HOMENAJE A HECTOR BONILLA.

POR:  Dalia María Teresa De León Adams.

 

Un baluarte por haber aportado mucho a las artes escénicas en México, el Primer actor HECTOR BONILLA recibió el día de ayer miércoles 15 de agosto, un homenaje que se efectuó en el Foro del Teatro Julio Castillo. 

Para tal efecto se presentaron, según se hizo mención, cinco de sus más cercanos amigos, así como compañeros. Ellos fueron Susana Alexander, Pato Castillo, Julieta Egurrola, Damian Alcazar y Mario Iván Martínez.

Todos ellos contaron la manera en que le conocieron, así como algunos de los pormenores vividos en el ámbito laboral. Finalmente expusieran las cualidades del actor, motivos por los cuales ganaron la admiración y amistad del actor homenajeado, lazos de amistad que existen entre ellos desde largos años atrás.

Muchos otros amigos y compañeros del gremio artístico por supuesto, estuvieron presentes durante el evento, siendo algunos de ellos por ejemplo, El Secretario General de la ANDA, el Señor Jesús Ochoa, Rafael Sánchez Navarro, Luisa Huerta, entre muchos otros. 

Pero no podían dejar de estar presentes en el HOMENAJE A HECTOR BONILLA sus hijos Sergio y Fernando Bonilla quienes dedicaron varias palabras de amor y reconocimiento a su padre. Su hija primogénita Leonor, le envió un cálido mensaje a través de un video que por supuesto, fue expuesto con el público presente.

Su esposa, la actriz  Sofía Álvarez, por supuesto no podía faltar. Ella subió al escenario, desde donde comentó el inicio de su larga relación amorosa, teniendo de unión conyugal 39 largos años. Al final de su emotivo discursó concluyó diciendo: Tú eres mi Quijote y yo, soy tu Sancho Panza

Inicialmente había comenzado el HOMENAJE A HECTOR BONILLA con una remembranza de su pasado mediante un video en donde se dio a conocer los pormenores de su carrera artística, qué como según se argumentó, cuenta a sus 80 años de edad con una trayectoria de 55 años durante los cuales ha incursionando en todo tipo de género teatral, contando con poco más de 140 obras en las que ha actuado.

El teatro es  según HECTOR BONILLA el lugar en donde realmente se forma el actor. En éste se ha desempeñado como director de aproximadamente 40 montajes, así como de productor en varios proyectos. 

Le diré qué el actor HECTOR BONILLA nació en la Ciudad de México el 14 de mayo del año de 1939. Y no en Guadalajara, como piensan algunas personas. Sus estudios los cursó en el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

También ha actuado en cine colaborando en 38 películas, así como un comercial de “panquecitos”, presentándose en un programa de “El Chavo del 8” e incursionando en las telenovelas en los años 70’s dándose a conocer como “galán” y gran actor, al trabajar con gran parte de las figuras femeninas del momento. 

También ha tenido facetas de escritor y músico, además de ser el creador de la escuela “La Liga de la Improvisación” aún cuando pocas personas le conocen en dichos ámbitos, por haber sido desde el inicio de su multifacética carrera catapultado como un destacado actor.

En el tan merecido HOMENAJE A HECTOR BONILLA no podían faltar algunas palabras pronunciadas por el mismo, leyendo un emotivo y divertido texto que años atrás dedicara a su familia y que intituló “Mi herencia”.

 

La directiva del Centro Cultural del Bosque, como anfitriona del evento al finalizar el HOMENAJE A HECTOR BONILLA obsequió un hermoso grabado; momento tras del cual, para cerrar con broche de oro al emblemático actor, se presentó un grupo de mariachis musicalizando uno de sus múltiples escritos. Así se dio apertura a un espléndido Brindis.

 

DESPERTAR DE PRIMAVERA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-Al despertar sus deseos carnales Melchor, Wendla y Mortz se encuentran cuestionando constantemente su deber ante la moral empujados por la avasalladora potencia de la naturaleza del ser, mismo que rompe con toda moral, estos tres jóvenes descubren su sexualidad, su cuerpo y su muerte”

Esta es la síntesis de la obra teatral DESPERTAR DE PRIMAVERA escrita por Frank Wedekino, bajo la dirección escénica de Verónica Zurita, puesta en escena que tras de dos funciones, se esta presentando en el Foro Salvador Novo en día lunes y que la Compañía “Cuadrilla Teatro Mx” presenta.

DESPERTAR DE PRIMAVERA en mi opinión encierra muchas cosas más allá de la sexualidad y la falsa moralidad social, temas que por supuesto son dos ingredientes muy importantes, dentro de la trama de éste drama escénico, por lo cual retomé inicialmente el párrafo expuesto a manera de sinopsis por la misma compañía presenta en su programa, para hablar acerca del mismo.

La temática además aborda, aunque someramente, muchos aspectos más a tratar como son el inicio de la atracción sexual, la sensibilidad que se despierta en la etapa de la adolescencia con respecto al mundo del adulto, en el cual irremediablemente poco a poco comienza a formar parte; el amor incipiente, así como sus inseguridades, sus dudas, sus gozos e incluso sus padecimientos. 

Aunado a ello se aborda el tema de la agresividad intrafamiliar, tanto en su forma física, como intimidatoria qué en algunos casos, llega hasta el extremo de llevar al suicidio a un joven, quien en aras de no poder lograr las notas exigidas por sus padres, decide una falsa salida, la joven violentada en carne viva por sus propios congéneres, la confidencialidad e incluso por supuesto, la muerte como escape a los problemas de un precoz embarazo.

 Este texto se encuentra traducida al español por David Hevia, bajo el “dramaturgismo” de Bruno Rosales Villareal, siendo la dirección como a-priori menciono, de Verónica Zurita, quien presenta esta puesta en escena de una manera poco convencional, pues se actúan escenas un tanto subidas de tono para el público adolescente e incluso para los mismo jóvenes actores, en donde se muestra una masturbación, por ejemplo.

Ello se debe a lo cruento de la temática abordada por su autor original, es decir del dramaturgo alemán Frank Wedekind ( Múnich 1864-1918) quien se interesaría en varias de sus novelas en abordar temas en torno a la adolescencia, como es el caso de su primera obra intitulada Frühlings  Erwachen precursor del expresionismo; autor que por la manera de presentar sus obras se le puede considerar naturalista en cuanto a como narra el texto, al género que propone como tendencia, el mostrar la realidad tal como es, es decir, sin ningún tapujo.

 

DESPERTAR DE PRIMAVERA se presenta en el Teatro la Capilla, Foro Novo, bajo la producción de La Secretaría de Cultura, el FONCA, Los Endebles, La Sala Novo, Fundación BBVA y Proyecto B.

 

NO ME CONOCES AÚN

POR: Dalia María Teresa De León Adams



Flor Yvone, la cantautora regiomontana junto con El Grupo “Palomo” unirán sus cantos el próximo jueves 22 de agosto en el recinto cultural de “El Lunario”. Además se presentarán en dicha ocasión el cantante de rock Ricky Luis, Ivonne Montero, Los Shulos Calderón, Tamaya Mortiz, Gerardo Torres y Gloriela, con quienes compartirán el escenario.

La velada parece ser prometedora, en donde diversos géneros musicales se podrán escuchar en voces de sus autores, quienes interpretarán los éxitos que les ha llevado a la fama, además de nuevo valores como en el caso de “Los Shulos Calderón.

Recordemos qué la cantautora Flor Yvone se inició en el Festival de Valores Juveniles en 1987 y, le contaré qué tras de 32 años de carrera artística, logró vender 6,000,000 (seis millones) de copias incluyendo boleros, música pop y baladas. 

Además de pudo mantener su canción NO ME CONOCES AÚN en primer lugar en el gusto de los radioescuchas durante un largo año, permaneciendo por ello en la lista “Billboard”. Esta sería una de las la razones por la cual la banda grupera PALOMO posteriormente grabó su exitoso tema.

La compañía Difusora “El Brunch” así como los directivos de los eventos del Lunario, inmueble que por cierto ha estado acogiendo a grandes figuras artísticas de diversos géneros, así como ha ofrecido conciertos, festivales y diversos eventos, nos presentaron en el boletín de prensa que se ofreció para dar a conocer los pormenores del próximo concierto, la siguiente información de manera textual y, que es la siguiente:

-“Así como México es la catapulta de muchos artistas internacionales, el Lunario esta cumpliendo con la misión de poner en boca de la gente muchos espectáculos de la Ciudad de México, que es el ombligo de América Latina artísticamente hablando” comentó Flor Yvone, quien también es embajadora de la Música Mexicana en Malasia, Tailandia, Filipinas, y Centro América gracias a su nombramiento por la cancillería de México”-.

Así es como ahora el Lunario abre sus puertas y se prepara para presentar el concierto por parte del “Festival Coincidir” a FLOR YVONE, EL GRUPO PALOMO y sus invitados especiales, el próximo jueves 22 de agosto, como inicialmente comenté.

“1984”

POR: Dalia María Teresa de León Adams

 

La Secretaría de Cultura a través del Centro Cultural Helénico y la Teatrería Producciones presentan “1984”, original de George Orwell, bajo la adaptación creativa de Robert Icke & Duncan Macmillan y la dirección artística de José Manuel López Velarde,

-“En un tiempo dominado por “El Partido”, pensar es un crimen. En un lugar en el que no se sabe ni siquiera qué es verdad, Winston Smith comienza a escribir un diario y con el simple hecho de poner su pluma sobre el papel, desencadena una serie de sucesos que lo hacen cuestionar los fundamentos mismos de la realidad, a descubrir la existencia de un grupo de disidentes conocidos como  “La Hermandad”, pero sobre todo a encontrar una mujer llamada Julia y a experimentar un amor que revoluciona su mente y su vida. Pero Big Brother Esta observando, Big Brother siempre esta observando….”-

Párrafo textual de éste texto cuya trama puesto en escena en un solo acto escénico,  nos lleva a reflexionar hasta dónde los avances tecnológicos en un futuro cercano, pueden actuar en contra de la integridad humana, dominándonos hasta el punto de querer controlar las mentes.

En la dramaturgia de Orwell, un constante mecanismo vigilante llamado “Big Brother” determina el futuro y actuaciones de la sociedad, manipulándola libremente. No en balde lleva el nombre de Big Brother, parecido al del sistema televisivo que en otro momento ha divertido a los espectadores, pero el cual, del mismo modo cumple la función de ser un terrible vigilante las 24:00 horas del día.

Obra de ficción que trata sobre la rudeza extrema del sometimiento del ser racional, en donde el partido postulado en el dominio, sigue tácticas extremas antihumanas hasta l extremo de no poder pensar libremente

La escenografía a cargo de Jesús Hernández es constantemente movida por un equipo de tramoyistas quienes ejecutan rápidamente su trabajo, transformando el foro de una vivienda oscura y lúgubre de los año 80’s el siglo pasado, en un salón secreto o una cámara de torturas, o bien, una recámara clandestina. 

Todo ello presentado a media luz, tal vez para inferir el efecto de hostilidad, desafío y ambigüedad de acciones; ello con la ayuda de la técnica multimedia que hoy en día sirve de apoyo tanto actoral como escenográfico en muchas obras teatrales.

El amor y la pasión son ingredientes que comúnmente no pueden faltar dentro de una obra teatral, aún cuando sea un amor fallido, lo cual le infiere cierto sentimentalismo al texto.  En éste montaje escénico el amor incondicional termina convirtiéndose en traición bajo circunstancias determinadas.

La temporalidad de la trama dista mucho de ser lineal, pues constantemente se usan regresiones y retrospecciones temporales, lo cual le da un toque de futurista o vanguardista a la trama, muy ad-hoc con la trama de George Orwel.

El elenco esta formado por Antón Araiza, Constantino Morán, Vanesa Restrepo, Alfredo Herrera, Tarence Strickman, Angie Vega, Alberto Eliseo, Evan Regueira y la pequeña Julieta Luna. “1984”  se presenta en el Teatro Helénico los fines de semana.

LA TORTUGA DE DARWIN

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Cultura UNAM a través de la dirección de Teatro presentan la obra teatral LA TORTUGA DE DARWIN. Una dramaturgia original del español Juan Mayorga (Madrid 1965) bajo la dirección escénica de Ginés Cruz.

La trama gira en torno al personaje de Harriet, es decir, a la tortuga del naturalista inglés Charles Darwin llamada Harry. La noticia periodística sobre la muerte de la mascota que perteneció al destacado científico Charles Darwin fue lo que le motivaría a escribir la obra LA TORTUGA DE DARWIN a su autor, el dramaturgo Juan Mayorga.

El científico Charles Robert Darwin nació en El Monte, Shreswbury, en el Reino Unido (1809-1892).  Como es bien sabido fue reconocido como una eminencia mundialmente debido a la formulación de su teoría acerca de la “Evolución de las Especies”.

