobrepeso y discriminación a la que pueden estar expuestos. Los personajes de la historia nos muestran de manera indirecta y clara la carencia de sentido que tiene la violencia y la discriminación, siempre apostando por la inteligencia social del niño.

El autor Ángel Luna apunta: ésta obra la escribí pensando en mis papás y mis sobrino. Cuando era niño odiaba que me dijeran qué hacer. Sentía más empatía por los personajes malos de las historia, aún así todos entendíamos que estaba mal con los cuentos. Así fue como escribí a un personaje simpático que se dedicara a convencer a las personas para que coman hasta engordar y que fuera tan seductor como lo son los carbohidratos que contiene la comida chatarra….  -

LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA se encuentra musicalizada por el Señor Hazael Rivera. La dirección es de Roam León, también músico quien se dio a la tarea de reunir a un elenco medido bajo el parámetro de incurrir como requisito, tanto en ser actores, como músicos, para lograr presentar ésta agradable comedia llena de moralejas y consignas en aras de que los infantes logren disfrutar y tener un mejor lugar como las personitas que están actualmente y seguirán habitando éste mundo.

En LAS TERRIBLES AVENTURAS DEL DOCTOR PANZA participa el mismo Ángel Luna, Flores,  Roam León Olvera, Hazael Alfonso Rivera Pedroza, Adrián Aranda, Hugo Rocha, Andrés Torres Orozco, Bruno Salvador y Gerson Martínez. 

Las funciones se llevan a cabo los días sábados y los domingos; ello será tan sólo durante ocho semanas más, teniéndose planeado concluir las representaciones el día 1º de diciembre del presente año, en el Teatro Helénico.

 

 LOS DEENMEDIO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


El próximo día 11 de octubre se estrenará en el Teatro Royal la puesta en escena LOS DE ENMEDIO. La puesta en escena de LOS DE EN MEDIO está a cargo de uno de los máximos exponentes de la comedia en nuestra ciudad, me refiero por supuesto al Señor Jorge Ortiz de Pinedo Pallás, gran comediante, actor, escritor, director artístico y productor teatral quien le ha dado gran auge a éste género actoral.

Le diré qué el Señor Jorge Ortiz de Pinedo y Ruiz Tello Cano, su nombre auténtico de nacimiento (marzo 26 de 1948) es hijo de uno de los máximos exponentes de la comedia en México, es decir, del fallido actor Don Oscar Ortiz de Pinedo y de la gran actriz y bailarina también fallida Lupita Pallás Téllez. Por ende es el heredero  del talento histriónico de sus padres.

Le diré qué el Señor Jorge Ortiz de Pinedo, quien ha incursionado tanto en el medio cinematográfico, como en televisión y quien es reconocido por sus compañeros actores como un gran amante del teatro, el día de ayer jueves 3 de octubre junto con su esposa la Señora Gabriela Sánchez Hinojosa, dieron a conocer los pormenores del próximo estreno de la comedia inspirada en la dramaturgia original de Alfonso del Paso intitulada “La corbata”; obra que se presentará el próximo 11 de octubre en el Teatro Royal.

Sin embargo dicha dramaturgia se titulará LOS DE ENMEDIO debido a que la casa productora consideró que la historia a presentar, quedaría más ad-hoc a la temática a tratar, en donde se presentan dos familias. La primera es una familia perteneciente a la clase alta, en tanto que la segunda es una familia muy humilde que se apodera de uno de los terrenos de su jefe. La tercera familia a presentar será por supuesto la familia de LOS DE ENMEDIO.

Al respecto, en el boletín de prensa se menciona de manera textual, el siguiente comunicado a manera de Sinopsis sobre la próxima puesta en escena:

-LOS DE ENMEDIO nos muestra una divertida historia en donde veremos a una familia de clase media, prácticamente; “apachurrada” por las presiones de la familia del dueño de la compañía donde trabaja el sufrido padre de familia y la familia de un líder de paracaidistas que invadió un terreno del poderoso empresario para quien trabaja. Y entre el rico y el pobre harán sufrir a LOS DE ENMEDIO.-

Justo el personaje del jefe de familia de LOS DE EN MEDIO se encuentra caracterizado por el gran comediante Ausencio Cruz, a quien ya tenía algo de tiempo que no veíamos en escena, en tanto que el actor Gerardo González interpretará al empresario rico y, en el rol del líder de los paracaidistas estará el Señor Jorge Ortiz de Pinedo, quien además dirige ésta divertida comedia, de la cual se nos permitió gozar de unas breves escenas a manera de probadita.

Junto con ellos se presentarán en escena, Laura Luz, Adriana Moles, Gabriela Sánchez Hinojosa, Gina Varela, Mario Moreno III, Rocío de Santiago, Luz Edith Rojas, Ara Saldívar, Oscar Medellín, Rubén Carpinteiro y Vicente Rojas.  

¡Viva la comedia en México!

 

MÉXICO 68

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Dramaturgia y dirección del maestro David Olguín. Él nació en la ciudad de México  en 1963. Tras de egresar del Centro Universitario de Teatro (CUT) y la Facultad de Filosofía y Letras (UNAM) comenzó poco a poco su labor como ensayista, dramaturgo, narrador, director y coordinador del taller del Teatro “El Milagro”. 

Una de sus más recientes obras es MEXICO 68 la cual se estrenara el año pasado y, actualmente, se ha vuelto a presentar en el margen de la conmemoración del trágico suceso acontecido en la Ciudad de México, en la zona multifamiliar de Tlatelolco el 2 de octubre de 1968.

Justo la obra se reestrenó el miércoles pasado 2 de octubre en el mismo recinto cultural. La trama de dicho drama, gira por supuesto en torno a ese suceso trágico de nuestra historia la cual marcó fatídicamente a numerosos estudiantes y por ende a familiares, en donde el entonces presidente en turno de la República Mexicana fuese el abogado Gustavo Díaz Ordaz.

Como es bien sabido, su gobierno abarcó el sexenio de entre 1964 hasta 1970, dando paso en el 1º de diciembre a quien tomaría posesión de la silla presidencial, el Licenciado Luis Echeverría Álvarez, propuesto al parecer por el mismo Díaz Ordaz por l sistema que entonces se conociera como “el dedaso”.

Todo ello es escenificado con parte del genial imaginario acontecido de David Olguín y escenificado por el maestro Gabriel Pascal en un solo tiempo escénico, cuyo cuadro escenográfico consta de dos plataformas ubicadas cada una en cada extremo del escenario, así como del uso de utilería entre la que resalta una gran mesa con sus respectivas sillas, en la cual se escenifica el gobierno autoritario y sin razón de Díaz Ordaz.

La obra se encuentra musicalizada con piezas de Jimi Hendrix, Black Sabath, The  Doors, The Beatles, Los Hitters, Metallica, Ed Cox y Clown Core, grupos extranjeros, que por demás esta decir que fueron las bandas icónicas que sonaran mundialmente y por supuesto en MÉXICO 68 en aquella época de los fines de los 60’s y 70’s, lo cual permite que el público se adentre más en la atmósfera que se  viviera durante la tragedia.

En la puesta en escena se presenta el elenco estelar formado por el primer actor Mauricio Davison, quien como siempre actúa con gran histrionismo actoral; él  junto con el joven grupo de actores pertenecientes a lo que hoy día se ha dado por conocer como integrantes del “Milagrito” y quienes son Mar Oroko, Yenizel Crespo, Manuel Cruz Vivas, Ramiro Galeana Mellin, Valeria Navarro Magallón, Viridiana Tovar Retana e Iván Zambrano Chacón. Todos ellos mostrando gran entusiasmo al interpretar a sus personajes y prometiendo convertirse en espléndidos actores.

 

MÉXICO 68 se presenta los días miércoles en el Teatro “El Milagro” de la Ciudad de México a las 20:30 horas.

 

HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS.

POR: Dalia María teresa de León Adams.

 

Con la autoría de Gibran R. Portela y la excelente dirección artística de Cristian Magaloni, la puesta en escena de HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS se ha estado presentando en el Teatro Sergio Magaña, bajo la autoría de la Compañía “Teatro en una cáscara de nuez”.  

La obra lleva un título controversial que nos remite a la parte medular o esencial de una historia muy cruenta, en la cual una familia totalmente disfuncional mantiene una peculiar relación, en donde la tragedia se advierte, amenazando cada día con filtrarse. 

La trama comienza con unos jóvenes, Leo y Ham, quienes son constantemente cuestionados y reprochados por parte de su madre; una mujer intolerante e impositiva. 

Por otro lado el padre, un aparente amante esposo, mantiene una relación carente de todo tipo de afecto hacia sus propios vástagos. Él lleva consigo un secreto de familia que inquieta a Leo, el menor de sus dos hijos .

Leo por ende suele ante las circunstancias de rechazo familiar, orinar en cama durante las noches de constante angustia. La madre por su parte, suele castigarle y mencionar repetidamente a sus dos hijos la frase:  HAY UN LOBO QUE SE COME AL SOL TODOS LOS INVIERNOS;  explicando aparentemente con dicho argumento, el porqué por ello, es que cae siempre la noche. Sin embargo, realmente la frase lleva un sentido un tanto macabro.

La madre suele llamar telefónicamente de manera cotidiana, su marido, sugiriendo que su hijo Leo en cualquier momento tomará las características de un depredador que le comerá. Él siempre de inmediato reconoce la voz de su mujer, sin embargo no hace nada por acallar o enfrentar la situación.

Hallazgos atroces suceder dentro  del vecindario, en donde se presiente la presencia de un depredador que ronda constantemente el vecindario. Paralelamente surgen dos muy breves brotes de romance en escena, aún cuando no tienen gran peso escénico en la trama.

Escrita por Gibran R. Portela como inicialmente mencionamos, la puesta en escena en un solo cuadro escénico propuesto por Miguel Moreno, esta compuesto por puertas de cristal transparentes que permiten el juego escénico de éste drama ejecutado a media luz, permitiendo que la dramaturgia transcurra precisando los distintos momentos de la historia, los cuales suelen ser advertidos perfectamente, tras la caracterización de las diferentes escena.

En la puesta en escena de HAY UN LOBO QUE SE COME EL SOL TODOS LOS INVIERNOS los efectos de sonido que acompañan la trama de ésta historia de terror,  son precisados por instrumentos en vivo, destacándose el contrabajo ejecutado al fondo del escenario.

 

El reparto estelar esta compuesto por Pilar Ixquic Mata, Arnoldo Picazzo, Roberto Beck, Gonzalo Guzmán, Assira Abbate y Julio César Luna. Todos ellos haciendo gala de un gran histrionismo escénico que logran con gran talento dirigir su director escénico. 

HAY UN LOBO QUE SE COME AL SOL TODOS LOS INVIERNOS se presenta los fines de semana en el Teatro Sergio Magaña.

PARA LA LIBERTAD México 68.

Dalia María Teresa De León Adams.

 

Hablar de la verdad o, de una realidad histórica no es fácil de ensamblar o lograr en una dramaturgia cuando además debemos hacer uso de la ficción y de figuras retóricas a partir de diálogos y anécdotas que se hilan para tal efecto; pero además incluir un repertorio musical que vaya ilustrando cada escena durante un montaje escénico, constituye prácticamente un reto a seguir.

Le diré qué todo esto constituye la revista musical original de Omar Olvera PARA LA LIBERTAD México 1968 la cual además estuviese también dirigida por su autor, quien mostrando gran sensibilidad con respecto al tema.

Le comentaré que concluyó la temporada de representaciones el reciente domingo pasado 29 de septiembre, debido ha haber sido contratado Omar Olvera para llevar su puesta en escena  a montarla en el extranjero.

La trama, como se insinúa en el propio título PARA LA LIBERTAD México 68 narra algunos de los sucesos trascendentales de los años 60’s, como por ejemplo el hecho trascendental de la llegada por primera vez por el hombre a la luna, la sonorización de algunos comerciales que se escuchaban en la radio en aquellos tiempos, noticias del momento y la música que sonara en las estaciones de radio. 

En éste último respecto la obra se apoyó en específico, en los afamados cantos del catalán Juan Manuel Serrat, cuyas canciones icónicas fueron interpretadas por todo el reparto estelar de la obra.

Por supuesto que no podía faltar el recrear los sucesos acontecidos en el año de 1968 en nuestro país; es decir, los hechos adversos en el que se basó el movimiento padecido por los entonces estudiantes univeritarios que acudieron a Tlatelolco a alzar sus voces en contra del sistema operante y represivo del presidente en turno, quien como es de todos sabido fuera el Señor abogado Gustavo Díaz Ordáz Bolaños, quien se mantuvo en el poder legislativo durante el sexenio que duró de 1964 a 1970.

En el cierre de las representaciones en nuestro ciudad, se develó una placa, siendo invitada para ello una de las mujeres activista en el movimiento armado de México 68, hecho que le causara ser amenazada, perseguida, torturada y encarcelada por dicho régimen político. 

Ella fue la Señora Nacha Rodríguez, quien entre lágrimas de afección por las remembranzas del pasado que le removieron las heridas las cuales, como hizo patente, aún están vivas en su alma soñadora, lastimada y ahora profundamente decepcionada.

Finalmente le comentaré qué el productor de la obra PARA LA LIBERTAD México 1968 , es decir el Señor David Cuevas, a colación de la intención que le llevó a apostar por la presentación de éste drama histórico musical, ya había mencionado por escrito en el programa de mano de manera, sosteniendo de manera textual los siguientes argumentos:

-A lo largo de mi vida he luchado de distintas formas por defender mi libertad, sigo aferrado a ella convencido que nadie debería pedirla sino vivirla.

Hoy me siento libre de expresar lo que pienso, de hacer lo que quiero hacer, de estar con quien me regala paz, de amar libremente, de seguir mis sueños. Me siento libre al procurar coherencia entre mis actos y mis palabras, de decidir qué quiero ser y qué no quiero ser. No me rindo en este mundo en el que la represión y la censura no pasan de moda, en donde la libertad de unos incomoda a otros.- 

 

 

 

LOS INSOPORTABLES

POR: Dalia De León Adams

 

Bajo la dirección escénica de Andrea Meza Rodríguez la puesta en escena de LOS INSOPORTABLES de Jean Baptiste Poquelin (Molière) ha sido puesta en escena en el Foro Salvador Novo. 

El elenco está formado por Aldo González y Paolo Becerra, dos grandes jóvenes actores, quienes demostraron tener dotes como comediantes en ésta divertida obra fársica, del afamado escritor universal francés, Jean Baptiste Poquelin, conocido en el medio literario y teatral, como Molière (Paris 1622-163). 

Entre sus obras más representadas se encuentra “Tartufo”, “El enfermo imaginario”, “El avaro”, ”El misántropo” y “El ricachón de la corte”, sin embargo LOS INSOPORTABLES es una de sus comedias más divertidas.

Empero a ser una crítica severa a la sociedad, como suelen ser la mayoría de las obras de Molière, sus textos continúan retratando a los personajes de la vida real, haciendo una crítica subjetiva e incluso a veces severa, tanto de la nobleza de las cortes seculares, como del pueblo francés en general y su idiosincrasia, que las continúa colocando en el gusto del público asistente.   

Hoy en día LOS INSOPORTABLES se presentan bajo el arreglo escénico de Andrea Rodríguez y Aldo González, haciéndonos reír y disfrutar de ésta comedia fársica. La puesta en escena mantiene su frescura y la dotan por otra parte de un “plus” en cuanto a la manera chuscas de presentar a los distintos personajes de la obra teatral.

 Le comentaré a manera de sinopsis qué la trama “ventila las culpas que a veces nos generan los deseos tanto propios como ajenos”, como bien argumenta con sus propias palabras, el mismo grupo creativo “Pique, repique y capote tearo” que la presenta. 

La manera de conducirse en el siglo XVII en que viviese Molière, se pone de manifiesto durante todo el tiempo escénico, sucesos que causara gran controversia en su momento, pero que en la actualidad, nos lleva a introducirnos en dicha época observándola con dejos de gracia.

LOS INSOPORTABLES en ésta puesta en escena maravillosamente dirigida y actuada, presenta un colorido y llamativo vestuario a cargo de Emelia Loredo qué aunado con la escenografía fija puesta en un solo cuadro y tiempo escénico, enmarcan con gracia el montaje producido por Laila Velázquez.

¡En hora buena! Al equipo creativo de “Pique, repique y capote teatro

LA ABADESA o Crónica de las vicisitudes de la monja de Belén.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Bajo una tónica acerca de la condición humana, que nos hace en ocasiones cuestionarnos ¡Cuál es el precio a pagar por la verdadera libertad? vuelve el montaje de la obra teatral LA ABADESA o Crónica de las vicisitudes de la monja de Belén en ésta ocasión, en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

La obra forma parte de una trilogía escrita por Jorge Gidi, su autor y director escénico, quien parte  de la premisa o temática medular sobre la misoginia que impera en nuestra sociedad, pero qué aún se vivía de manera más drástica e imperante, en el siglo XVII que interesa mostrar.

La obra toma como marco ideológico la época virreinal, retratando la idiosincrasia secular en donde el rol de la mujer exigía sometimiento total a su pareja, bajo un machismo retrógrado que degradaba totalmente a la mujer, no permietiéndole desarrollarse socialmente, además despojándola de todo derecho a heredar, y castigándola si no se sometía al yugo marital, entre otras cosas que se ventilan en ésta genial y puesta en escena, llena de elementos de la época bajo un marco escénico barroco, en donde se introduce música original del maestro Manuel Mejía, quien ejecuta en vivo su instrumento llamado laúd (que fuese de la usanza virreinal) interpretando ocasionalmente algunas canciones, junto con los actores en escena.

Su autor tras de haberse alejado por un tiempo del escenario mexicano alojándose en el país de Canadá, regresa y explica textualmente lo siguiente:

 -Es la primera obra de esta trilogía que nace como idea hace años, estando lejos de México y que parece montarse en las espadas de los movimientos feministas de estos tiempos. Nada más alejado de mi intención.

Hay tres intereses que me llevan a crear esta obra: una fascinación por el barroco colonial novohispano, mi interés por las artes marciales filipinas y mi necesidad de reflexionar y confrontar mi propio machismo, tanto de manera personal como profesional.-

La historio nos lleva a presenciar el trato que padece una mujer sometida a su marido, quien tras de las golpizas recibidas, un buen día decide escapar refugiándose en un convento. Tras de donar sus joyas al recinto sagrado,  para de eso modo ser aceptada como futura esposa de Dios, la mujer es buscada por su marido, quien hace todo lo que está en sus manos con la finalidad de que ella vuelva al hogar, incluso amenazarla e ir con las autoridades eclesiásticas a denunciarla. En el texto aparece un tercer personaje que retoma gran importancia escénica y que es, el de una joven oriental diestra en las artes marciales. 

 

En la obra actúan en los roles protagónicos Rosa María Teixido, Raúl Román y Cinthia Patiño, siendo éstos dos últimos actores, quienes además ejecutan diversos caracterizaciones para darle vida a distintos personajes secundarios. Todos ellos matizados con un toque de humorismo negro, que hacen que la obra además de un tanto ilustrativa, sea todo un deleite.

 

ORO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Al filo del 8º encuentro de Lectura en Voz Alta, se presentó la premier de la dramaturgia ORO, un drama-fársico, que acorde con su autor, el Señor Benjamín Bernal, es una visión iconoclasta de lo que todos adivinamos pasó en una anécdota de la vida nacional.

Inspirada en la anecdótica y polémica figura política de Rosario Robles y el Señor Ahumada, el dramaturgo imagina situaciones que en base a los rumores populares  que aseguraran que ambos eran una pareja de amantes, Bernal imagina lo que tal vez pudo pasar.

En el drama, Robles es una de las tantas victimas de Ahumada. Tal vez la moraleja podría ser de qué “para cada zorro existe un depredador mayor”. En realidad la historia esta tan bien estructurada que permite muchas lecturas e interpretaciones al respecto y aspectos a considerar.

La lectura se llevó a cabo en el Foro teatral “El Foco” contando con gente profesional en la lectura dramática de ORO por parte de la “Compañía Toputshi”, bajo la dirección artística de Noé Nolasco, quien además prestara su voz en la lectura dramatizada. Así dió vida al personaje de uno de los detectives muy calificados que emergen en la búsqueda de las dos figuras políticas que han causado tanto escándalo y polémica en nuestro país.

Con él se presentaron en el escenario Sandra Galaviz, Kizai Maldonado y César Real. Todos realizando un espléndido papel, en cuanto a su presentación actoral en donde la vocalización y la modulación de la voz jugaron un rol preponderante durante la lectura dramatizada.

Como plus, llevaban un atuendo y utilería muy ad-hoc con la trama, la cual hablaba de una pareja de amantes que tras el juego de la seducción, son sorprendidos por una extraña pareja ataviada de manera peculiar, quienes tras una ardua y profesional búsqueda de índole detectivesca, se presentan en el cuarto del hotel en donde se encontraba la pareja, juzgándolos incluso, de manera más allá de lo convencional o lo evidente, llegando a una retórica totalmente bíblica y brillante, al respecto.

Al evento se sumó algunos amigos y personalidades del medio teatral para acompañar al autor, es decir, al maestro Benjamín Bernal, a la presentación de la lectura de la historia.

Finalmente le comentaré, por si Usted aún no lo sabe qué el Señor Benjamín Bernal tiene un impresionante Curriculum Vitae. Es Abogado e Ingeniero por profesión, habiendo estudiado en la UNAM y en el Colegio LaSalle. Hoy en día es un gran informador, cubriendo espacios tanto en la radio en “Teatrikando”, como en la televisión ubicándose como asesor el Canal “SHE” además de ser un espléndido periodista.  

 

Es escritor de libros y creador de revistas electrónicas en donde funge como director en el medio digital denominado “Expedientes Secretos”. Colabora en los periódico “El Sol de México” y en “El Día” con temas de interés en política, finanzas, derechos humanos y arte. Y por si fuera poco, además es naturista y acupunturistas.

 

EL ÁNGEL DE LA VALIJA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



La Compañía Argentina Toia&Callaci fundada por Agustina Toia y Severo Callaci (ambo egresados de la Escuela de Teatro de la Ciudad de Rosario en Argentina) presentaron el día de ayer 25 de septiembre, el monólogo EL ÁNGEL DE LA VALIJA

Una comedia poética perteneciente al género fantástico, escrita y dirigida por Sergio Mercurio e interpretada por Severo Callaci, y  puesta en escena el Centro Cultural El Hormiguero. 

El pasado 24 de septiembre la obra teatral EL ÁNGEL DE LA VALIJA ya se había presentado en el Teatro Javier Barros Sierra en el FEST Acatlán.  Ayer, contando con foro lleno, la puesta en escena incluyó la representación de diversos personajes caracterizados con gran plástica actoral por parte del actor Severo  Callaci, quien mediante juego ocasional de mímica, modulación de la voz que simulaban diferentes personajes bien delimitados, además por los movimientos corporales, ejecutó maravillosamente sus personajes.

Todo ellos caracterizados mediante diálogos bien estructurados que lograron hacer que de algún modo que las distintas historias, se hilaran en el mismo monólogo en torno a EL ÁNGEL DE LA VALIJA, un ser que decide dejar todo en el mundo, menos su velís.

Así es como retomaron vida tanto personajes femeninos, como masculinos, en una trama puesta en escena en un solo cuadro carente de escenografía, pero que al final de cuentas no era necesaria, pues el actor Severo Callaci con tan sólo con un valís, un lienzo de tela y una vara, logra adecuar su espectáculo, trasformarse en el  mismo escenario en los 10 distintos personajes. 

Le comentaré qué a dramaturgia surgió del planteamiento que Borges hiciese en torno a su pensamiento retórico que se basa en que “cada hombre es todos los hombres, los que fueron y los que vendrán”.

El intérprete de la obra teatral EL ÁNGEL DEL VALÍS comentó que próximamente la puesta en escena seré representada en el Estado de Oaxaca, lugar en donde concluirá la gira en nuestro país, ya que anteriormente fue montada en diversas partes de la República Mexicana.