Le diré que la tortuga por supuesto realmente perteneció al científico, logrando existir unos 175 años. Su nombre real fue el de Harry, pues Darwin de entrada dio por hecho el que su mascota pertenecía al género masculino; sin embargo, resultó que era una tortuga hembra, por lo cual terminó siendo llamada “La tortuga Harriet”. 

Les menciono todo esto porque la trama de obra teatral LA TORTUGA DE DARWIN“ esta recreada a partir de “La  teoría de la Evolución Expuesta” la cual sostiene qué cualquier ser viviente en condiciones específicas extraordinarias, puede evolucionar e involucionar, llegando a transformarse en otra especie aparentemente diferente.

A partir de este concepto fue que el escritor Juan Mayorga imaginara y escribiera una historia en la cual la tortuga Harriet ante el proceso de “evolución expuesta” se transforma en humana, siendo un testigo presencial de hechos muy trascendentales en el mundo.

Con respecto a Harriet, la compañía teatral introdujo en el programa de mano las aseveraciones que el mismo autor Juan Mayorga expusiera por escrito (quien dicho sea de paso obtuvo el premio en la categoría de Mejor drama).

Esto expresó cuando se informó, con respecto al interés de montar su obra en escenario mexicano, por parte de la UNAM, del director Ginés Cruz y de la actriz protagónica María Elena Olivares, quien por cierto, fuera la propulsora para que se llevarse a cabo ésta puesta en escena. 

Las palabras textuales de Mayorga fueron las siguientes:

-“Harriet fue un ejemplar hembra de tortuga gigante que Charles Darwin transportó en el Beagle desde el Archipiélago de las Galápagos hasta el puerto inglés de Falmouth. Por lo visto disfrutó de una gran vida bastante tranquila, pero yo quise atribuirle otra más agitada. La imaginé como una mujer que además de concha, lleva encima dos siglos de historia. La imaginé escapando del jardín de su descubridor, arrastrándose hasta la agitada Londres y cruzando el Canal de la Mancha para proseguir un viaje que duraría hasta hoy. La imaginé convertida en una señora que ha sobrevivido a once papas y treinta y tantos presidentes norteamericanos, a dos guerras mundiales, a la Revolución de octubre y a la Perestroika. Imaginé un animal que habiendo tenido que adaptarse a tremendas circunstancias, ha evolucionado a golpes de Historia hasta ser casi una persona, o algo más que una persona, mirando siempre a las personas –y a la historia misma- desde abajo. 

Me hace feliz que, gracias  un importante equipo de artistas, Harriet haya cruzado otra vez el océano y esté dispuesta a compartir con los espectadores mexicanos su extravagante aventura. Y siento una enorme gratitud hacia María Elena Olivares, impulsora de la aventura, a Ginés Cruz que le ayudó a levantar el proyecto, y a la Universidad Nacional Autónoma de México, por apoyarlos.”- 

La trama resulta ser una verdadera delicia para aquellos que aman la historia, quienes además se pueden regocijar con el personaje de Harriet al adentrarse en el mundo imaginario qué Mayorga construyera y plasmara mediante su indudable talento.

Con matices fársicos y de comedia nos introduce en el peculiar mundo de la tortuga Harriet quien según la dramaturgia, tras de evolucionar en una mujer parlante quien habla diversas lenguas, narra algunos de los hechos históricos más trascendentales en los dos últimos siglos. 

En su intento por volver a las islas  Galápagos hará un pacto con un brillante historiador (caracterizado por el actor Miguel Romero). El pacto consiste en que el profesor le enviará de vuelta a sus islas, si ésta le narra lo acontecido durante sus doscientos años de vida, haciendo correcciones respecto a varios de los sucesos narrados por la historia.

Paralelamente el personaje de Harriet se encontrará con una científica (la actriz Paola Izquierdo) quien determina mediante radiografías y estudios específicos qué Harriet es poseedora de un extraño organismo, desconocido por la ciencia hasta al momento, por lo cual, intentará continuar examinarla a toda costa. Un cuarto personaje se unirá para explotarla.

 

LA TORTUGA DE DARWIN se presenta en el Teatro Santa Catarina de jueves a domingos hasta el 30 de agosto.

 

MONJAS CORONADAS Noches de Cabaret Burlesque.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

En el nuevo “Foro 4 Alternativo” un recinto del Centro Cultural Helénico, entre otros eventos, presenta dentro de su programa “Noches de Cabaret Burlesque, la propuesta escénica de MONJAS CORONADAS.

Una obra picante que alude al mundo del convento, visto desde un punto creativo, irreverente y con gran sentido de humor negro. Así la música en vivo da cabida a las plumas, lentejuelas, chistes, frases en doble sentido, baile y canto por parte de el elenco estelar, el cual presenta además varios strip tees.

El divertimento es presentado bajo atuendos al estilo “Drag Queen” con el objetivo de incentivar el combate a los tabúes y la doble moral. Ello bajo un toque religioso que envuelve la trama, pero qué en realidad no contiene una retórica teológica. La intención es divertir y presentar un espectáculo en la cual escudriña una supuesta comunidad clerical, tan sólo para contrastar y reverenciar al desnudo humano, así como promover una política combativa, como según se específica dentro del boletín de prensa, ofrecido mediante los enfoque propuestos por la Compañía “Tonalli Teatro”, encargada desde hace tiempo d ofrecer espectáculos de Teatro Cabaret Burlesque.

Así es como se menciona de manera textual la propuesta de los montajes escénicos de Tonalli Teatro, la cual argumenta lo siguiente:

- A través de la creación de MONJAS CORONADAS la compañía revisa varias líneas de investigación y exponen a través del cabaret burlesque su particular postura acerca del barroco mexicano, su cargada, bella y apasionante estética sobre el Horror vacui (horror al vacío) como salvación contra el capitalismo industrial y las formas no visibles de sometimiento que se han insertado en la sociedad; el cuerpo humano que se resiste a ser parte de la hegemonía moral que lo debilita, lo cosifica y lo aniquila, así la compañía advierte una tendencia social al barroquismo donde Dios es la experiencia ética de lo indecible, de la nada y del todo; estas Monjas Coronadas están prestas a recibir el éxtasis divino y expresarlo desmesuradamente.-

Dentro de la trama de la obra MONJAS CORONADAS se juega con la idea y la representación de personajes ficticios religiosos, entre los que se encuentran tres monjas y la madre superiora de la congregación “La Paja Perpetua”. Todas ellas se emocionan ante la espera del advenimiento del Señor. De tal modo qué pretenderán conservarse recatadas, impolutas, prístinas y devotas, para ser merecedoras de tan emblemática visita. Sin embargo, finalmente caerán en tentaciones carnales que las evidenciará.

 

Ya con anterioridad la “Compañía Tonalli Teatro” se ha estado presentado en diversos recitos, tales como en el Foro “A Poco No” y el Tetro de la Ciudad de México, Esperanza Iris.  En ésta ocasión ofrecen funciones dominicales al filo de las “21:00 horas, en el Foro 4 Alternativo del Centro Cultural Helénico hasta el 24 de agosto.

 

EJECUTOR 14

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


“Teatro Sin Paredes” y “Mono Teatro” acaban de estrenar la puesta en escena de la obra teatral EJECUTOR 14 que muestra a un personaje desgarrado desde el fondo de sus entrañas, en medio de los terrores de una guerra civil, en donde todo hombre puede convertirse en el EJECUTOR 14 hasta llegar a límites impredecibles.

Sin embargo, el personaje pretende ser redimido por su autor, o por lo menos comprendido por su público, a pesar de presentar con crudeza y deshumanización a un hombre quien presenta un testimonio describiendo los pormenores de los hechos padecidos y ejecutados posteriormente, en contra de terceras personas; actos que implica toda guerra absurda, en donde las victimas se vuelven de pronto, en victimarios de otros seres indefensos e inocente. 

La trama comienza con el testimonio del EJECUTOR 14, que se remonta a sus años de infancia, en donde observaba el bullying en aras de un racismo y sectarismo infiltrado en su sociedad.

La dramaturgia es un monologo escrito por Adel Hakim, bajo la traducción al español y la dirección artística a cargo de David Psalmon, en donde actúa Osvaldo Sánchez mostrando sus grandes dotes histriónicos.

Sobre el texto posbélico de Adel Hakim, David Psalmon hace una reflexión sobre la historia y la adaptación que presentan en base a la obra del EJECUTOR 14, haciéndolo con las siguientes palabras:

-Ejecutor 14 propone un viaje hacia el paisaje interior de un hombre común vuelto verdugo. Un hombre que ha perdido los últimos rastros de lo que lo hacía humano. Al menos en esa reconstitución de los hechos que permite el teatro, ese compartir con el espectador, le puede devolver su humanidad y permitir encontrar la paz. Y es justamente esa reconstitución, ese acto de confesión y de fragilidad compartido que pretende develar esta puesta n escena, en la que un actor le da vida a ese hombre común, nutrido por los superhéroes de su infancia, los sueños de grandeza, la inocencia, el amor…. Hasta que un día todo se derrumbe y se hunde irremediablemente en un mar de sangre, de tristeza y de desolación. Una puesta en escena esencialmente basada en este sencillo y sin embargo tan profundo “acto de reconstitución”. Nada de artificio, nada de parafernalia teatral. Sólo un actor, una mesa en el interior saqueado por la guerra y aquellos que vinieron a escuchar su historia…..

La obra resulta realmente desgarradora. Drama que es presentado en un solo acto escénico y con un solo cuadro ya descrito por el mismo David Psalmon. EL EJECUTOR 14 se presenta en el Foro B de “La Teatrería” de viernes a domingos, bajo el patrocinio de La secretaría de CULTURA y el FONCA.

 

 DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA

POR: Dalia María teresa De León Adams.


-Cuando el 7 de octubre de 2001 se estrenó “Defendiendo al cavernícola” en el Centro Cultural San Ángel, nadie podía haberse siquiera imaginado la larga e importante historia que comenzaba a escribirse en ese momento.

La obra se colocó como la más exitosa en la historia de ese teatro, con casi 10 años continuos de temporada….-

Con éstos párrafos la Compañía “Mejor Teatro” inicia su información del boletín de prensa que se entrega a los medios, para dar a conocer algunos de los pormenores del regreso de DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA. Obra teatral que los amantes del teatro inmediatamente reconocen bajo la presentación estelar del actor Cesar Bono.

Curiosamente el día de ayer, jueves 8 de agosto, se reestrenó en el mismo foro Teatral, con dos diferencias; la primera, que tras de una breve temporada de haber sido cerrado el inmueble, con éste montaje se dio la reapertura del foro y, la segunda, qué en ésta ocasión cuenta con la actuación corre a cargo del polifacético Sergio Mayer (cantante, actor, empresario, diputado ,etc.)

Le contaré qué al termino de la función, tras de los aplausos del público, las palabras del Señor Morris Gilbert, (su productor) y de algunas frases de agradecimiento por parte del Señor Mayer, se pidió a cesar Bono subir al escenario, momento en el cual el público le reconoció su labor, ovacionándolo con un caluroso aplauso.

Pero volviendo al texto, la dramaturgia tiene el título DEFENDING THE CAVEMAN. Su creativo es el escritor estadounidense Rob Becker, quien la diera a conocer en un foro de la ciudad de San Francisco, en junio de 1991 con gran éxito, por lo cual logró ser representada en 45 países, además de ser premiada con el galardón “Laurence Olivier” como mejor obra de entretenimiento.

DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA es una comedia escrita en formato de monólogo, en donde sin embargo, aparece ocasionalmente una co-actriz en imágenes ofrecidas mediante una pantalla en el escenario, que se accionan acorde con algunos de los monólogos o argumentos ofrecidos por el actor, siendo en el caso de ayer, por supuesto, los emitidos mediante la actuación del Señor Sergio Mayer. 

La obra esta formada por una somera información respecto al comportamiento del hombre y de la mujer de la época primitiva; información que su escritor aprovechara para hacer un paralelismo con la sociedad actual. 

El texto hace alarde del manejo del escritor americano, en cuanto a la psiquis de sus personajes, haciendo hincapié constantemente en las diferencias que existen entre ambos sexos, las cuales han continuado manifestándose según él, de la misma manera a través del tiempo.

Para concluir sin preámbulos DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA es una obra teatral muy divertida qué además como un plus, invita a reflexionar sobre la actitud de las parejas. Se presenta los fines de semana en el Teatro López Tarso del Centro Cultural San Ángel, bajo la dirección artística de Jaime Matarredona.

 

FUEGOS

POR: Dalia De León Adams.

 

Cuatro monólogos cuentan las historias de la mitología griega desde la perspectiva de las mujeres que las vivieron. Ariadna habla sobre el abandono de Teseo luego de ayudarlo a liberarse del minotauro en el famoso laberinto de Creta; Fedra, su hermana menor, casada con Teseo años después, se enamora del hijo de éste, Hipólito, en un relato que la muestra presa en un callejón sin salida. Medea cuenta su versión del amor y desamor que tuvo con Jasón y las razones del filicidio más famoso y, finalmente, Andrómaca, esposa y viuda de Héctor, el famoso héroe troyano, hace un repaso de su vida desde su nueva condición de esclava.

Éste es justamente el breviario que ofrece Gilberto Guerrero, su director escénico y escritor de la dramaturgia teatral de FUEGOS quien presenta a manera de cuatro monólogos, los personajes de Ariadna, Fedra, Medea y Andrómaca, siendo los dos primeros textos, los que se representan en la primera función, ofrecida los días lunes en el Centro Cultural “El Hormiguero” bajo las actuaciones estelares de Ana María Aparicio y Darinka Olmedo.

Sin embargo, cada una actúa por separado, dándole vida primeramente a la figura mítica de Ariadna, en el primer tiempo escénico, para posteriormente introducir la también interesante pasión de su hermana Fedra.

Ambas actuando inmersas en una escenografía propuesta bajo el diseño de Dulce Zamarriega, el cual consta solamente de velos blancos, al igual que las vestimentas de las jóvenes actrices, quienes representan los personajes protagónicos; diseños qué enmarcan perfectamente con cada monólogo, dándole un toque núbil y exquisitos, acordes con la dramaturgia plagada de grandes tintes de pasión aballazadora e ingenuidad infortuitas, de las jóvenes míticas convertidas en leyendas.

Durante los diálogos coloquiales bien estructurados de los personajes protagónicos, se cuentan la historia terminada en tragedia, debido a las pasiones desenfrenadas que las jóvenes viven con grandes figuras masculinas de la mitología griega. 

Cuatro personajes femeninos de las cuales cabe preguntar si son las victimas o victimarias en sus encuentros fugaces con Teseo, Hipólito, Jasón y Héctor de los desvaríos y goces. 

Durante la trama Gilberto Guerrero se advierte al dramaturgo docto,  comprometido y creativo, quien en base a los mitos griegos, rescata a cuatro figuras femeninas emblemáticas, bajo la temática del amor y el sometimiento.

 

Las cuatro mujeres de la obra completa de Gilberto Guerrero sucumben en el FUEGO de sus sentimientos; título con el cual presenta sus cuatro fragmentos escénicos, que resulta muy ad-Hooch a las cuatro tramas o historias, siendo los amores de Medea (Marcela Faregrino)y Andrómaca (María Balam) las cuales son presentadas posteriormente, los día viernes en el marco de las 20: 00 horas en el mismo foro teatral del Centro Cultural “El Hormiguero”.

 

A LOS 13

POR. Dalia María Teresa De León Adams.

TF PRODUCCIONES en asociación con Eugenia Leñero, Jesús Ochoa, Yosi Bernstein y Fernando Martínez, en el presente año, durante varios meses han estado presentando la revista musical juvenil A LOS 13. Obra teatral original de los estadounidenses Dan Elish (oriundo de Washintong CD. 1960) y su colega, el también escritor americano, considerado  experto en musicales, el Señor Robert Horn.

Resumiendo le diré qué A LOS 13, contiene una trama en donde los Teenages son el núcleo de una historia divertida que ventila la manera ingenua del mundo de los niños, quienes comienzan a crecer y al ver al mundo de modo distinto, en donde se goza y se sufre ante el despertar al amor, a los sueños y a las transformaciones. Quienes se cuestionan el qué y cómo hacer ante tales nuevas circunstancias en sus cortas vidas.

Todo ello le da un toque de frescura que culmina en remembranzas del pasado para el público adulto. La dramaturgia contiene lenguajes simples y coloquiales que nos hablan sobre la psiquis de los PRE-adolescentes presentados en ésta obra. Respecto a la Sinopsis de la historia, el equipo productivo publica en el programa de mano los siguientes párrafos:

-“A los 13” nos lleva a conocer la historia de Evan Goldman, un PRE adolescente que debido al divorcio de sus padres tiene que mudarse de la gran metrópoli a un pequeño pueblo.

En este momento de su vida, sólo quiere hacer amigos, tener un inolvidable  B a r - M i t z v a h (Celebración judía que marca la transición de niño a adulto al cumplir los 13 años) y sobrevivir el año escolar.

Con una partitura pop-rock del compositor ganador del Tony Jackson Robert Brown, “A los 13 años” es una comedia musical divertida y de gran energía sobre el descubrimiento de crecer, el valor de la amistad, el bullying y darte cuenta de que puedes encontrarte a ti mismo donde y cuando menos te lo esperas.-

 

El éxito del musical entre el público adolescente ha hecho que se alargue un poco más la temporada de las representaciones de A LOS 13. Puesta en escena que se presenta en el Teatro Libanés con funciones dominicales matutinas de las 12:30 horas, bajo la dirección escénica de Marco Anthonio y Beto Torres, la musicalización y letra a cargo de Jason Robert Brown, la escenografía a cargo de Emilio Zurita y, por supuesto con las actuaciones estelares de algunos jóvenes promesas en el escenario.

 

EL MERCADER DE VENECIA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Una de las obras clásicas del gran escritor inglés Williams Shakespeare (1564-1616) conocido algunas veces como “El Bardo de Avon” fue escenificada el día de ayer viernes 2 de julio, bajo la traducción y adaptación del texto por David Olguín; obra que fue reestrenada en el Teatro “El Milagro”, bajo la dirección escénica del mismo Olguín. Nos referimos a la obra EL MERCADER DE VENECIA.

 Si Usted no lo sabía, le diré que el Señor David Olguín nació en la Ciudad de México en 1963. Es un gran dramaturgo, ensayista y director de teatro, además de ser uno de los directivos del Teatro “El Milagro”. 

Pues bien, volviendo a la puesta en escena de EL MERCADER DE VENECIA, como es de todos bien sabido trata sobre un joven llamado Bassanio oriundo de Venecia, quien tratará de obtener la mano de Porcia, una joven hermosa y rica heredera de Belmont. Para lograrlo se dirige a su amigo Antonio, el llamado MERCADER DE VENECIA y le pide un préstamo de 3.000 ducados

Antonio al no tener de momento los ducados, recurre a un rico usurero judío, a quien dicho sea de paso, había insultado y humillado con anterioridad, ganándose el desprecio del hebreo; sin embargo, éste último accede otorgarle el préstamo sin cobrarle ningún redito como era su costumbre, bajo la única condición de que si no paga en el plazo citado, a cambio deberá permitir que le extraiga de su cuerpo una porción estipulada en el contrato, de la parte que él desee extraer.

Dentro de la trama además aparece de manera paralela otra historia de amor protagonizada por dos jóvenes de distinto credo religiosos, quienes huyen para poder realizar su amor, convirtiéndose la joven judía al cristianismo, además de ser cómplice del despojo de todos los bienes, cometidos a su propio padre.

Es una obra que además lleva implícito mensajes de la ideología secular de la época shakespeariana, como es el de anteponer el cristianismo al judaísmo, con matices maniqueístas, en donde suponen que los cristiano son siempre los buenos, en tanto que los judíos son los malos, pese a los insultos y al trato infrahumano recibido por parte de los feligreses católicos cometidos en contra de la comunidad hebraica.  

La puesta en escena a cargo de David Olguín es representada bajo su dirección escénica mediante el reparto estelar encabezado por el Primer actor Mauricio Davison, en el rol de Silo, el judío usurero. Yenisey Crespo es Porcia y su sirvienta Enriza es caracterizada por Simona Chirinos. 

En el papel de Jessica, es decir, la hija del usurero judío se encuentra Marisol Castillo, quien además interpreta al Príncipe de Marruecos. Basando es actuado por Elías Toscano, en tanto que Antonio por Iván Zambrano; Saladino es interpretado por Emmanuel Varela y Lorenzo/y un carcelero, por Sebastián Dante.

La puesta en escena de EL MERCADER DE VENECIA consta de una escenografía a cargo del  Señor Gabriel Pascal totalmente modernista, al igual que el vestuario (Estela Fagoaga) y la utilería que le da un toque de modernidad, pese a que se respeta la trama en general y los diálogos.

 

EL MERCADER DE VENECIA se presenta en El Teatro “El Milagro” producida por su misma Asociación Cultural Independiente, la cual se fundó a partir de 1991 bajo la finalidad de promover  las creaciones artísticas escénicas.

 

EN EL MARCO DEL DÍA MUNDIAL CONTRA LA TRATA DE BLANCAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Por motivo de ser el 30 de julio el DÍA MUNDIAL CONTRA LA TRATA DE BLANCAS en la Sala 8 de la Cineteca Nacional de la Ciudad de México, el día de ayer 29 de julio, se dio apertura a una serie de largometrajes cuyos guiones cinematográficos giran en torno a la problemática mundial, que se ha dado por conocer bajo dicha expresión.

Como es bien sabido, muchas jovencitas en su mayoría, entre algunos jóvenes y niños, han sido el blanco perfecto para el engaño que les lleva a padecer el ser coartadas de su libertad en aras de la prostitución, el abuso, e incluso de homicidio, en ciertos casos.

Problema sin resolver, el cual no tiene cara, nombre ni apellido, pero que desgraciadamente se sigue filtrando en la actualidad en diversos países. Es así qué han surgido diversas obras y, en éste caso, películas que intentan indagar, aún sin lograr nada, evidencias de sucesos, que realmente sirvan de testimonios fehacientes.

Por ello es que en la Sala 8 de la Cineteca Nacional, como a-priori mencionamos, se llevó a cobo la apertura de cintas fílmicas EN CONTRA DE LA TRATA DE BLANCAS, presentándose para tal efecto, el Señor Jorge Pascual.

Así fue como uniendo esfuerzos el Gobierno de la Ciudad de México, La Secretaría de Seguridad Ciudadana, junto con la Secretaría de Cultura, PRO CINE, la Compañía BRASIL-México, la UNAM y por supuesto, la Cineteca Nacional, se dieron cita con algunos de sus representantes quienes asistieron al evento.

El rodaje con el cual se dio apertura, fue “BAJO JUÁREZ: LA CIUDAD DEVORANDO A SUS HIJAS”; película mexicana la cual fue gravada en el año 2006. Es un guión original de José Antonio Cordero y Alejandra Sánchez, dirigida por sus mismos autores, contando con la fotografía de Érika Licea y la música a cargo de Tareke Ortiz. La producción es de FOPROCINE, IMCINE, Pepa Films y la UNAM.

“CIUDAD BAJA” fue también presentada el mismo día 29 de julio, pero en la Biblioteca Vasconcelos. Largometraje de Karim Aïnouz y Sergio Machado, bajo la dirección de éste último, la fotografía de Toka Seabra, la música a cargo de Carlinhos Brown y Beto Villares y, la producción Palm Picture. En ella colaboraron Brasil, y el Reino Unido.

El día de hoy, 30 de julio, se presentó el largometraje intitulado HELI, cuyo guión y dirección está a cargo Amat Escalante y Gabriel Reyes; la fotografía es de Lorenzo Hagerman. Película co-producida por México, Francia, Alemania y los Países Bajos Holanda); contaron con la producción las compañías Mantarraya, Tres Tunas, FOPROCINE, Le Pacte, Lemmning Film, No Dream Cinema, Sudance-NHK, Ticoman, Unafilm, CONACULTA, ZDF-Arte, Iké Asistencia, Fonds Sud Cinéma, Centre National du cinéma et de l’image Animée, Ministère des Affaires étrangères et du développement International, Film-und Medienstiftung NRW y Netherland Filmfund.

 

Finalmente le diremos qué éstos tres rodajes fílmicos continuarán presentándose los primeros días de agosto, en diversas videotecas.

 

TRILOGÍA LORQUIANA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La Compañía “Caña y Candela Pura” tras de cumplir 30 años de montar espectáculos que incluyen baile, canto y teatro, ofrecerán mediante la tradición cultural gitana, la TRILOGÍA LORQUIANA en donde se incluye música y baile flamenco, junto con un cantante jonco.

La obra esta inspirada en fragmentos del “Romancero Gitano”, que alude a la obra poética y la dramaturga del escritor granadino Federico García Lorca, nacido en 1898 en Fuente Vaqueros, España y muerto por las fuerzas armadas de Franco en 1936. 

Como es de todos bien sabido, entre sus obras magnánimas  se encuentran “La casa de Bernarda Álvarez” y “Bodas de Sangre”, “Sonetos de amor Oscuro”, “Romancero Gitano” y “Poeta en Nueva York”. 

Sobre éstas y otras más de las obras de Federico García Lorca es que se extraen algunos fragmentos, que mencionaré, para darle vida a la TRILOGÍA LORQUIANA; compendio original hecho dramaturgia, por parte de la maestra Lourdes Lecona Vanscoit. 

Ella es la fundadora de la Compañía “CAÑA Y CANDELA PURA”. Le contaré qué tras de su primera presentación en un foro, a los 4 años de edad, esta cumpliendo 60 años de trayectoria artística ininterrumpida, hecho que le ha llevado a ser conocida en otros países.

Su primer escenario fue el del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris y, es justamente en donde se presentará el próximo 3 de agosto, con su obra TRILOGÍA LORQUIANA contando con 25 destacados artistas especialistas en diferentes disciplinas.