Finalmente agradeció el buen recibimiento con que la presentación de la obra EL ÁNGEL DE LA VALIJA fue acogida en nuestro país. Le comentaré qué en el presente año fue seleccionada para formar parte en el Festival “Theaterwelten” en Alemania, en el “Spot of West Festival” de Bélgica y, en el “5º Festival Internacional de Teatro Escenabierta” que se celebra en Guanajuato. 

Además la Compañía Toia&Callaci se dieron además a la tarea de llevar a cabo un taller de entrenamiento físico  que denominan a su juicio como “expresivo y composición de personaje en búsqueda de una poética personal “ que incluye entrenamiento físico y expresivo, con búsqueda a una poética propia. 

El taller se efectuó el día de ayer, miércoles 25, y hoy jueves 26 de septiembre también se llevará acabo desde las 13:00 hasta las 17:00 horas) en el Centro Cultural “El Hormiguero”.

 

INADAPTADA SOCIAL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

ANORMALUS EXTRAÑUS VULGARIS de Ángel Joel Hernández, es una dramaturgia que habla sobre el bulling que algunos adolescentes sufren hoy en día, en muchas partes del mundo. Problemática qué ante los ojos de su escritor, enfrentan también los “inadaptados sociales”.

¿Y a qué se refiere dicho apelativo? Usted podría preguntarse. Pues bien, comúnmente son aquellos niños, adolescentes o jóvenes que actúan de manera diferente al resto del grupo en que se encuentran, por lo cual sufren de agresiones de diversa índole, por parte del resto.

Sin embargo, en la historia de INADAPTADA SOCIAL se trata de una joven quien recibe maltrato tanto físico, como verbal, tras de qué un exnovio, la expusiera en las redes sociales mostrándose desnuda en una fotografía, haciéndola pasar como una frívola chica si moral alguna. Hecho que además le trae muchos problemas personales de autoestima, incluso la llevará a padecer del resentimiento de su mismo núcleo familiar y al tener una conducta hostil y retraída.

La obra teatral INADAPTADA SOCIAL empero a todo, también constituye un drama con un enfoque  totalmente romántico. Muestra los inicio de la relación entre una pareja de adolescentes, quienes tras un episodio hostil sucedido en el aula de clase, comparten sus secretos y soledades.

Lucía es una chica que acaba de ingresar a una nueva escuela, tras de los conflictos que le generara su antiguo novio Carlos, quien tras de sentirse desdeñado por ella, él despecho por el abandono de Lucía (quien descubriera una infidelidad de su novio con otra compañera de la escuela) sube su fotografía, difamándola además.

Lucía empero a haber cambiado de institución educativa, sufrirá muy pronto del problema que le causara en las redes sociales, llevándola a sufrir nuevamente de bulling, pero ahora, por parte de sus nuevos compañeros, quienes la trata de manera muy hostil.  

Sin embargo en su clase encontrará a Diego, un compañero, quien intentará protegerla a toda costa, desatando el odio del joven líder del salón llamado Rodrigo.

En INADAPTADA SOCIAL actúan Gabriela Cházaro, como la narradora omnisciente y omnipresente, quien todos sabe, incluso hasta los pensamientos, sentimientos e intenciones de cada uno de los personajes protagónicos; ellos son Gabriela Aguilar, en el rol de Lucía y, Edgar Sol, quien caracterizando al personaje de Diego.

NOSOTROS SOMOS DIOS

POR: Dalia María Teresa De león Adams,

 

Título y trama irreverente, que causara que la obra fuese censurada en su momento. Fue escrita en el año de 1962 por el destacado escritor mexicano Wilberto Cantón.

Su contenido, a manera de breviario corresponde a la novela revolucionaria. En ella se habla de la familia Álvarez. Una familia en donde el juego del amor a la patria, el deber y el amor familiar se contraponen hasta el extremo de la muerte. El autor pone en riesgo a sus personajes dotándolos de argumentes muy bien estructurados e inteligentes que hacen cuestionarse ¿hasta dónde se puede proteger y perdonar al enemigo político que habita en la propia familia?

NOSOTROS SOMOS DIOS más allá de dibujar la realidad de uno de los pasajes de la historia de nuestro país, muy trascendentales, retoma las dos caras de la moneda en el juego del poder; es decir qué no hace alarde de una sólo idiosincrasia, como suele suceder en la mayor de las producciones literarias que manejan la situación de manera maniqueísta creando a personajes que o son buenos, o son muy malos.

Ésta obra por el contrario, pone en balance tanto el pensamiento de los jóvenes revolucionarios considerados como anarquistas, quienes se enfrentaron al gobierno dictatorial de Porfirio Díaz, pero no deja de lado el sentir y pensar de las fuerzas opresoras conservadoras del régimen derrocado del General Díaz, a los cuales también dota de errores y aciertos.

Al respecto de éste drama, la casa productora expone las siguientes aseveraciones:

-Hernán Producciones realiza uno de los montajes más importantes del teatro mexicano… “Nosotros somos Dios” de Wilberto Cantón, obra ganadora del premio Juan Ruiz de Alarcón en el año de 1962, considerada como la obra más artística, mejor construida, la que esta adornada de los valores dramáticos más permanentes.

Una obra que la revolución no encontraba, la pieza que puede compararse por su valor literario y su trascendencia ideológica y social a las novelas de Azuela, a los frescos de Diego Rivera, a los cuentos de Rafael F. Muñoz; todo esto dicho y escrito por Rafael Solana, dramaturgo y crítico teatral.-

El montaje escénico de la obra teatral de NOSOTROS SOMOS DIOS fue puesto en escena hasta el día de ayer domingo 22 de septiembre, en uno de los recinto más hermosos de nuestra ciudad, me refiero a “La Capilla Gótica” que se encuentra inmersa en el Centro Cultural Helénico, bajo la excelente dirección del Señor Armando Hernán.

Lugar en donde se debeló una placa por cumplir las 200 representaciones, por lo que fue invitado para tal efecto, el actor Juan Ignacio Aranda.

Sin embargo, gracias a ser una obra qué a partir del año 2005 se ha estado representando, primero en la Casa del Actor, para continuar en diversos escenarios su recorrido, ayer se dio a conocer que NOSOTROS SOMOS DIOS continuará presentándose, pero ahora dentro de uno de los espacios del Instituto Helénico en sábados y domingos

 

Y por su puesto continuarán formando parte de éste magnífico drama todo el equipo y el elenco encabezado por el primer actor, el maestro Sergio Márquez, Eduardo de Albar, Isaac Flores, Martha Tron, Ana Luisa Tron/Daniela Yépez, Enrique Díaz Durán/Lulo Plata, Oscar Sarmiento Schultz y Elíú Pérez Landín. Quienes por cierto, actuaron con gran sensibilidad histriónica durante toda la obra  presentada en un cuadro escénico y dos tiempos.

 

TITUS ANDRÓNICUS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



-ME HUBIERA GUSTADO CONOCER A SHAKESPEARE, ME HUBIERA GUSTADO HABLAR CON ÉL Y PREGUNTARLE ¿QUÉ ES PARA TI TITUS?: ¿UNA COMEDIA DE HUMOR NEGRO? ¿UNA TRAGEDIA ATERRADORA? ¿UN RETRATO DE NUESTRA REALIDAD? NO PUEDO HACERLO, ASÍ QUE PARA RESPONDER A MIS PREGUNTAS, VISITO SU TEXTO, LO DESENTRAÑO Y BUSCO EN CADA ORACIÓN LA RESPUESTA. ¿POR QUÉ? ME REPITO. ¿POR QUÉ ESCRIBIR UNA TRAGEDIA DE DIMENSIONES TAN ATERRADORAS? CADA QUIÉN TENDRÁ SU RESPUESTA. –

Éstas son las palabras con las que se expresa textualmente Angélica Rogel, la traductora adaptadora y directora de la reciente puesta en escena que se llama TITUS, cuyo texto fue escrito por el célebre dramaturgo inglés Williams Shakespeare (Stratford-upo-Avon, Reino Unido 1564-1616) .

La obra originalmente se intitula TITUS ANDRÓNICUS. Fue escrita en el año de 1593, y representada por primera ocasión, en 1594 en el Teatro “La Rosa” en la ciudad Londinense. La obra ha sido considerada por su contenido como perteneciente al género Revenge Tragedy (tragedia de revancha).

TITUS actualmente esta representada por reconocidas y talentosas figuras del medio teatral, como lo son  Antonio García Lozano, Antonio Vega, Nailea Norvid, Pablo Perroni e Inés de Tavira, quienes actúan junto con prometedores actores jóvenes en cuanto a experiencia actoral se refiere, quienes son Yuriria del Valle, David Calderón, Emiliano Cassigoli, Jyasú Torruco y Rodolfo Zarco.

Todos ellos formando un gran equipo actoral en ésta obra sumamente sangrienta y sanguinaria, producto de la pluma de uno de los más grandes escritores universales, que se han destacados en el género de la tragedia.

Y como afirma la directora escénica de la reciente puesta en escena, es decir, Angélica Rogel como a-priori he mencionado: 

-PARA MI ESTA OBRA ES UN RETRATO DEL FUTURO; DE LO QUE ESTAMOS CONSTRUYENDO. UNA ASQUEROS FOTOGRAFÍA DEL SER HUMANO, DE SU DECADENTE FORMA DE ACTUAR.  DOLOROSO, ABSURDAMENTE DOLOROSO. UN RETRATO TAN BRUTAL QUE ATERRA Y A LA VEZ DA RISA; IGUAL QUE VERLA EN LAS NOTICIAS DEL DÍA A DÍA: UN HORROR, QUE PARECE UNA BROMA DE MAL GUSTO.-

TITUS es un montaje escénico que muestra la insensibilidad y el salvajismo que aún en el paso de los miles de años, no se ha descartado de la esencia “humana”. Temática qué aunque nos continúa impresionando e indignando, se encuentra presente siempre en la lucha por el poder que se enmascara disimuladamente en las revueltas y las guerras.

El montaje escénico cuenta con un magnífico diseño de escenografía (de Adrián Martínez Frausto), de musicalización (de Hans Warner) de vestuario (de Estela Fagoaga), y de imagen (Anadia Buen Rostro) que tienen brotes de una mezcla entre  antigüedad y contemporaneidad que nos remite a los tiempos antiguos, pero que nos habla secretamente de una época reciente aún inflexible.

TITUS se ha estado presentando a partir del jueves pasado 19 de septiembre en el Teatro Helénico bajo la producción de la Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico, la Compañía “La rama de Teatro”, BHS y Oscar Uriel.

ASATIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams



Es una obra que trata sobre la incertidumbre generacional según el planteamiento del Grupo Colectivo Berenjena; creativo de la puesta en escena ASATIA, quienes por séptima ocasión montan esta obra, tras de colocarse en el gusto del público.

ASATIA en pocas palabras se puede resumir como una historia que intenta describir el cómo algunas personas en aras de logros profesionales, anulan su vida personal llegando a extremos a veces, irracionales.

Protagonizada por la actriz Verónica Bravo el personaje de Paula, ella actúa caracterizando a una joven mujer profesionista, quien pretende perfeccionarse como chelista, cursando para ello una maestría en el extranjero, al acariciar su sueño máximo, que es el de formar parte de la Orquesta Sinfónica de Berlín. 

Con ella se presenta el actor Eduardo Orozco, quien interpreta a la vez, a diversos personajes. Al respecto comentaré que ambos demuestran tener madera de actores, como se dice en el medio artístico a la gente que demuestra tener talento en dicho ámbito.

El montaje se sustenta principalmente en las actuaciones, en un discurso que refleja el vacío de individuos que basan su amor propio y autovaloración en el éxito profesional, circunstancias que al mismo tiempo los hace sentir insuficientes. La puesta en escena pone al descubierto el sentimiento de frustración de las personas que no pueden cumplir con las expectativas profesionales que socialmente les han sido impuestas.

Pero además de ésta apreciación que ofrece la Compañía, paralelamente se presenta  aun gran amor entre dos seres, Paula y Matías, además de una relación familiar disfuncional, un escritor que planea hacer una novela de amor, pero que la pluma le lleva a narrar circunstancias de desapego y frustración personal y

Todo ello matizado con un dejo de drama e incluso de sarcasmo, dentro de la farsa escénica. Como dato complementario le mencionaré que El Colectivo Berenjena escribió la dramaturgia de ASATIA en el año 2016, momento desde el cual se ha estado representando en distintos recintos culturales.

ASATIA se presenta bajo la producción de La Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes, en el Teatro “El Granero Xavier Rojas” en el Centro Cultural del Bosque.   

ESTUPIDA HISTORIA DE AMOR EN WINNIPEG

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico, El Fondo para las Culturas y las Artes y Sebastián Sánchez Amunátegui, acaban de presentar la obra teatral ESTUPIDA HISTORIA DE AMOR EN WINNIPEG cuyo testo es original del Señor Carlos Talancón.

La dramaturgia es una obra romántica que puede ser considerada perteneciente al género naturalista, en el sentido en qué tanto los diálogos como la propuesta escénica, no dejan mucho a la imaginación, sino que se expresan y se actúan sin tapujos, al mostrar las escenas tanto románticas como eróticas propuestas en el texto de Talancón.

Así es como aún cuando no se presentan desnudos artísticos, sí se muestra al público alguna parte intima de uno de los actores, quienes se besan apasionadamente, como precisa la obra.

La trama de ESTUPIDA HISTORIA DE AMOR EN WINNIPEG trata de una pareja homosexual, quienes se conocen casualmente en el baño de un metro de la ciudad, momento en el cual surge el romance que empero a ser profundo, les llevará a ciertos momentos de desasosiego. 

Ambos se gustan y se desean desde el primer momento en que se encuentran, pese a pertenecer a dos generaciones distintas, con actitudes, hábitos y gustos totalmente distintos.

En la historia aparece un tercer personaje, es decir, la madre del hombre joven, quien sueña con que su vástago siente cabeza y contraiga nupcias con una jovencita conocida por ambos. Sin embargo, el joven advierte abiertamente a su madre su evidente homosexualidad. Tras de ello decide irse a vivir con el hombre a quien casi acaba de conocer.

Un día la pareja deciden dejar el país para irse a probar fortuna a Winnipep, un pequeño poblado ubicado en el sur de Canadá, alojándose temporalmente en la casa de la pariente de uno de ellos. Ahí sus vidas darán un gran giro inesperado.

Bajo las actuaciones estelares de José Ramón Berganza, Martín Saracho y Millet Gómez, la obra es dirigida por uno de sus productores asociados, quien es Sebastián Sánchez Amunátegui. En la trama, ambos personajes actúan como Yo narrador en primera persona; es decir que ambos por separado, van narrando al público los pormenores respecto a su relación.

ESTUPIDA HISTORIA DE AMOR EN WINNIPEG es la narración de un amor que transcurre mediante una escenografía desmontable, la cual solamente simula una especie de muro inclinado entablado propuesto por Isaías Martínez, quien además es el encargado del juego de iluminación. 

Las escenas están acompañadas ocasionalmente por la música de Tareke Ortiz, quien es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México. La obra  fue ovacionada con un largo y caluroso aplauso brindado por el público que asistió al estreno de la obra.. ESTÚPIDA HISTORIA DE AMOR EN WINNIPEG se presenta en el teatro Helénico los días martes a las 20:30 horas.

 

 

 

LOS JUSTOS O LA GUERRA RECURRENTE

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

¿Cual es la justicia? ¿Quién la posee? ¿Hacia dónde va cundo la tomamos entre nuestras manos? ¿Quién tiene la razón? ¿Quién es la víctima y quien es el victimario? Todo estas preguntas y muchas más surgen de la la puesta en escena de LOS JUSTOS O LA GUERRA RECURRENTE.

Es un drama que lleva a tener diversas lecturas en cuanto a su contenido esencial. Aparentemente la obra teatral nos presenta a un grupo de jóvenes activistas, anarquistas y revolucionarios, como ellos mismos se asumen, quienes se reúnen en una congregación o hermandad, en contra del totalitarismo recalcitrante que impera en la región que habitan.

De dicho modo, pasan el tiempo vigilando y poniendo sus vidas en riesgo en miras de poder ejecutar con sus propios medios, al Duque de la localidad. La manera de hacerlo es fabricando ellos mismo una bomba y, en el momento en que el Duque pueda ser presa fácil, arrojársela encima.

Al igual que muchos jóvenes de distintas regiones del mundo, sueñan con liberar a la gente de lo que consideran un yugo opresor o un gobierno lleno de injusticias. Por fin, llega el momento justo para asesinar al Duque, sin embargo cuando una joven kamikaze se alista para la misión, algo se lo impide; el Duque va acompañado de su esposa la Duquesa y dos infantes. La reflexión de ¿qué hacer? crea un debate entre los mismos activistas….

LOS JUSTOS O LA GUERRA RECURRENTE es la novela original del escritor Albert Camus (1913-1960) nacido en Argelia de ascendencia francesa. Se destacó como periodista, ensayista, novelista y dramaturgo. Entre sus mayores éxitos se encuentra “El extranjero”, “Lejos de los hombres”, “La peste” y por supuesto LOS JUSTOS O LA GUERRA RECURRENTE.

Recordemos que Camus vivió y padeció tanto las dos guerras mundiales, como el llamado proteccionismo francés, en la región argelina. Hecho que le llevase a la reflexión y más aún, a escribir LOS JUSTOS O LA GUERRA RECURRENTE.

 Y es en base a ésta última novela qué Diego Camacho Aquiahuatl y Emmanuel Varela basaron su adaptación al texto, logrando profundizar en los momentos más icónicos de la trama,  siguiendo como la frase medular de la trama, la que reza de la siguiente manera: “hasta en la destrucción hay un orden, hay límites”.

En la obra actúan Valeria Navarro Magallón, Manuel Cruz Vivas, Viridiana Tovar Retana, Iván Zambrano, Chacón, Mar Oroko, Ramiro Galeana Medellín y Yenizel Crespo. Todos ellos mostrando tener plástica actoral y mucha técnica.

Bajo la dirección de Emmanuel Varela, la puesta en escena adquiere los tonos dramáticos que éste drama precisa, haciendo que el espectador se inmiscuya durante el tiempo escénico con la historia.

Y a colación del texto, precisamente se lee en el programa de mano:

La guerra nunca se declara en su propio nombre. Siempre se enuncia a nombre de otras cosas: la libertad, la democracia, incluso la justicia. Si la política es la guerra por otros medios y esta misma política tiene dos momentos identificables (ordinario y extraordinario): la guerra entonces, no sólo se libra en el tiempo de combate extraordinario. La guerra también es algo ordinario, es un ejercicio cotidiano. Aún más: si en la política no hay espacios vacíos, tampoco los hay en la guerra.

LOS JUSTOS O LA GUERRA RECURRENTE se presenta en el Teatro “El Milagro”.

DOCTOR FO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Con un tema que versa sobre la locura , la dramaturgia multi-ganadora de Alejandro Cervantes se ha estado presentando en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

Y menciono que es multi-ganadora, pues ha sido ovacionada como mejor dramaturgia, mejor dirección, mejor escenografía y mejor diseño de vestuario, por parte del “Encuentro de Grupos Emergentes EGE-ENAT 2019 en el INBAL.

Entre otros galardones DOCTOR FO fue la obra teatral seleccionada para la celebración del “Día Mundial de Teatro “2019, razón por la cual se representó en el recinto del CENART, en el “Teatro de las Artes”. Hoy en día, es montada en el Foro “La Gruta del Centro Cultural Helénico en días miércoles.

Sobre la Sinopsis de la obra del DOCTOR FO la Difusora del Helénico a cargo de la Señorita Gaddi Miranda, proporcionaron los siguiente párrafos textuales a la prensa presente en el estreno; documentos qué por cierto, fueron redactados por el mismo Alejandro Cervantes:

-En ésta puesta en escena un aristócrata contemporáneo lleva a su hermana a un manicomio al intuir que sufre ataques de locura.; al llegar a dicho lugar, el eminente Doctor Fo promete hasta lo imposible por encontrar la cura, pero antes de ello tendrán que pasar por una serie de divertidos embrollos, malentendidos y absurdos métodos de sanidad para descubrir quien realmente está loco. A fin de cuentas, bien sabemos que de los locos y cuerdos el mundo se inventó y…tan locos son los unos, como los otros….

DOCTOR FO promete regalarnos una experiencia llena de bullicio, lobreguez y estupor. Los actores llevarán al público de la mano con rumbo a lo desconocido, directo a la lejana mansión que desborda locura, con una atmósfera onírica que le permitirá al espectador sentirse inmerso en otro mundo. - 

Escrita un poco a manera del género del teatro del absurdo y un tanto fársica, la dramaturgia del DOCTOR FO es una obra fresca y divertida. Con respecto a los personajes, la propuesta de Alejandro Cervantes, es decir, como ya antes mencioné, su escritor y director, propone que éstos de algún modo son el reflejo de nosotros mismo.

Con ello intenta decir qué somos una sociedad que en aras de la libertad, como seres humanos tomamos decisiones simplemente para sobrevivir día a día; hecho por el cual es necesario sonreír  para vencer los contratiempos de la existencia humana.

DOCTOR FO es una puesta escénica en un solo acto, en donde actúan Abraham Villafaña González, Tony Corrales, Amelia Holguín, Paola Malú Gerónimo, Luis Miguel Moreno y Raí Solís. Todos ellos bajo la propuesta escenográfica, de iluminación y de vestuario a cargo de Ele Ochoa, además del diseño sonoro de Aldo Estrada. DOCTOR FO se presentará hasta el día 9 de octubre.

EL PERRO DEL HORTELANO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Comedia palatina de Lope de Vega la cual fue estrenada en Madrid corriendo el año de 1618. Escritor destacado perteneciente al Ciclo de Oro español cuyas obras más destacadas le hicieron ser un baluarte universal.

Lope Félix de Vega Carpio (1562-1635) es el autor de  las obras “Fuente Ovejuna”, “La dama boba”, “El caballero de Olmedo”, “Peribáñez y el Comendador de Ocaña”, “El mejor alcalde del rey” y “El castigo sin venganza”.

Actualmente su obra EL PERRO DEL HORTELANO se presentó en el Teatro Orientación en el Centro Cultural del Bosque, bajo la dirección de Angélica Rogel, gracias a la producción de la Compañía Nacional de Teatro (CNT).

La obra trata de una bella duquesa en época de merecer, la cual se rodea de jóvenes aristócrata quienes pretenden esposarla. Sin embargo, su corazón pertenece a uno de los siervos de la corte. 

Le comentaré qué EL PERRO DEL HORTELERO es una frase lugareña qué en su momento aludía a las personas presas de algún sentimiento o razón por el cual, pese a todo, siempre están presentes junto a su amado (a). 

Para ser más clara comentaré que dicha frase sería más o menos lo que hoy diríamos acerca de una persona enamorada, quien se comporta como “un perro faldero” con su pareja.

La trama es un romance acorde a la usanza secular española; sin embargo hoy en día puede ser escenificado, tanto conservando la manera tradicional de hablar y comportarse por parte de los personajes para presentar el texto en su forma clásica, o bien, como hoy parece estar en voga los textos de algunos autores clásicos, los cuales se presenta bajo la adaptación de los dramaturgos quienes se dan a la tarea de respetar la historia, pero modifican tanto la escenografía, como la vestimenta de la época, e incluso introducen frases o palabras coloquiales que hacen que la trama sea montada bajo un toque de contemporaneidad.

 

Como siempre, la Compañía Nacional de Teatro se ha preocupado por escenificar a los grandes baluartes escénicos de todas las épocas y no podía faltar el ingenio de Lope de Vega y la calidad actoral y montaje escénico en general, del CNT.

 

CARICIAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-Caricias ofrece el retrato escénico de una sociedad quebrantada por la violencia-

Es en torno a ésta temática que la nueva propuesta escénica de Gabriel Figueroa Pacheco nos impresionó con una dirección artística espléndida, pese a lo cruento de la trama que contiene la obra teatral titulada CARICIAS.

CARICIAS esta escrita por el dramaturgo español Sergi Belbel Cosiado, nacido en Tarrasa, Barcelona en el año de 1963. Éste escritor catalán ya se había dado a conocer con sus obras “Después de la lluvia” y “La Toscana”, además de contar con los libros intitulados “Forasteros, melodrama familiar en dos tiempos”, “Lecho conyugal” y por supuesto CARICIAS.

CARICIAS la obra que ahora comento, es precisamente un melodrama escrito a manera de 11 historias breves que se entrelazan entre sí. Son justamente una especie de heridas del alma que dejan huella; amores tormentosos que no encuentran salida y sin embargo, suelen ser perdurables.

 Y más allá del drama, son historias que nacen de la realidad cotidiana en una sociedad doliente y carente precisamente de CARICIAS. Dentro de la trama se presenta una pareja que sufre de violencia física; una madre que sufre el abandono de su hija; dos mujeres que olvidadas en un Hospicio para Ancianos unen sus lamentos; un indigente que de pronto se encuentra con su pasado; un padre que odia y es odiado por su hija; un hombre casado quien se refugia en su homosexualidad; un pre-adolescente que delinque; unos amantes que tras el odio se apuñalan con la verdad; un joven homosexual que se atrapa en el oportunismo manipulador de su madre; 

Éstos son los retos escénicos qué en la puesta en escena con tan sólo 2:20 minutos  de duración, dirige Gabriel Figueroa Pacheco y que el público galardonó con un largo y caluroso aplauso.

En CARICIAS actúa un magnífico reparto estelar, quienes caracterizan cada uno a su personaje, con gran calidad histriónica. Le diré qué todos ellos matizan a sus personajes dotados de un perfil psicológico complejo e impactante, pero qué empero logran caracterizar de manera muy real.

Los actores son Mauro Sánchez Navarro, Gabriela Orsen, Luis Maya, Adriana Olivera, Leticia Pedrajo, Teresa Rábago, Manuel Domínguez, Francisco Mena, Jaime Estrada, Jimena Montes de Oca y Anthon Morales. Éste último es un adolescente quien promete tener un magnífico desempeño en su futura carrera como actor.

Sin embargo debo reconocer qué todos ellos representando su rol escénico bajo la propuesta de un vestuario oscuro con tonos guindas qué junto con el juego de iluminación, la escenografía y la tramoya, logran darle el toque cruento y hostil a cada historia, como precisa el texto de Sergi Belbel y que su director escénico logró conjugar con gran maestría.

 

CARICIAS se presenta únicamente los días miércoles a las 20:00 horas en el Teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque, hasta el día 6 de octubre bajo la producción del INBAL y La Secretaría de Cultura en México.

 

PLAN Y CONTINUIDAD DE TRABAJO DEL CENTRO CULTURAL HELÉNICO EN 2019.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



El Centro Cultural Helénico convocó el día de hoy 9 de septiembre a la prensa, para dar a conocer acciones claves, con la finalidad de darle continuidad a los planes culturales que tienen planeados realizar en el resto del presente año.

Para tal efecto se presentó el directivo del recinto cultural, es decir, el Señor Antonio Zúñiga, junto con el Señor Cesar Tapia, responsable de uno de los proyectos en puerta, es decir, del Festival Infantil denominado “Kuitolil” cuya sede será en la región de San Luis Potosí, celebrándose del 9 al 13 de septiembre.

Recordemos qué actualmente ya no hemos contado con Festivales que incentiven a los pequeños hacia el gusto por el arte escénico. De tal modo qué Antonio Zúñiga, quien por cierto ha dedicado gran parte de su trayectoria profesional en fomentar el teatro para niños, mostró su continuo interés en introducir a los infantes al mundo teatral con creaciones que van desde el citado “Festival Infantil” ya citado, como con el “7ª Encuentro Internacional de Teatro Clown”.

Éste contará con programas que el Centro Cultural Helénico ofrecerá y, que se llevarán a cabo, en lugares como Los Pinos, así como en algunas Residencias Artísticas más.

El Señor Zúñiga continuó informando qué el 7ª Encuentro Internacional de Clown será presentado en el recinto del Helénico, contando con representaciones en las que participarán diversos países, como lo son Argentina, Chile, Brasil, Reino Unido, Austria, Finlandia y por supuesto, México. Ello será del 13 al 20 de noviembre

Dentro de los diversos planes que además intentan promover el arte escénico, se incluirá el fomento por descentralizar al teatro. Por tal motivo se desplazará más allá de nuestra Ciudad, llevándose a cabo en regiones que como a-priori mencioné, incluirán el Estado de San Luis Potosí, además de las regiones de Chihuahua y Ciudad Juárez.

 

Por último se abrirán un “Foro Nacional de Profesionales de Teatro” para la Cultura Comunitaria y el “3er. Encuentro de Estudios Críticos de Teatro” que incluirán espacios de reflexión teórica con respecto a problemáticas que hoy en día nos asuelan. Ello será del 2 al 7 de diciembre.

 

LOS FRAGMENTOS DE MARY

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

La Compañía “Traslapo Teatro” inició el ciclo de las representaciones de la obra teatral LOS FRAGMENTOS DE MARY, el pasado lunes 2 de septiembre en el Teatro “La Capilla”.

El montaje esta basado en la afamada obra de Mary Shelley intitulado “Frankenstein” o “El Moderno Prometeo” la cual, como es bien sabido, fuera escrita en formato de novela y cuyos personajes son Frankentein, el Doctor Víctor Frankenstein, Elizabeth Lavenza y Henry Clerval y el Capitán Robert y Justin.

Mary Shelley (cuyo nombre artístico adquirió tras esposarse) nació en 1757 en Somers Town, Londres, en el Reino Unido. Su nombre verdadero fue Mary Wollstonecraft Godwin. Su obra la catapultó entre los grandes escritores. Su obra ha pasado a ser una emblemática novela, por lo cual ha sido presentada tanto en teatro como en el medio cinematográfico, de manera internacional.

Por otro lado la obra de FRANKENSTEIN además ha servido de inspiración para diversas propuestas escénicas. LOS FRAGMENTOS DE MARY es una de ellas. Cuenta con la premisa peculiar propuesta por la Compañía “Traslapo Teatro” la cual la ha representado ésta novela bajo la tónica de “Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Krankenstein”-

El mismo título nos sugiere el contenido medular de la dramaturgia escrita por cierto, por Roberto Eslava. LOS FRAGMENTOS DE MARY presenta algunas de las escenas de la obra de Mary Shelley, sólo que en ésta ocasión la misma autora es interpretada por tres actrices  en los roles cada una de Mary 1, Mary 2 y Mary 3. Las actrices quienes la interpretan son Anna Cristina Ross, Danya Torres y Genny Galeano.

En el papel del Doctor Víctor Frankeinstein se presenta el actor Jorge Chávez. Por supuesto que no podía faltar la presencia del Monstruo Frankentein o su creatura; éste estelarizado por Jonathan Caudillo.

Le diré qué como un plus en el texto de Roberto Eslava, “El Espejo de Víctor” es también un personaje, el cual se encuentra caracterizado bajo actuación es de Oscar Galoz.

La dirección corre a cargo de su mismo dramaturgo, es decir el Señor Roberto Eslava, quien bajo su propuesta escénica, la obra comienza con una breve introducción fuera del foro ejecutada por Jorge Chávez quien tras un breve diálogo, se transforma frente al público en el afamado Doctor Frankenstein; ello gracias a la modulación de la voz y movimientos corporales y faciales por parte del intérprete. Posteriormente el público es invitado a entrar al foro, en donde podrá ocupar las butacas.

La puesta en escena transcurre entre la música en vivo original de Óscar Galoz propia del romanticismo, interpretada ocasionalmente por parte del reparto estelar, en un ambiente tétrico que se logra con el juego de la iluminación a cargo del diseño de Aarón Mariscales.

Y para finalizar ésta crónica teatral, les presento el siguiente párrafo escrito por parte de la Compañía “Traslapo Teatro” quien abrevia el contenido de la trama del LOS FRAGMENTOS DE MARY con las siguientes palabras:

Mary vive en fragmentos de palabras, anhelos y canciones. Es metáfora de la misma y sobreviviente al racionalismo de los hombres de ciencia y de arte. En la profunda noche decimonónica, concibe un relato increíble y provocador, capaz de desafiar mitos de la vida y la muerte. Los personajes que imagina son un reflejo y extensión de su propia batalla por reivindicar aquello que es diferente y oculto en el corazón humano. Su viaje es hacia una tierra lejana del entendimiento. 

Para comunicarse, Mary se separa en tres voces irónicas, amorosas, violentas y dolorosas. Víctor Frankenstein es anfitrión y, a la vez, un espectador confundido que no sabe si es creador o creación. El monstruo respira y deambula a lo largo de un juego teatral ambiguo con los límites entre representación y realidad. Así transcurre la obra a manera de improntu, forma musical propia del romanticismo, donde la improvisación nos recuerda el carácter efímero y volátil de las pesadillas.

 

FRAGMENTOS DE MARY se presentará todos los días lunes en el Teatro La Capilla, hasta el día 30 de septiembre.

 

QUE DIOS REPARTA SUERTE

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

Dramaturgia teatral original de Camila Villegas que se presenta en la Sala B de La Teatrería. Es una puesta en escena que invita a entrar al impactante mundo del ruedo taurino. 

Su frase emblemática es CUANDO ESTAMOS FRENTE A FRENTE NO SOY MUJER NI SOY HOMBRE. Frase que le da sentido sin hacer circunloquio alguno al sentimiento o sensación que se despierta en el torero, justo al estar parado frente a un impactante toro.

La obra por supuesto tiene como temática medular las corridas taurinas, pero más allá de limitarse en ello, abre la posibilidad de conocer el mundo tan por conocido del torero, como nace la inquietud, como se preparan, los riesgos que conlleva tan peculiar profesión y, por supuesto la vida cotidiana ficcionalizada de un torero, qué en este drama es mujer.

Así es como surge otro de los temas a tratar en el texto de Camila Villegas, que es del machismo recalcitrante en el ambiente de la tauromaquia, en donde ser mujer es un permanente limitante en el desempeño del riesgoso oficio.

Entre dimes y diretes surge la historia de Elsa Sánchez, una novillera que destaca con su talento innato, y cuya pareja le llevará a decidir entre una faena o un embarazo. 

La obra tiene como remitente un día cualquiera en Madrid, en donde las remembranzas llevan al personaje protagónico a revivir el pasado, llevándola a recordar momentos cruciales en su vida, al igual que la de Tomás Cruz, su compañero de trabajo y de vida.

La trama transcurre entre retrospecciones y prospecciones temporales, que van dándole sentido a la historia llena de conflictos (originados en la niñez del personaje) la cual es presentada en un solo cuadro escénico bajo la dirección artística de Alberto Lomnitz.

Al respecto sobre la obra en una de las páginas WEB QUE DIOS REPARTA SUERTE se encuentra la siguiente sita de manera textual:

Elsa ha perseguido su sueño toda la vida, ser torera. Pero triunfar en un mundo tan machista no es fácil. Con el apoyo y el amor de Tomás parece estar a punto de lograrlo… pero a una relación siempre hay algo que la embiste.

Tal vez Usted se pregunte quien es Camila Villegas, la autora de la obra QUE DIOS REPARTA SUERTE. Pues bien, es una joven dramaturga mexicana, Licenciada en Economía y Maestra en Letras Modernas en la UIA y la Universidad Iberoamericana quien comienza a darse a conocer en el ámbito teatral.

En ella actúan Verónica Bravo y Rubén Olivares bajo la producción de Stella Amtmann, el equipo sonoro de Joaquín López “el Chaz”, la escenografía a cargo de Tenzing Ortega y en la Difusión Daniel Austria.

 

QUE DIOS REPARTA SUERTE se presenta en la Teatrería  los días martes a las 21:00 horas.

 

LA VIDA DE ROTH

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El Colectivo Creativo Leviatán recientemente esta presentando la puesta en escena LA VIDA DE ROTH a partir de una investigación documental, qué aunada con la historia de ficción, dieron como resultado la puesta en escena de ésta dramaturgia intitulada LA VIDA DE ROTH. 

La obra narra la historia de un personaje pequeño en un mundo que avanza demasiado rápido. Frase que utiliza el Colectivo para expresar de insofacto el contenido de la trama.

Con esta frase El Colectivo Leviatán intenta esclarecer en breve la temática medular, en donde el personaje de una chica común y corriente llamada Roth es habitante de nuestro planeta azul, o sea que presentan a una aparente X mujer; historia que pareciera intrascende, pero la cual lleva un bello mensaje a manera de consigna de la obra.

Bajo esa tónica proporcionan además de forma paralela, cierta información documental sobre el planeta tierra, que viene a colación con la historia de Roth la cual presentan de manera lineal cronológica; es decir, desde que nace, crece, se desarrolla, etc.

Con ayuda del apoyo multimedia, la historia contiene una cálida trama, en donde Roth aparece en escena, con sus gustos y vivencias personales, iniciadas durante su infancia, la cual es contada por terceras personas, tanto en el video como durante la escenificación por parte de los personajes secundarios, equipados con máscaras (tal vez aludiendo al clásico estilo del teatro griego) quienes narran y escenifican algunas de las circunstancias dentro de la vida del personaje de Roth. 

Dicho personaje es constantemente matizado desde una perspectiva psicológica que muestra la personalidad de Roth, influenciada desde su niñez, a partir de sus relaciones familiares.

LA VIDA DE ROTH es una dramaturgia muy bien estructurada que se presenta a manera de comedia, que introduce constantemente situaciones chuscas llamadas de humorismo negro, que prevalece durante todo el tiempo escénico.

Al respecto del montaje escénico de la Creación de “El Colectivo Leviatán”, la compañía Difusora del INBAL a cargo de Raúl Medina explica textualmente:

-“En un punto azul que flota en medio del espacio, en un mundo habitado por millones de personas, en una ciudad que transita sin pausas, ahí se encuentra la protagonista de esta historia, Roth, una mujer dentro de un esquema social que ha etiquetado los papeles de cada individuo

La puesta en escena busca mostrar a las personas comunes, las que no son famosas, las que no han sido acaparadas por los reflectores o por su trascendencia, las que no han tenido historias épicas ni hazañas. Una historia sobre su vulnerabilidad y sus miedos, seres que dentro de sí mismos encierran un mundo lleno de maravillas….-”

Cabe aquí mencionar la excelente dirección artística y diseño multimedia de Gerardo del Razo quien junto con el trabajo actoral del elenco formado por Héctor Iván Gonzáles, Ari Albarrán, Carolina Berrocal, Esteban Caicedo, Guillermo Revilla y Emanuel Lapin logran un magnífico montaje; por supuesto junto con el apoyo escenográfico de Abigail Cinco, el diseño de máscaras y arte de Lau Charles, así como el diseño de vestuario de Sergio Mirón, equipo teatral que hacen que este montaje escénico, sea un deleite.

 

 LA VIDA DE ROTH se presenta en el Teatro Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque de jueves a domingos hasta el 22 de septiembre.

 

Próximamente TITUS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



TITUS con la Compañía “La Rama de Teatro, Bh5” y Oscar Uriel, a partir del día 19 de septiembre presentarán el clásico teatral de TITUS, original de Williams Shakespeare, bajo la adaptación y dirección de Angélica Rogel.

William Shakespeare como es bien sabido fue dramaturgo, poeta y actor inglés (1564-1616 Stratford-upon- Avon, Reino Unido). Conocido en ocasiones como el Bardo de Avon, Shakespeare continúa siendo uno de los baluartes más importante en lengua inglesa, así como de los más célebres escritores de la literatura universal.

Su obra magistral TITUS en esta ocasión será adaptada a la realidad actual, bajo la pluma de Angélica Rogel quien hace una nueva propuesta escénica en base al texto shakesperiano de TITUS bajo un inteligente y actual mirada a la temática que se abordará en tan trágica y controvertida obra del sanguinario general romano llamado TITUS.

En palabras de Angélica Rogel: La resonancia que adquiere Titus en la actualidad está cifrada por la visión que se muestra de la mujer, las razas y el poder; el mundo como un entendido de: “mujer igual a botín, mujer igual a premio, mujer igual a cuerpo que se puede vender, matar, mutilar; raza igual a bueno o malo, poder igual a impunidad”; la lista es larga y por lo tanto inmensamente atractiva para ser analizada, para adentrarse en ella y desmenuzarla desde nuestro contexto; más aún cuando la brutalidad que antes parecía sorprendernos, ahora nos es cotidiana, nos habita y desborda.

Desde dicha perspectiva (dándole cierto empoderamiento a la figura femenina) en colaboración con Mauricio García Lozano, quien es un gran director de teatro y ópera, así como actor, la nueva propuesta de la obra teatral de TITUS promete ser una gran puesta en escena.

La obra de TITUS se presentará llena de temas controversiales, bajo matices emotivos y con una gran dirección escénica. Además contará con el arreglo escenográfico de Adrián Martínez Fraustro, quien sugiere un espacio escénico en el qué según sus propias palabras: -el espectador podrá valorar a quienes participan de la escena, distinguir el vaivén transitorio entre realidad, presente y remembranza.-

Además se contará con un reparto estelar compuesto por David Calderón, Nailea Norvind, Yuridia Del Valle, Inés de Tavira, Jyasú Torruco, Emiliano Gasigolli, Rodolfo Zarco y Pablo Perroni.

 

 La obra de TITUS se estrenará en el Teatro Helénico bajo la producción del Centro Cultural Helénico y La Rama de Teatro con funciones serán de jueves a domingo y augura ser un gran éxito.

 

EL SABOR DEL TRÓPICO.

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

La joven actriz Mayela Hernández interpreta el monólogo original de Hugo Arias que se acaba de estrenar en el Foro “Bellescene” el pasado sábado 24 de agosto. Obra original de Hugo Arias, quien además dirige éste drama. La dramaturgia es un espectáculo unipersonal en donde se caracteriza a una mujer policía.

Al respecto leímos en el boletín de prensa a manera de resumen de la obra teatral lo siguiente:

 -“Hugo Arias se concreta en la trama de la oficial Ramírez. Un día despierta con una jaqueca impresionante y unas náuseas que le hacen recordar la noche en su salón de baile favorito: “El sabor del trópico”. La sorpresa la aguarda porque al llegar a la estación de policía, le encomiendan resolver el asesinato de Juan, uno de los músicos del salón de baile y quien fue su amante de ocasión. Cada uno de los personajes de la trama es interpretado por la actriz Mayela Hernández.”-

EL SABOR DE TRÓPICO es una obra teatral presentada con cierto matiz de humor negro, en donde se incluyen en algunos momentos algo de música con ritmo de son cubano y un poco de baile. Y es justamente con un baile, con lo que la actriz comienza la trama, invitando posteriormente a pasar a parte del público, para tal efecto.

La actriz Mayela Hernández interpreta a una joven narradora de un drama, quien por azares del destino trabaja en la fuerza policiaca. Ella irá narrando e interpretando a los personajes en torno a un asesinato en el cual se verá involucrada.

En la historia de EL SABOR DE TRÓPICO de la chica, quien funge como oficial de policía, es amante de la víctima asesinada. Se trataba de Juan, un músico casado con una corista del Salón de Baile llamado “SABOR DEL TRÓPICO.

Así es como a la chica policía se le encarga la tarea de descubrir tanto el móvil como al presunto homicida, de quien fuese su amante en turno. Entre supuestos, la joven oficial va tras las huellas de la mujer del recién asesinado, suponiendo que ella, por lo menos sería una cómplice del homicidio.  

De ese modo es como el drama transcurre entre música y baile, que Hugo Arias propone para intentar encumbrar el ambiente del Salón de baile EL SABOR DE TRÓPICO.

La puesta en escena de l obra es en un sólo acto y, un solo cuadro escénico, el cual consta de una plataforma sobre el cual la actriz actúa y va describiendo cada momento de la narración, convirtiéndose en un Yo, narrador de la trama. 

Le contaré qué la actriz Mayela Hernández es una joven recién egresada del Colegio de Literatura Dramática y Teatro, de la Facultad Filosofía y Letras en la UNAM. 

EL SABOR DE TRÓPICO constituye la tercera obra teatral en la cual ha participado, siendo su primera actuación en “El difícil problema” del dramaturgo Tom Stoppard, en tanto que su siguiente participación se ría en el drama de “Antígona”, obra adaptada por el escritor David Gaitán.

El SABOR DEL TRÓPICO esta sustentado bajo el trabajo teatral de la Compañía “Teatro Viajero” y se presentará hasta el día 28 de septiembre, en el Espacio “Primera Fila” del Teatro Bellescene con funciones en días sábados.

TRIPLE CONCIERTO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Cada vez nos sorprende más el talentoso director escénico, musicólogo y dramaturgo mexicano, Claudio Valdés Kuri, quien con su creatividad y talento que se manifiesta evidente en cada una de sus puestas en escena, pone propone contenidos temáticos muy diversos, profundos y plagados de sapiencia. 

Él se interna junto con el equipo creativo mediante talleres teatrales, a procesos dirigidos a investigaciones de propuestas escénicas concretas qué tras un arduo trabajo de equipo y ensayos, logran un montaje escénico de gran calidad.

En cada una de sus obras teatrales se lograr advertir al hombre culto, como lo es indiscutiblemente Claudio Valdés Kuri, quien además, desde muy joven es creador y director de su propia Compañía Teatral denominada “Ciertos Habitantes; compañías por cierto, que acaba de cumplir 20 años de trayectoria artística. 

Como es bien sabido en el medio teatral, Claudio Valdés Kuri es una de las personalidades más destacadas en el ámbito internacional, al ser sus obras representadas en diversos Festivales que le han dado gran reconocimiento a su talento en el extranjero. 

Le diremos qué en esta ocasión acaba de estrenar la puesta en escena TRIPLE CONCIERTO en donde se hace todo un derroche de sapiencia musical, contando con virtuosos jóvenes artistas, quienes ponen de manifiesto su profundo estudio y habilidad musical interpretativa.

 En ésta ocasión en específico, la música vibra en el ámbito teatral, con el montaje de TRIPLE CONCIERTO en donde el reparto artístico demostró tener, además, buena capacidad histriónica al actuar.

Así es como el montaje teatral TRIPLE CONCIERTO presenta pequeños fragmentos de algunos conciertos emblemáticos de varios de los grandes íconos de la música clásica (en su mayoría). Obviamente el tiempo escénico de aproximadamente 120 minutos, no permite más que la exposición musical fragmentada. 

Así es como se deleita al público, con una dramaturgia interesante y muy bien estructurada, con la música de Piotr Ilich Tchaikovski, Gerog Fiedrich Händel, Wolfgang Amadeus Mozart, Igor Stravinski, Ludwing van Beethoven, Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin, Serguéi Rajmáninof, Johann Sbastian Bach, Achille Claude Debussy, Franz Liszt, entre otros como Manuel M. Ponce.

La dramaturgia corre a cargo de Mónica Hoth y Claudio Valdés Kuri (también su director escénico) quienes presentan una trama divertida e ilustrativa en donde los personajes ficticios son parte de los integrantes de un concurso musical, en el cual deberán demostrar sus dotes interpretativas a piano. 

Sucesos chuscos entre los jóvenes colegas se ventilan en un supuesto día común, que les llevan a vivir situaciones en donde lo docto, se mezcla con lo cotidiano mientras esperan los resultados del certamen.

El reparto artístico esta formado por Alejandra Cortés, Naomi Ponce, Sebastián Espinosa, Edwin Calderón; Mario Mendoza, y Konstantin Evmerkin. Todos ellos bajo los arreglos coreográficos de Diego Piñón y el vestuario y maquillaje de Josafat Aguilar y un gran equipo creativo.  

 

La obra TRIPLE CONCIERTO se presenta en el Teatro “Juan Ruiz de Alarcón” con fnciones de jueves a domingos ¡EN HORA BUENA A TODOS!

 

ACÁ EN LA TIERRA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

ACÁ EN LA TIERRA es una Producción de “La Máquina del Tiempo en co-producción con la Compañía “Teatronautas y los Bocanegra”, quienes contaron además con el apoyo del FONCA para la realización del montaje escénico. 