Al respecto de éste próximo espectáculo artístico, en el Comunicado de Prensa de la secretaría de Cultura se expone el siguiente párrafo textual:

-“Para Lecona, autora y diseñadora de la dramaturgia, Trilogía Lorquiana pone en contacto con el origen de la creación y el misterio profundo del amor en todas sus manifestaciones. “Hemos buscado que esta representación coreográfica en la que se suma la escena teatral y la estructura musical, permita rememorar al más universal de los poetas hispanos por medio de su obra y compartir la vastedad de su existencia en un presente que se antoja eterno, y en el cual el poder de su presencia permanezca vivo, a través de su legado como poeta, músico dramaturgo, dibujante y conferencista.”- 

 

En TRILOGÍA LORQUIANA se presentarán en el escenario los bailaores Rosario Armenta, Ana María Liceaga, Erika Suárez, Aline L. Lecona, Elisa Pérez, Liliana Olivares, Majo Muñoz, Fernanda Madrid, Omar Moreno, Edgar Pimentel, Christian Cadengo y Alejandro Tena; estarán los músicos Manuel “Lolo” Jiménez, Rosa del Carmen García, José Juan Trespalacios, Raúl Mandujano, Olmo Ayala y Emiliano De Gante, además de los actores Pedro Mira y Claudia Cabrera.

 

AMARILLO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Un hombre ha partido y no se sabe nada de él. AMARILLO, Texas es el destino al que nunca arribó. Una mujer a la distancia reconstruye su cuerpo, su identidad, su probable itinerario y un discurso imaginado del ausente.

De la recuperación de estos trazos y huellas surge orografía y los paisajes factibles de su recorrido. Una pesquisa donde se manifiesta, además de la huella geográfica y documental, la huella emocional de la ausencia.”- (Párrafos del programa UNAM)

AMARILLO es el título que enmarca un discurso que lleva consigo la problemática de los emigrantes, tema muy actual y preocupante que muestra las vicisitudes y problemas que muchos latinos hoy en día padecen al intentar atravesar fronteras en miras de mejoras económicas, entre otras poderosas razones individuales.

Masas cada vez más abundantes que se alinean al peligro de la travesía y, precisamente esta obra teatral, bajo un matiz dramático, permitió al “Teatro Línea de Sombra”, presentar una puesta en escena comprometida con una problemática tan actual.

AMARILLO además de ser una puesta en escena trágica, constituye una dramaturgia complementada por un documental, en base tanto a testimonios como a imágenes multimedia que muestra en específico, al migrante mexicano denominado “Espalda Mojada” (wet back) quien en su intento atraviesa el desierto se enfrenta con la muerte.

Al respecto se alecciona de manera breve al público, con indicadores de los trastornos que conlleva tal riesgo de permanecer en el desierto durante la larga travesía; síntomas padecidos por la mayoría de los migrantes, quienes mediante el proceso de la deshidratación que ello conlleva, presentan cuadros tales como la interrupción de la visión al grado de ver tan sólo de manera borrosa; o bien, el imaginarse a sí mismos flotando en un gran mar inexistente; la falta de segregaciones de líquidos en el cuerpo como la orina, el sudor o las lágrimas, entre otros padecimientos más, ponen al inmigrante en breve, al filo de la muerte.

En la trama de AMARILLO se presenta un personaje que bien puede ser hombre o  mujer, de distintas edades o nacionalidades. Ello no importa, pues son en realidad las múltiples personas sin rostro y sin identidad, quienes han intentado cruzar la frontera norte, acariciando el supuesto “Sueño americano” que termina en ocasiones convertido en un verdadero infierno.

Le comentaré qué AMARILLO fue la obra teatral extranjera poseedora del Premio 2012 ACE Awards” en la ciudad de Nueva York, así como la obra galardonada con el “Premio del Público” en el Festival EXPONTO de Lubjana Eslovenia.

Bajo la dirección de Jorge A. Vargas la obra teatral AMARILLO cuenta con las actuaciones estelares de Raúl Mendoza, Alicia Laguna, Jesús Cuevas, Antígona González, Vianey Salinas y María Luna. 

 

Finalmente le comentaré qué ésta obra se presentó mediante el Ciclo “Verano de Artes Vivas”, en el Taetro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural UNAM, en muy breve temporada, el reciente pasado fin de semana, es decir, del jueves 25 de julio al domingo de ayer, 28 de julio, estando presentes algunas personalidades del medio como el actor y productor Jorge Pascual.

 

GEORGE KAPLAN

POR: Dalia De León Adams.

 

En gran parte la propuesta del montaje escénico de GEORGE KAPLAN gira en torno al personaje protagónico de la película Hollywoodiense “Con la muerte en los talones”; largometraje el cual fue girado en julio  del año de 1959 en la ciudad de Chicago, bajo el rublo de drama o película de misterio.

En ella actuaron, Cary Grant, Eva Marie Saint, James Manson, Martin Landau, Leo G. Carroll y Jessie Royce Landis.  En base a dicho personaje (George Kaplan) fue que se inspirara el dramaturgo francés Frédéric Sonntang, haciéndolo suyo en una peculiar trama.

Con fecha de publicación de 2012, la obra intitulada GEORGE KAPLAN cobró vida en un escenario europeo, teniendo como protagónico a un personaje ausente durante toda la presentación de la obra.

En Google, al intentar indagar ¿quién era GEORGE KAPLAN? Si acaso era un personaje de la vida real el cual sirviera de sostén escénico, a la comedia de humor negro dirigida actualmente por la directora escénica Raquel Araujo  encontré que se publica al respecto, lo siguiente:

GEORGE KAPLAN es un mito, una leyenda, un rebelde, un virus, una ficción, o mejor dicho varias ficciones. George Kaplan aparece en la película Con la muerte en los talones (North by Northwest), 1959) de Alfred Hitchcock. Es el personaje con el que confunden a Cary Grant y a causa del cual es perseguido por una avioneta fumigadora en un campo de trigo. En realidad, GEORGE KAPLAN es un personaje fantasma del que se crean hasta los últimos detalles, que incluían ir moviendo sus pertenencias de un hotel a otro para hacerlo desaparecer justo en el momento en que Cary Grant estaba a punto de dar con él.

GEORGE KAPLAN es el título de la obra teatral del género de la comedia policial, original del escritor francés Frédréric Sonntang que se presenta en la Sala Beckett de Barcelona, que ha traspasado fronteras presentándose en México a través del Festival de Teatro “Dramafest” por parte de la Compañía “La Rendija y el GGK”.

La dramaturgia consta de tres escenas o cuadros escénicos diferentes, como lo hizo saber la directora Raquel Araujo Madera, los cuales son representados por los mismos actores (5); es decir qué los mismos chicos escenifica primeramente a un grupo de activistas que se auto-nominan GEORGE KAPLAN que intentaran desestabilizar al gobierno occidental, posteriormente a un equipo creativo de guionistas en pos de escribir en torno al tema de GEORGE KAPLAN y, finalmente a un gobierno en la sombra que planean controlar el poder, quienes investigan acerca de qué o quienes son los activistas cuyo nombre es GEORGE KAPLAN. Texto presentado en español, contando con la traducción a cargo de Eunice Cortés y Nicolás Alvarado. 

Actualmente participan en éste montaje escénico los actores Roldán Ramírez, Verónica Bravo, Zaab Di Hernández, Antonio Peña y Nara Pech. Todos ellos en un escenario de forma rectangular, visible en sus tres cuartas partes debido a ser transparente, el cual se ubica al filo de las butacas de los espectadores. Trabajo escenográfico que incluye diversas pantalla ubicadas en la parte superior del escenario y que presentan imágenes ad-hoc a la trama, bajo la propuesta de Jesús Hernández, quien presenta diversos escenarios que son movidos entre cada historia por los tramoyistas, quienes se desempeñan a media luz, de manera hábil.

 

La puesta en escena de GEORGE KAPLAN se reestrenó el día de ayer, 25 de julio, en el Teatro “El Granero Xavier Rojas” del Centro Cultural del Bosque en nuestra Ciudad de México, con horario de las 20:00 horas.

 

¿DUERMEN LOS PECES?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Drama que gira en torno a la temática de la muerte. Gran incógnita que no sabemos responder con acierto, pese a estar siempre presente desde el momento en que somos gestados por nuestros padres y sin embargo, no dejan de existir las constantes preguntas con respecto al tema. 

¿DUERMEN LOS PECES? fue la dramaturgia nominada en el año 2007por la ACPT como el mejor teatro para jóvenes, además de en 2016 ser acreedora a la beca que otorga el programa “Creadores Escénicos” por parte del FONCA.

Es la dramaturgia del escritor alemán Jens Raschke (1970) traducida al español por Claudia Cabrera quien nos lleva de la mano a la reflexión sobre la muerte. Preguntas que de pronto surgen, ante la inminente enfrentamiento de la perdida de un ser querido

Dentro de la trama de ¿DUERMEN LOS PECES? Cuyo título es una de las tantas preguntas que una pequeña le hiciera a su padre, quien no sabe qué responderle. ¿A las lagartijas les da gripe? ¿Por qué el sol esta tan caliente? ¿Qué nos pasa cuando estamos muertos? ¿Estar muerto es como estar dormido? 

¿DUERMEN LOS PECES? Nos introduce paso a paso a la experiencia vivida por una pequeña llamada Jette, de tan solo diez años, quien tras cuatro días de haberlos cumplido, pierde a su hermanito Emilio víctima de cáncer. Los sucesos a-priori y a-posteriori del deceso, son contados a detalle por la pequeña, así como algunos momentos vividos entre sus pequeños amigos y familiares.

La obra teatral es un monólogo ejecutado por la actriz Adriana Resendiz quien gracias a la modulación de su voz y a los movimientos corporales parecidos a los de una infante, logra introducir al público en el triste mundo de Jette y su hermanito Emilio.

Contando con tan solo seis cajones blancos móviles y una serie de globos, la actriz nos hace imaginar los distintos lugares en los cuales recrea sus narraciones, como son su escuela, su casa, la habitación de Emilio, un puente sobre un río o bien, el cementerio.

Bajo la dirección artística de Araceli Guerrero, la puesta en escena es ejecutada en un solo acto y un solo cuadro escenográfico. En cuanto a el tratamiento de sus diálogos, la obra teatral se maneja bajo tintes de humorismo negro y, pese a lo cruento de la trama, el espectador ríe constantemente, en especial los adultos, pese a ser presentada como una obra teatral propia para infantes.

¿DUERMEN LOS PECES? Ya había sido presentada años atrás en el Circulo Teatral, bajo la producción del Teatro ReNo, la Compañía que en el año 2000 surgió con el objetivo de construir una dinámica qué bajo un lenguaje propio, reuniendo artistas interesados en el quehacer artístico en México. Actualmente se acaba de estrenar en el Foro “La Gruta” los días domingos a las 13:00 horas

¿DUERMEN LOS PECES? con su temática en torno a la muerte, le tocará el corazón con una historia de la vida real, que le hará sentir lo maravilloso que es, estar vivo.

 

 

 

LA EXAGERACIÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

LA EXAGERACIÓN  es un texto y una puesta en escena a cargo de David Olguín, dramaturgo, ensayista, narrador y director mexicano nacido en la Ciudad de México en 1963. Su obra EXAGERACIÓN se estrenó el 18 de Julio del año pasado y sin embargo sigue cautivando la preferencia del público, quien acude los días lunes de cada semana, para gozar de esta puesta en escena, con una temática totalmente actual. 

El acoso laboral es uno de los temas a tratar, así como el amor llevado al extremo de la pasión por el arte, más allá de lo convencional, el profesionalismo, la casi locura del hacedor de teatro, la desigualdad de edades y el hablar sin tapujos, son los ingredientes de ésta dramaturgia.

Por otro lado, aludiendo al termino EXAGERACIÓN como es habitualmente utilizada como parte del lenguaje coloquial, expresa un comentario o un acontecimiento vertido o concretado de manera extrema; es  un término que se caracteriza por sobrepasar los límites de aquello socialmente establecido y, justo de eso trata la parte medular de la obra teatral. Exagerar al actuar, exagerar, al amar, exagerar al tratar de convencer, exagerar, exagerar, exagerar….

En la obra teatral EXAGERACIÓN a través de dos personajes en escena surgen de pronto sentimientos que salen a flor de piel, para convertirse en una expresión exagerada, si así se le pueden llamar a los sentimientos reprimidos y entremezclados, que el arte escénico aflora con precisión.

LA EXAGERACIÓN cuenta con las actuaciones estelares de primer actor Mauricio Davison y la joven actriz Mar Oroko, bajo la dirección escénica del mismo maestro David Olguín, narrador, escritor y ensayista mexicano, nacido en 1963 en la Ciudad de México. Realizó sus estudios en el Centro Universitario de Teatro (CUT) y en la facultad de filosofía y letras.