La obra teatral ACÁ EN LA TIERRA tiene un título que enmarca perfectamente con la intencionalidad de la trama escrita por Luis Eduardo Yee, la cual hace hincapié en el hecho de la manera metafórica en que a veces hablamos o respondemos al relacionamos con los demás ACÁ EN LA TIERRA, visto desde la perspectiva de un pequeño..

ACÁ EN LA TIERRA tiene como personaje protagónico a la actriz niña Assira Abbate, quien interpreta a un pequeño solitario llamado Lolo, quien al sentirse discriminado por sus compañeros del colegio, juega imaginando que es un ser extraterrestre quien pretende comunicarse constantemente con otras como la Andrómeda, describiendo la forma de vida de ACÁ EN LA TIERRA. 

Un día cualquiera, coincidirá con la asistente del aseo de la escuela, una mujer adulta quien argumenta ser invisible para los demás, pues su bajo estatus en el interior del recinto educativo, le lleva a ser ignorada por todos, menos por Lolo, su nuevo pequeñito amigo. 

El personaje protagónico sirve al escritor para describir cómo un niño observa de diferente manera las cosas, cuando se es o se posee un espíritu de pequeño; cuando las palabras y las frases se toman de una manera totalmente literal. 

Además de esta temática también se tratan otros conceptos, empero a ello, el principal se desarrolla en torno al bullying que muchas personas padecen cuando aparentemente no checa con su ser biológico con su ser interior. 

Con ello me refiero a las personas que son rechazadas por no conducirse o ser como las otras, discriminación que va más allá de lo sexual, sólo basta no encajar en un círculo social, para ser agredido o excluido por los demás.

En el escenario actúan junto con la niña Assira Abbate, las actrices Vicky Araico y Mahalat Sánchez; las tres actuando espléndidamente, bajo la dirección estelar de Rebeca Trejo en una escenografía colorida y vistosa que llama la atención del infante.

 

ACÁ EN LA TIERRA fue galardonada con la presencia de dos grandes figuras del medio de la actuación, es decir, con Vanesa Bauche y Karina Gidi, quienes al finalizar la función de estreno se subieron al escenario para apadrinar el proyecto y,  ofrecieron palabras de apoyo a ésta puesta en escena, la cual según sostuvo Vanesa Bauche, servirá de parte-aguas para otros próximos proyectos para la ayuda comunitaria.

 

KIKIRICAJA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La obra clown KIKIRICAJA es una puesta en escena para pequeñitos realizada por la Compañía “Inmigrantes Teatro” cuyo debut fuese en el año 2012. Obra con la cual la Compañía debutó alcanzando hasta las 250 representaciones en diversos escenarios.

La obra esta dirigida por Ray Garduño, teniendo como elenco estelar a Ariadnalí de la Peña, Kostia Hernández y Andrés Franco. Hoy en día se está presentando en el Foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico y contarán con dos representaciones más.

Con respecto a la propuesta escénica su Compañía “Inmigrantes del Mundo” responde de la siguiente manera:

-“Este espectáculo emplea la técnica del clown para dialogar con el público, pondera la sencillez y pureza interpretativa apelando siempre a la honestidad actoral; en sus espectáculos distinguimos la creatividad y sorpresa como su sello inconfundible, encontramos desde el juego un desprendimiento de todos los artificios para dar paso a la inocencia infantil. 

La obra cuenta la historia de dos amigos Bartolomeus y Comino que viven en dos cajas de madera y desde ahí inventan mundos, viajes y aventuras con la ayuda de sus queridos hogares, así transcurre la vida de estos dos, que con ayuda de su imaginación nos transportan a lugares inhóspitos donde habitan el cariño y el amor. 

 Ellos  se despiertan diariamente con el kikiriki del gallo, con sentido del humor y sorprendente creatividad, juegan a dar vida a nuevos mundos, felices de contar el uno con el otro, hasta que un día aparece un tercero que pondrá a prueba la fuerza de su amistad; así ellos tendrán que superar el caos y volver al lugar donde algún día fueron felices. 

Este es un espectáculo que habla de los temores que nos hacen pequeños, de la amistad y de la esperanza donde al final la lección para todos es muy grande: las diferencias no tienen que acabar con una gran amistad, porque todo es mejor y más divertido con la compañía de un buen amigo.

Todo esto y más, se aprecia en ésta divertida y talentosa obra clown, en donde la inocencia de los personajes nos hacen reír a carcajadas con una historia cálida sobre la amistad, que trata también sobre otros valores como son el compañerismo, la sinceridad, la ingenuidad y la solidaridad de sus dos personajes protagónicos, es decir Bartolomeus y Comino.

La creatividad es evidente en éste montaje escénico, desde la trama ya mencionada, hasta la propuesta escénica en donde dos aparentes cajas muy simples, se convierten no tan sólo en el hogar de Bartolomeus y Comino, sino en muchas cosas más, dentro de ésta puesta en escena en un acto, cuyo único cuadro escenográfico poco a poco se transforma ante los ojos del espectados.

 

La obra KIKIRICAJA tendrá funciones los días sábados hasta el 31 de agosto a las 13:00 horas.

 

BLACK BIRD

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

Una historia sobre un caso de pedofilia, en donde dos seres desnudan sus almas, tras el trance lejano de un romance entre un hombre maduro de casi 40 años con una niña-adolescente de apenas 12 años de edad.

El inicio del amor ante un sueño inocente de colegiala, lleva a una chiquilla a relacionarse con su vecino, un hombre de buen vestir, interesante y atractivo, quien la cautiva, arrancando los suspiros de una niña a la que vuelve en mujer.

El romance realizado entre cuatro paredes, se conflictúa hasta el extremo de llegar a una corte en donde el hombre es llevado para ser enjuiciado por cometer acto pedófilo, teniendo como veredicto final la sentencia de 6 años de prisión.

Pasado el tiempo la ya joven de 22 años busca a aquel hombre para aclarar las situaciones que les hicieron separarse irremediablemente y de manera tortuosa. El hombre casi no la reconoce, pero reacciona ante el nombre de la joven, quien alguna vez perturbase en su vida, alterándola años atrás.

La trama esta llena de momentos emotivos y conflictivos de esa pasión que resultase fugaz y llena de malentendidos. Dos seres que años antes se amasen pese a todo, se reencuentran y reviven tras una larga charla los sucesos. 

BLACK BIRD es una trama en donde la psiquis de los dos personajes protagónicos está a flor de piel, sorprendiendo con su historia. Con respecto a la síntesis de la obra, así se lee en el programa de mano de ésta puesta en escena, lo siguiente:

-“Existe la idea de que llevamos las células de la memoria en nuestro cuerpo y las más traumáticas, dramáticas y extremas son las que se quedan impregnadas dentro de nosotros. Ésta historia mira cómo el pasado corta el presente, cómo el tiempo siente que traiciona a la memoria y cómo el dolor convierte a los personajes en forasteros de su propia vida transformándolos para nunca volver a ser los mismos.

Una de esas historias que amigos y familiares tuvieron que escuchar una y otra vez con el afán de poder ayudar a quien sufre. Ellos dicen ”no debieran pensar en eso ya”. Nosotros decimos: “no necesito pensarlo, está ahí.” - Katina Medina Mora

Drama difícil y controvertido que su autor el inglés David Harrower (Edimburgo 1966, Reino Unido) construye con diálogos muy bien estructurados, dando vida a un amor prohibido por el juicio ético-social establecido. BLACK BIRD esta caracterizado por dos grandes actores, como lo son Alejandro Calva (en el papel de Ray/Peter) y  Cassandra Ciangheroti en el rol de Uma.

 

BLACK BIRD se presenta bajo la dirección escénica de Katina Medina Mora; la traducción al español del texto esta a cargo de Jerónimo Best. Usted la podrá ver en el “Foro La Gruta” de viernes a domingos.

 

LA VIEJA RABIOSA DEL NORTE

Dalia María Teresa De León Adams.

 

La obra LA VIEJA RABIOSA DEL NORTE actualmente se esta presentando en el foro teatral Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural  Universitario (UNAM). Es un montaje escénico escrito a cargo de Antonio Zúñiga Chaparro, el cual actualmente funge como director general del Centro Cultural Helénico. 

Ya anteriormente Antonio Zúñiga se había desempeñado como actor, director, promotor cultural y por supuesto dramaturgo, contando con obras tales como “Crónicas de un Santo pecador” y “La luna de pinole” entre otras.

Su brillante curriculum vitae fue que le llevó a asumir la dirección del Centro Cultural Helénico en el presente año en donde dio apertura al “4º Espacio Alternativo” y a algunos proyectos sobre diversos montajes escénicos, que abarcan distintos géneros de la dramaturgia tanto nacional como universal, de diferentes épocas.

Pero volviendo a la obra a tratar, es decir LA VIEJA RABIOSA DEL NORTE ésta ya había sido propuesta para ser escenificarse en la UNAM desde hace dos años aproximadamente, pero por compromisos del director escénico Ray Garduño, se postergó el montaje, siendo sin embargo recientemente una de las puestas en escena que forman parte del “Ciclo Teatro por la Dignidad” producidas por la UNAM.

LA VIEJA RABIOSA DEL NORTE se planeó montar junto con otras dramaturgias teatrales como son “No volveré” de Estela Leñero, la cual concluyó sus funciones el pasado 11 de agosto,“Esperamos al Gordo” de Jaime Chabaud que se presentará del 29 de agosto al 8 de septiembre, y “Cremación” de Juan Villoro finalmente planeada del 12 al 22 de septiembre.

Acerca de la obra LA VIEJA RABIOSA DEL NORTE el departamento de Difusión UNAM publica la siguiente sinopsis:

-“La vieja rabiosa es una historia profundamente humana sobre el viaje de cuatro adolescentes centroamericanos que emprenden una aventura por México montados en una bestia, para lograr vencer a “La vieja rabiosa del Norte” (esa frontera convertida en un muro en medio de un desierto inclemente), y hacer posible el sueño de vivir en Estados Unidos; a ellos los acompañan el coro de muchas voces, “bocas chimuelas. Labios partidos. De oralidades confusas. Palabras recientes. Desconfiadas. Con el miedo en la parte debajo de la frase.”

Es una obra que transita uno de los recorridos más peligrosos del mundo de una manera divertida , conmovedora y entrañable. Siempre dimensionando la problemática migratoria y, sobre todo, siempre dignificando al migrante como ser humano.”-

La dirección y escenografía de Ray Garduño resulta ser divertida y estética, aún cuando el texto plantea una gran problemática que en la actualidad no ha sido resuelta.

La obra ventila hechos y padecimientos que están viviendo en carne viva los miles de migrantes de zonas de Centroamérica, quienes transitan por nuestro país, en aras de establecerse rumbo a Norteamérica por diferentes razones. Es una historia que según aseguro su autor, forman parte de la realidad. Cuatro jóvenes quienes pese a todo, al parecer hoy en día residen en Nueva York.

El espacio escenográfico de LA VIEJA RABIOSA DEL NORTE consta del medio multimedia y un “cine a mano” manipulado por parte de Ariadnalí de la Peña; medio en donde se muestran dibujos de algunas de las escenas en donde aparecen los cuatro jóvenes personajes, quienes paralelamente se encuentran actuando.

También se muestra un texto por escrito en la pantalla, en tanto que en el escenario aparece alguna utilería o tramoya muy eficaz, que enmarca perfectamente cada escena que se sugiere en la trama.

En la obra se presentan representando los roles estelares, Yeray Albelda como Manu; Karen Merchant en el rol de Patricia; Estrella Gómez actuando como Patricia; e Isis Reyes en el papel de una niña.

 

Finalmente argumentaré qué todo ello se presenta con el apoyo en vivo de la música y el canto tradicional Cardenche, a cargo de Juan Pablo Villa, contando con algunas letras escritas para las canciones presentadas en la obra teatral, bajo la autoría del mismo Antonio Zúñiga Chaparro. LA VIEJA RABIOSA DEL NORTE tiene planeado finalizar sus funciones, el próximo día 25 de agosto. EN HORA BUENA A TODOS!!!!

 

HOMENAJE A HECTOR BONILLA.

POR:  Dalia María Teresa De León Adams.

 

Un baluarte por haber aportado mucho a las artes escénicas en México, el Primer actor HECTOR BONILLA recibió el día de ayer miércoles 15 de agosto, un homenaje que se efectuó en el Foro del Teatro Julio Castillo. 

Para tal efecto se presentaron, según se hizo mención, cinco de sus más cercanos amigos, así como compañeros. Ellos fueron Susana Alexander, Pato Castillo, Julieta Egurrola, Damian Alcazar y Mario Iván Martínez.

Todos ellos contaron la manera en que le conocieron, así como algunos de los pormenores vividos en el ámbito laboral. Finalmente expusieran las cualidades del actor, motivos por los cuales ganaron la admiración y amistad del actor homenajeado, lazos de amistad que existen entre ellos desde largos años atrás.

Muchos otros amigos y compañeros del gremio artístico por supuesto, estuvieron presentes durante el evento, siendo algunos de ellos por ejemplo, El Secretario General de la ANDA, el Señor Jesús Ochoa, Rafael Sánchez Navarro, Luisa Huerta, entre muchos otros. 

Pero no podían dejar de estar presentes en el HOMENAJE A HECTOR BONILLA sus hijos Sergio y Fernando Bonilla quienes dedicaron varias palabras de amor y reconocimiento a su padre. Su hija primogénita Leonor, le envió un cálido mensaje a través de un video que por supuesto, fue expuesto con el público presente.

Su esposa, la actriz  Sofía Álvarez, por supuesto no podía faltar. Ella subió al escenario, desde donde comentó el inicio de su larga relación amorosa, teniendo de unión conyugal 39 largos años. Al final de su emotivo discursó concluyó diciendo: Tú eres mi Quijote y yo, soy tu Sancho Panza

Inicialmente había comenzado el HOMENAJE A HECTOR BONILLA con una remembranza de su pasado mediante un video en donde se dio a conocer los pormenores de su carrera artística, qué como según se argumentó, cuenta a sus 80 años de edad con una trayectoria de 55 años durante los cuales ha incursionando en todo tipo de género teatral, contando con poco más de 140 obras en las que ha actuado.

El teatro es  según HECTOR BONILLA el lugar en donde realmente se forma el actor. En éste se ha desempeñado como director de aproximadamente 40 montajes, así como de productor en varios proyectos. 

Le diré qué el actor HECTOR BONILLA nació en la Ciudad de México el 14 de mayo del año de 1939. Y no en Guadalajara, como piensan algunas personas. Sus estudios los cursó en el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

También ha actuado en cine colaborando en 38 películas, así como un comercial de “panquecitos”, presentándose en un programa de “El Chavo del 8” e incursionando en las telenovelas en los años 70’s dándose a conocer como “galán” y gran actor, al trabajar con gran parte de las figuras femeninas del momento. 

También ha tenido facetas de escritor y músico, además de ser el creador de la escuela “La Liga de la Improvisación” aún cuando pocas personas le conocen en dichos ámbitos, por haber sido desde el inicio de su multifacética carrera catapultado como un destacado actor.

En el tan merecido HOMENAJE A HECTOR BONILLA no podían faltar algunas palabras pronunciadas por el mismo, leyendo un emotivo y divertido texto que años atrás dedicara a su familia y que intituló “Mi herencia”.

 

La directiva del Centro Cultural del Bosque, como anfitriona del evento al finalizar el HOMENAJE A HECTOR BONILLA obsequió un hermoso grabado; momento tras del cual, para cerrar con broche de oro al emblemático actor, se presentó un grupo de mariachis musicalizando uno de sus múltiples escritos. Así se dio apertura a un espléndido Brindis.

 

DESPERTAR DE PRIMAVERA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-Al despertar sus deseos carnales Melchor, Wendla y Mortz se encuentran cuestionando constantemente su deber ante la moral empujados por la avasalladora potencia de la naturaleza del ser, mismo que rompe con toda moral, estos tres jóvenes descubren su sexualidad, su cuerpo y su muerte”

Esta es la síntesis de la obra teatral DESPERTAR DE PRIMAVERA escrita por Frank Wedekino, bajo la dirección escénica de Verónica Zurita, puesta en escena que tras de dos funciones, se esta presentando en el Foro Salvador Novo en día lunes y que la Compañía “Cuadrilla Teatro Mx” presenta.

DESPERTAR DE PRIMAVERA en mi opinión encierra muchas cosas más allá de la sexualidad y la falsa moralidad social, temas que por supuesto son dos ingredientes muy importantes, dentro de la trama de éste drama escénico, por lo cual retomé inicialmente el párrafo expuesto a manera de sinopsis por la misma compañía presenta en su programa, para hablar acerca del mismo.

La temática además aborda, aunque someramente, muchos aspectos más a tratar como son el inicio de la atracción sexual, la sensibilidad que se despierta en la etapa de la adolescencia con respecto al mundo del adulto, en el cual irremediablemente poco a poco comienza a formar parte; el amor incipiente, así como sus inseguridades, sus dudas, sus gozos e incluso sus padecimientos. 

Aunado a ello se aborda el tema de la agresividad intrafamiliar, tanto en su forma física, como intimidatoria qué en algunos casos, llega hasta el extremo de llevar al suicidio a un joven, quien en aras de no poder lograr las notas exigidas por sus padres, decide una falsa salida, la joven violentada en carne viva por sus propios congéneres, la confidencialidad e incluso por supuesto, la muerte como escape a los problemas de un precoz embarazo.

 Este texto se encuentra traducida al español por David Hevia, bajo el “dramaturgismo” de Bruno Rosales Villareal, siendo la dirección como a-priori menciono, de Verónica Zurita, quien presenta esta puesta en escena de una manera poco convencional, pues se actúan escenas un tanto subidas de tono para el público adolescente e incluso para los mismo jóvenes actores, en donde se muestra una masturbación, por ejemplo.

Ello se debe a lo cruento de la temática abordada por su autor original, es decir del dramaturgo alemán Frank Wedekind ( Múnich 1864-1918) quien se interesaría en varias de sus novelas en abordar temas en torno a la adolescencia, como es el caso de su primera obra intitulada Frühlings  Erwachen precursor del expresionismo; autor que por la manera de presentar sus obras se le puede considerar naturalista en cuanto a como narra el texto, al género que propone como tendencia, el mostrar la realidad tal como es, es decir, sin ningún tapujo.

 

DESPERTAR DE PRIMAVERA se presenta en el Teatro la Capilla, Foro Novo, bajo la producción de La Secretaría de Cultura, el FONCA, Los Endebles, La Sala Novo, Fundación BBVA y Proyecto B.

 

NO ME CONOCES AÚN

POR: Dalia María Teresa De León Adams



Flor Yvone, la cantautora regiomontana junto con El Grupo “Palomo” unirán sus cantos el próximo jueves 22 de agosto en el recinto cultural de “El Lunario”. Además se presentarán en dicha ocasión el cantante de rock Ricky Luis, Ivonne Montero, Los Shulos Calderón, Tamaya Mortiz, Gerardo Torres y Gloriela, con quienes compartirán el escenario.

La velada parece ser prometedora, en donde diversos géneros musicales se podrán escuchar en voces de sus autores, quienes interpretarán los éxitos que les ha llevado a la fama, además de nuevo valores como en el caso de “Los Shulos Calderón.

Recordemos qué la cantautora Flor Yvone se inició en el Festival de Valores Juveniles en 1987 y, le contaré qué tras de 32 años de carrera artística, logró vender 6,000,000 (seis millones) de copias incluyendo boleros, música pop y baladas. 

Además de pudo mantener su canción NO ME CONOCES AÚN en primer lugar en el gusto de los radioescuchas durante un largo año, permaneciendo por ello en la lista “Billboard”. Esta sería una de las la razones por la cual la banda grupera PALOMO posteriormente grabó su exitoso tema.

La compañía Difusora “El Brunch” así como los directivos de los eventos del Lunario, inmueble que por cierto ha estado acogiendo a grandes figuras artísticas de diversos géneros, así como ha ofrecido conciertos, festivales y diversos eventos, nos presentaron en el boletín de prensa que se ofreció para dar a conocer los pormenores del próximo concierto, la siguiente información de manera textual y, que es la siguiente:

-“Así como México es la catapulta de muchos artistas internacionales, el Lunario esta cumpliendo con la misión de poner en boca de la gente muchos espectáculos de la Ciudad de México, que es el ombligo de América Latina artísticamente hablando” comentó Flor Yvone, quien también es embajadora de la Música Mexicana en Malasia, Tailandia, Filipinas, y Centro América gracias a su nombramiento por la cancillería de México”-.

Así es como ahora el Lunario abre sus puertas y se prepara para presentar el concierto por parte del “Festival Coincidir” a FLOR YVONE, EL GRUPO PALOMO y sus invitados especiales, el próximo jueves 22 de agosto, como inicialmente comenté.

“1984”

POR: Dalia María Teresa de León Adams

 

La Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico y la Teatrería Producciones presentan “1984”, original de George Orwell, bajo la adaptación creativa de Robert Icke & Duncan Macmillan y la dirección artística de José Manuel López Velarde,

-“En un tiempo dominado por “El Partido”, pensar es un crimen. En un lugar en el que no se sabe ni siquiera qué es verdad, Winston Smith comienza a escribir un diario y con el simple hecho de poner su pluma sobre el papel, desencadena una serie de sucesos que lo hacen cuestionar los fundamentos mismos de la realidad, a descubrir la existencia de un grupo de disidentes conocidos como  “La Hermandad”, pero sobre todo a encontrar una mujer llamada Julia y a experimentar un amor que revoluciona su mente y su vida. Pero Big Brother Esta observando, Big Brother siempre esta observando….”-

Párrafo textual de éste texto cuya trama puesto en escena en un solo acto escénico,  nos lleva a reflexionar hasta dónde los avances tecnológicos en un futuro cercano, pueden actuar en contra de la integridad humana, dominándonos hasta el punto de querer controlar las mentes.

En la dramaturgia de Orwell, un constante mecanismo vigilante llamado “Big Brother” determina el futuro y actuaciones de la sociedad, manipulándola libremente. No en balde lleva el nombre de Big Brother, parecido al del sistema televisivo que en otro momento ha divertido a los espectadores, pero el cual, del mismo modo cumple la función de ser un terrible vigilante las 24:00 horas del día.

Obra de ficción que trata sobre la rudeza extrema del sometimiento del ser racional, en donde el partido postulado en el dominio, sigue tácticas extremas antihumanas hasta l extremo de no poder pensar libremente

La escenografía a cargo de Jesús Hernández es constantemente movida por un equipo de tramoyistas quienes ejecutan rápidamente su trabajo, transformando el foro de una vivienda oscura y lúgubre de los año 80’s el siglo pasado, en un salón secreto o una cámara de torturas, o bien, una recámara clandestina. 

Todo ello presentado a media luz, tal vez para inferir el efecto de hostilidad, desafío y ambigüedad de acciones; ello con la ayuda de la técnica multimedia que hoy en día sirve de apoyo tanto actoral como escenográfico en muchas obras teatrales.

El amor y la pasión son ingredientes que comúnmente no pueden faltar dentro de una obra teatral, aún cuando sea un amor fallido, lo cual le infiere cierto sentimentalismo al texto.  En éste montaje escénico el amor incondicional termina convirtiéndose en traición bajo circunstancias determinadas.

La temporalidad de la trama dista mucho de ser lineal, pues constantemente se usan regresiones y retrospecciones temporales, lo cual le da un toque de futurista o vanguardista a la trama, muy ad-hoc con la trama de George Orwel.

El elenco esta formado por Antón Araiza, Constantino Morán, Vanesa Restrepo, Alfredo Herrera, Tarence Strickman, Angie Vega, Alberto Eliseo, Evan Regueira y la pequeña Julieta Luna. “1984”  se presenta en el Teatro Helénico los fines de semana.

LA TORTUGA DE DARWIN

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Cultura UNAM a través de la dirección de Teatro presentan la obra teatral LA TORTUGA DE DARWIN. Una dramaturgia original del español Juan Mayorga (Madrid 1965) bajo la dirección escénica de Ginés Cruz.