LA EXAGERACIÓN es una obra llena de matices y coloridos histriónicos en la cual se advierte al escritor culto que compromete su pluma. Por otro lado le diré que la puesta en escena cuenta con la actuación de Mauricio Davison en el rol estelar del profesor y director artístico. Es un actor destacado en el medio teatral, quien comúnmente muestra grandes dote histriónicos  y gran plástica actoral en cada puesta en escena en la que colabora. 

Él da vida a un profesor de teatro, quien intenta tanto instruir como seducir a su nueva colega y ex-alumna. Ella por su parte, dentro de la historia, intentará mostrar todo su talento histriónico. 

Durante varios momentos del tiempo escénico, se usa un el juego repetitivo de frases y expresiones que aunadas a afamados párrafos de obras clásicas y poesía, intenta con ello cautivar a la joven compañera en el escenario.

La pupila por su parte vive el difícil comienzo de ser una actriz, intentando colocarse en el  competitivo medio artístico. Tras de iniciarse una larga conversación, ella liberará sus pensamientos ante el inminente gran actor, quien muestra su lado vulnerable.

LA EXAGERACIÓN es una obra difícil de describir en cuanto a contenido o consigna qué comúnmente lleva cada obra de manera explícita; pero no hay mucho que entender o saber para advertir la calidad que lleva implícita, pues el teatro no es cuestión de entender, sino de alguna manera de sentir y vivir junto con sus personajes, quienes con su talento nos hacen soñar, reír, gozar e incluso sufrir, cuando existe una real conexión entre él o los actores, con el público. Relación secreta y silenciosa que se reconoce al final de la función, con el aplauso que les brindan.

La trama de la obra inicia con la presencia de un actor muy maduro y su pupila, quienes son los únicos en presentarse al ensayo de la obra ya próxima a ser estrenada. Tras la espera, surgirá una larga y emotiva conversación entre ambos. La joven actriz desnuda su alma ante su viejo colega y profesor, quien tan solo intentará impresionarla. El hablar sin tapujos será la consigna de dos generaciones que conversan ante la espera de diferentes objetivos, que no llegan a concretar.

El texto de David Olguín con la música de Alfred Gariévich (1934-1998) piezas que se titulan “La historia de un actor desconocido: IV vals de despedida, Agonía: Tango IV y “El maestro y Margarita”. Música que da un plus a la obra en donde se puede advertir al dramaturgo culto.

LA EXAGERACIÓN tiene una duración aproximada de 85 minutos y como inicialmente le mencionamos, se presenta solamente los días lunes a las 20:30 horas en el Teatro “El Milagro”.

 

LA CRÍA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Obra teatral escrita y dirigida por el Señor Carlos Talancón. Pero ¿quien es Carlos Talancón Sánchez? Es un dramaturgo, narrador y poeta mexicano. Licenciado en Literatura Dramática y Teatro, por parte de la Facultad de Filosofía y Letras. En su autoría se encuentran los libros “Violento interior” y “Estúpida historia de amor en Winnipeg”.

Ubicada dentro del género de terror psicológico, la dramaturgia LA CRÍA trata de los extremos a los que puede llegar una pareja, con tal de mantener a su ”hijo” en éste mundo. Y pongo la palabra “hijo” entre comillas, debido a que es un ser, el cual es sugerido por el mismo autor, entre animal o niño, fruto del vientre del peculiar personaje de la mujer.

En entrevista con su dramaturgo Carlos Talancón, éste expresó de manera abierta qué su obra puede ser interpretada de diferente maneras a juicio del espectador presente, por la ambigüedad del personaje de LA CRÍA en torno a quien gira la historia, pero el cual se mantiene ausente en el escenario. 

Siendo una trama difícil de asimilar por el público por su contenido medular, la trama de LA CRÍA nos remite casi a un inframundo en donde un matrimonio tomará resoluciones en torno a la criatura, de manera inesperada.

La obra teatral presenta a unos esposos quienes se mantendrán casi aislados del resto de la gente, dedicados casi exclusivamente al cuidado de un ser violente e insaciable que resulta ser LA CRÍA; empero a ello aparecerá un tercer personaje, un ser en aparentemente inflexible y totalmente silencioso, quien acude con una lámpara al encuentro de LA CRÍA dando un dictamen altamente erudito, con bases científicas biológicas y médicas.

La obra tiene cierto paralelismo con la obra de Franz Kafka intitulada “Metamorfosis” la cual narra con otras palabras, sobre el día en que un hombre, de pronto al despertarse, cae en la cuenta de que no puede moverse de su cama con la habitual facilidad, pues de pronto posee el cuerpo enorme de insecto, que le impide enderezarse…..

Al respecto Carlos Talancón respondió qué Franz Kafka, siempre le fascinó y formó parte de los escritores que le habían impactado más en sus lecturas, por lo cual piensa que su obra de LA CRÍA se vio de alguna manera influida de manera inconsciente, con tan eminente autor surrealista.

LA CRÍA fue la obra teatral que resultó finalista en el certamen del “Premio Nacional de Dramaturgia Joven “Gerardo Mancebo del Castillo” en el año 2013. Certamen que como dato complementario le diré, tuvo como jurado a una agrupación de críticos  y periodistas del medio teatral. 

Posteriormente LA CRÍA además formó parte  de las dramaturgias participantes en la “Muestra Nacional de Teatro en el 2017. Fue por todo ello y, por su puesto, por su calidad dramática, que LA CRÍA fue seleccionada para ser representada escénicamente en el sótano del Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque a partir del pasado 15 de julio.

Tal vez Usted se pregunte el ¿por qué en dicho espacio y no dentro del foro del Teatro Julio Castillo? Pues bien, le responderé que el sótano enmarca perfectamente con el objetivo del escritor, de presentar como espacio escénico un lugar un tanto lúgubre y oscuro, espacio el cual encaja perfectamente con el texto de su obra.

Además en el montaje de la obra, en escena se cuenta con una especie de gran jaula o casillero, dentro del cual habita la peculiar familia, quienes protagonizan el montaje teatral de LA CRÍA .

En la puesta en escena participan con sus actuaciones Millet Gómez y Anelvi Rivera, quienes alternan en las representaciones con los actores Emmanuel Morales y Javier Sánchez. Ellos aparecen al protagonizar a sus respectivos personajes, junto con su mismo escritor y director escénico, es decir, con la participación en la representación escénica del mismo Carlos Talancón.

 

Las funciones se presentan los días lunes y martes a las 20:00 horas, bajo la producción del Teatro INBAL. ¡En hora buena Carlos Talancón con tu puesta en escena!

 

Del corazón de Holanda a México, nace “VINCENT Girasoles contra el mundo”

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

El teatro Helénico se viste de gala con la nueva puesta en escena “VINCENT Girasoles contra el mundo” del dramaturgo Mario Iván Martínez. En ésta ocasión éste reconocido actor de cine, teatro y televisión, musicólogo, cantante operístico de la época shakesperiano y hacedor de tanto álbumes, como de varios montajes teatrales infantiles, estudioso en “Edron Academy” y, ganador de diversas preseas, últimamente se dio a la tarea de crear una dramaturgia plagada de las vivencias, casi secretas, del pintor holandés Vincent Van Gogh. 

Ello a través de la indagación de las cartas que Vincent mantuviese en vida de manera constante con su hermano menor Teo. Para ahondar aún más en la vida de Vincent Van Gogh, realizó durante los últimos años una investigación minuciosa. Para ello además viajó, no tan sólo al país natal del pintor, sino además, a aquellos lugares emblemáticos en donde residiera, como lo fueron Francia e Inglaterra; lugares por supuesto marcaron la vida del gran pintor impresionista.

El amplio conocimiento sobre las lenguas extranjeras como el inglés y el francés por parte de Mario Iván Martínez, le facilitaron su ardua tarea. Recordemos que Mario Iván Martínez es el hijo de quien fuese la Primera actriz Margarita Isabel y del locutor radiofónico Mario Iván Martínez Ortega. Y le contaré qué gracias por una parte, a la amistad que su madre mantuviese con la gran escritora y periodista Helena Poniatowska, ésta asistió el pasado lunes 8 de julio al pre-estreno o ensayo general de “VINCENT Girasoles contra el mundo”. Ello con la finalidad de darle “La patadita de la suerte” a Mario Iván Martínez, quien con ésta puesta en escena debuta como dramaturgo. ¡Y vaya que sí tiene los dotes!

Sobre las razones que llevaron a Mario Iván a escribir, actuar y producir ésta obra teatral, así es como la Difusora del Centro Cultural Helénico expresó por escrito la siguiente aseveración:

_”Inspirado por la experiencia de prestar su voz al documental “Vincent, pinceladas de un genio” de Peter Knapp y François Bertrand, producido por el museo de Orsay, el Museo Van Gogh y el Centro Cultural de Tijuana, el actor mexicano decidió someterse a un proceso de investigación que culminó en ésta creación literaria, dando seguimiento a esta experiencia. Después de tres años de trabajo , este afán ha desembocado en un nuevo texto dramático que hoy se encuentra bajo la dirección de Luly Rede, en complicidad con los actores Paulina Comadurán y Fernando Memije”-

La dirección artística se encuentra como se acaba de expresar, a cargo de Luly Rede y la caracterización protagónica de Vincent Van Gogh y su hermano Teo corre a cargo de éste esplendido actor, contando con las actuaciones de Paula Comadurán en el papel de la amante y, de Johanna Bonger de Van Gogh; finalmente Fernando Memije, caracterizando al pintor francés posimpresionista  y modernista Paul Gaugin, entre otros personajes más.

El próximo lunes 15 “VINCENT girasoles contra el mundo” se estrenará formalmente, teniendo como padrinos a dos grandes baluartes de la actuación, como son el Señor Ignacio López Tarso y el actor Héctor Bonilla.

 

Las funciones serán los días lunes y martes en el teatro Helénico a las 20:30 horas.

 

HERENCIA FLAPPER

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

A raíz del montaje de México68, coincidimos con un

grupo de jóvenes talentosos, recién egresados de dos

escuelas profesionales de actuación, la Escuela Nacional

de Arte Teatral y el Colegio de Literatura Dramática y

Teatro de la UNAM. Coincidiendo, además, con la

posibilidad de financiar un proyecto ambicioso, nos

descubrimos en condiciones de emprender una aventura

nueva, sostener una compañía de jóvenes con un elenco

estable, con el propósito de dar voz y foro a las propuestas

de los nuevos autores, directores e intérpretes de la escena

mexicana.

Como parte del proyecto, este año se planea conservar en

repertorio México68, memorial sobre los sucesos de

Tlatelolco, y llevar a cabo dos puestas en escena, con

producciones que tengan incidencia y dialoguen con la

actualidad sociopolítica del país, como perfil y horizonte

temático. Las producciones que nos proponemos llevar a

cabo son las siguientes:

Herencia Flapper…..

Bajo éstas perspectivas es qué el Teatro “El Milagro” planeó llevar a cabo la presentación de la obra HERENCIA FLAPPER teniendo para tal efecto como director artístico, a Elfye Bautista. 

Explicación que como Usted acaba de leer, retomo mediante boletín de prensa que se ofreciera inicialmente, para con ello anunciar la temporada de representaciones de HERENCIA FLAPPER a partir del día 26 de junio, planeando concluirlas el 26 de julio. 

Así fue como la Compañía denominada “El Milagrito” bajo el cobijo del Teatro “El Milagro, desarrolló su obra utilizando como tema medular el concepto del género. En ésta puesta en escena, cuya trama parte de la ficción de qué en un planeta no ubicado y de nombre desconocido, pero de condiciones muy semejantes a la tierra surgió una raza de seres caminantes, quienes ante la interrogante del futuro que les deparase crearon a un Dios semejante a ellos. 

Un ser acogido en la esencia de su propia dualidad de Dios  y/o demonio. Un ser creador, quien les otorga la diversidad de género, gestada en la diferencias de ser hombre o mujer. 

Dentro de la historia las exigencias del género darán paso a la diversidad y, a un orden establecido de manera desigual, que les llevará a un orden establecido plegado de contradicciones. De ahí además surgirán un sinnúmero de cuestionamientos respecto a lo que significa el pertenecer a un determinado grupo, o incluso, a ninguno.

En el diseño escenográfico de Alita Escobedo, se logra ver una plataforma en donde el ser Superior que les engendra, generalmente aparece portando un elegante traje negro con un sombrero de copa, luciendo una peluca mitad oscura y mitad cana. 

Desde ahí se contempla un muro mediante el cual son proyectadas algunas imágenes que dan precisión y secuencia a la narración de ésta obra fársica, la cual retrata en la mayor parte del tiempo escénico, a la génesis del ser humano, como en términos reales ha sido engendrado en ésta tierra.

De ahí que se podría decir que empero a ello, se representa con tintes religiosos  pero de manera un tanto antagónica al concepto de deidad que prevalecen en nuestra decadente también sociedad humana.