La trama gira en torno al personaje de Harriet, es decir, a la tortuga del naturalista inglés Charles Darwin llamada Harry. La noticia periodística sobre la muerte de la mascota que perteneció al destacado científico Charles Darwin fue lo que le motivaría a escribir la obra LA TORTUGA DE DARWIN a su autor, el dramaturgo Juan Mayorga.

El científico Charles Robert Darwin nació en El Monte, Shreswbury, en el Reino Unido (1809-1892).  Como es bien sabido fue reconocido como una eminencia mundialmente debido a la formulación de su teoría acerca de la “Evolución de las Especies”.

Le diré que la tortuga por supuesto realmente perteneció al científico, logrando existir unos 175 años. Su nombre real fue el de Harry, pues Darwin de entrada dio por hecho el que su mascota pertenecía al género masculino; sin embargo, resultó que era una tortuga hembra, por lo cual terminó siendo llamada “La tortuga Harriet”. 

Les menciono todo esto porque la trama de obra teatral LA TORTUGA DE DARWIN“ esta recreada a partir de “La  teoría de la Evolución Expuesta” la cual sostiene qué cualquier ser viviente en condiciones específicas extraordinarias, puede evolucionar e involucionar, llegando a transformarse en otra especie aparentemente diferente.

A partir de este concepto fue que el escritor Juan Mayorga imaginara y escribiera una historia en la cual la tortuga Harriet ante el proceso de “evolución expuesta” se transforma en humana, siendo un testigo presencial de hechos muy trascendentales en el mundo.

Con respecto a Harriet, la compañía teatral introdujo en el programa de mano las aseveraciones que el mismo autor Juan Mayorga expusiera por escrito (quien dicho sea de paso obtuvo el premio en la categoría de Mejor drama).

Esto expresó cuando se informó, con respecto al interés de montar su obra en escenario mexicano, por parte de la UNAM, del director Ginés Cruz y de la actriz protagónica María Elena Olivares, quien por cierto, fuera la propulsora para que se llevarse a cabo ésta puesta en escena. 

Las palabras textuales de Mayorga fueron las siguientes:

-“Harriet fue un ejemplar hembra de tortuga gigante que Charles Darwin transportó en el Beagle desde el Archipiélago de las Galápagos hasta el puerto inglés de Falmouth. Por lo visto disfrutó de una gran vida bastante tranquila, pero yo quise atribuirle otra más agitada. La imaginé como una mujer que además de concha, lleva encima dos siglos de historia. La imaginé escapando del jardín de su descubridor, arrastrándose hasta la agitada Londres y cruzando el Canal de la Mancha para proseguir un viaje que duraría hasta hoy. La imaginé convertida en una señora que ha sobrevivido a once papas y treinta y tantos presidentes norteamericanos, a dos guerras mundiales, a la Revolución de octubre y a la Perestroika. Imaginé un animal que habiendo tenido que adaptarse a tremendas circunstancias, ha evolucionado a golpes de Historia hasta ser casi una persona, o algo más que una persona, mirando siempre a las personas –y a la historia misma- desde abajo. 

Me hace feliz que, gracias  un importante equipo de artistas, Harriet haya cruzado otra vez el océano y esté dispuesta a compartir con los espectadores mexicanos su extravagante aventura. Y siento una enorme gratitud hacia María Elena Olivares, impulsora de la aventura, a Ginés Cruz que le ayudó a levantar el proyecto, y a la Universidad Nacional Autónoma de México, por apoyarlos.”- 

La trama resulta ser una verdadera delicia para aquellos que aman la historia, quienes además se pueden regocijar con el personaje de Harriet al adentrarse en el mundo imaginario qué Mayorga construyera y plasmara mediante su indudable talento.

Con matices fársicos y de comedia nos introduce en el peculiar mundo de la tortuga Harriet quien según la dramaturgia, tras de evolucionar en una mujer parlante quien habla diversas lenguas, narra algunos de los hechos históricos más trascendentales en los dos últimos siglos. 

En su intento por volver a las islas  Galápagos hará un pacto con un brillante historiador (caracterizado por el actor Miguel Romero). El pacto consiste en que el profesor le enviará de vuelta a sus islas, si ésta le narra lo acontecido durante sus doscientos años de vida, haciendo correcciones respecto a varios de los sucesos narrados por la historia.

Paralelamente el personaje de Harriet se encontrará con una científica (la actriz Paola Izquierdo) quien determina mediante radiografías y estudios específicos qué Harriet es poseedora de un extraño organismo, desconocido por la ciencia hasta al momento, por lo cual, intentará continuar examinarla a toda costa. Un cuarto personaje se unirá para explotarla.

 

LA TORTUGA DE DARWIN se presenta en el Teatro Santa Catarina de jueves a domingos hasta el 30 de agosto.

 

MONJAS CORONADAS Noches de Cabaret Burlesque.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

En el nuevo “Foro 4 Alternativo” un recinto del Centro Cultural Helénico, entre otros eventos, presenta dentro de su programa “Noches de Cabaret Burlesque, la propuesta escénica de MONJAS CORONADAS.

Una obra picante que alude al mundo del convento, visto desde un punto creativo, irreverente y con gran sentido de humor negro. Así la música en vivo da cabida a las plumas, lentejuelas, chistes, frases en doble sentido, baile y canto por parte de el elenco estelar, el cual presenta además varios strip tees.

El divertimento es presentado bajo atuendos al estilo “Drag Queen” con el objetivo de incentivar el combate a los tabúes y la doble moral. Ello bajo un toque religioso que envuelve la trama, pero qué en realidad no contiene una retórica teológica. La intención es divertir y presentar un espectáculo en la cual escudriña una supuesta comunidad clerical, tan sólo para contrastar y reverenciar al desnudo humano, así como promover una política combativa, como según se específica dentro del boletín de prensa, ofrecido mediante los enfoque propuestos por la Compañía “Tonalli Teatro”, encargada desde hace tiempo d ofrecer espectáculos de Teatro Cabaret Burlesque.

Así es como se menciona de manera textual la propuesta de los montajes escénicos de Tonalli Teatro, la cual argumenta lo siguiente:

- A través de la creación de MONJAS CORONADAS la compañía revisa varias líneas de investigación y exponen a través del cabaret burlesque su particular postura acerca del barroco mexicano, su cargada, bella y apasionante estética sobre el Horror vacui (horror al vacío) como salvación contra el capitalismo industrial y las formas no visibles de sometimiento que se han insertado en la sociedad; el cuerpo humano que se resiste a ser parte de la hegemonía moral que lo debilita, lo cosifica y lo aniquila, así la compañía advierte una tendencia social al barroquismo donde Dios es la experiencia ética de lo indecible, de la nada y del todo; estas Monjas Coronadas están prestas a recibir el éxtasis divino y expresarlo desmesuradamente.-

Dentro de la trama de la obra MONJAS CORONADAS se juega con la idea y la representación de personajes ficticios religiosos, entre los que se encuentran tres monjas y la madre superiora de la congregación “La Paja Perpetua”. Todas ellas se emocionan ante la espera del advenimiento del Señor. De tal modo qué pretenderán conservarse recatadas, impolutas, prístinas y devotas, para ser merecedoras de tan emblemática visita. Sin embargo, finalmente caerán en tentaciones carnales que las evidenciará.

 

Ya con anterioridad la “Compañía Tonalli Teatro” se ha estado presentado en diversos recitos, tales como en el Foro “A Poco No” y el Tetro de la Ciudad de México, Esperanza Iris.  En ésta ocasión ofrecen funciones dominicales al filo de las “21:00 horas, en el Foro 4 Alternativo del Centro Cultural Helénico hasta el 24 de agosto.

 

EJECUTOR 14

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


“Teatro Sin Paredes” y “Mono Teatro” acaban de estrenar la puesta en escena de la obra teatral EJECUTOR 14 que muestra a un personaje desgarrado desde el fondo de sus entrañas, en medio de los terrores de una guerra civil, en donde todo hombre puede convertirse en el EJECUTOR 14 hasta llegar a límites impredecibles.

Sin embargo, el personaje pretende ser redimido por su autor, o por lo menos comprendido por su público, a pesar de presentar con crudeza y deshumanización a un hombre quien presenta un testimonio describiendo los pormenores de los hechos padecidos y ejecutados posteriormente, en contra de terceras personas; actos que implica toda guerra absurda, en donde las victimas se vuelven de pronto, en victimarios de otros seres indefensos e inocente. 

La trama comienza con el testimonio del EJECUTOR 14, que se remonta a sus años de infancia, en donde observaba el bullying en aras de un racismo y sectarismo infiltrado en su sociedad.

La dramaturgia es un monologo escrito por Adel Hakim, bajo la traducción al español y la dirección artística a cargo de David Psalmon, en donde actúa Osvaldo Sánchez mostrando sus grandes dotes histriónicos.

Sobre el texto posbélico de Adel Hakim, David Psalmon hace una reflexión sobre la historia y la adaptación que presentan en base a la obra del EJECUTOR 14, haciéndolo con las siguientes palabras:

-Ejecutor 14 propone un viaje hacia el paisaje interior de un hombre común vuelto verdugo. Un hombre que ha perdido los últimos rastros de lo que lo hacía humano. Al menos en esa reconstitución de los hechos que permite el teatro, ese compartir con el espectador, le puede devolver su humanidad y permitir encontrar la paz. Y es justamente esa reconstitución, ese acto de confesión y de fragilidad compartido que pretende develar esta puesta n escena, en la que un actor le da vida a ese hombre común, nutrido por los superhéroes de su infancia, los sueños de grandeza, la inocencia, el amor…. Hasta que un día todo se derrumbe y se hunde irremediablemente en un mar de sangre, de tristeza y de desolación. Una puesta en escena esencialmente basada en este sencillo y sin embargo tan profundo “acto de reconstitución”. Nada de artificio, nada de parafernalia teatral. Sólo un actor, una mesa en el interior saqueado por la guerra y aquellos que vinieron a escuchar su historia…..

La obra resulta realmente desgarradora. Drama que es presentado en un solo acto escénico y con un solo cuadro ya descrito por el mismo David Psalmon. EL EJECUTOR 14 se presenta en el Foro B de “La Teatrería” de viernes a domingos, bajo el patrocinio de La secretaría de CULTURA y el FONCA.

 

 DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA

POR: Dalia María teresa De León Adams.


-Cuando el 7 de octubre de 2001 se estrenó “Defendiendo al cavernícola” en el Centro Cultural San Ángel, nadie podía haberse siquiera imaginado la larga e importante historia que comenzaba a escribirse en ese momento.

La obra se colocó como la más exitosa en la historia de ese teatro, con casi 10 años continuos de temporada….-

Con éstos párrafos la Compañía “Mejor Teatro” inicia su información del boletín de prensa que se entrega a los medios, para dar a conocer algunos de los pormenores del regreso de DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA. Obra teatral que los amantes del teatro inmediatamente reconocen bajo la presentación estelar del actor Cesar Bono.

Curiosamente el día de ayer, jueves 8 de agosto, se reestrenó en el mismo foro Teatral, con dos diferencias; la primera, que tras de una breve temporada de haber sido cerrado el inmueble, con éste montaje se dio la reapertura del foro y, la segunda, qué en ésta ocasión cuenta con la actuación corre a cargo del polifacético Sergio Mayer (cantante, actor, empresario, diputado ,etc.)

Le contaré qué al termino de la función, tras de los aplausos del público, las palabras del Señor Morris Gilbert, (su productor) y de algunas frases de agradecimiento por parte del Señor Mayer, se pidió a cesar Bono subir al escenario, momento en el cual el público le reconoció su labor, ovacionándolo con un caluroso aplauso.

Pero volviendo al texto, la dramaturgia tiene el título DEFENDING THE CAVEMAN. Su creativo es el escritor estadounidense Rob Becker, quien la diera a conocer en un foro de la ciudad de San Francisco, en junio de 1991 con gran éxito, por lo cual logró ser representada en 45 países, además de ser premiada con el galardón “Laurence Olivier” como mejor obra de entretenimiento.

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA es una comedia escrita en formato de monólogo, en donde sin embargo, aparece ocasionalmente una co-actriz en imágenes ofrecidas mediante una pantalla en el escenario, que se accionan acorde con algunos de los monólogos o argumentos ofrecidos por el actor, siendo en el caso de ayer, por supuesto, los emitidos mediante la actuación del Señor Sergio Mayer. 

La obra esta formada por una somera información respecto al comportamiento del hombre y de la mujer de la época primitiva; información que su escritor aprovechara para hacer un paralelismo con la sociedad actual. 

El texto hace alarde del manejo del escritor americano, en cuanto a la psiquis de sus personajes, haciendo hincapié constantemente en las diferencias que existen entre ambos sexos, las cuales han continuado manifestándose según él, de la misma manera a través del tiempo.

Para concluir sin preámbulos DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA es una obra teatral muy divertida qué además como un plus, invita a reflexionar sobre la actitud de las parejas. Se presenta los fines de semana en el Teatro López Tarso del Centro Cultural San Ángel, bajo la dirección artística de Jaime Matarredona.

 

FUEGOS

POR: Dalia De León Adams.

 

Cuatro monólogos cuentan las historias de la mitología griega desde la perspectiva de las mujeres que las vivieron. Ariadna habla sobre el abandono de Teseo luego de ayudarlo a liberarse del minotauro en el famoso laberinto de Creta; Fedra, su hermana menor, casada con Teseo años después, se enamora del hijo de éste, Hipólito, en un relato que la muestra presa en un callejón sin salida. Medea cuenta su versión del amor y desamor que tuvo con Jasón y las razones del filicidio más famoso y, finalmente, Andrómaca, esposa y viuda de Héctor, el famoso héroe troyano, hace un repaso de su vida desde su nueva condición de esclava.

Éste es justamente el breviario que ofrece Gilberto Guerrero, su director escénico y escritor de la dramaturgia teatral de FUEGOS quien presenta a manera de cuatro monólogos, los personajes de Ariadna, Fedra, Medea y Andrómaca, siendo los dos primeros textos, los que se representan en la primera función, ofrecida los días lunes en el Centro Cultural “El Hormiguero” bajo las actuaciones estelares de Ana María Aparicio y Darinka Olmedo.

Sin embargo, cada una actúa por separado, dándole vida primeramente a la figura mítica de Ariadna, en el primer tiempo escénico, para posteriormente introducir la también interesante pasión de su hermana Fedra.

Ambas actuando inmersas en una escenografía propuesta bajo el diseño de Dulce Zamarriega, el cual consta solamente de velos blancos, al igual que las vestimentas de las jóvenes actrices, quienes representan los personajes protagónicos; diseños qué enmarcan perfectamente con cada monólogo, dándole un toque núbil y exquisitos, acordes con la dramaturgia plagada de grandes tintes de pasión aballazadora e ingenuidad infortuitas, de las jóvenes míticas convertidas en leyendas.

Durante los diálogos coloquiales bien estructurados de los personajes protagónicos, se cuentan la historia terminada en tragedia, debido a las pasiones desenfrenadas que las jóvenes viven con grandes figuras masculinas de la mitología griega. 

Cuatro personajes femeninos de las cuales cabe preguntar si son las victimas o victimarias en sus encuentros fugaces con Teseo, Hipólito, Jasón y Héctor de los desvaríos y goces. 

Durante la trama Gilberto Guerrero se advierte al dramaturgo docto,  comprometido y creativo, quien en base a los mitos griegos, rescata a cuatro figuras femeninas emblemáticas, bajo la temática del amor y el sometimiento.

 

Las cuatro mujeres de la obra completa de Gilberto Guerrero sucumben en el FUEGO de sus sentimientos; título con el cual presenta sus cuatro fragmentos escénicos, que resulta muy ad-Hooch a las cuatro tramas o historias, siendo los amores de Medea (Marcela Faregrino)y Andrómaca (María Balam) las cuales son presentadas posteriormente, los día viernes en el marco de las 20: 00 horas en el mismo foro teatral del Centro Cultural “El Hormiguero”.

 

A LOS 13

POR. Dalia María Teresa De León Adams.

TF PRODUCCIONES en asociación con Eugenia Leñero, Jesús Ochoa, Yosi Bernstein y Fernando Martínez, en el presente año, durante varios meses han estado presentando la revista musical juvenil A LOS 13. Obra teatral original de los estadounidenses Dan Elish (oriundo de Washintong CD. 1960) y su colega, el también escritor americano, considerado  experto en musicales, el Señor Robert Horn.

Resumiendo le diré qué A LOS 13, contiene una trama en donde los Teenages son el núcleo de una historia divertida que ventila la manera ingenua del mundo de los niños, quienes comienzan a crecer y al ver al mundo de modo distinto, en donde se goza y se sufre ante el despertar al amor, a los sueños y a las transformaciones. Quienes se cuestionan el qué y cómo hacer ante tales nuevas circunstancias en sus cortas vidas.

Todo ello le da un toque de frescura que culmina en remembranzas del pasado para el público adulto. La dramaturgia contiene lenguajes simples y coloquiales que nos hablan sobre la psiquis de los PRE-adolescentes presentados en ésta obra. Respecto a la Sinopsis de la historia, el equipo productivo publica en el programa de mano los siguientes párrafos:

-“A los 13” nos lleva a conocer la historia de Evan Goldman, un PRE adolescente que debido al divorcio de sus padres tiene que mudarse de la gran metrópoli a un pequeño pueblo.

En este momento de su vida, sólo quiere hacer amigos, tener un inolvidable  B a r - M i t z v a h (Celebración judía que marca la transición de niño a adulto al cumplir los 13 años) y sobrevivir el año escolar.

Con una partitura pop-rock del compositor ganador del Tony Jackson Robert Brown, “A los 13 años” es una comedia musical divertida y de gran energía sobre el descubrimiento de crecer, el valor de la amistad, el bullying y darte cuenta de que puedes encontrarte a ti mismo donde y cuando menos te lo esperas.-

 

El éxito del musical entre el público adolescente ha hecho que se alargue un poco más la temporada de las representaciones de A LOS 13. Puesta en escena que se presenta en el Teatro Libanés con funciones dominicales matutinas de las 12:30 horas, bajo la dirección escénica de Marco Anthonio y Beto Torres, la musicalización y letra a cargo de Jason Robert Brown, la escenografía a cargo de Emilio Zurita y, por supuesto con las actuaciones estelares de algunos jóvenes promesas en el escenario.

 

EL MERCADER DE VENECIA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Una de las obras clásicas del gran escritor inglés Williams Shakespeare (1564-1616) conocido algunas veces como “El Bardo de Avon” fue escenificada el día de ayer viernes 2 de julio, bajo la traducción y adaptación del texto por David Olguín; obra que fue reestrenada en el Teatro “El Milagro”, bajo la dirección escénica del mismo Olguín. Nos referimos a la obra EL MERCADER DE VENECIA.

 Si Usted no lo sabía, le diré que el Señor David Olguín nació en la Ciudad de México en 1963. Es un gran dramaturgo, ensayista y director de teatro, además de ser uno de los directivos del Teatro “El Milagro”. 

Pues bien, volviendo a la puesta en escena de EL MERCADER DE VENECIA, como es de todos bien sabido trata sobre un joven llamado Bassanio oriundo de Venecia, quien tratará de obtener la mano de Porcia, una joven hermosa y rica heredera de Belmont. Para lograrlo se dirige a su amigo Antonio, el llamado MERCADER DE VENECIA y le pide un préstamo de 3.000 ducados

Antonio al no tener de momento los ducados, recurre a un rico usurero judío, a quien dicho sea de paso, había insultado y humillado con anterioridad, ganándose el desprecio del hebreo; sin embargo, éste último accede otorgarle el préstamo sin cobrarle ningún redito como era su costumbre, bajo la única condición de que si no paga en el plazo citado, a cambio deberá permitir que le extraiga de su cuerpo una porción estipulada en el contrato, de la parte que él desee extraer.

Dentro de la trama además aparece de manera paralela otra historia de amor protagonizada por dos jóvenes de distinto credo religiosos, quienes huyen para poder realizar su amor, convirtiéndose la joven judía al cristianismo, además de ser cómplice del despojo de todos los bienes, cometidos a su propio padre.

Es una obra que además lleva implícito mensajes de la ideología secular de la época shakespeariana, como es el de anteponer el cristianismo al judaísmo, con matices maniqueístas, en donde suponen que los cristiano son siempre los buenos, en tanto que los judíos son los malos, pese a los insultos y al trato infrahumano recibido por parte de los feligreses católicos cometidos en contra de la comunidad hebraica.  

La puesta en escena a cargo de David Olguín es representada bajo su dirección escénica mediante el reparto estelar encabezado por el Primer actor Mauricio Davison, en el rol de Silo, el judío usurero. Yenisey Crespo es Porcia y su sirvienta Enriza es caracterizada por Simona Chirinos. 

En el papel de Jessica, es decir, la hija del usurero judío se encuentra Marisol Castillo, quien además interpreta al Príncipe de Marruecos. Basando es actuado por Elías Toscano, en tanto que Antonio por Iván Zambrano; Saladino es interpretado por Emmanuel Varela y Lorenzo/y un carcelero, por Sebastián Dante.

La puesta en escena de EL MERCADER DE VENECIA consta de una escenografía a cargo del  Señor Gabriel Pascal totalmente modernista, al igual que el vestuario (Estela Fagoaga) y la utilería que le da un toque de modernidad, pese a que se respeta la trama en general y los diálogos.

 

EL MERCADER DE VENECIA se presenta en El Teatro “El Milagro” producida por su misma Asociación Cultural Independiente, la cual se fundó a partir de 1991 bajo la finalidad de promover  las creaciones artísticas escénicas.

 

EN EL MARCO DEL DÍA MUNDIAL CONTRA LA TRATA DE BLANCAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Por motivo de ser el 30 de julio el DÍA MUNDIAL CONTRA LA TRATA DE BLANCAS en la Sala 8 de la Cineteca Nacional de la Ciudad de México, el día de ayer 29 de julio, se dio apertura a una serie de largometrajes cuyos guiones cinematográficos giran en torno a la problemática mundial, que se ha dado por conocer bajo dicha expresión.

Como es bien sabido, muchas jovencitas en su mayoría, entre algunos jóvenes y niños, han sido el blanco perfecto para el engaño que les lleva a padecer el ser coartadas de su libertad en aras de la prostitución, el abuso, e incluso de homicidio, en ciertos casos.

Problema sin resolver, el cual no tiene cara, nombre ni apellido, pero que desgraciadamente se sigue filtrando en la actualidad en diversos países. Es así qué han surgido diversas obras y, en éste caso, películas que intentan indagar, aún sin lograr nada, evidencias de sucesos, que realmente sirvan de testimonios fehacientes.

Por ello es que en la Sala 8 de la Cineteca Nacional, como a-priori mencionamos, se llevó a cobo la apertura de cintas fílmicas EN CONTRA DE LA TRATA DE BLANCAS, presentándose para tal efecto, el Señor Jorge Pascual.

Así fue como uniendo esfuerzos el Gobierno de la Ciudad de México, La Secretaría de Seguridad Ciudadana, junto con la Secretaría de Cultura, PRO CINE, la Compañía BRASIL-México, la UNAM y por supuesto, la Cineteca Nacional, se dieron cita con algunos de sus representantes quienes asistieron al evento.

El rodaje con el cual se dio apertura, fue “BAJO JUÁREZ: LA CIUDAD DEVORANDO A SUS HIJAS”; película mexicana la cual fue gravada en el año 2006. Es un guión original de José Antonio Cordero y Alejandra Sánchez, dirigida por sus mismos autores, contando con la fotografía de Érika Licea y la música a cargo de Tareke Ortiz. La producción es de FOPROCINE, IMCINE, Pepa Films y la UNAM.

“CIUDAD BAJA” fue también presentada el mismo día 29 de julio, pero en la Biblioteca Vasconcelos. Largometraje de Karim Aïnouz y Sergio Machado, bajo la dirección de éste último, la fotografía de Toka Seabra, la música a cargo de Carlinhos Brown y Beto Villares y, la producción Palm Picture. En ella colaboraron Brasil, y el Reino Unido.