El reparto estelar esta compuesto por Mar Aroko, Valeria Navarro Magallón, Viridiana Tovar Retana, Yenizel Crespo, Dano Ramírez, Ramiro Julio Galeana Medellín e Iván Zambrano Chacón.

 

Las funciones se presentan de miércoles a viernes, por supuesto, en el Teatro “El Milagro” de la Ciudad de México.

 

NACAHUE. Ramón y Hortensia.

POR: Dalia María teresa De León Adams.

 

Dices palabras que no conozco pero es en tus ojos que encuentro

entendimiento. Entonces ¡Qué importa! Sigue hablando, sigue hablando...

 Frases emblemáticas de la obra teatral NACAHUE: Ramón y Hortensia recreada en la obra magistral del afamado  escritor inglés Williams Shakespeare de “Romeo y Julieta”. 

Como ya es bien sabido por todos, “Romeo y Julieta” ha sida la fuente inagotable de muchas plumas, quienes de su tintero han realizado diversas versiones que se han posado del texto original.

Hoy en día NACAHUE: Ramón y Hortensia, sin ser la excepción, deleita con la tragedia del amor infortuíto de “Romeo y Julieta” gestado en el escenario de un pueblo italiano; en contraposición, ese amor núbil y pasional, ahora es trasladado o inmerso al territorio colorido mexicano en la puesta en escena de NACAHUE: Ramón y Hortensia”.

Dos grupos étnicos autóctonos son bosquejados de una manera esplendida, en el sentido en qué posesionan y trasforman a la obra, de alguna manera, al género costumbrista; ello al mostrar algunos de los rasgos de ambas culturas conocidas como prehispánicas, los coras y los huicholes; dos grupos étnicos minoritarios que aún se conservan, pese a su marginalización, inmersos en nuestro país, casi a manera de legado histórico.

Dramaturgia y dirección a cargo de Juan Carrillo, qué tienen como sustento o retroalimentación, a los textos de Marianella y Marco Vidal. La trama muestran a dos grupos indígenas  diferentes, halando en su lengua natal; uno en náayeri (el de los coras) y el otro en español (el de los huicholes). 

Diálogos que no tienen traducción en escena, pero que permite el entendimiento de la lengua autóctona, en base a los movimientos corporales y las expresiones faciales de los actores en escena.

El uso de lazos de colores como formato o material escenográfico, permite en la puesta en escena representar a ambas regiones indígenas, delimitándolas con líneas rectas que se van formando y moviendo a conveniencia, con la ayuda de los mismos actores quienes sirven ocasionalmente de tramoyistas.

Lo personajes protagónicos son caracterizados por Mario Eduardo D’ León, como Ramón y, en el rol de Hortensia , se presenta la actriz Sonia Couoh. Entre ellos surge inesperadamente el amor a primera vista, con la misma fuerza y pasión que Shakespeare pincelara a sus jóvenes personajes núbiles de Romeo y Julieta.

Aquí le comentaré qué oír la versión representada con dos lenguas distintas, resulta un deleite qué como plus, muestra los dos legados culturales totalmente diversos,  entre los pueblos que alude la historia de NACAHUE: Ramón y Hortensia”. En página WEB se hace referencia de éste montaje escénico, con las siguientes palabras:

Nacahue: Ramón y Hortensia producida por la compañía Los Colochos Teatro, fue beneficiaria del Sistema Coinversiones 2017 del FONCA, para presentarse en un laboratorio de investigación teatral, contando con intervenciones escénicas en el foro de La Casa de la Paz y también en el día mundial del teatro Escuela Nacional de Arte Teatral, ENAT. Presentó funciones especiales en el 40 Festival de teatro Clásico de Almagro España y en El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Ahora estrena temporada en el Teatro Orientación del INBA  e invita al público a plantearse la pregunta ¿podrán las barreras del lenguaje y la cultura más que el amor?

Hoy en día “NACAHUE: Ramón y Hortensia” se esta presentado en el Teatro Orientación, del Centro Cultural del Bosque, hasta el día 21 de julio, de jueves a domingo, bajo la producción el FONCA y el IMBAL y su difusora a cargo de Raúl Medina, junto con la difusión de Sandra Narváez.

 

Sólo me resta decir qué la obra “NACAHUE: Ramón y Hortensia” termina siendo un texto que no deja de impactar y emocionar de diversas formas al público espectador, quienes aún cuando conozcamos el texto original de Shakespeare, al presenciar esta nueva versión de la obra, nos sigue conmoviendo profundamente. ¡EN HORA BUENA!

 

RECONOCIMIENTO EN “TOC TOC” A LA ACTRIZ SILVIA MARISCAL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



El pasado sábado 6 de julio, a manera de reconocimiento de la labor artística de la primera actriz, Silvia Mariscal, la empresa Mejor Teatro celebró su 50 años en el escenario. Para tal efecto, fueron invitados como padrinos de lujo cuatro personalidades del medio, como lo son Manuel “El Flaco” Ibáñez, Rosa María Bianchi, Ana Berta Espín y Nuria Bages, para celebrar con ella, en la función especial de “Toc Toc”.

La actriz Silvia Ramírez Aguilar, cuyo nombre artístico es el de Silvia Mariscal, nació en la Ciudad de México el 13 de septiembre de 1946. Ha sido nominada como una de las Mejores Actrices Co-estelar del Premio Ariel. Su buen desempeño artístico la han dado a conocer tanto en la pantalla chica, como en el cine y por supuesto en el teatro, actuando hoy en día en la puesta en escena de “Toc Toc”.

“Toc Toc” por si Usted aún no lo sabía, es la obra teatral original del dramaturgo francés Laurent Baffie, la cual fue estrenada en su ciudad natal, Paris en el Théâtre du Palais Royal en el año 2005. Su éxito la llevó a atravesar fronteras y llegar hasta nuestra ciudad.

“Toc Toc” es la comedia que vuelve a nuestra ciudad con la casa productora de “Mejor Teatro” y por supuesto con su representante el Señor Morris Gilbert. La obra se había representado en la Ciudad de México llegando a cumplir 1 200 representaciones, hace aproximadamente una década atrás, razón por la cual Morris Gilbert consideró actualmente su reestreno.  

La obra es una divertida comedia que aborda el tema de la sintomatología que el estrés y el modo vivendus ha generado, llevado a muchas personas hoy en día a padecer ciertos trastornos psicológicos, entendidas como casi locuras o manías. Esas conductas individuales que surgen de la psiquis de algunas personas, llevándolas a repetir conductas muy peculiares.

La trama tiene como referente una sala dentro de una clínica psiquiátrica, en donde varios pacientes se encuentran en espera del especialista. Al respecto, la difusora presentó tiempo atrás en la rueda de prensa el siguiente argumento:

-“La empresa Mejor-Teatro junto con Morris Gilbert te cuestionan: -En qué piensas al escuchar TOC TOC?”- Seguramente lo que viene a tu mente es la imagen de alguien llamando a la puerta. Podría ser, sí, pero….

En esta ocasión se trata de algo enteramente distinto. TOC TOC es el título de una explosiva comedia que habla de las muchas manías que tenemos los hombres y las mujeres de hoy, sometidos a la locura de la vida cotidiana.

TOC TOC es la contracción que alude directamente al Trastorno Obsesivo Compulsivo que se repite en uno, y en otro, y en otro, y en otro….”-

El lugar seleccionado es el Teatro Libanés, uno de los teatros qué como aseguro el Señor Gilbert, es de los más bonitos en nuestra ciudad. Justamente ahí es en donde se reestrenó el día jueves 7 de marzo del presente año, cubriendo dobles funciones programadas de viernes a domingos. Doble función en miras de la comodidad de todo clase de público amante del teatro.

De ese modo reviven TOC TOC, la puesta en escena escrita por el francés Laurent Baffie, quien naciera en Montreuil, Francia en el año de 1958. Baffie es autor y director de cortometrajes, considerado en el medio artístico como uno de los mejores humorista. Prueba de ello es su divertida dramaturgia de TOC TOC.

El éxito obtenido en la puesta en escena en París, en donde como antes mencioné, es en donde inicialmente se estrenara, la hizo ser presentada posteriormente en España, Argentina, Brasil, Perú, Venezuela, Panamá, Chile, Costa Rica, Uruguay, Paraguay, Puerto Rico y, por supuesto, México. 

Con TOC TOC Laurent Baffie logró un trabajo bien estructurado y divertido, presentando siete personajes, de entre los cuales cuatro de ellos serán interpretados en la nueva producción de Morris Gilbert por grandes figuras escénicas como lo son Lolita Cortés, Silvia Mariscal, Ricardo Fastlicht y Faisy. Ellos interactúan con tres jóvenes valores de la actuación como son Pedro Prieto, Dari Romo y Sandra Quiroz.  

 

La dirección artística esta a cargo de la Señora Lía Jelín quien ya ha trabajado anteriormente con la casa productora, demostrando su gran talento al dirigir varias de las puestas en escena que Mejor Teatro presentara. En esta ocasión el Señor César Riveros estar a cargo de la producción Ejecutiva, bajo la producción por supuesto, del Señor Morris Gilbert y continúa colocándose en el gusto del público amante del teatro. ¡Felicitaciones!

 

TEATRO A UNA SOLA VOZ

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Teniendo como objetivo el presentar 7 diferentes y exitosos espectáculos unipersonales, el “Festival de Monólogos” TEATRO A UNA SOLA VOZ tras de quince años de iniciar dicha labor cultural, iniciará lo que llaman “Circuito itinerante” a través de catorce ciudades que conforman nuestro país. Esto a partir del día 13 de julio, planeando concluir sus representaciones y recorridos,  el subsiguiente 10 de agosto.

Le contaré que este encuentro se formó en el año 2005, congregándose en la zona norte de México; es decir en Coahuila, Nuevo León y Tamaulipas. Inicialmente teniendo como nombre “El Circuito Regional de Monólogos”. 

El evento fue posible a través del apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes. Posteriormente en el 2009 se consolidaría como “El Teatro A Una Sola Voz”, dándole un nuevo giro a su perfil. 

El éxito logró acumular entre los años 2013-2018 la presencia de 94,196  asistentes a las representaciones del Festival de Monólogos. De este modo es que actualmente se cuenta con 15 años consecutivos de haberse formado.

La idea en éste 2019 es el de montar siete obras teatrales unipersonales las cuales fueron minuciosamente seleccionadas a partir de una convocatoria, en la cual participaron el presente año, 135 monólogos mexicanos y más de 10 textos extranjeros.

Dichas obras son: “Kafka, donde estás, están todos los mundos”, “Gloria” o de Cómo una trailera se robó mi corazón de niño, “Paisaje del amor pixeleado”, “La pritty guoman”, “La verdura carnívora”, “Perros del monasterio” y “Visceral”. La séptima al parecer, será una puesta en escena extranjera.

Las regiones participantes son Sinaloa, Durango, Coahuila, Tamaulipas, Jalisco, Colima, San Luis Potosí, Guanajuato, Michoacán, Veracruz y la Ciudad de México. En suma son parte del 34% de las poblaciones que conforman nuestro país.

 

@teatroinbal en Facebook, Twitter e Instagram.

MEMORIA DE PEZ ROJO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



-“Memoria de pez rojo es un espectáculo unipersonal en el que convergen la danza, la multimedia, la música, el teatro de texto y el stand comedy. El montaje está a cargo de la compañía A poc A poc, con dramaturgia de José Alberto Gallardo y la dirección de Jaime Camarena e interpretación de Manuel Ballesteros.”-

Así es como comienza el boletín de prensa presentado por la Difusora de Prensa  del INBAL a cargo de Raúl Medina. MEMORIA DE UN PEZ ROJO es un divertido monólogo en el cual se hace hincapié a la mecánica corporal, así como al trabajo coreográfico a cargo de Manuel Ballesteros, quien con gran simpatía presenta un espectáculo unipersonal en el que su sola y supuesta compañía en escena, es nada más que un pez rojo parlante. 

Obviamente que el intérprete de este espectáculo dancistico y teatral, es quien da vida al hermoso pececito japonés rojo, el cual aparece dentro de una pequeña pecera, además de ser reflejado por una pantalla acomodada justo en la parte posterior del animalito. 

Pez al cual ofrece Manuel Ballesteros su voz, vocalizando o modulando su voz con un acento peculiar costeño, que hace diferenciar al personaje protagónico ejecutante del un hombre, el quien por cierto se presenta desnudo argumentando que ello es para apoyar psicológicamente a su inseparable amigo marino desnudo.

La trama explora un juego que se deberá ejecutar en el enorme tablero de un ajedrez, en donde el hombre junto con su pez rojo llamado Euclides ejecutan; y entre eternas partidas de ajedrez, ambos se convierten en rivales de juego, pero en eternos amigos y cómplices. Platicas chuscas que el hombre narra y que hacen reir al público presente.