El día de hoy, 30 de julio, se presentó el largometraje intitulado HELI, cuyo guión y dirección está a cargo Amat Escalante y Gabriel Reyes; la fotografía es de Lorenzo Hagerman. Película co-producida por México, Francia, Alemania y los Países Bajos Holanda); contaron con la producción las compañías Mantarraya, Tres Tunas, FOPROCINE, Le Pacte, Lemmning Film, No Dream Cinema, Sudance-NHK, Ticoman, Unafilm, CONACULTA, ZDF-Arte, Iké Asistencia, Fonds Sud Cinéma, Centre National du cinéma et de l’image Animée, Ministère des Affaires étrangères et du développement International, Film-und Medienstiftung NRW y Netherland Filmfund.

 

Finalmente le diremos qué éstos tres rodajes fílmicos continuarán presentándose los primeros días de agosto, en diversas videotecas.

 

TRILOGÍA LORQUIANA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La Compañía “Caña y Candela Pura” tras de cumplir 30 años de montar espectáculos que incluyen baile, canto y teatro, ofrecerán mediante la tradición cultural gitana, la TRILOGÍA LORQUIANA en donde se incluye música y baile flamenco, junto con un cantante jonco.

La obra esta inspirada en fragmentos del “Romancero Gitano”, que alude a la obra poética y la dramaturga del escritor granadino Federico García Lorca, nacido en 1898 en Fuente Vaqueros, España y muerto por las fuerzas armadas de Franco en 1936. 

Como es de todos bien sabido, entre sus obras magnánimas  se encuentran “La casa de Bernarda Álvarez” y “Bodas de Sangre”, “Sonetos de amor Oscuro”, “Romancero Gitano” y “Poeta en Nueva York”. 

Sobre éstas y otras más de las obras de Federico García Lorca es que se extraen algunos fragmentos, que mencionaré, para darle vida a la TRILOGÍA LORQUIANA; compendio original hecho dramaturgia, por parte de la maestra Lourdes Lecona Vanscoit. 

Ella es la fundadora de la Compañía “CAÑA Y CANDELA PURA”. Le contaré qué tras de su primera presentación en un foro, a los 4 años de edad, esta cumpliendo 60 años de trayectoria artística ininterrumpida, hecho que le ha llevado a ser conocida en otros países.

Su primer escenario fue el del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris y, es justamente en donde se presentará el próximo 3 de agosto, con su obra TRILOGÍA LORQUIANA contando con 25 destacados artistas especialistas en diferentes disciplinas.

Al respecto de éste próximo espectáculo artístico, en el Comunicado de Prensa de la secretaría de Cultura se expone el siguiente párrafo textual:

-“Para Lecona, autora y diseñadora de la dramaturgia, Trilogía Lorquiana pone en contacto con el origen de la creación y el misterio profundo del amor en todas sus manifestaciones. “Hemos buscado que esta representación coreográfica en la que se suma la escena teatral y la estructura musical, permita rememorar al más universal de los poetas hispanos por medio de su obra y compartir la vastedad de su existencia en un presente que se antoja eterno, y en el cual el poder de su presencia permanezca vivo, a través de su legado como poeta, músico dramaturgo, dibujante y conferencista.”- 

 

En TRILOGÍA LORQUIANA se presentarán en el escenario los bailaores Rosario Armenta, Ana María Liceaga, Erika Suárez, Aline L. Lecona, Elisa Pérez, Liliana Olivares, Majo Muñoz, Fernanda Madrid, Omar Moreno, Edgar Pimentel, Christian Cadengo y Alejandro Tena; estarán los músicos Manuel “Lolo” Jiménez, Rosa del Carmen García, José Juan Trespalacios, Raúl Mandujano, Olmo Ayala y Emiliano De Gante, además de los actores Pedro Mira y Claudia Cabrera.

 

AMARILLO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Un hombre ha partido y no se sabe nada de él. AMARILLO, Texas es el destino al que nunca arribó. Una mujer a la distancia reconstruye su cuerpo, su identidad, su probable itinerario y un discurso imaginado del ausente.

De la recuperación de estos trazos y huellas surge orografía y los paisajes factibles de su recorrido. Una pesquisa donde se manifiesta, además de la huella geográfica y documental, la huella emocional de la ausencia.”- (Párrafos del programa UNAM)

AMARILLO es el título que enmarca un discurso que lleva consigo la problemática de los emigrantes, tema muy actual y preocupante que muestra las vicisitudes y problemas que muchos latinos hoy en día padecen al intentar atravesar fronteras en miras de mejoras económicas, entre otras poderosas razones individuales.

Masas cada vez más abundantes que se alinean al peligro de la travesía y, precisamente esta obra teatral, bajo un matiz dramático, permitió al “Teatro Línea de Sombra”, presentar una puesta en escena comprometida con una problemática tan actual.

AMARILLO además de ser una puesta en escena trágica, constituye una dramaturgia complementada por un documental, en base tanto a testimonios como a imágenes multimedia que muestra en específico, al migrante mexicano denominado “Espalda Mojada” (wet back) quien en su intento atraviesa el desierto se enfrenta con la muerte.

Al respecto se alecciona de manera breve al público, con indicadores de los trastornos que conlleva tal riesgo de permanecer en el desierto durante la larga travesía; síntomas padecidos por la mayoría de los migrantes, quienes mediante el proceso de la deshidratación que ello conlleva, presentan cuadros tales como la interrupción de la visión al grado de ver tan sólo de manera borrosa; o bien, el imaginarse a sí mismos flotando en un gran mar inexistente; la falta de segregaciones de líquidos en el cuerpo como la orina, el sudor o las lágrimas, entre otros padecimientos más, ponen al inmigrante en breve, al filo de la muerte.

En la trama de AMARILLO se presenta un personaje que bien puede ser hombre o  mujer, de distintas edades o nacionalidades. Ello no importa, pues son en realidad las múltiples personas sin rostro y sin identidad, quienes han intentado cruzar la frontera norte, acariciando el supuesto “Sueño americano” que termina en ocasiones convertido en un verdadero infierno.

Le comentaré qué AMARILLO fue la obra teatral extranjera poseedora del Premio 2012 ACE Awards” en la ciudad de Nueva York, así como la obra galardonada con el “Premio del Público” en el Festival EXPONTO de Lubjana Eslovenia.

Bajo la dirección de Jorge A. Vargas la obra teatral AMARILLO cuenta con las actuaciones estelares de Raúl Mendoza, Alicia Laguna, Jesús Cuevas, Antígona González, Vianey Salinas y María Luna. 

 

Finalmente le comentaré qué ésta obra se presentó mediante el Ciclo “Verano de Artes Vivas”, en el Taetro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural UNAM, en muy breve temporada, el reciente pasado fin de semana, es decir, del jueves 25 de julio al domingo de ayer, 28 de julio, estando presentes algunas personalidades del medio como el actor y productor Jorge Pascual.

 

GEORGE KAPLAN

POR: Dalia De León Adams.

 

En gran parte la propuesta del montaje escénico de GEORGE KAPLAN gira en torno al personaje protagónico de la película Hollywoodiense “Con la muerte en los talones”; largometraje el cual fue girado en julio  del año de 1959 en la ciudad de Chicago, bajo el rublo de drama o película de misterio.

En ella actuaron, Cary Grant, Eva Marie Saint, James Manson, Martin Landau, Leo G. Carroll y Jessie Royce Landis.  En base a dicho personaje (George Kaplan) fue que se inspirara el dramaturgo francés Frédéric Sonntang, haciéndolo suyo en una peculiar trama.

Con fecha de publicación de 2012, la obra intitulada GEORGE KAPLAN cobró vida en un escenario europeo, teniendo como protagónico a un personaje ausente durante toda la presentación de la obra.

En Google, al intentar indagar ¿quién era GEORGE KAPLAN? Si acaso era un personaje de la vida real el cual sirviera de sostén escénico, a la comedia de humor negro dirigida actualmente por la directora escénica Raquel Araujo  encontré que se publica al respecto, lo siguiente:

GEORGE KAPLAN es un mito, una leyenda, un rebelde, un virus, una ficción, o mejor dicho varias ficciones. George Kaplan aparece en la película Con la muerte en los talones (North by Northwest), 1959) de Alfred Hitchcock. Es el personaje con el que confunden a Cary Grant y a causa del cual es perseguido por una avioneta fumigadora en un campo de trigo. En realidad, GEORGE KAPLAN es un personaje fantasma del que se crean hasta los últimos detalles, que incluían ir moviendo sus pertenencias de un hotel a otro para hacerlo desaparecer justo en el momento en que Cary Grant estaba a punto de dar con él.

GEORGE KAPLAN es el título de la obra teatral del género de la comedia policial, original del escritor francés Frédréric Sonntang que se presenta en la Sala Beckett de Barcelona, que ha traspasado fronteras presentándose en México a través del Festival de Teatro “Dramafest” por parte de la Compañía “La Rendija y el GGK”.

La dramaturgia consta de tres escenas o cuadros escénicos diferentes, como lo hizo saber la directora Raquel Araujo Madera, los cuales son representados por los mismos actores (5); es decir qué los mismos chicos escenifica primeramente a un grupo de activistas que se auto-nominan GEORGE KAPLAN que intentaran desestabilizar al gobierno occidental, posteriormente a un equipo creativo de guionistas en pos de escribir en torno al tema de GEORGE KAPLAN y, finalmente a un gobierno en la sombra que planean controlar el poder, quienes investigan acerca de qué o quienes son los activistas cuyo nombre es GEORGE KAPLAN. Texto presentado en español, contando con la traducción a cargo de Eunice Cortés y Nicolás Alvarado. 

Actualmente participan en éste montaje escénico los actores Roldán Ramírez, Verónica Bravo, Zaab Di Hernández, Antonio Peña y Nara Pech. Todos ellos en un escenario de forma rectangular, visible en sus tres cuartas partes debido a ser transparente, el cual se ubica al filo de las butacas de los espectadores. Trabajo escenográfico que incluye diversas pantalla ubicadas en la parte superior del escenario y que presentan imágenes ad-hoc a la trama, bajo la propuesta de Jesús Hernández, quien presenta diversos escenarios que son movidos entre cada historia por los tramoyistas, quienes se desempeñan a media luz, de manera hábil.

 

La puesta en escena de GEORGE KAPLAN se reestrenó el día de ayer, 25 de julio, en el Teatro “El Granero Xavier Rojas” del Centro Cultural del Bosque en nuestra Ciudad de México, con horario de las 20:00 horas.

 

¿DUERMEN LOS PECES?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Drama que gira en torno a la temática de la muerte. Gran incógnita que no sabemos responder con acierto, pese a estar siempre presente desde el momento en que somos gestados por nuestros padres y sin embargo, no dejan de existir las constantes preguntas con respecto al tema. 

¿DUERMEN LOS PECES? fue la dramaturgia nominada en el año 2007por la ACPT como el mejor teatro para jóvenes, además de en 2016 ser acreedora a la beca que otorga el programa “Creadores Escénicos” por parte del FONCA.

Es la dramaturgia del escritor alemán Jens Raschke (1970) traducida al español por Claudia Cabrera quien nos lleva de la mano a la reflexión sobre la muerte. Preguntas que de pronto surgen, ante la inminente enfrentamiento de la perdida de un ser querido

Dentro de la trama de ¿DUERMEN LOS PECES? Cuyo título es una de las tantas preguntas que una pequeña le hiciera a su padre, quien no sabe qué responderle. ¿A las lagartijas les da gripe? ¿Por qué el sol esta tan caliente? ¿Qué nos pasa cuando estamos muertos? ¿Estar muerto es como estar dormido? 

¿DUERMEN LOS PECES? Nos introduce paso a paso a la experiencia vivida por una pequeña llamada Jette, de tan solo diez años, quien tras cuatro días de haberlos cumplido, pierde a su hermanito Emilio víctima de cáncer. Los sucesos a-priori y a-posteriori del deceso, son contados a detalle por la pequeña, así como algunos momentos vividos entre sus pequeños amigos y familiares.

La obra teatral es un monólogo ejecutado por la actriz Adriana Resendiz quien gracias a la modulación de su voz y a los movimientos corporales parecidos a los de una infante, logra introducir al público en el triste mundo de Jette y su hermanito Emilio.

Contando con tan solo seis cajones blancos móviles y una serie de globos, la actriz nos hace imaginar los distintos lugares en los cuales recrea sus narraciones, como son su escuela, su casa, la habitación de Emilio, un puente sobre un río o bien, el cementerio.

Bajo la dirección artística de Araceli Guerrero, la puesta en escena es ejecutada en un solo acto y un solo cuadro escenográfico. En cuanto a el tratamiento de sus diálogos, la obra teatral se maneja bajo tintes de humorismo negro y, pese a lo cruento de la trama, el espectador ríe constantemente, en especial los adultos, pese a ser presentada como una obra teatral propia para infantes.

¿DUERMEN LOS PECES? Ya había sido presentada años atrás en el Circulo Teatral, bajo la producción del Teatro ReNo, la Compañía que en el año 2000 surgió con el objetivo de construir una dinámica qué bajo un lenguaje propio, reuniendo artistas interesados en el quehacer artístico en México. Actualmente se acaba de estrenar en el Foro “La Gruta” los días domingos a las 13:00 horas

¿DUERMEN LOS PECES? con su temática en torno a la muerte, le tocará el corazón con una historia de la vida real, que le hará sentir lo maravilloso que es, estar vivo.

 

 

 

LA EXAGERACIÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

LA EXAGERACIÓN  es un texto y una puesta en escena a cargo de David Olguín, dramaturgo, ensayista, narrador y director mexicano nacido en la Ciudad de México en 1963. Su obra EXAGERACIÓN se estrenó el 18 de Julio del año pasado y sin embargo sigue cautivando la preferencia del público, quien acude los días lunes de cada semana, para gozar de esta puesta en escena, con una temática totalmente actual. 

El acoso laboral es uno de los temas a tratar, así como el amor llevado al extremo de la pasión por el arte, más allá de lo convencional, el profesionalismo, la casi locura del hacedor de teatro, la desigualdad de edades y el hablar sin tapujos, son los ingredientes de ésta dramaturgia.

Por otro lado, aludiendo al termino EXAGERACIÓN como es habitualmente utilizada como parte del lenguaje coloquial, expresa un comentario o un acontecimiento vertido o concretado de manera extrema; es  un término que se caracteriza por sobrepasar los límites de aquello socialmente establecido y, justo de eso trata la parte medular de la obra teatral. Exagerar al actuar, exagerar, al amar, exagerar al tratar de convencer, exagerar, exagerar, exagerar….

En la obra teatral EXAGERACIÓN a través de dos personajes en escena surgen de pronto sentimientos que salen a flor de piel, para convertirse en una expresión exagerada, si así se le pueden llamar a los sentimientos reprimidos y entremezclados, que el arte escénico aflora con precisión.

LA EXAGERACIÓN cuenta con las actuaciones estelares de primer actor Mauricio Davison y la joven actriz Mar Oroko, bajo la dirección escénica del mismo maestro David Olguín, narrador, escritor y ensayista mexicano, nacido en 1963 en la Ciudad de México. Realizó sus estudios en el Centro Universitario de Teatro (CUT) y en la facultad de filosofía y letras.

LA EXAGERACIÓN es una obra llena de matices y coloridos histriónicos en la cual se advierte al escritor culto que compromete su pluma. Por otro lado le diré que la puesta en escena cuenta con la actuación de Mauricio Davison en el rol estelar del profesor y director artístico. Es un actor destacado en el medio teatral, quien comúnmente muestra grandes dote histriónicos  y gran plástica actoral en cada puesta en escena en la que colabora. 

Él da vida a un profesor de teatro, quien intenta tanto instruir como seducir a su nueva colega y ex-alumna. Ella por su parte, dentro de la historia, intentará mostrar todo su talento histriónico. 

Durante varios momentos del tiempo escénico, se usa un el juego repetitivo de frases y expresiones que aunadas a afamados párrafos de obras clásicas y poesía, intenta con ello cautivar a la joven compañera en el escenario.

La pupila por su parte vive el difícil comienzo de ser una actriz, intentando colocarse en el  competitivo medio artístico. Tras de iniciarse una larga conversación, ella liberará sus pensamientos ante el inminente gran actor, quien muestra su lado vulnerable.

LA EXAGERACIÓN es una obra difícil de describir en cuanto a contenido o consigna qué comúnmente lleva cada obra de manera explícita; pero no hay mucho que entender o saber para advertir la calidad que lleva implícita, pues el teatro no es cuestión de entender, sino de alguna manera de sentir y vivir junto con sus personajes, quienes con su talento nos hacen soñar, reír, gozar e incluso sufrir, cuando existe una real conexión entre él o los actores, con el público. Relación secreta y silenciosa que se reconoce al final de la función, con el aplauso que les brindan.

La trama de la obra inicia con la presencia de un actor muy maduro y su pupila, quienes son los únicos en presentarse al ensayo de la obra ya próxima a ser estrenada. Tras la espera, surgirá una larga y emotiva conversación entre ambos. La joven actriz desnuda su alma ante su viejo colega y profesor, quien tan solo intentará impresionarla. El hablar sin tapujos será la consigna de dos generaciones que conversan ante la espera de diferentes objetivos, que no llegan a concretar.

El texto de David Olguín con la música de Alfred Gariévich (1934-1998) piezas que se titulan “La historia de un actor desconocido: IV vals de despedida, Agonía: Tango IV y “El maestro y Margarita”. Música que da un plus a la obra en donde se puede advertir al dramaturgo culto.

LA EXAGERACIÓN tiene una duración aproximada de 85 minutos y como inicialmente le mencionamos, se presenta solamente los días lunes a las 20:30 horas en el Teatro “El Milagro”.

 

LA CRÍA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Obra teatral escrita y dirigida por el Señor Carlos Talancón. Pero ¿quien es Carlos Talancón Sánchez? Es un dramaturgo, narrador y poeta mexicano. Licenciado en Literatura Dramática y Teatro, por parte de la Facultad de Filosofía y Letras. En su autoría se encuentran los libros “Violento interior” y “Estúpida historia de amor en Winnipeg”.

Ubicada dentro del género de terror psicológico, la dramaturgia LA CRÍA trata de los extremos a los que puede llegar una pareja, con tal de mantener a su ”hijo” en éste mundo. Y pongo la palabra “hijo” entre comillas, debido a que es un ser, el cual es sugerido por el mismo autor, entre animal o niño, fruto del vientre del peculiar personaje de la mujer.

En entrevista con su dramaturgo Carlos Talancón, éste expresó de manera abierta qué su obra puede ser interpretada de diferente maneras a juicio del espectador presente, por la ambigüedad del personaje de LA CRÍA en torno a quien gira la historia, pero el cual se mantiene ausente en el escenario. 

Siendo una trama difícil de asimilar por el público por su contenido medular, la trama de LA CRÍA nos remite casi a un inframundo en donde un matrimonio tomará resoluciones en torno a la criatura, de manera inesperada.

La obra teatral presenta a unos esposos quienes se mantendrán casi aislados del resto de la gente, dedicados casi exclusivamente al cuidado de un ser violente e insaciable que resulta ser LA CRÍA; empero a ello aparecerá un tercer personaje, un ser en aparentemente inflexible y totalmente silencioso, quien acude con una lámpara al encuentro de LA CRÍA dando un dictamen altamente erudito, con bases científicas biológicas y médicas.

La obra tiene cierto paralelismo con la obra de Franz Kafka intitulada “Metamorfosis” la cual narra con otras palabras, sobre el día en que un hombre, de pronto al despertarse, cae en la cuenta de que no puede moverse de su cama con la habitual facilidad, pues de pronto posee el cuerpo enorme de insecto, que le impide enderezarse…..

Al respecto Carlos Talancón respondió qué Franz Kafka, siempre le fascinó y formó parte de los escritores que le habían impactado más en sus lecturas, por lo cual piensa que su obra de LA CRÍA se vio de alguna manera influida de manera inconsciente, con tan eminente autor surrealista.

LA CRÍA fue la obra teatral que resultó finalista en el certamen del “Premio Nacional de Dramaturgia Joven “Gerardo Mancebo del Castillo” en el año 2013. Certamen que como dato complementario le diré, tuvo como jurado a una agrupación de críticos  y periodistas del medio teatral. 

Posteriormente LA CRÍA además formó parte  de las dramaturgias participantes en la “Muestra Nacional de Teatro en el 2017. Fue por todo ello y, por su puesto, por su calidad dramática, que LA CRÍA fue seleccionada para ser representada escénicamente en el sótano del Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque a partir del pasado 15 de julio.

Tal vez Usted se pregunte el ¿por qué en dicho espacio y no dentro del foro del Teatro Julio Castillo? Pues bien, le responderé que el sótano enmarca perfectamente con el objetivo del escritor, de presentar como espacio escénico un lugar un tanto lúgubre y oscuro, espacio el cual encaja perfectamente con el texto de su obra.

Además en el montaje de la obra, en escena se cuenta con una especie de gran jaula o casillero, dentro del cual habita la peculiar familia, quienes protagonizan el montaje teatral de LA CRÍA .

En la puesta en escena participan con sus actuaciones Millet Gómez y Anelvi Rivera, quienes alternan en las representaciones con los actores Emmanuel Morales y Javier Sánchez. Ellos aparecen al protagonizar a sus respectivos personajes, junto con su mismo escritor y director escénico, es decir, con la participación en la representación escénica del mismo Carlos Talancón.

 

Las funciones se presentan los días lunes y martes a las 20:00 horas, bajo la producción del Teatro INBAL. ¡En hora buena Carlos Talancón con tu puesta en escena!

 

Del corazón de Holanda a México, nace “VINCENT Girasoles contra el mundo”

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

El teatro Helénico se viste de gala con la nueva puesta en escena “VINCENT Girasoles contra el mundo” del dramaturgo Mario Iván Martínez. En ésta ocasión éste reconocido actor de cine, teatro y televisión, musicólogo, cantante operístico de la época shakesperiano y hacedor de tanto álbumes, como de varios montajes teatrales infantiles, estudioso en “Edron Academy” y, ganador de diversas preseas, últimamente se dio a la tarea de crear una dramaturgia plagada de las vivencias, casi secretas, del pintor holandés Vincent Van Gogh. 

Ello a través de la indagación de las cartas que Vincent mantuviese en vida de manera constante con su hermano menor Teo. Para ahondar aún más en la vida de Vincent Van Gogh, realizó durante los últimos años una investigación minuciosa. Para ello además viajó, no tan sólo al país natal del pintor, sino además, a aquellos lugares emblemáticos en donde residiera, como lo fueron Francia e Inglaterra; lugares por supuesto marcaron la vida del gran pintor impresionista.

El amplio conocimiento sobre las lenguas extranjeras como el inglés y el francés por parte de Mario Iván Martínez, le facilitaron su ardua tarea. Recordemos que Mario Iván Martínez es el hijo de quien fuese la Primera actriz Margarita Isabel y del locutor radiofónico Mario Iván Martínez Ortega. Y le contaré qué gracias por una parte, a la amistad que su madre mantuviese con la gran escritora y periodista Helena Poniatowska, ésta asistió el pasado lunes 8 de julio al pre-estreno o ensayo general de “VINCENT Girasoles contra el mundo”. Ello con la finalidad de darle “La patadita de la suerte” a Mario Iván Martínez, quien con ésta puesta en escena debuta como dramaturgo. ¡Y vaya que sí tiene los dotes!

Sobre las razones que llevaron a Mario Iván a escribir, actuar y producir ésta obra teatral, así es como la Difusora del Centro Cultural Helénico expresó por escrito la siguiente aseveración:

_”Inspirado por la experiencia de prestar su voz al documental “Vincent, pinceladas de un genio” de Peter Knapp y François Bertrand, producido por el museo de Orsay, el Museo Van Gogh y el Centro Cultural de Tijuana, el actor mexicano decidió someterse a un proceso de investigación que culminó en ésta creación literaria, dando seguimiento a esta experiencia. Después de tres años de trabajo , este afán ha desembocado en un nuevo texto dramático que hoy se encuentra bajo la dirección de Luly Rede, en complicidad con los actores Paulina Comadurán y Fernando Memije”-

La dirección artística se encuentra como se acaba de expresar, a cargo de Luly Rede y la caracterización protagónica de Vincent Van Gogh y su hermano Teo corre a cargo de éste esplendido actor, contando con las actuaciones de Paula Comadurán en el papel de la amante y, de Johanna Bonger de Van Gogh; finalmente Fernando Memije, caracterizando al pintor francés posimpresionista  y modernista Paul Gaugin, entre otros personajes más.

El próximo lunes 15 “VINCENT girasoles contra el mundo” se estrenará formalmente, teniendo como padrinos a dos grandes baluartes de la actuación, como son el Señor Ignacio López Tarso y el actor Héctor Bonilla.

 

Las funciones serán los días lunes y martes en el teatro Helénico a las 20:30 horas.

 

HERENCIA FLAPPER

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

A raíz del montaje de México68, coincidimos con un

grupo de jóvenes talentosos, recién egresados de dos

escuelas profesionales de actuación, la Escuela Nacional

de Arte Teatral y el Colegio de Literatura Dramática y

Teatro de la UNAM. Coincidiendo, además, con la

posibilidad de financiar un proyecto ambicioso, nos

descubrimos en condiciones de emprender una aventura

nueva, sostener una compañía de jóvenes con un elenco

estable, con el propósito de dar voz y foro a las propuestas

de los nuevos autores, directores e intérpretes de la escena

mexicana.

Como parte del proyecto, este año se planea conservar en

repertorio México68, memorial sobre los sucesos de

Tlatelolco, y llevar a cabo dos puestas en escena, con

producciones que tengan incidencia y dialoguen con la

actualidad sociopolítica del país, como perfil y horizonte

temático. Las producciones que nos proponemos llevar a

cabo son las siguientes:

Herencia Flapper…..

Bajo éstas perspectivas es qué el Teatro “El Milagro” planeó llevar a cabo la presentación de la obra HERENCIA FLAPPER teniendo para tal efecto como director artístico, a Elfye Bautista. 

Explicación que como Usted acaba de leer, retomo mediante boletín de prensa que se ofreciera inicialmente, para con ello anunciar la temporada de representaciones de HERENCIA FLAPPER a partir del día 26 de junio, planeando concluirlas el 26 de julio. 

Así fue como la Compañía denominada “El Milagrito” bajo el cobijo del Teatro “El Milagro, desarrolló su obra utilizando como tema medular el concepto del género. En ésta puesta en escena, cuya trama parte de la ficción de qué en un planeta no ubicado y de nombre desconocido, pero de condiciones muy semejantes a la tierra surgió una raza de seres caminantes, quienes ante la interrogante del futuro que les deparase crearon a un Dios semejante a ellos. 

Un ser acogido en la esencia de su propia dualidad de Dios  y/o demonio. Un ser creador, quien les otorga la diversidad de género, gestada en la diferencias de ser hombre o mujer. 

Dentro de la historia las exigencias del género darán paso a la diversidad y, a un orden establecido de manera desigual, que les llevará a un orden establecido plegado de contradicciones. De ahí además surgirán un sinnúmero de cuestionamientos respecto a lo que significa el pertenecer a un determinado grupo, o incluso, a ninguno.

En el diseño escenográfico de Alita Escobedo, se logra ver una plataforma en donde el ser Superior que les engendra, generalmente aparece portando un elegante traje negro con un sombrero de copa, luciendo una peluca mitad oscura y mitad cana. 

Desde ahí se contempla un muro mediante el cual son proyectadas algunas imágenes que dan precisión y secuencia a la narración de ésta obra fársica, la cual retrata en la mayor parte del tiempo escénico, a la génesis del ser humano, como en términos reales ha sido engendrado en ésta tierra.

De ahí que se podría decir que empero a ello, se representa con tintes religiosos  pero de manera un tanto antagónica al concepto de deidad que prevalecen en nuestra decadente también sociedad humana.

El reparto estelar esta compuesto por Mar Aroko, Valeria Navarro Magallón, Viridiana Tovar Retana, Yenizel Crespo, Dano Ramírez, Ramiro Julio Galeana Medellín e Iván Zambrano Chacón.

 

Las funciones se presentan de miércoles a viernes, por supuesto, en el Teatro “El Milagro” de la Ciudad de México.

 

NACAHUE. Ramón y Hortensia.

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

Dices palabras que no conozco pero es en tus ojos que encuentro

entendimiento. Entonces ¡Qué importa! Sigue hablando, sigue hablando...

 Frases emblemáticas de la obra teatral NACAHUE: Ramón y Hortensia recreada en la obra magistral del afamado  escritor inglés Williams Shakespeare de “Romeo y Julieta”. 

Como ya es bien sabido por todos, “Romeo y Julieta” ha sida la fuente inagotable de muchas plumas, quienes de su tintero han realizado diversas versiones que se han posado del texto original.

Hoy en día NACAHUE: Ramón y Hortensia, sin ser la excepción, deleita con la tragedia del amor infortuíto de “Romeo y Julieta” gestado en el escenario de un pueblo italiano; en contraposición, ese amor núbil y pasional, ahora es trasladado o inmerso al territorio colorido mexicano en la puesta en escena de NACAHUE: Ramón y Hortensia”.

Dos grupos étnicos autóctonos son bosquejados de una manera esplendida, en el sentido en qué posesionan y trasforman a la obra, de alguna manera, al género costumbrista; ello al mostrar algunos de los rasgos de ambas culturas conocidas como prehispánicas, los coras y los huicholes; dos grupos étnicos minoritarios que aún se conservan, pese a su marginalización, inmersos en nuestro país, casi a manera de legado histórico.

Dramaturgia y dirección a cargo de Juan Carrillo, qué tienen como sustento o retroalimentación, a los textos de Marianella y Marco Vidal. La trama muestran a dos grupos indígenas  diferentes, halando en su lengua natal; uno en náayeri (el de los coras) y el otro en español (el de los huicholes). 

Diálogos que no tienen traducción en escena, pero que permite el entendimiento de la lengua autóctona, en base a los movimientos corporales y las expresiones faciales de los actores en escena.

El uso de lazos de colores como formato o material escenográfico, permite en la puesta en escena representar a ambas regiones indígenas, delimitándolas con líneas rectas que se van formando y moviendo a conveniencia, con la ayuda de los mismos actores quienes sirven ocasionalmente de tramoyistas.

Lo personajes protagónicos son caracterizados por Mario Eduardo D’ León, como Ramón y, en el rol de Hortensia , se presenta la actriz Sonia Couoh. Entre ellos surge inesperadamente el amor a primera vista, con la misma fuerza y pasión que Shakespeare pincelara a sus jóvenes personajes núbiles de Romeo y Julieta.

Aquí le comentaré qué oír la versión representada con dos lenguas distintas, resulta un deleite qué como plus, muestra los dos legados culturales totalmente diversos,  entre los pueblos que alude la historia de NACAHUE: Ramón y Hortensia”. En página WEB se hace referencia de éste montaje escénico, con las siguientes palabras:

Nacahue: Ramón y Hortensia producida por la compañía Los Colochos Teatro, fue beneficiaria del Sistema Coinversiones 2017 del FONCA, para presentarse en un laboratorio de investigación teatral, contando con intervenciones escénicas en el foro de La Casa de la Paz y también en el día mundial del teatro Escuela Nacional de Arte Teatral, ENAT. Presentó funciones especiales en el 40 Festival de teatro Clásico de Almagro España y en El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Ahora estrena temporada en el Teatro Orientación del INBA  e invita al público a plantearse la pregunta ¿podrán las barreras del lenguaje y la cultura más que el amor?

Hoy en día “NACAHUE: Ramón y Hortensia” se esta presentado en el Teatro Orientación, del Centro Cultural del Bosque, hasta el día 21 de julio, de jueves a domingo, bajo la producción el FONCA y el IMBAL y su difusora a cargo de Raúl Medina, junto con la difusión de Sandra Narváez.

 

Sólo me resta decir qué la obra “NACAHUE: Ramón y Hortensia” termina siendo un texto que no deja de impactar y emocionar de diversas formas al público espectador, quienes aún cuando conozcamos el texto original de Shakespeare, al presenciar esta nueva versión de la obra, nos sigue conmoviendo profundamente. ¡EN HORA BUENA!

 

RECONOCIMIENTO EN “TOC TOC” A LA ACTRIZ SILVIA MARISCAL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



El pasado sábado 6 de julio, a manera de reconocimiento de la labor artística de la primera actriz, Silvia Mariscal, la empresa Mejor Teatro celebró su 50 años en el escenario. Para tal efecto, fueron invitados como padrinos de lujo cuatro personalidades del medio, como lo son Manuel “El Flaco” Ibáñez, Rosa María Bianchi, Ana Berta Espín y Nuria Bages, para celebrar con ella, en la función especial de “Toc Toc”.

La actriz Silvia Ramírez Aguilar, cuyo nombre artístico es el de Silvia Mariscal, nació en la Ciudad de México el 13 de septiembre de 1946. Ha sido nominada como una de las Mejores Actrices Co-estelar del Premio Ariel. Su buen desempeño artístico la han dado a conocer tanto en la pantalla chica, como en el cine y por supuesto en el teatro, actuando hoy en día en la puesta en escena de “Toc Toc”.

“Toc Toc” por si Usted aún no lo sabía, es la obra teatral original del dramaturgo francés Laurent Baffie, la cual fue estrenada en su ciudad natal, Paris en el Théâtre du Palais Royal en el año 2005. Su éxito la llevó a atravesar fronteras y llegar hasta nuestra ciudad.

“Toc Toc” es la comedia que vuelve a nuestra ciudad con la casa productora de “Mejor Teatro” y por supuesto con su representante el Señor Morris Gilbert. La obra se había representado en la Ciudad de México llegando a cumplir 1 200 representaciones, hace aproximadamente una década atrás, razón por la cual Morris Gilbert consideró actualmente su reestreno.  

La obra es una divertida comedia que aborda el tema de la sintomatología que el estrés y el modo vivendus ha generado, llevado a muchas personas hoy en día a padecer ciertos trastornos psicológicos, entendidas como casi locuras o manías. Esas conductas individuales que surgen de la psiquis de algunas personas, llevándolas a repetir conductas muy peculiares.

La trama tiene como referente una sala dentro de una clínica psiquiátrica, en donde varios pacientes se encuentran en espera del especialista. Al respecto, la difusora presentó tiempo atrás en la rueda de prensa el siguiente argumento:

-“La empresa Mejor-Teatro junto con Morris Gilbert te cuestionan: -En qué piensas al escuchar TOC TOC?”- Seguramente lo que viene a tu mente es la imagen de alguien llamando a la puerta. Podría ser, sí, pero….

En esta ocasión se trata de algo enteramente distinto. TOC TOC es el título de una explosiva comedia que habla de las muchas manías que tenemos los hombres y las mujeres de hoy, sometidos a la locura de la vida cotidiana.

TOC TOC es la contracción que alude directamente al Trastorno Obsesivo Compulsivo que se repite en uno, y en otro, y en otro, y en otro….”-

El lugar seleccionado es el Teatro Libanés, uno de los teatros qué como aseguro el Señor Gilbert, es de los más bonitos en nuestra ciudad. Justamente ahí es en donde se reestrenó el día jueves 7 de marzo del presente año, cubriendo dobles funciones programadas de viernes a domingos. Doble función en miras de la comodidad de todo clase de público amante del teatro.

De ese modo reviven TOC TOC, la puesta en escena escrita por el francés Laurent Baffie, quien naciera en Montreuil, Francia en el año de 1958. Baffie es autor y director de cortometrajes, considerado en el medio artístico como uno de los mejores humorista. Prueba de ello es su divertida dramaturgia de TOC TOC.

El éxito obtenido en la puesta en escena en París, en donde como antes mencioné, es en donde inicialmente se estrenara, la hizo ser presentada posteriormente en España, Argentina, Brasil, Perú, Venezuela, Panamá, Chile, Costa Rica, Uruguay, Paraguay, Puerto Rico y, por supuesto, México. 

Con TOC TOC Laurent Baffie logró un trabajo bien estructurado y divertido, presentando siete personajes, de entre los cuales cuatro de ellos serán interpretados en la nueva producción de Morris Gilbert por grandes figuras escénicas como lo son Lolita Cortés, Silvia Mariscal, Ricardo Fastlicht y Faisy. Ellos interactúan con tres jóvenes valores de la actuación como son Pedro Prieto, Dari Romo y Sandra Quiroz.  

 

La dirección artística esta a cargo de la Señora Lía Jelín quien ya ha trabajado anteriormente con la casa productora, demostrando su gran talento al dirigir varias de las puestas en escena que Mejor Teatro presentara. En esta ocasión el Señor César Riveros estar a cargo de la producción Ejecutiva, bajo la producción por supuesto, del Señor Morris Gilbert y continúa colocándose en el gusto del público amante del teatro. ¡Felicitaciones!

 

TEATRO A UNA SOLA VOZ

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Teniendo como objetivo el presentar 7 diferentes y exitosos espectáculos unipersonales, el “Festival de Monólogos” TEATRO A UNA SOLA VOZ tras de quince años de iniciar dicha labor cultural, iniciará lo que llaman “Circuito itinerante” a través de catorce ciudades que conforman nuestro país. Esto a partir del día 13 de julio, planeando concluir sus representaciones y recorridos,  el subsiguiente 10 de agosto.

Le contaré que este encuentro se formó en el año 2005, congregándose en la zona norte de México; es decir en Coahuila, Nuevo León y Tamaulipas. Inicialmente teniendo como nombre “El Circuito Regional de Monólogos”. 

El evento fue posible a través del apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes. Posteriormente en el 2009 se consolidaría como “El Teatro A Una Sola Voz”, dándole un nuevo giro a su perfil. 

El éxito logró acumular entre los años 2013-2018 la presencia de 94,196  asistentes a las representaciones del Festival de Monólogos. De este modo es que actualmente se cuenta con 15 años consecutivos de haberse formado.

La idea en éste 2019 es el de montar siete obras teatrales unipersonales las cuales fueron minuciosamente seleccionadas a partir de una convocatoria, en la cual participaron el presente año, 135 monólogos mexicanos y más de 10 textos extranjeros.

Dichas obras son: “Kafka, donde estás, están todos los mundos”, “Gloria” o de Cómo una trailera se robó mi corazón de niño, “Paisaje del amor pixeleado”, “La pritty guoman”, “La verdura carnívora”, “Perros del monasterio” y “Visceral”. La séptima al parecer, será una puesta en escena extranjera.

Las regiones participantes son Sinaloa, Durango, Coahuila, Tamaulipas, Jalisco, Colima, San Luis Potosí, Guanajuato, Michoacán, Veracruz y la Ciudad de México. En suma son parte del 34% de las poblaciones que conforman nuestro país.

 

@teatroinbal en Facebook, Twitter e Instagram.

MEMORIA DE PEZ ROJO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



-“Memoria de pez rojo es un espectáculo unipersonal en el que convergen la danza, la multimedia, la música, el teatro de texto y el stand comedy. El montaje está a cargo de la compañía A poc A poc, con dramaturgia de José Alberto Gallardo y la dirección de Jaime Camarena e interpretación de Manuel Ballesteros.”-

Así es como comienza el boletín de prensa presentado por la Difusora de Prensa  del INBAL a cargo de Raúl Medina. MEMORIA DE UN PEZ ROJO es un divertido monólogo en el cual se hace hincapié a la mecánica corporal, así como al trabajo coreográfico a cargo de Manuel Ballesteros, quien con gran simpatía presenta un espectáculo unipersonal en el que su sola y supuesta compañía en escena, es nada más que un pez rojo parlante. 

Obviamente que el intérprete de este espectáculo dancistico y teatral, es quien da vida al hermoso pececito japonés rojo, el cual aparece dentro de una pequeña pecera, además de ser reflejado por una pantalla acomodada justo en la parte posterior del animalito. 

Pez al cual ofrece Manuel Ballesteros su voz, vocalizando o modulando su voz con un acento peculiar costeño, que hace diferenciar al personaje protagónico ejecutante del un hombre, el quien por cierto se presenta desnudo argumentando que ello es para apoyar psicológicamente a su inseparable amigo marino desnudo.

La trama explora un juego que se deberá ejecutar en el enorme tablero de un ajedrez, en donde el hombre junto con su pez rojo llamado Euclides ejecutan; y entre eternas partidas de ajedrez, ambos se convierten en rivales de juego, pero en eternos amigos y cómplices. Platicas chuscas que el hombre narra y que hacen reir al público presente.

-“ El protagonista de la historia se encuentra inmerso en una introspección, a modo de diálogo, que se ve polarizada por la acción de pensar constantemente en el pasado y una cierta necesidad del olvido, pues se encuentra profundamente marcado por el fracaso que ha sido su vida.-“

La Difusora continuó el texto con respecto a esta nueva puesta en escena. Y así, finalmente pudimos presenciar una puesta en escena peculiar, propia del teatro experimental, en donde la canción  repetitiva de la melodía de “Bésame mucho” en variadas versiones interpretativas, recrearon éste divertida puesta en escéna.

 

MEMORIA DE UN PEZ ROJO se presenta en el Teatro “El Granero Xavier Rojas en el Centro Cultural del Bosque los días lunes y martes a las 20:00 horas.

 

 VALENTINO CLEMENS Y LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA

 

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La Compañía Nacional de Teatro (CNT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), en vinculación interinstitucional con el Centro Cultural Helénico, han comenzado un proyecto cuyo objetivo es el de producir una obra teatral en base al texto ganador, que el año pasado se otorgó como “Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo” por medio de la Secretaría de Cultura.

Por primera ocasión esta suma de esfuerzo de dichos recintos institucionales y culturales, dieron cabida a la presentación de dicha obra teatral, cuya puesta en escena se estrenó el día de ayer martes 2 de julio, en el Foro  “La Gruta” ubicado dentro del mismo Centro Cultural Helénico.

La ovacionada fue la señorita Isabel Quiroz, quien presentara su obra intitulada VALENTINO CLEMENS Y LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA. Obra que recrea parte de las vivencias de la misma autora, según ella misma indicó, junto con un grupo de amigos, quienes en situación de anonimato, al igual que muchos jóvenes hoy en día, sufrieron de abandono y abusos, e incluso son víctimas de asesinatos o suicidios que les lleva como salida las circunstancias padecidas.

A priori a la representación de la obra VALENTINO CLEMENS Y LOS CHICOS PERDIDOR DE WONDER-NADA se ofreció una rueda de prensa en donde se dio a conocer los pormenores del evento, estando presentes el Señor Enrique Singer, Director artístico de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), el Señor Antonio Zúñiga Director del Centro Cultural Helénico, Mahalat Sánchez, directora escénica de la obra y, por supuesto la autora Isabel Quiroz.

La obra constituye en drama, que empero a las situaciones crueles y cruentas qué los personajes sufren, la trama esta tratada con cierta dosis de humor negro que la amenizan, además de contar con varios números musicales, interpretados en vivo, por los mismos actores que aparecen en escena y quienes son Fernando Huerta, Ichi Balmori, Ana Paola Loaiza y Carlos Oropesa. 

La música que presenta distintos géneros, siendo mayormente música de rock y pop moderno que acompañan la trama, cuyo lenguaje coloquial se presenta con constante palabras altisonantes propias de la comunicación que hoy en día utilizan los jóvenes y en especial los llamados “marginales”. 

Con trajes ad-hoc a grupos considerados como subversivos, la trama da paso al texto cuya historia es descrita a manera de sinopsis, con las siguientes palabras o párrafos por parte de las compañías Difusoras a cargo de las Señoritas Gaddi Miranda, del Helénico y, Ana Gabriela Villasana del CNT:

-“La obra versa sobre Valentino Clemens, un joven de 25 años que esta solo en la ciudad de Wonder-Nada, un lugar sin futuro, donde no se puede crecer, ni hay oportunidades; ahí Valentino conoce a Max, Lorel y Roxin, tres inadaptados que le ayudarán a conectarse a sí mismos a través del poder de la amistad, de la música y de la belleza de estar vivo en un mundo desolador.

Sus amigos ya no están, se han ido, pero queda su recuerdo. Esta es la historia del recorrido que Valentino hace por los bares y cafés donde nació la amistad que le ayudó a construir su identidad y sentido de pertenencia, convirtiendo a la música en la cura de sus heridas.”

Y como finalmente sostiene su autora a manera de breviario:

 

-Así se siente la vida, como se siente el silencio después de mucho tiempo.-

AMIGOS CON DERECHOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El Foro “Off Spring” el día de ayer, 30 junio 2019, se vistió de gala con la puesta en escena de la lectura dramatizada del texto AMIGOS CON DERECHOS. Su autor es el Señor Benjamín Bernal; mismo escrittor de la obra teatral “COMALA.com. La tercera guerra” presentado tiempo atrás en el Foro Contigo América.

La trama de AMIGOS CON DERECHOS nos ofrece a manera de testimonio a una mujer, quien en aras de enamorarse de un hombre con quien no tiene una relación sentimental comprometida, es decir son AMIGOS CON DERECHOS, recurre a un psicólogo con quien conversará de los pormenores que surgieron entre la pareja, llevándolos a la cama, pero intentando no comprometer el corazón. Aquí cabe preguntarse sí ¿ello es posible? El maestro al finalizar la lectura dio en breve, su opinión.

AMIGOS CON DERECHOS resulta ser una historia muy vigente hoy en día por el tipo de relaciones “casi desechables que en la actualidad suelen mantener o practicar muchas parejas. 

Escrita con un lenguaje sencillo, muy bien estructurado, cada personaje es muy bien delineado, resultando ser sus diálogos, de gran interés para el público-escucha, quien se atrapa en la narrativa con la historia.

La mujer es caracterizada por la voz de la actriz Sofía Cárdenas, quien adquiere el rol protagónico de la obra dándole una lectura emotiva, al matizar y dramatizar ciertos momentos de la trama, que lograron conmover con su lectura al público asistente.

Al unísono unieron sus voces el también actor y dramaturgo Arturo Amaro, interpretando con su voz la lectura de la pareja sentimental; Gonzalo Valdés Medellín unió su voz como el psicólogo y, finalmente la actriz Adriana Enríquez apareció como un personaje de apoyo, describiendo una escena.

Tras la lectura dramatizada, a manera de homenaje al maestro Benjamín Bernal por ser su cumpleaños, se presentó un video recreado con una musicalización de su propia autoría. En las imágenes aparecieron fotografías que le fueron tomadas desde la infancia, hasta la actualidad en compañía de distinguidas personalidades del medio artístico, presentándose el día de ayer algunos de ellos, para además festejar un año más de vida del autor, con un esplendido convivio, en donde además del vino, bocadillos, botanas, refrescos y pastel, se presentó en cantante Joaquín Enríquez, amenizando el evento con sus cantos.

Le recordaré que el Señor Benjamín Bernal, además de dramaturgo es una figura destacada en el medio periodístico; ha fungido durante cerca de veinte años como periodista  y actualmente es conductor y director del programa radio-televisivo de Teatrikando”. 

Es el presidente general de La Agrupación de Periodistas Teatrales (APT), asociación que cada año se da a la labor de premiar diferentes rangos del medio teatral, otorgando preseas a cada uno de ellos, por los mejores logros como hacedores de teatro.

 

Autor de dos libros intitulados “a Critica Teatral en México, Pasado, presente y futuro” tomo I y II. Todo esto resumiendo su impresionante Curriculum Vitae. FELICIDADES MAESTRO BENJAMÍN BERNAL!!!!!! 

 

VINCENT, Girasoles contra el mundo.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Mario Iván Martínez, en conferencia de prensa ofreció los pormenores de su siguiente proyecto teatral, VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO, el cual está próximo a estrenarse el próximo lunes 8 del mes de julio en el Teatro Helénico.
 