-“ El protagonista de la historia se encuentra inmerso en una introspección, a modo de diálogo, que se ve polarizada por la acción de pensar constantemente en el pasado y una cierta necesidad del olvido, pues se encuentra profundamente marcado por el fracaso que ha sido su vida.-“

La Difusora continuó el texto con respecto a esta nueva puesta en escena. Y así, finalmente pudimos presenciar una puesta en escena peculiar, propia del teatro experimental, en donde la canción  repetitiva de la melodía de “Bésame mucho” en variadas versiones interpretativas, recrearon éste divertida puesta en escéna.

 

MEMORIA DE UN PEZ ROJO se presenta en el Teatro “El Granero Xavier Rojas en el Centro Cultural del Bosque los días lunes y martes a las 20:00 horas.

 

 VALENTINO CLEMENS Y LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA

 

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La Compañía Nacional de Teatro (CNT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), en vinculación interinstitucional con el Centro Cultural Helénico, han comenzado un proyecto cuyo objetivo es el de producir una obra teatral en base al texto ganador, que el año pasado se otorgó como “Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo” por medio de la Secretaría de Cultura.

Por primera ocasión esta suma de esfuerzo de dichos recintos institucionales y culturales, dieron cabida a la presentación de dicha obra teatral, cuya puesta en escena se estrenó el día de ayer martes 2 de julio, en el Foro  “La Gruta” ubicado dentro del mismo Centro Cultural Helénico.

La ovacionada fue la señorita Isabel Quiroz, quien presentara su obra intitulada VALENTINO CLEMENS Y LOS CHICOS PERDIDOS DE WONDER-NADA. Obra que recrea parte de las vivencias de la misma autora, según ella misma indicó, junto con un grupo de amigos, quienes en situación de anonimato, al igual que muchos jóvenes hoy en día, sufrieron de abandono y abusos, e incluso son víctimas de asesinatos o suicidios que les lleva como salida las circunstancias padecidas.

A priori a la representación de la obra VALENTINO CLEMENS Y LOS CHICOS PERDIDOR DE WONDER-NADA se ofreció una rueda de prensa en donde se dio a conocer los pormenores del evento, estando presentes el Señor Enrique Singer, Director artístico de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), el Señor Antonio Zúñiga Director del Centro Cultural Helénico, Mahalat Sánchez, directora escénica de la obra y, por supuesto la autora Isabel Quiroz.

La obra constituye en drama, que empero a las situaciones crueles y cruentas qué los personajes sufren, la trama esta tratada con cierta dosis de humor negro que la amenizan, además de contar con varios números musicales, interpretados en vivo, por los mismos actores que aparecen en escena y quienes son Fernando Huerta, Ichi Balmori, Ana Paola Loaiza y Carlos Oropesa. 

La música que presenta distintos géneros, siendo mayormente música de rock y pop moderno que acompañan la trama, cuyo lenguaje coloquial se presenta con constante palabras altisonantes propias de la comunicación que hoy en día utilizan los jóvenes y en especial los llamados “marginales”. 

Con trajes ad-hoc a grupos considerados como subversivos, la trama da paso al texto cuya historia es descrita a manera de sinopsis, con las siguientes palabras o párrafos por parte de las compañías Difusoras a cargo de las Señoritas Gaddi Miranda, del Helénico y, Ana Gabriela Villasana del CNT:

-“La obra versa sobre Valentino Clemens, un joven de 25 años que esta solo en la ciudad de Wonder-Nada, un lugar sin futuro, donde no se puede crecer, ni hay oportunidades; ahí Valentino conoce a Max, Lorel y Roxin, tres inadaptados que le ayudarán a conectarse a sí mismos a través del poder de la amistad, de la música y de la belleza de estar vivo en un mundo desolador.

Sus amigos ya no están, se han ido, pero queda su recuerdo. Esta es la historia del recorrido que Valentino hace por los bares y cafés donde nació la amistad que le ayudó a construir su identidad y sentido de pertenencia, convirtiendo a la música en la cura de sus heridas.”

Y como finalmente sostiene su autora a manera de breviario:

 

-Así se siente la vida, como se siente el silencio después de mucho tiempo.-

AMIGOS CON DERECHOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El Foro “Off Spring” el día de ayer, 30 junio 2019, se vistió de gala con la puesta en escena de la lectura dramatizada del texto AMIGOS CON DERECHOS. Su autor es el Señor Benjamín Bernal; mismo escrittor de la obra teatral “COMALA.com. La tercera guerra” presentado tiempo atrás en el Foro Contigo América.

La trama de AMIGOS CON DERECHOS nos ofrece a manera de testimonio a una mujer, quien en aras de enamorarse de un hombre con quien no tiene una relación sentimental comprometida, es decir son AMIGOS CON DERECHOS, recurre a un psicólogo con quien conversará de los pormenores que surgieron entre la pareja, llevándolos a la cama, pero intentando no comprometer el corazón. Aquí cabe preguntarse sí ¿ello es posible? El maestro al finalizar la lectura dio en breve, su opinión.

AMIGOS CON DERECHOS resulta ser una historia muy vigente hoy en día por el tipo de relaciones “casi desechables que en la actualidad suelen mantener o practicar muchas parejas. 

Escrita con un lenguaje sencillo, muy bien estructurado, cada personaje es muy bien delineado, resultando ser sus diálogos, de gran interés para el público-escucha, quien se atrapa en la narrativa con la historia.

La mujer es caracterizada por la voz de la actriz Sofía Cárdenas, quien adquiere el rol protagónico de la obra dándole una lectura emotiva, al matizar y dramatizar ciertos momentos de la trama, que lograron conmover con su lectura al público asistente.

Al unísono unieron sus voces el también actor y dramaturgo Arturo Amaro, interpretando con su voz la lectura de la pareja sentimental; Gonzalo Valdés Medellín unió su voz como el psicólogo y, finalmente la actriz Adriana Enríquez apareció como un personaje de apoyo, describiendo una escena.

Tras la lectura dramatizada, a manera de homenaje al maestro Benjamín Bernal por ser su cumpleaños, se presentó un video recreado con una musicalización de su propia autoría. En las imágenes aparecieron fotografías que le fueron tomadas desde la infancia, hasta la actualidad en compañía de distinguidas personalidades del medio artístico, presentándose el día de ayer algunos de ellos, para además festejar un año más de vida del autor, con un esplendido convivio, en donde además del vino, bocadillos, botanas, refrescos y pastel, se presentó en cantante Joaquín Enríquez, amenizando el evento con sus cantos.

Le recordaré que el Señor Benjamín Bernal, además de dramaturgo es una figura destacada en el medio periodístico; ha fungido durante cerca de veinte años como periodista  y actualmente es conductor y director del programa radio-televisivo de Teatrikando”. 

Es el presidente general de La Agrupación de Periodistas Teatrales (APT), asociación que cada año se da a la labor de premiar diferentes rangos del medio teatral, otorgando preseas a cada uno de ellos, por los mejores logros como hacedores de teatro.

 

Autor de dos libros intitulados “a Critica Teatral en México, Pasado, presente y futuro” tomo I y II. Todo esto resumiendo su impresionante Curriculum Vitae. FELICIDADES MAESTRO BENJAMÍN BERNAL!!!!!! 

 

VINCENT, Girasoles contra el mundo.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Mario Iván Martínez, en conferencia de prensa ofreció los pormenores de su siguiente proyecto teatral, VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO, el cual está próximo a estrenarse el próximo lunes 8 del mes de julio en el Teatro Helénico.
 


Se contó con la presencia de la maestra Luly Rede, directora de esta puesta, así como con el elenco que acompañará en esta historia a Mario Iván Martínez, quienes son Paula Comadurán y Fernando Memije, estando también presente el director del Centro Cultural Helénico, el Señor Antonio Zúñiga, para la presentación del proyecto.

De dicho modo se dio a conocer los pormenores de la obra, desde sus inicios en que su autor, al abordar la difícil y compleja, pero apasionante vida del pintor holandés Vincent Van Gogh, enriqueciéndola con sus viaje a Francia, Holanda e Inglaterra, en donde visitó algunos de los lugares recorridos por el pintor holandés, quedó prendado por su historia llena de anécdotas que Mario Iván Martínez, con su peculiar pluma llena de datos y culturas, como es su costumbre por la pasión que siempre ha demostrado por el arte en general.

Mario Iván Martínez Morales es un gran artista, musicólogo, cantante operístico y hacedor de puestas teatrales infantiles. Además a colaborado en algunas producción discográficas al respecto de sus trabajos en donde se advierte música de la época Shakespeare, así como de algunos cuentos infantiles y poemas. 

Mario Iván Martínez es un magnífico anglo y franco parlante; hijo de la Primera actriz fallida Margarita Isabel y del locutor radiofónico Mario Iván Martínez Ortega, quienes influyeron por supuesto en su gran formación intelectual.

Y de ese corazón amante de la sapiencia y el arte surgió como tributo a la vida y obra de Vincent Van Gogh, una obra en sí interesante, que surge del mundo colorido del pintor, quien como Mario Iván Martínez menciona, se inspirara en la frase –Sueño con pintar… y luego pinto mis sueños.

Al respecto la difusora del Helénico a cargo de la Señorita Gaddi Miranda conjuntamente con la empresa Manojo de Ideas, cuyo uno de los titular de la difusión, es Carlos García, en el boletín de prensa incluyeron lo siguiente:

-“El teatro Helénico se engalana con la puesta en escena: Vincent, girasoles contra el mundo, obra que pone al descubierto la personalísima relación del primer actor mexicano Mario Iván Martínez con una de las más recias personalidades de la pintura, Vincent Van Gogh (1853-1890). En este nuevo texto dramático, Martínez hurga e insiste en los encuentros y desencuentros ocurridos en la vida fascinante y turbulenta de este genio de la plástica moderna. Resalta así mismo la figura de la escritora y feminista Johanna Bonger de Van Gogh, cuñada de Vincent y heredera de su vasta producción pictórica y epistolar. Inspirado por la experiencia de prestar su voz al documental “Vincent, pinceladas de un genio” de Peter Knapp y Francois Bertrand, producido por el museo de Orsay, el Museo Van Gogh y el Cenro Cultural Tijuana, el actor mexicano decidió someterse a un proceso de investigación que culminó en ésta creación literaria, dando seguimiento a esta experiencia.”-

 

Como verá Usted VINCENT, GIRASOLES CONTRA EL MUNDO promete ser ¡una gran puesta en escena!

 

CONCIERTO DE LA BOHEMIA 54

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El hermoso CENTRO CULTURAL ROBERTO CANTORAL ubicado en la calle de Puente de Xoco sin número, colonia Xoco de la Ciudad de México, ha abierto sus hermoso y elegante recinto cultural, para presentar numerosas Noches de Bohemia, con la finalidad de ir poco a poco invitando a todos los compositores mexicanos o extranjeros, que deseen acudir a hablar sobre su música e interpretar algunas piezas de su repertorio.

Recordemos que el Centro Cultural Roberto Cantoral se abrió un día del mes de  junio, en el año 2012. Así se posicionó como uno de los lugares más codiciado para conciertos de todo tipo de género musical, entre otras actividades.

El Centro Cultural Roberto Cantoral cuenta con una lujosa y amplia sala, que abriga algunos palcos y una hermosa suit, desde donde se pueden apreciar los conciertos que se planean en temporada. En el inmueble además,  también se han ofrecido algunas exposiciones, recitales y obras artísticas.

Al margen del “Concierto de la Bohemia 54” el viernes 21 de junio se presentaron  4 importantes compositores que desde Sinaloa acudieron para interpretar algunas de sus composiciones. Ellos fueron América Sierra, Ariel Barreras, Hussen Barreras y Juan José Leyva.

Se presentando contando anécdotas sobre su trayectoria como músicos a manera de entrevista, por parte del Señor René Franco, quien guiara el Concierto “Bohemia 54” en donde entre comentarios emitidos por parte de los cuatro invitados, se fueron interpretando varias de sus hermosas composiciones, acompañados con un pianista y un guitarrista en vivo, quienes les acompañaron para deleitar al público asistente; canciones de las que fueron comentando, cómo surgieron, quienes les inspiraron y que grupos afamados las han interpretado.

Le comentaré qué “Las noches de Bohemia”, como citara meses atrás el gran maestro Armando Manzanero, fueron planeadas para dar a conocer a los compositores de los éxitos que comúnmente cantamos, sin caer en la cuenta quienes fueron realmente sus creadores.

 

Éxitos qué en la mayor de las ocasiones se cree que han sido de la inspiración de sus afamados interpretes. Por ello, tanto El Centro Cultural Roberto Cantoral, como la Sociedad Nacional de Compositores Mexicanos, cuyas siglas son SACM, han venido dándose a la tarea de reunir a dichos talentosos compositores, reuniéndolos con los nuevos valores que comienzan a componer, distintos géneros musicales, que suelen ser una promesa artística.

 

ISLA ELEFANTE

Por: Dalia María Teresa de León Adams.



El teatro gestual denominado ISLA ELEFANTE es un cuento colorido; un espectáculo infantil que a partir de la improvisación de un juego por parte de la Compañía teatral El colectivo “Nosotros, Ustedes y Ellos”  promueven la creatividad actoral a través de la imaginación. 