Se contó con la presencia de la maestra Luly Rede, directora de esta puesta, así como con el elenco que acompañará en esta historia a Mario Iván Martínez, quienes son Paula Comadurán y Fernando Memije, estando también presente el director del Centro Cultural Helénico, el Señor Antonio Zúñiga, para la presentación del proyecto.

De dicho modo se dio a conocer los pormenores de la obra, desde sus inicios en que su autor, al abordar la difícil y compleja, pero apasionante vida del pintor holandés Vincent Van Gogh, enriqueciéndola con sus viaje a Francia, Holanda e Inglaterra, en donde visitó algunos de los lugares recorridos por el pintor holandés, quedó prendado por su historia llena de anécdotas que Mario Iván Martínez, con su peculiar pluma llena de datos y culturas, como es su costumbre por la pasión que siempre ha demostrado por el arte en general.

Mario Iván Martínez Morales es un gran artista, musicólogo, cantante operístico y hacedor de puestas teatrales infantiles. Además a colaborado en algunas producción discográficas al respecto de sus trabajos en donde se advierte música de la época Shakespeare, así como de algunos cuentos infantiles y poemas. 

Mario Iván Martínez es un magnífico anglo y franco parlante; hijo de la Primera actriz fallida Margarita Isabel y del locutor radiofónico Mario Iván Martínez Ortega, quienes influyeron por supuesto en su gran formación intelectual.

Y de ese corazón amante de la sapiencia y el arte surgió como tributo a la vida y obra de Vincent Van Gogh, una obra en sí interesante, que surge del mundo colorido del pintor, quien como Mario Iván Martínez menciona, se inspirara en la frase –Sueño con pintar… y luego pinto mis sueños.

Al respecto la difusora del Helénico a cargo de la Señorita Gaddi Miranda conjuntamente con la empresa Manojo de Ideas, cuyo uno de los titular de la difusión, es Carlos García, en el boletín de prensa incluyeron lo siguiente:

-“El teatro Helénico se engalana con la puesta en escena: Vincent, girasoles contra el mundo, obra que pone al descubierto la personalísima relación del primer actor mexicano Mario Iván Martínez con una de las más recias personalidades de la pintura, Vincent Van Gogh (1853-1890). En este nuevo texto dramático, Martínez hurga e insiste en los encuentros y desencuentros ocurridos en la vida fascinante y turbulenta de este genio de la plástica moderna. Resalta así mismo la figura de la escritora y feminista Johanna Bonger de Van Gogh, cuñada de Vincent y heredera de su vasta producción pictórica y epistolar. Inspirado por la experiencia de prestar su voz al documental “Vincent, pinceladas de un genio” de Peter Knapp y Francois Bertrand, producido por el museo de Orsay, el Museo Van Gogh y el Cenro Cultural Tijuana, el actor mexicano decidió someterse a un proceso de investigación que culminó en ésta creación literaria, dando seguimiento a esta experiencia.”-

 

Como verá Usted VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO promete ser ¡una gran puesta en escena!

 

CONCIERTO DE LA BOHEMIA 54

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El hermoso CENTRO CULTURAL ROBERTO CANTORAL ubicado en la calle de Puente de Xoco sin número, colonia Xoco de la Ciudad de México, ha abierto sus hermoso y elegante recinto cultural, para presentar numerosas Noches de Bohemia, con la finalidad de ir poco a poco invitando a todos los compositores mexicanos o extranjeros, que deseen acudir a hablar sobre su música e interpretar algunas piezas de su repertorio.

Recordemos que el Centro Cultural Roberto Cantoral se abrió un día del mes de  junio, en el año 2012. Así se posicionó como uno de los lugares más codiciado para conciertos de todo tipo de género musical, entre otras actividades.

El Centro Cultural Roberto Cantoral cuenta con una lujosa y amplia sala, que abriga algunos palcos y una hermosa suit, desde donde se pueden apreciar los conciertos que se planean en temporada. En el inmueble además,  también se han ofrecido algunas exposiciones, recitales y obras artísticas.

Al margen del “Concierto de la Bohemia 54” el viernes 21 de junio se presentaron  4 importantes compositores que desde Sinaloa acudieron para interpretar algunas de sus composiciones. Ellos fueron América Sierra, Ariel Barreras, Hussen Barreras y Juan José Leyva.

Se presentando contando anécdotas sobre su trayectoria como músicos a manera de entrevista, por parte del Señor René Franco, quien guiara el Concierto “Bohemia 54” en donde entre comentarios emitidos por parte de los cuatro invitados, se fueron interpretando varias de sus hermosas composiciones, acompañados con un pianista y un guitarrista en vivo, quienes les acompañaron para deleitar al público asistente; canciones de las que fueron comentando, cómo surgieron, quienes les inspiraron y que grupos afamados las han interpretado.

Le comentaré qué “Las noches de Bohemia”, como citara meses atrás el gran maestro Armando Manzanero, fueron planeadas para dar a conocer a los compositores de los éxitos que comúnmente cantamos, sin caer en la cuenta quienes fueron realmente sus creadores.

 

Éxitos qué en la mayor de las ocasiones se cree que han sido de la inspiración de sus afamados interpretes. Por ello, tanto El Centro Cultural Roberto Cantoral, como la Sociedad Nacional de Compositores Mexicanos, cuyas siglas son SACM, han venido dándose a la tarea de reunir a dichos talentosos compositores, reuniéndolos con los nuevos valores que comienzan a componer, distintos géneros musicales, que suelen ser una promesa artística.

 

ISLA ELEFANTE

Por: Dalia María Teresa de León Adams.



El teatro gestual denominado ISLA ELEFANTE es un cuento colorido; un espectáculo infantil que a partir de la improvisación de un juego por parte de la Compañía teatral El colectivo “Nosotros, Ustedes y Ellos”  promueven la creatividad actoral a través de la imaginación. 

La historia infantil, mezcla de narrativa y teatro gestual, lleva como consigna qué todo se puede lograr a través de la creatividad y la perseverancia. Un grupo de niños habitan una pequeña isla, de la cual parece imposible salir, pues las olas del mar siempre les regresa al mismo lugar. El sueño de un nuevo y bello lugar, parece ser parte de un sueño inalcanzable. Un pequeñito personaje de soporte que sólo se ve con la imaginación, hará que el sueño acariciado sea perseguido.

La Compañía “Nosotros; Ustedes y Ellos” por su parte tienen su propia sinopsis al respecto del contenido medular de la trama, la cual ofrecen utilizando el siguiente párrafo en el cual se dice lo siguiente, de manera textual en el programa de mano:

-“Cinco extraordinarios seres habitan el lugar más frío sobre la tierra, Isla Elefante, en donde han dejado de ser felices, hasta que de pronto la visita de un pequeño roedor –casi imaginario- los hará cambiar la forma de pensar y necesitarán un mejor lugar para vivir. Al escalar montañas, saltar abismos, volar hasta el cielo y navegar sobre grandes olas, lograran llegar a ese lugar mágico llamado Kokkola.

Bajo la musicalización del maestro Manuel Monforte ISLA ELEFANTE es representada. La dramaturgia esta escrita y dirigida por Lucila Castillo, contando con personajes perfilados de manera muy peculiar, quienes nos hacen imaginar que nos encontramos dentro de un cuento infantil. 

Sus diálogos chuscos estructurados bajo un lenguaje coloquial que refleja perfectamente las actitudes infantiles, nos adentra de inmediato al mundo de los niño,s en donde la credibilidad y la ingenuidad, así como la imaginación, forman parte del juego a vivir día con día.

La historieta de ISLA ELEFANTE  está caracterizada por Edgar Ponce, Daniela Abella, Violeta Magaña, José Goro y Beatriz Toss. Todos ellos ataviados por los diseños de vestuario a cargo de Lucila Castillo. 

 

La obra se presentarán los sábados y domingos en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, bajo la producción de la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. (INBAL).

 

41 DETONACIONES CONTRA LA PUERTA DE UN CLOSET.

POR: Dalia María teresa de León Adams.

 

Siendo los autores de ésta puesta en escena los dramaturgos Sara Pinedo y David Olguín, se podría decir qué como texto, consiste en un estudio analítico sobre la homosexualidad. 

Narrativa que da inicio con un hecho sucedido en México en los albores del siglo pasado, al parecer en 1908, cuando en un centro nocturno gay, mientras qué diversas parejas de caballeros homosexuales bailaban al ritmo de la música, fueron interrumpidos por algunos polizontes quienes les llevaron detenidos.

El hecho pasó a ser noticia en el tiraje periodístico en donde se dijo qué habían sido 42. Sin embargo la cifra no coincidía, pues habían sido arrestados 41. Al parecer el faltante había sido el yerno del mismísimo presidente de México en turno, es decir, de Don Porfirio Díaz.  

41 DETONACIONES CONTRA LA PUERTA DE UN CLOSET resulta ser el título sugestivo que alude a los “hombres que han salido del closet”, como comúnmente suele llamárseles a los homosexuales que aceptan abiertamente su sexualidad, e incluso de aquellos que lo practican, pero esconden su preferencia.

Tras de ésta historia, además se cuentan 40 anécdotas más, hasta sumar las 41. Esto utilizando números que aparecen en el lado izquierdo superior del escenario , y que van timbrando uno a uno, según se presentan. 

Le contaré que en la puesta en escena, no faltó la numerosa cantidad de apelativos con los que se les ha ido nombrando al paso del tiempo en nuestro país. Aludiendo al significado etimológico de dicho concepto, en una página WEB aparece la historia de los homosexuales, con la siguiente cita textual:

Por Rhay

1.      Definición de la homosexualidad.

La homosexualidad (del griego ὁμο, homo «igual», y del latín sexus «sexo») es una orientación sexual y se define como la interacción o atracción sexual, afectiva, emocional y sentimental hacia individuos del mismo sexo. Etimológicamente, la palabra homosexual es un híbrido del griego homós (que en realidad significa «igual» y no, como podría creerse, derivado del sustantivo latino homo, «hombre») y del adjetivo latino sexualis, lo que sugiere una relación sentimental y sexual entre personas del mismo sexo, incluido el lesbianismo.

Richard Freiherr von Krafft-Ebing, autor de Psychopathia Sexualis (1886), con su esposa Maria Luise

A pesar de que el término gay (que en inglés anticuado significa “alegre”) suele emplearse para referirse a los hombres homosexuales y el término lesbiana para referirse a las mujeres homosexuales, gay es un adjetivo o sustantivo que identifica a las personas homosexuales sin importar su género. El término homosexual fue empleado por primera vez en 1869 por Karl-Maria Kertbeny, pero fue el libro Psychopathia Sexualis de Richard Freiherr von Krafft-Ebing el que popularizó el concepto en 1886.

Desde entonces, la homosexualidad ha admitido miles de definiciones, desde las más fundamentalistas en donde se presentaba como una perversión, hasta las más “piadosas” que lo veían como una maldición aberrante.

Durante el tiempo escénico de la obra teatral 41 DETONACIONES EN LA PUERTA DE UN CLÓSET que consta de 120 minutos aproximadamente, no podían faltar para completar la labor de investigación respecto a la temática del homosexualismo, el presentar a diversos, baluartes de la cultura, del arte y la política, así como algunos frentes o movimientos documentados, que se han reconocido en nuestro país sobre “El orgullo gay” o los “Salidos del closet”. 

De ese modo se hace patente personajes como por ejemplo de los destacados escritores como lo fueron Salvador Novo, el fundador de “La semana gay” Carlos Monsiváis, el actor Roberto Cobo, etc., etc. Aún cuando éstos dos últimos, a pesar de que sus amigos sabían abiertamente de su homosexualidad, nunca aceptaron públicamente, su condición gay.

De ese modo, éste montaje escénico dirigido por cierto, por Martín Acosta, transcurrió, teniendo como reparto estelar a Ramón Hernández Lara, Joshua Okamoto, Ricardo Rodríguez y Emmanuel Varela.

Finalmente le comento qué en el programa de mano de la compañía respaldada por el FONCA, La Secretaría de Cultura y El Milagro, el siguiente párrafo que dice lo siguiente:

-“El tema de los derechos civiles en relación con la diversidad se encuentra desde hace cincuenta años en el cruce de la esperanza y la catástrofe. Si bien se han conseguido logros inimaginables hace apenas unos tres lustros, nos encontramos frente a dos peligros que cuestionan la legitimidad de este avance de la sociedad: grupos de derecha han salido a las calles para hacer un frente común (que en realidad ya existía soterrado en la doble moral y la hipocresía) para defender su idea de la familia y sociedad, pero también las jóvenes generaciones asumen los beneficios de su lucha histórica como obvios, la memoria empieza a perderse.”-

 

41 DETONACIONES CONTRA LA PUERTA DE UN CLÓSET se presenta los días jueves a las 20:30 horas y los sábados a las 19:00horas, en el Teatro “El Milagro” en la Ciudad de México.

 

ARANZA Solo Manzanero.

POR. Dalia María Teresa de León Adams.

 

-“Nueva producción de Arannza bajo la batuta de el Maestro Armando Manzanero, con 14 temas de su autoría algunos conocidos y otros inéditos, con la producción musical de Julio Quevedo y Emmanuel Ortiz. Un clásico con sonido actual, arreglos con un sonido contemporáneo, con arreglos nuevos y frescos… y la interpretación de la que ha sido una de las más importantes intérpretes en los últimos años. Aranza”.-

Estas son las palabras con las cuales la Compañía Difusora encabezada por la Señorita Nidia Elisa Manzanero, ofreció al inicio de la presentación del evento, organizado con la finalidad de dar a conocer los pormenores del nuevo CD +DVD de la Cantante Aranza.

Es una producción la cual incluye 14 melodías, cuyo autor es el gran maestro mexicano Armando Manzanero. Él no podía faltar a acompañar a la interprete Ivette Becerra Meza (Chihuahua 1971) conocida por su nombre artístico como Aranza, cuyo motivo era el de dar a conocer su nuevo repertorio musical.

Aranza anteriormente se había dado a conocer con algunos éxitos que incluye la interpretación de temas como “Dime”, “Por cobardía”, “Finge que no” o “Me despertó la realidad”.

Ayer, jueves 20 de junio bajo el patrocinio de las tiendas Sanborns, se presentó en el Foro de la Plaza Loreto al filo de la tarde-noche la cantante Aranza, quien estuvo apoyada por una pequeña orquesta musical, con el fin de ofrecer y dar a conocer el nuevo material discográfico del Maestro Armando Manzanero que esta incluido en la nueva producción del CD intitulado por supuesto “ARANZA Solo Manzanero”.

Dicha producción ya se encuentra a la venta en todas las tiendas de la República Sanborns  al igual que en las plataformas de atunes y spotify, como lo hicieron del conocimiento al público quienes gozamos de las hermosas melodías, que el maestro Manzanero, suelo crear bajo su peculiar estilo romántico, que constituye una oda musical, así como una promesa de éxito entre sus numerosos fans.

La canciones incluidas en el disco son “A punto”, Ese es problema tuyo”, “Como lamento”, “Tendrías que estar en mi”, De un bolero a un danzón”, “Tal vez, quizás”, “Para dormir contigo”, “Detrás de mi puerta”, “No te he robado nada”, “Un solo beso”,”Cuando lo haga con otra”, “No se pudo”, “Ahora” y, finalmente “Felicidad”. 

Dentro de la presentación se contó con un pequeño Show Case incluyendo la presencia del Maestro Armando Manzanero, quien acompañó, en algunas interpretaciones, a la cantante Aranza.

Le diré qué esto no sucede en el nuevo CD, pues está armonizado sólo por la voz de la interprete Aranza, quien canta temas en torno al amor; repertorio que como he mencionado, son la creación musical del Maestro Armando Manzanero. El disco se incluyen algunos canciones ya conocidas, de éxitos que continúan colocándose en el gusto del público.

 

Finalmente, tras algunas preguntas por parte de la prensa y el público presente, se hicieron algunas tomas de fotografías, cerrándose el evento con un buen brindis, ofrecido por parte de la Compañía presentadora, a manera de broche de oro. ¡FELICITACIONES A AMBOS!

 

EL NIÑO QUE SE COMIO SU SANDWICH CON TODO Y SERVILLETA.

POR : Dalia María Teresa De León Adams.



Obra teatral para toda la familia que intenta llevar la consigna de qué todo problema tiene solución, sólo hay que buscar la manera de resolverlo, enfrentando la realidad.

La trama trata de lo siguiente:  en la historia EL NIÑO QUE SE COMIÓ SU SANDWICH CON TODO Y SERVILLETA aparece el personaje protagónico de Rodrigo, quien es un niño que ingresará al grupo de sexto de primaria, en una nueva escuela.

Éste hecho le inquieta sobre manera, razón por la cual decide comerse su lunch con todo y servilleta, para con ello enfermarse y así impedir que su madre lo obligue a acudir a sus respectivas clases.

La madre de Rodrigo se da cuenta de ello; así decide darle por respuesta que deberá como solución a su empacho, ser inyectado. Rodrigo asustado prefiere asistir al colegio en donde por su cierta timidez, no habla con nadie en el salón. Ahí se encontrará con Anselmo, un niño que lo molestará y amenazará de distintas maneras en compañía de la osca pequeña llamada Flor.

La imaginación y sus sueños se vuelven sus aliados y, junto con Lilí, su compañerita de quien goza  de compañía y amistad, intentarán solucionar las adversidades que se le presentan frente a sus crueles compañeros de clase.

La obra resulta ser divertida por sus constantes diálogos de gran contenido de humor negro, que nos hacen revivir el mundo mezcla de ingenuidad, sinceridad y crueldad que impera la edad de la infancia.

En un solo cuadro escenográfico y con la ayuda multimedia de unas diapositivas expuestas en un gran telón de textura transparentes, los actores permanecen la mayor parte del tiempo escénico en sus sillas, lugares en los cuales dan vida con gesticulaciones, movimientos corporales y modulación de sus voces, a los pequeñitos que integran la divertida comedia.

Utilizando una técnica lúdica de respuesta, propuesta por su escritor Ricardo Rodríguez, la obra transcurre intentando proponer dicha técnica, la cual en su opinión debe ser utilizada en la fase infantil para dar soluciones, enfrentando las problemáticas o situaciones adversas.

 

En la obra teatral EL NIÑO QUE SE COMIÓ SU SANDWICH CON TODO Y SERVILLETA actúan Teté Espinoza, Sara Pinet, Hamlet Ramírez y Luis Eduardo Yee. Se presentan en el Teatro “La Capilla” en el sur de la ciudad de México. Pronto concluirán sus representaciones.

 

Expedientes Secretos circuló impresa durante 1999-2000, director: Benjamin Bernal

¿Mandaron alguna vez asesinar o presionar a Stanley Kubrick?

Uno de los hechos históricos que trae más teorías conspirativas, es sin duda el aterrizaje del Apolo 11 en la luna en julio de 1969. Durante décadas, muchos han sostenido que el gobierno de Estados Unidos contrató al cineasta Stanley Kubrick para filmar el " falso alunizaje ". En el documental 'Habitación 237' se daba a entender que Kubrick pudo rodar ese "pequeño paso para el hombre" mientras preparaba otras de sus obras.

Ahora -coincidiendo con la llegada de la sonda espacial Juno a Júpiter- la hija del director, Vivian, ha hecho público un escrito vía Twitter alegando que "siente que es el momento adecuado para responder". Ella comienza hablando sobre la percepción sociopolítica de su padre, "presente en cada una de las películas que ha hecho, cuyo polémico tema a debatir puso, literalmente, su vida en riesgo y aún así continuó haciendo las películas que hizo... ¿No creen que sería la última persona en ayudar al Gobierno de Estados Unidos en tal traición?. 

"Hay muchas conspiraciones muy reales que han sucedido a lo largo de nuestra historia", continúa escribiendo Vivian Kubrick. "Sin embargo, ¿Creen que los alunizajes fueron falsos y filmados por mi padre? ¡No puedo entenderlo!". Y añade: "... las supuestas "verdades" maliciosas persisten a día de hoy - que mi padre conspiró con el Gobierno de Estados Unidos para 'los falsos aterrizajes en la Luna' - son evidentemente una mentira grotesca".

Vivian Kubrick trabajó en el set de "El resplandor" con su padre, donde se encargó de grabar un making of de la película, 'Cómo se hizo 'El resplandor''. Algunos teóricos dicen que Stanley dejó en esta película algunas pistas acerca de la mentira. Por ejemplo, el actor Danny Lloyd llevaba un suéter del Apolo 11.

La teoría de la conspiración no solo se ha tratado en 'Habitación 237'. También en la comedia de Antoine Bardou-Jacquet, 'Moonwalkers', con Ron Perlman y Rupert Grint como protagonistas. 

Persiguen a Roman Polansky por un caso "cerrado" en varias ocasiones...

En 1977, a los 43 años, Polanski, se vio involucrado en un escándalo junto a Samantha Gailey (posteriormente Samantha Geimer4 ), de 13 años de edad. Según Samantha Gailey, Polanski la llevó a la casa de Jack Nicholson en Mulholland Drive para fotografiarla para la revista Vogue. Gailey declaró que Polanski le dio champán y metacualona, le tomó fotos con el pecho desnudo y después la llevó a un jacuzzi, donde mantuvo relaciones sexuales consentidas, aunque Gailey declaró que se negó verbalmente en varias ocasiones. 5

Polanski fue acusado de abuso sexual a una menor tras el uso de drogas, perversión y sodomía, así como por administración de drogas a una menor de catorce años. Estos cargos fueron atenuados bajo los términos de su plea bargain (negociación en el sistema jurídico estadounidense entre el fiscal y el acusado por la que el fiscal accede a limitar sus acusaciones o las penas que solicitará si el acusado se reconoce culpable de ciertas acusaciones) y se declaró culpable del cargo menor de tener relaciones sexuales ilícitas con una menor.6 Polanski fue condenado en primer lugar a un periodo de reclusión de 90 días en una prisión estatal para realizarle una evaluación psiquiátrica con el fin de decidir su condena final, pero le dieron un permiso de otros 90 días para terminar su proyecto pendiente. De acuerdo con los términos de la sentencia, se le dio permiso para viajar al extranjero. Polanski volvió a California y se sometió a la evaluación en la Prisión Estatal de Chino, de la que fue liberado tras 42 días. El 1 de febrero de 1978 Polanski voló a Londres, donde tenía una residencia. Al día siguiente viajó a Francia, país en el que tenía y sigue teniendo la nacionalidad, evitando así el riesgo de ser extraditado a los Estados Unidos por el Reino Unido, pues de acuerdo con el tratado de extradición entre Francia y los Estados Unidos, Francia se puede negar a extraditar a sus ciudadanos, como hizo en este caso.7 Desde entonces ha vivido en Francia y Polonia y ha evitado visitar países donde probablemente podría ser extraditado, como el Reino Unido.

Polanski no ha vuelto a pisar Estados Unidos ni el Reino Unido. No asistió, por ejemplo, a la ceremonia de los Óscars de 2002, en la que obtuvo el Óscar al mejor director por El Pianista, y rodó Oliver Twist en Praga con actores británicos.

El 26 de septiembre de 2009, Polanski fue arrestado en el aeropuerto de Zúrich por las autoridades del país helvético, a petición de Estados Unidos por el caso abierto del año 1978.8 9

 

Charlotte Lewis ha declarado que Polanski, en el rodaje de Piratas, le dijo que "Si no eres lo suficientemente adulta como para tener relaciones conmigo, no lo eres tampoco para hacer una prueba de cámara". Lewis dijo que en ese momento se echó a llorar y finalmente accedió para no dejar pasar una oportunidad única en su carrera. 10 "Polanski sabía que yo tenía sólo 16 años cuando me conoció y me forzó en su apartamento de París. Se aprovechó de mí y he vivido con los efectos de su comportamiento desde que ocurrió", indicó Lewis durante una declaración en una conferencia de prensa en Los Ángeles en 2010. Anteriormente, en una entrevista de 1999, Lewis, sin mencionar ningún abuso sexual, afirmó haber tenido una relación de seis meses con el cineasta cuando ella tenía 17 años "Yo sabía que Roman había hecho algo malo en los Estados Unidos, pero yo quería ser su amante. Lo quería, probablemente más de lo que él me quería".

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