La historia infantil, mezcla de narrativa y teatro gestual, lleva como consigna qué todo se puede lograr a través de la creatividad y la perseverancia. Un grupo de niños habitan una pequeña isla, de la cual parece imposible salir, pues las olas del mar siempre les regresa al mismo lugar. El sueño de un nuevo y bello lugar, parece ser parte de un sueño inalcanzable. Un pequeñito personaje de soporte que sólo se ve con la imaginación, hará que el sueño acariciado sea perseguido.

La Compañía “Nosotros; Ustedes y Ellos” por su parte tienen su propia sinopsis al respecto del contenido medular de la trama, la cual ofrecen utilizando el siguiente párrafo en el cual se dice lo siguiente, de manera textual en el programa de mano:

-“Cinco extraordinarios seres habitan el lugar más frío sobre la tierra, Isla Elefante, en donde han dejado de ser felices, hasta que de pronto la visita de un pequeño roedor –casi imaginario- los hará cambiar la forma de pensar y necesitarán un mejor lugar para vivir. Al escalar montañas, saltar abismos, volar hasta el cielo y navegar sobre grandes olas, lograran llegar a ese lugar mágico llamado Kokkola.

Bajo la musicalización del maestro Manuel Monforte ISLA ELEFANTE es representada. La dramaturgia esta escrita y dirigida por Lucila Castillo, contando con personajes perfilados de manera muy peculiar, quienes nos hacen imaginar que nos encontramos dentro de un cuento infantil. 

Sus diálogos chuscos estructurados bajo un lenguaje coloquial que refleja perfectamente las actitudes infantiles, nos adentra de inmediato al mundo de los niño,s en donde la credibilidad y la ingenuidad, así como la imaginación, forman parte del juego a vivir día con día.

La historieta de ISLA ELEFANTE  está caracterizada por Edgar Ponce, Daniela Abella, Violeta Magaña, José Goro y Beatriz Toss. Todos ellos ataviados por los diseños de vestuario a cargo de Lucila Castillo. 

 

La obra se presentarán los sábados y domingos en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, bajo la producción de la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. (INBAL).

 

41 DETONACIONES CONTRA LA PUERTA DE UN CLOSET.

POR: Dalia María teresa de León Adams.

 

Siendo los autores de ésta puesta en escena los dramaturgos Sara Pinedo y David Olguín, se podría decir qué como texto, consiste en un estudio analítico sobre la homosexualidad. 

Narrativa que da inicio con un hecho sucedido en México en los albores del siglo pasado, al parecer en 1908, cuando en un centro nocturno gay, mientras qué diversas parejas de caballeros homosexuales bailaban al ritmo de la música, fueron interrumpidos por algunos polizontes quienes les llevaron detenidos.

El hecho pasó a ser noticia en el tiraje periodístico en donde se dijo qué habían sido 42. Sin embargo la cifra no coincidía, pues habían sido arrestados 41. Al parecer el faltante había sido el yerno del mismísimo presidente de México en turno, es decir, de Don Porfirio Díaz.  

41 DETONACIONES CONTRA LA PUERTA DE UN CLOSET resulta ser el título sugestivo que alude a los “hombres que han salido del closet”, como comúnmente suele llamárseles a los homosexuales que aceptan abiertamente su sexualidad, e incluso de aquellos que lo practican, pero esconden su preferencia.

Tras de ésta historia, además se cuentan 40 anécdotas más, hasta sumar las 41. Esto utilizando números que aparecen en el lado izquierdo superior del escenario , y que van timbrando uno a uno, según se presentan. 

Le contaré que en la puesta en escena, no faltó la numerosa cantidad de apelativos con los que se les ha ido nombrando al paso del tiempo en nuestro país. Aludiendo al significado etimológico de dicho concepto, en una página WEB aparece la historia de los homosexuales, con la siguiente cita textual:

Por Rhay

1.      Definición de la homosexualidad.

La homosexualidad (del griego ὁμο, homo «igual», y del latín sexus «sexo») es una orientación sexual y se define como la interacción o atracción sexual, afectiva, emocional y sentimental hacia individuos del mismo sexo. Etimológicamente, la palabra homosexual es un híbrido del griego homós (que en realidad significa «igual» y no, como podría creerse, derivado del sustantivo latino homo, «hombre») y del adjetivo latino sexualis, lo que sugiere una relación sentimental y sexual entre personas del mismo sexo, incluido el lesbianismo.

Richard Freiherr von Krafft-Ebing, autor de Psychopathia Sexualis (1886), con su esposa Maria Luise

A pesar de que el término gay (que en inglés anticuado significa “alegre”) suele emplearse para referirse a los hombres homosexuales y el término lesbiana para referirse a las mujeres homosexuales, gay es un adjetivo o sustantivo que identifica a las personas homosexuales sin importar su género. El término homosexual fue empleado por primera vez en 1869 por Karl-Maria Kertbeny, pero fue el libro Psychopathia Sexualis de Richard Freiherr von Krafft-Ebing el que popularizó el concepto en 1886.

Desde entonces, la homosexualidad ha admitido miles de definiciones, desde las más fundamentalistas en donde se presentaba como una perversión, hasta las más “piadosas” que lo veían como una maldición aberrante.

Durante el tiempo escénico de la obra teatral 41 DETONACIONES EN LA PUERTA DE UN CLÓSET que consta de 120 minutos aproximadamente, no podían faltar para completar la labor de investigación respecto a la temática del homosexualismo, el presentar a diversos, baluartes de la cultura, del arte y la política, así como algunos frentes o movimientos documentados, que se han reconocido en nuestro país sobre “El orgullo gay” o los “Salidos del closet”. 

De ese modo se hace patente personajes como por ejemplo de los destacados escritores como lo fueron Salvador Novo, el fundador de “La semana gay” Carlos Monsiváis, el actor Roberto Cobo, etc., etc. Aún cuando éstos dos últimos, a pesar de que sus amigos sabían abiertamente de su homosexualidad, nunca aceptaron públicamente, su condición gay.

De ese modo, éste montaje escénico dirigido por cierto, por Martín Acosta, transcurrió, teniendo como reparto estelar a Ramón Hernández Lara, Joshua Okamoto, Ricardo Rodríguez y Emmanuel Varela.

Finalmente le comento qué en el programa de mano de la compañía respaldada por el FONCA, La Secretaría de Cultura y El Milagro, el siguiente párrafo que dice lo siguiente:

-“El tema de los derechos civiles en relación con la diversidad se encuentra desde hace cincuenta años en el cruce de la esperanza y la catástrofe. Si bien se han conseguido logros inimaginables hace apenas unos tres lustros, nos encontramos frente a dos peligros que cuestionan la legitimidad de este avance de la sociedad: grupos de derecha han salido a las calles para hacer un frente común (que en realidad ya existía soterrado en la doble moral y la hipocresía) para defender su idea de la familia y sociedad, pero también las jóvenes generaciones asumen los beneficios de su lucha histórica como obvios, la memoria empieza a perderse.”-

 

41 DETONACIONES CONTRA LA PUERTA DE UN CLÓSET se presenta los días jueves a las 20:30 horas y los sábados a las 19:00horas, en el Teatro “El Milagro” en la Ciudad de México.

 

ARANZA Solo Manzanero.

POR. Dalia María Teresa de León Adams.

 

-“Nueva producción de Arannza bajo la batuta de el Maestro Armando Manzanero, con 14 temas de su autoría algunos conocidos y otros inéditos, con la producción musical de Julio Quevedo y Emmanuel Ortiz. Un clásico con sonido actual, arreglos con un sonido contemporáneo, con arreglos nuevos y frescos… y la interpretación de la que ha sido una de las más importantes intérpretes en los últimos años. Aranza”.-

Estas son las palabras con las cuales la Compañía Difusora encabezada por la Señorita Nidia Elisa Manzanero, ofreció al inicio de la presentación del evento, organizado con la finalidad de dar a conocer los pormenores del nuevo CD +DVD de la Cantante Aranza.

Es una producción la cual incluye 14 melodías, cuyo autor es el gran maestro mexicano Armando Manzanero. Él no podía faltar a acompañar a la interprete Ivette Becerra Meza (Chihuahua 1971) conocida por su nombre artístico como Aranza, cuyo motivo era el de dar a conocer su nuevo repertorio musical.

Aranza anteriormente se había dado a conocer con algunos éxitos que incluye la interpretación de temas como “Dime”, “Por cobardía”, “Finge que no” o “Me despertó la realidad”.

Ayer, jueves 20 de junio bajo el patrocinio de las tiendas Sanborns, se presentó en el Foro de la Plaza Loreto al filo de la tarde-noche la cantante Aranza, quien estuvo apoyada por una pequeña orquesta musical, con el fin de ofrecer y dar a conocer el nuevo material discográfico del Maestro Armando Manzanero que esta incluido en la nueva producción del CD intitulado por supuesto “ARANZA Solo Manzanero”.

Dicha producción ya se encuentra a la venta en todas las tiendas de la República Sanborns  al igual que en las plataformas de atunes y spotify, como lo hicieron del conocimiento al público quienes gozamos de las hermosas melodías, que el maestro Manzanero, suelo crear bajo su peculiar estilo romántico, que constituye una oda musical, así como una promesa de éxito entre sus numerosos fans.

La canciones incluidas en el disco son “A punto”, Ese es problema tuyo”, “Como lamento”, “Tendrías que estar en mi”, De un bolero a un danzón”, “Tal vez, quizás”, “Para dormir contigo”, “Detrás de mi puerta”, “No te he robado nada”, “Un solo beso”,”Cuando lo haga con otra”, “No se pudo”, “Ahora” y, finalmente “Felicidad”. 

Dentro de la presentación se contó con un pequeño Show Case incluyendo la presencia del Maestro Armando Manzanero, quien acompañó, en algunas interpretaciones, a la cantante Aranza.

Le diré qué esto no sucede en el nuevo CD, pues está armonizado sólo por la voz de la interprete Aranza, quien canta temas en torno al amor; repertorio que como he mencionado, son la creación musical del Maestro Armando Manzanero. El disco se incluyen algunos canciones ya conocidas, de éxitos que continúan colocándose en el gusto del público.

 

Finalmente, tras algunas preguntas por parte de la prensa y el público presente, se hicieron algunas tomas de fotografías, cerrándose el evento con un buen brindis, ofrecido por parte de la Compañía presentadora, a manera de broche de oro. ¡FELICITACIONES A AMBOS!

 

EL NIÑO QUE SE COMIO SU SANDWICH CON TODO Y SERVILLETA.

POR : Dalia María Teresa De León Adams.



Obra teatral para toda la familia que intenta llevar la consigna de qué todo problema tiene solución, sólo hay que buscar la manera de resolverlo, enfrentando la realidad.

La trama trata de lo siguiente:  en la historia EL NIÑO QUE SE COMIÓ SU SANDWICH CON TODO Y SERVILLETA aparece el personaje protagónico de Rodrigo, quien es un niño que ingresará al grupo de sexto de primaria, en una nueva escuela.

Éste hecho le inquieta sobre manera, razón por la cual decide comerse su lunch con todo y servilleta, para con ello enfermarse y así impedir que su madre lo obligue a acudir a sus respectivas clases.

La madre de Rodrigo se da cuenta de ello; así decide darle por respuesta que deberá como solución a su empacho, ser inyectado. Rodrigo asustado prefiere asistir al colegio en donde por su cierta timidez, no habla con nadie en el salón. Ahí se encontrará con Anselmo, un niño que lo molestará y amenazará de distintas maneras en compañía de la osca pequeña llamada Flor.

La imaginación y sus sueños se vuelven sus aliados y, junto con Lilí, su compañerita de quien goza  de compañía y amistad, intentarán solucionar las adversidades que se le presentan frente a sus crueles compañeros de clase.

La obra resulta ser divertida por sus constantes diálogos de gran contenido de humor negro, que nos hacen revivir el mundo mezcla de ingenuidad, sinceridad y crueldad que impera la edad de la infancia.

En un solo cuadro escenográfico y con la ayuda multimedia de unas diapositivas expuestas en un gran telón de textura transparentes, los actores permanecen la mayor parte del tiempo escénico en sus sillas, lugares en los cuales dan vida con gesticulaciones, movimientos corporales y modulación de sus voces, a los pequeñitos que integran la divertida comedia.

Utilizando una técnica lúdica de respuesta, propuesta por su escritor Ricardo Rodríguez, la obra transcurre intentando proponer dicha técnica, la cual en su opinión debe ser utilizada en la fase infantil para dar soluciones, enfrentando las problemáticas o situaciones adversas.

 

En la obra teatral EL NIÑO QUE SE COMIÓ SU SANDWICH CON TODO Y SERVILLETA actúan Teté Espinoza, Sara Pinet, Hamlet Ramírez y Luis Eduardo Yee. Se presentan en el Teatro “La Capilla” en el sur de la ciudad de México. Pronto concluirán sus representaciones.